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Un instrumento musical electrónico o electrófono es un instrumento musical que produce sonido mediante circuitos electrónicos . Este instrumento emite una señal de audio eléctrica, electrónica o digital que, en última instancia, se conecta a un amplificador de potencia que alimenta un altavoz , creando así el sonido que escuchan el intérprete y el oyente.
Un instrumento electrónico puede incluir una interfaz de usuario para controlar su sonido, a menudo ajustando el tono , la frecuencia o la duración de cada nota . Una interfaz de usuario común es el teclado musical , que funciona de forma similar al teclado de un piano acústico , donde las teclas están conectadas mecánicamente a martillos que se mueven sobre las cuerdas. En cambio, en un teclado electrónico, la interfaz del teclado está conectada a un módulo sintetizador , un ordenador u otro generador de sonido electrónico o digital, que a su vez crea el sonido. Sin embargo, cada vez es más común separar las funciones de interfaz de usuario y generación de sonido en un controlador musical ( dispositivo de entrada ) y un sintetizador musical , respectivamente, comunicándose ambos dispositivos mediante un lenguaje de descripción de interpretación musical como MIDI u Open Sound Control . La naturaleza de estado sólido de los teclados electrónicos también ofrece una sensación y respuesta diferentes , proporcionando una experiencia de interpretación novedosa en comparación con el funcionamiento de un teclado de piano mecánico.
Todos los instrumentos musicales electrónicos pueden considerarse un subconjunto de las aplicaciones de procesamiento de señales de audio . A los instrumentos musicales electrónicos sencillos a veces se les llama efectos de sonido ; la frontera entre los efectos de sonido y los instrumentos musicales propiamente dichos suele ser difusa.
En el siglo XXI, los instrumentos musicales electrónicos se utilizan ampliamente en la mayoría de los estilos musicales. En estilos populares como la música electrónica de baile , casi todos los sonidos de instrumentos utilizados en las grabaciones son electrónicos (por ejemplo, bajo sintetizado , sintetizador , caja de ritmos ). El desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un campo de investigación muy activo e interdisciplinario. Se han organizado conferencias especializadas, como la Conferencia Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical , para presentar trabajos de vanguardia, así como para ofrecer una plataforma a los artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos musicales electrónicos, controladores y sintetizadores.
Clasificación
En musicología, los instrumentos musicales electrónicos se conocen como electrófonos. Los electrófonos constituyen la quinta categoría de instrumentos musicales según el sistema Hornbostel-Sachs . Los musicólogos suelen clasificar la música como electrónica únicamente si el sonido se produce inicialmente mediante electricidad, excluyendo los instrumentos acústicos controlados electrónicamente, como los órganos de tubos , y los instrumentos amplificados , como las guitarras eléctricas .
La categoría fue añadida al sistema de clasificación de instrumentos musicales Hornbostel-Sachs por Sachs en 1940, en su libro de 1940 , La historia de los instrumentos musicales ; [ 1 ] la versión original de 1914 del sistema no la incluía. Sachs dividió los electrófonos en tres subcategorías:
- 51 = instrumentos acústicos de accionamiento eléctrico (por ejemplo, órgano de tubos con mecanismo electrónico )
- 52 = instrumentos acústicos amplificados eléctricamente (por ejemplo, guitarra acústica con pastilla )
- 53 = instrumentos que producen sonido principalmente mediante osciladores accionados eléctricamente.
La última categoría incluía instrumentos como los theremins o los sintetizadores , a los que él denominaba instrumentos radioeléctricos .
Francis William Galpin proporcionó un grupo de este tipo en su propio sistema de clasificación, que se acerca más a Mahillon que a Sachs-Hornbostel. Por ejemplo, en su libro de 1937, A Textbook of European Musical Instruments , Galpin enumera los electrófonos con tres divisiones de segundo nivel para la generación de sonido ("por oscilación", "electromagnética" y "electrostática"), así como categorías de tercer y cuarto nivel basadas en el método de control. [ 2 ]
Etnomusicólogos contemporáneos , como Margaret Kartomi [ 3 ] y Terry Ellingson [ 4 ], sugieren que, en consonancia con el espíritu del esquema de clasificación original de Hornbostel Sachs, si se clasifican los instrumentos según lo que produce el sonido inicial, solo la subcategoría 53 debería permanecer en la categoría de electrófonos. Así, más recientemente se ha propuesto, por ejemplo, que el órgano de tubos (incluso si utiliza un mecanismo eléctrico para controlar las válvulas solenoides ) permanezca en la categoría de aerófonos , y que la guitarra eléctrica permanezca en la categoría de cordófonos , y así sucesivamente.
