Emma Amos (pintora)

Emma Amos (16 de marzo de 1937 – 20 de mayo de 2020) fue una pintora y grabadora afroamericana posmoderna .

Amos nació en Atlanta, Georgia, en 1937 ^{[ 1 ]} hija de India DeLaine Amos y Miles Green Amos. ^{[ 2 ]} También tiene un hermano mayor llamado Larry. ^{[ 3 ]} Amos se interesó por el arte desde temprana edad, creando "montones de muñecas de papel " y aprendiendo a dibujar figuras a partir de números de Esquire y el arte de Alberto Vargas ; pintaba la figura humana a los nueve años. Su madre tenía la aspiración de que Amos estudiara con Hale Woodruff , pero él no aceptaba muchos estudiantes particulares y se marchó de la zona antes de que ella tuviera la oportunidad de estudiar con él. ^{[ 4 ]}

A los once años, Amos tomó un curso en Morris Brown College , donde perfeccionó su técnica de dibujo y observó el trabajo que los estudiantes universitarios afroamericanos producían en ese momento. ^{[ 5 ]} En la escuela secundaria , Amos ya presentaba sus trabajos en exposiciones de arte de la Universidad de Atlanta . Se graduó de la escuela secundaria Booker T. Washington en Atlanta a los 16 años y solicitó ingreso a Antioch College debido a sus políticas progresistas. ^{[ 4 ]}

Su padre la puso en contacto con la intelectualidad negra ; Zora Neale Hurston los visitaba con frecuencia y W.E.B. Du Bois visitó a la familia en una ocasión. ^{[ 5 ]}

Amos estudió en el Antioch College en Yellow Springs, Ohio , en la Central School of Art and Design en Londres y en la Universidad de Nueva York . ^{[ 5 ] [ 6 ]} Mientras estuvo en Antioch, Amos trabajó durante la mitad del año y estudió el resto. Trabajó en Chicago , Nueva York y en Washington, D.C. , lo que le permitió visitar galerías y museos, que habían sido menos accesibles en Atlanta. En su cuarto año en Antioch, fue a Inglaterra y estudió en la Central School of Art de Londres, donde aprendió a imprimir y grabar con Anthony Harrison, y comenzó a pintar con óleos , algo que no había hecho antes. ^{[ 7 ]} Amos recibió su título de BFA de Antioch en 1958, ^{[ 8 ]} luego regresó a Londres para obtener su título en grabado, que recibió en 1959 después de dos años de estudio. ^{[ 8 ] [ 7 ]} Al año siguiente, Amos se mudó a la ciudad de Nueva York para comenzar a trabajar con dos estudios de grabado. ^{[ 8 ]} Posteriormente obtuvo su maestría en la Universidad de Nueva York (NYU). ^{[ 8 ]}

Amos se mudó a la ciudad de Nueva York después de sentirse estancada por el lento avance de la escena artística de Atlanta. Amos no esperaba el nivel de racismo , sexismo y edadismo que encontró al mudarse a Nueva York. Las galerías no la aceptaban con el pretexto de que era demasiado joven para exponer, y los trabajos de enseñanza en estudios la rechazaron con el argumento de que "no estamos contratando en este momento". ^{[ 9 ]} Tanto Cooper Union como la Art Students League le dijeron a Amos que no estaban contratando después de que ella solicitara un puesto de profesora. ^{[ 10 ]} La dificultad de presentar su trabajo en galerías la llevó a enseñar como asistente en la Dalton School, donde conoció a artistas y se introdujo en la escena artística de Nueva York y East Hampton , donde experimentó dificultades para mostrar su trabajo en un "ambiente de hombres". También fue por esta época que Emma Amos comenzó su carrera como diseñadora textil , trabajando para la tejedora y colorista Dorothy Liebes , donde sus diseños se transformaron en alfombras únicas .

En Nueva York, Amos se unió a los talleres de grabado de Letterio Calapai (parte del Paris Atelier 17 de Stanley William Hayter ) y al Taller de Grabado de Robert Blackburn . ^{[ 10 ]} A pesar de las dificultades que enfrentan los afroamericanos para ingresar al mundo del arte, debido a la frecuente falta de acceso a galeristas y curadores , Amos perseveró y obtuvo su maestría en la Universidad de Nueva York en 1966. Durante su estancia en la NYU, se reencontró con Hale Woodruff , quien era profesor allí en ese momento.

A los 23 años, Amos se reunió con Woodruff para una crítica de sus grabados, y él le habló de Spiral . El grupo era un colectivo de aproximadamente quince artistas afroamericanos prominentes, fundado en 1963 por Romare Bearden , Charles Alston , Norman Lewis y Hale Woodruff . El grupo estaba interesado en debates sobre la Negritud , una filosofía nacida de la oposición al colonialismo francés y centrada en fomentar una identidad racial común para los africanos negros de todo el mundo. Spiral se formó a partir de la Works Progress Administration y el Renacimiento de Harlem . Woodruff llevó parte de su obra a una de sus reuniones en el local alquilado , y a los miembros del grupo les gustó tanto su trabajo que la invitaron a unirse como su primera y única mujer miembro. ^{[ 11 ]} A Amos le pareció extraño que no se invitara a ninguna otra artista a unirse al grupo, a pesar de que conocían a los miembros de Spiral.

Amos sentía que unirse a Spiral sería útil porque no conocía a muchos artistas en Nueva York en ese momento. Amos trabajaba a tiempo completo como diseñadora durante el día, estudiaba a tiempo completo por las noches y dedicaba tiempo a pintar los fines de semana. En mayo de 1965, Spiral alquiló un espacio de galería en 147 