Primeros ejemplos
En el siglo XVIII, músicos y compositores adaptaron diversos instrumentos acústicos para aprovechar la novedad de la electricidad. Así, en el sentido más amplio, el primer instrumento musical electrificado fue el teclado Denis d'or , de 1753, seguido poco después por el clavecín eléctrico del francés Jean-Baptiste de Laborde en 1761. El Denis d'or consistía en un teclado de más de 700 cuerdas, electrificado temporalmente para mejorar su sonoridad. El clavecín eléctrico era un teclado con púas activadas eléctricamente. Sin embargo, ninguno de los dos instrumentos utilizaba la electricidad como fuente de sonido.
El primer sintetizador eléctrico fue inventado en 1876 por Elisha Gray . [ 5 ] [ 6 ] El "Telégrafo Musical" fue un subproducto fortuito de su tecnología telefónica cuando Gray descubrió que podía controlar el sonido a partir de un circuito electromagnético autovibrante y así inventó un oscilador básico . El Telégrafo Musical utilizaba lengüetas de acero que oscilaban mediante electroimanes y transmitían el sonido a través de una línea telefónica. Gray también incorporó un sencillo altavoz en modelos posteriores, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético.
Un invento significativo, que posteriormente tuvo un profundo impacto en la música electrónica, fue el audion en 1906. Esta fue la primera válvula termoiónica, o tubo de vacío , que dio lugar a la generación y amplificación de señales eléctricas, la radiodifusión y la computación electrónica, entre otras cosas. Otros sintetizadores tempranos incluyeron el Telharmonium (1897), el Theremin (1919), el Spharophon (1924) y el Partiturophone de Jörg Mager, el Electronde (1933) de Taubmann , las ondes Martenot ("Ondas Martenot", 1928) de Maurice Martenot y el Trautonium (1930) de Trautwein. El Mellertion (1933) utilizaba una escala no estándar, el Dynaphone de Bertrand podía producir octavas y quintas perfectas, mientras que el Emicon era un instrumento estadounidense controlado por teclado construido en 1930 y el Hellertion alemán combinaba cuatro instrumentos para producir acordes. También aparecieron tres instrumentos rusos: el Croix Sonore de Oubouhof (1934), el oboe electrónico microtonal de Ivor Darreg (1937) y el sintetizador ANS , construido por el científico ruso Evgeny Murzin entre 1937 y 1958. De este último solo se construyeron dos modelos, y el único ejemplar que se conserva se encuentra actualmente en la Universidad Lomonosov de Moscú . Se ha utilizado en numerosas películas rusas —como Solaris— para producir sonidos inusuales y "cósmicos". [ 7 ] [ 8 ]
Hugh Le Caine , John Hanert, Raymond Scott , el compositor Percy Grainger (con Burnett Cross) y otros construyeron diversos controladores automatizados de música electrónica a finales de la década de 1940 y durante la década de 1950. En 1959, Daphne Oram creó un novedoso método de síntesis, su técnica Oramics , basada en dibujos sobre una tira de película de 35 mm; se utilizó durante varios años en el Taller Radiofónico de la BBC . [ 9 ] Este taller también fue responsable del tema de la serie de televisión Doctor Who , una pieza, creada en gran parte por Delia Derbyshire , que más que ninguna otra aseguró la popularidad de la música electrónica en el Reino Unido.
Telharmonio
En 1897, Thaddeus Cahill patentó un instrumento llamado Telharmonium (o Teleharmonium, también conocido como Dynamaphone). Mediante ruedas tonales que generaban sonidos musicales como señales eléctricas por síntesis aditiva , era capaz de producir cualquier combinación de notas y armónicos, a cualquier nivel dinámico. Esta tecnología se utilizó posteriormente para diseñar el órgano Hammond . Entre 1901 y 1910, Cahill mandó fabricar tres versiones progresivamente más grandes y complejas; la primera pesaba siete toneladas y la última más de 200. Su transporte solo era posible por ferrocarril y con el uso de treinta vagones de carga. En 1912, el interés del público había disminuido y la empresa de Cahill quebró. [ 10 ]
Theremin
Otro avance, que despertó el interés de muchos compositores, tuvo lugar entre 1919 y 1920. En Leningrado, Leon Theremin construyó y presentó su Etherófono, que más tarde pasó a llamarse Theremin . Esto dio lugar a las primeras composiciones para instrumentos electrónicos, en contraposición a los generadores de ruido y las máquinas reutilizadas. El Theremin destacó por ser el primer instrumento musical que se tocaba sin tocarlo. [ 11 ] En 1929, Joseph Schillinger compuso la Primera Suite Airfónica para Theremin y Orquesta , estrenada con la Orquesta de Cleveland con Leon Theremin como solista. Al año siguiente, Henry Cowell encargó a Theremin la creación de la primera máquina de ritmos electrónica, llamada Rhythmicon . Cowell escribió algunas composiciones para ella, que él y Schillinger estrenaron en 1932.
Ondas Martenot
Las ondas Martenot se tocan con un teclado o moviendo un anillo a lo largo de un alambre, creando sonidos ondulantes similares a los de un theremín . [ 12 ] Fue inventado en 1928 por el violonchelista francés Maurice Martenot , quien se inspiró en las superposiciones accidentales de tonos entre osciladores de radio militares y quiso crear un instrumento con la expresividad del violonchelo . [ 12 ] [ 13 ]
El compositor francés Olivier Messiaen utilizó las ondas Martenot en obras como su sinfonía Turangalîla-Symphonie de 1949 , y su cuñada Jeanne Loriod fue una intérprete destacada. [ 14 ] Aparece en numerosas bandas sonoras de películas y series de televisión, especialmente de ciencia ficción y terror . [ 15 ] Entre los usuarios contemporáneos de las ondas Martenot se encuentran Tom Waits , Daft Punk y el guitarrista de Radiohead, Jonny Greenwood . [ 16 ]
Trautonio
El Trautonium se inventó en 1928. Se basaba en la escala subarmónica , y los sonidos resultantes se utilizaban a menudo para emular campanas o gongs, como en las producciones de Parsifal de Bayreuth en la década de 1950. En 1942, Richard Strauss lo empleó para la parte de campanas y gongs en el estreno en Dresde de su obra Japanese Festival Music . Esta nueva clase de instrumentos, de naturaleza microtonal, fue adoptada lentamente por los compositores al principio, pero a principios de la década de 1930 se produjo un auge de nuevas obras que incorporaban estos y otros instrumentos electrónicos.
Órgano Hammond y Novachord
En 1929, Laurens Hammond fundó su empresa para la fabricación de instrumentos electrónicos. Produjo el órgano Hammond , basado en los principios del Telharmonium , junto con otros desarrollos, incluyendo las primeras unidades de reverberación. [ 17 ] El órgano Hammond es un instrumento electromecánico, ya que utiliza elementos mecánicos y electrónicos. Un órgano Hammond utiliza ruedas tonales metálicas giratorias para producir diferentes sonidos. Una pastilla magnética, similar en diseño a las pastillas de una guitarra eléctrica, se utiliza para transmitir los tonos de las ruedas tonales a un amplificador y una caja de altavoces. Si bien el órgano Hammond fue diseñado como una alternativa más económica al órgano de tubos para la música sacra, los músicos pronto descubrieron que el Hammond era un excelente instrumento para el blues y el jazz ; de hecho, se desarrolló todo un género musical en torno a este instrumento, conocido como trío de órgano (típicamente órgano Hammond, batería y un tercer instrumento, ya sea saxofón o guitarra).
El primer sintetizador fabricado comercialmente fue el Novachord , construido por la Hammond Organ Company entre 1938 y 1942. Ofrecía polifonía de 72 notas mediante 12 osciladores que controlaban circuitos divisores de frecuencia basados en monoestables , control de envolvente básico y filtros resonantes de paso bajo . El instrumento contaba con 163 tubos de vacío y pesaba 227 kg (500 libras). El uso del control de envolvente es significativo, ya que es quizás la característica más distintiva del sintetizador moderno en comparación con otros instrumentos electrónicos.
Síntesis analógica 1950–1980
Los instrumentos electrónicos más utilizados son los sintetizadores , llamados así porque generan sonido artificialmente mediante diversas técnicas. Toda la síntesis basada en circuitos de la época implicaba el uso de circuitos analógicos, en particular amplificadores, osciladores y filtros controlados por voltaje. Un importante avance tecnológico fue la invención del sintetizador Clavivox en 1956 por Raymond Scott, con subensamblaje a cargo de Robert Moog . El compositor e ingeniero francés Edgard Varèse creó diversas composiciones utilizando bocinas , silbatos y cintas electrónicas. Cabe destacar que compuso Poème électronique para el pabellón de Philips en la Exposición Universal de Bruselas de 1958.
Sintetizadores modulares
RCA produjo dispositivos experimentales para sintetizar voz y música en la década de 1950. El sintetizador musical Mark II , ubicado en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York , fue diseñado por Herbert Belar y Harry Olson en RCA, con contribuciones de Vladimir Ussachevsky y Peter Mauzey , y se instaló en la Universidad de Columbia en 1957. Consistía en una matriz del tamaño de una habitación de componentes de síntesis de sonido interconectados, y solo era capaz de producir música mediante programación, [ 6 ] utilizando un secuenciador de cinta de papel perforado para controlar las fuentes de tono y los filtros, similar a un piano mecánico pero capaz de generar una amplia variedad de sonidos. El sistema de tubos de vacío tenía que ser parcheado para crear timbres.
En la década de 1960, los sintetizadores todavía solían estar confinados a los estudios debido a su tamaño. Generalmente eran de diseño modular, sus fuentes de señal y procesadores independientes se conectaban con cables de conexión u otros medios y se controlaban mediante un dispositivo de control común. Harald Bode , Don Buchla , Hugh Le Caine , Raymond Scott y Paul Ketoff fueron algunos de los primeros en construir tales instrumentos a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960. Buchla produjo más tarde un sintetizador modular comercial, el Buchla Music Easel . [ 18 ] Robert Moog , quien había sido alumno de Peter Mauzey y uno de los ingenieros de RCA Mark II, creó un sintetizador que podía ser utilizado razonablemente por músicos, diseñando los circuitos mientras estaba en Columbia-Princeton. El sintetizador Moog se presentó por primera vez en la convención de la Audio Engineering Society en 1964. [ 19 ] Requería experiencia para configurar los sonidos, pero era más pequeño y más intuitivo que lo que había existido hasta entonces, menos como una máquina y más como un instrumento musical. Moog estableció estándares para la interfaz de control, utilizando un logaritmo de 1 voltio por octava para el control de tono y una señal de disparo separada. Esta estandarización permitió que los sintetizadores de diferentes fabricantes operaran simultáneamente. El control de tono generalmente se realizaba con un teclado estilo órgano o un secuenciador musical que producía una serie temporizada de voltajes de control. Durante finales de la década de 1960, cientos de grabaciones populares utilizaron sintetizadores Moog. Otros fabricantes de sintetizadores comerciales de la época fueron ARP , que también comenzó con sintetizadores modulares antes de producir instrumentos todo en uno, y la firma británica EMS .
sintetizadores integrados
En 1970, Moog diseñó el Minimoog , un sintetizador no modular con teclado incorporado. Los circuitos analógicos estaban interconectados con interruptores en una disposición simplificada llamada normalización . Aunque menos flexible que un diseño modular, la normalización hizo que el instrumento fuera más portátil y fácil de usar. Se vendieron 12 000 unidades del Minimoog . [ 20 ] Estandarizó aún más el diseño de los sintetizadores posteriores con su teclado integrado, ruedas de tono y modulación y flujo de señal VCO->VCF->VCA. Se ha hecho famoso por su sonido potente y sus problemas de afinación. Los componentes de estado sólido miniaturizados permitieron que los sintetizadores se convirtieran en instrumentos portátiles y autónomos que pronto aparecieron en actuaciones en directo y rápidamente se popularizaron en la música popular y la música electrónica artística. [ 21 ]
Polifonía
Muchos de los primeros sintetizadores analógicos eran monofónicos, produciendo solo un tono a la vez. Entre los sintetizadores monofónicos más populares se encuentra el Moog Minimoog . Algunos, como el Moog Sonic Six, el ARP Odyssey y el EML 101, podían producir dos tonos diferentes simultáneamente al presionar dos teclas. La polifonía (múltiples tonos simultáneos, que permite la formación de acordes ) solo se podía obtener inicialmente con diseños de órganos electrónicos. Entre los teclados electrónicos populares que combinaban circuitos de órgano con procesamiento de sintetizador se encontraban el ARP Omni y los modelos Polymoog y Opus 3 de Moog.
Hacia 1976, comenzaron a aparecer sintetizadores polifónicos asequibles, como el Yamaha CS-50, CS-60 y CS-80 , el Sequential Circuits Prophet-5 y el Oberheim Four-Voice. Estos seguían siendo complejos, pesados y relativamente costosos. La grabación de ajustes en memoria digital permitía almacenar y recuperar sonidos. El primer sintetizador polifónico práctico, y el primero en usar un microprocesador como controlador, fue el Sequential Circuits Prophet-5, presentado a finales de 1977. [ 22 ] Por primera vez, los músicos contaban con un sintetizador polifónico práctico que podía guardar todos los ajustes de los potenciómetros en la memoria de la computadora y recuperarlos con solo presionar un botón. El paradigma de diseño del Prophet-5 se convirtió en un nuevo estándar, desplazando gradualmente los diseños modulares más complejos y recónditos.
Grabación en cinta
En 1935, se produjo otro avance significativo en Alemania. La Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft (AEG) presentó la primera grabadora de cinta magnética de producción comercial , llamada Magnetophon . La cinta de audio , que tenía la ventaja de ser bastante ligera y ofrecer una buena fidelidad de sonido, acabó sustituyendo a las grabadoras de alambre, que eran más voluminosas.
El término música electrónica (que se empezó a usar durante la década de 1930) pasó a incluir la grabadora de cinta como un elemento esencial: "sonidos producidos electrónicamente, grabados en cinta y arreglados por el compositor para formar una composición musical". [ 26 ] También fue indispensable para la Musique concrète .
La cinta magnética también dio origen a los primeros teclados analógicos de reproducción de muestras, el Chamberlin y su sucesor más famoso, el Mellotron , un teclado electromecánico polifónico desarrollado y construido originalmente en Birmingham, Inglaterra, a principios de la década de 1960.
secuenciador de sonido
Entre las décadas de 1940 y 1960, Raymond Scott , compositor estadounidense de música electrónica, inventó diversos secuenciadores musicales para sus composiciones eléctricas. Los secuenciadores por pasos reproducían patrones rígidos de notas mediante una cuadrícula de (generalmente) 16 botones o pasos, cada uno equivalente a 1/16 de compás . Estos patrones de notas se encadenaban para formar composiciones más largas. Los secuenciadores de software se han utilizado de forma continua desde la década de 1950 en el contexto de la música por ordenador , incluyendo la música interpretada por ordenador (secuenciador de software), la música compuesta por ordenador ( síntesis musical ) y la generación de sonido por ordenador ( síntesis de sonido ).
Era digital 1980–2000
Síntesis digital
Los primeros sintetizadores digitales fueron experimentos académicos en síntesis de sonido utilizando computadoras digitales. La síntesis FM se desarrolló para este propósito, como una forma de generar sonidos complejos digitalmente con el menor número de operaciones computacionales por muestra de sonido. En 1983, Yamaha presentó el primer sintetizador digital independiente, el DX-7 . Utilizaba síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM), desarrollada por primera vez por John Chowning en la Universidad de Stanford a finales de los años sesenta. [ 27 ] Chowning cedió en exclusiva su patente de síntesis FM a Yamaha en 1975. [ 28 ] Posteriormente, Yamaha lanzó sus primeros sintetizadores FM, el GS-1 y el GS-2 , que eran costosos y pesados. Le siguieron un par de versiones más pequeñas y preestablecidas, los CE20 y CE25 Combo Ensembles, dirigidos principalmente al mercado de órganos domésticos y que contaban con teclados de cuatro octavas. [ 29 ] La tercera generación de sintetizadores digitales de Yamaha fue un éxito comercial; Consistía en el DX7 y el DX9 (1983). Ambos modelos eran compactos, de precio razonable y dependían de circuitos integrados digitales personalizados para producir tonalidades FM. El DX7 fue el primer sintetizador totalmente digital de producción masiva. [ 30 ] Se volvió indispensable para muchos artistas musicales de la década de 1980, y la demanda pronto superó la oferta. [ 31 ] El DX7 vendió más de 200 000 unidades en tres años. [ 32 ]
La serie DX no era fácil de programar, pero ofrecía un sonido detallado y percusivo que llevó a la desaparición del piano electromecánico Rhodes , que era más pesado y grande que un sintetizador DX. Tras el éxito de la síntesis FM, Yamaha firmó un contrato con la Universidad de Stanford en 1989 para desarrollar la síntesis de guía de ondas digital , lo que dio lugar al primer sintetizador de modelado físico comercial , el Yamaha VL-1, en 1994. [ 33 ] El DX-7 era lo suficientemente asequible para que lo compraran aficionados y bandas jóvenes, a diferencia de los costosos sintetizadores de generaciones anteriores, que eran utilizados principalmente por profesionales de primer nivel.
Muestreo
El Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer muestreador digital polifónico , fue el precursor de los sintetizadores basados en muestras. [ 34 ] Diseñado en 1978 por Peter Vogel y Kim Ryrie y basado en una computadora de doble microprocesador diseñada por Tony Furse en Sídney, Australia, el Fairlight CMI brindó a los músicos la capacidad de modificar el volumen, el ataque, la caída y usar efectos especiales como el vibrato. Las formas de onda de las muestras podían mostrarse en pantalla y modificarse usando un lápiz óptico . [ 35 ] El Synclavier de New England Digital era un sistema similar. [ 36 ] Jon Appleton (con Jones y Alonso) inventó el Dartmouth Digital Synthesizer, que más tarde se convertiría en el Synclavier de New England Digital Corp. El Kurzweil K250 , producido por primera vez en 1983, también fue un exitoso sintetizador de música digital polifónico, [ 37 ] conocido por su capacidad de reproducir varios instrumentos de forma sincrónica y por tener un teclado sensible a la velocidad. [ 38 ]
Música de ordenador
Un avance importante fue la llegada de las computadoras para componer música, en contraposición a la manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis inició lo que se conoce como música estocástica , un método de composición que emplea sistemas de probabilidad matemática. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis usó papel cuadriculado y una regla para calcular las trayectorias de velocidad del glissando en su composición orquestal Metastasis (1953-1954 ) , pero más tarde recurrió al uso de computadoras para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerdas y ST/48 para orquesta (ambas de 1962).
El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Issacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerdas , la primera obra completa de composición asistida por computadora mediante composición algorítmica . [ 39 ]
En 1957, Max Mathews, del Laboratorio Bell, creó la serie MUSIC-N , la primera familia de programas informáticos para generar formas de onda de audio digital mediante síntesis directa. Posteriormente, Barry Vercoe creó MUSIC 11, basado en MUSIC IV-BF , un programa de síntesis musical de última generación (que más tarde evolucionó hasta convertirse en csound , todavía muy utilizado).
A mediados de los 80, Miller Puckette en IRCAM desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (en honor a Max Mathews), y más tarde lo portó a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode [ 40 ] ) para el control MIDI en tiempo real , lo que puso la composición algorítmica al alcance de la mayoría de los compositores con conocimientos modestos de programación informática.
MIDI
En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de instrumentos musicales se reunieron para estandarizar una interfaz que permitiera a los nuevos instrumentos comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y con los microordenadores predominantes. Este estándar se denominó MIDI ( Interfaz Digital para Instrumentos Musicales ). Dave Smith, de Sequential Circuits , redactó un documento que presentó a la Audio Engineering Society en 1981. Finalmente, en agosto de 1983, se publicó la Especificación MIDI 1.0.
La llegada de la tecnología MIDI permite que una sola pulsación de tecla, el movimiento de una rueda de control, el movimiento de un pedal o una orden desde un microordenador activen todos los dispositivos del estudio de forma remota y sincronizada, respondiendo cada dispositivo según las condiciones predeterminadas por el compositor.
Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control potente de instrumentos sofisticados fuera fácilmente accesible para muchos estudios y particulares. Los sonidos acústicos se reincorporaron a los estudios mediante el muestreo y los instrumentos basados en ROM muestreada.
Instrumentos musicales electrónicos modernos
El aumento de la potencia y la disminución del coste de los dispositivos electrónicos generadores de sonido (y especialmente de los ordenadores personales), junto con la estandarización de los lenguajes de descripción de interpretación musical MIDI y Open Sound Control , ha facilitado la separación de los instrumentos musicales en controladores musicales y sintetizadores musicales.
El controlador musical más común es, con mucho, el teclado musical . Otros controladores incluyen el radiodrum , los controladores de viento EWI de Akai y WX de Yamaha, el SynthAxe con forma de guitarra , el BodySynth, [ 41 ] el Buchla Thunder , el Continuum Fingerboard , el Roland Octapad , varios teclados isomórficos, incluidos el Thummer y el Kaossilator Pro , y kits como el I-CubeX .
Reaccionable
Reactable es una mesa redonda translúcida con una pantalla interactiva retroiluminada . Al colocar y manipular bloques llamados tangibles sobre la superficie de la mesa, e interactuar con la pantalla visual mediante gestos con los dedos, se activa un sintetizador modular virtual que crea música o efectos de sonido.
Percussa AudioCubes
Los AudioCubes son cubos inalámbricos autónomos alimentados por un sistema informático interno y una batería recargable. Cuentan con iluminación RGB interna y son capaces de detectar la ubicación, orientación y distancia entre sí. Los cubos también pueden detectar la distancia a las manos y dedos del usuario. Mediante la interacción con los cubos, se puede controlar una variedad de software de música y sonido. Los AudioCubes tienen aplicaciones en diseño de sonido, producción musical, DJing y actuaciones en directo.
Kaossilator
El Kaossilator y el Kaossilator Pro son instrumentos compactos donde la posición del dedo en el panel táctil controla dos características de las notas; normalmente, el tono se cambia con un movimiento de izquierda a derecha y la propiedad tonal, el filtro u otros parámetros cambian con un movimiento de arriba abajo. El panel táctil se puede configurar con diferentes escalas y tonalidades musicales. El instrumento puede grabar un bucle repetitivo de duración ajustable, con cualquier tempo, y se pueden superponer nuevos bucles de sonido sobre los existentes. Esto resulta útil para la música electrónica de baile, pero es más limitado para secuencias de notas controladas, ya que el panel de un Kaossilator estándar no tiene funciones adicionales.
Arpa propia
El Eigenharp es un instrumento de gran tamaño similar a un fagot , con el que se puede interactuar mediante botones grandes, un secuenciador de batería y una boquilla. El procesamiento del sonido se realiza en un ordenador independiente.
AlphaSphere
AlphaSphere es un instrumento esférico compuesto por 48 pads táctiles que responden tanto a la presión como al tacto. Un software personalizado permite programar los pads de forma ilimitada, individualmente o en grupos, en cuanto a función, nota y parámetro de presión, entre otras muchas configuraciones. El concepto principal de AlphaSphere es ampliar el nivel de expresividad de los músicos electrónicos, permitiéndoles imitar el estilo de interpretación de un instrumento musical.
Música chip
La música chiptune , también conocida como chipmusic, es música compuesta en formatos de sonido donde muchas de las texturas sonoras se sintetizan o secuencian en tiempo real mediante un chip de sonido de una computadora o consola de videojuegos , a veces incluyendo síntesis basada en muestras y reproducción de muestras de baja tasa de bits. Muchos dispositivos de música chip incorporaban sintetizadores junto con la reproducción de muestras a baja velocidad.
cultura del hazlo tú mismo
A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, se publicaron diseños para aficionados en revistas especializadas en electrónica (como el sintetizador modular Formant, un clon del sistema Moog para armar uno mismo, publicado por Elektor ) y empresas como Paia en Estados Unidos y Maplin Electronics en el Reino Unido suministraban kits.
Modificación de circuitos
En 1966, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar matemáticas " circuit bending " — la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito aleatorio, creando instrumentos electrónicos experimentales, explorando elementos sonoros principalmente de timbre y con menos atención al tono o ritmo, e influenciado por el concepto de música aleatoria de John Cage . [ 42 ]
Gran parte de esta manipulación directa de circuitos, especialmente hasta el punto de destruirlos, fue iniciada por Louis y Bebe Barron a principios de la década de 1950, como su trabajo con John Cage en la Williams Mix y especialmente en la banda sonora de Planeta Prohibido .
El circuit bending moderno consiste en la personalización creativa de los circuitos de dispositivos electrónicos como efectos de guitarra de bajo voltaje alimentados por batería , juguetes infantiles y pequeños sintetizadores digitales, para crear nuevos instrumentos musicales o visuales y generadores de sonido. Haciendo hincapié en la espontaneidad y la aleatoriedad, las técnicas de circuit bending se han asociado comúnmente con la música noise , aunque muchos músicos y grupos musicales contemporáneos más convencionales también han experimentado con instrumentos modificados . El circuit bending suele implicar desmontar la máquina y añadir componentes como interruptores y potenciómetros que alteran el circuito. Con el renovado interés por los sintetizadores analógicos, el circuit bending se convirtió en una solución económica para que muchos músicos experimentales crearan sus propios generadores de sonido analógicos. Hoy en día, se pueden encontrar muchos esquemas para construir generadores de ruido como la Atari Punk Console o la Dub Siren, así como modificaciones sencillas para juguetes infantiles como el Speak & Spell, que a menudo son modificados por los aficionados al circuit bending.
Sintetizadores modulares
El sintetizador modular es un tipo de sintetizador compuesto por módulos independientes e intercambiables. Estos también están disponibles como kits para aficionados al bricolaje. Muchos diseñadores aficionados también ofrecen placas de circuito impreso (PCB) y paneles frontales a la venta para otros aficionados.
Véase también
Tecnologías
En la música tradicional india y asiática
Referencias
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- ↑ Galpin, Francis William (1937), Un libro de texto de instrumentos musicales europeos
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- ↑ Ellingson, Terry (1979), tesis doctoral
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El panel de control del Mellotron M4000 es idéntico al del M400, salvo por la adición de cuatro botones y una pantalla LED para operar el mecanismo de ciclo.
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La interfaz de usuario del panel frontal cuenta con dos pantallas TFT de alta calidad capaces de mostrar imágenes de los instrumentos reales.
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Este elemento de aceptar los errores está en el centro del Circuit Bending, se trata de crear sonidos que no se supone que ocurran y que no se supone que se escuchen (Gard, 2004). En términos de musicalidad, como con la música de arte electrónico, se preocupa principalmente por el timbre y presta poca atención al tono y al ritmo en un sentido clásico. ... . De manera similar a la música aleatoria de Cage, el arte del Bending depende del azar, cuando una persona se prepara para doblar no tiene idea del resultado final.
Obras citadas
- Loriod, Jeanne (1987). Técnica de la onda electrónica tipo martenot . París: Alphonse Leduc. ISMN 979-0-04-626275-3.
Enlaces externos
- 120 años de música electrónica
- Cronología de la música electrónica y por ordenador (incluidos los instrumentos). Archivado el 28 de febrero de 2017 en la Wayback Machine.
- Historia de la música electrónica (en francés)
- ¡¡Montones de tonos !! : Sitio con datos técnicos sobre modelado electrónico de tonos musicales. Archivado el 31/08/2011 en Wayback Machine.
Hazlo tú mismo
- Foro de discusión sobre hardware y software para aficionados en Electro-music.com
- La lista de correo electrónico de Synth-DIY
- Música del espacio exterior. Archivado el 11 de enero de 2006 en Wayback Machine. Información y piezas para construir un sintetizador.
- Sintetizadores para armar tú mismo , una wiki sobre instrumentos musicales electrónicos de bricolaje.
Museos y colecciones
- Galería de música del Museo Horniman , Londres, Reino Unido. Tiene uno o dos sintetizadores detrás de un cristal.
- Moogseum , Asheville, Carolina del Norte, EE. UU.
- Museo de la Música , Brentford, Londres, Reino Unido. Principalmente instrumentos electromecánicos.
- Museo de Instrumentos Musicales , Phoenix, Arizona, EE. UU.
- Staatliches Institut für Musikforschung , Berlín, Alemania
- Museo Suizo y Centro de Instrumentos de Música Electrónica
- Colección del Centro Nacional de Música , Canadá
- Museo de Sintetizadores Antiguos , California, EE. UU.
- Museo de Sintetizadores de la Universidad Washington and Lee. Archivado el 15 de agosto de 2018 en Wayback Machine , Washington, EE. UU.
- Instrumentos musicales electrónicos
- Música popular
- música electrónica de baile
- Ingeniería de audio
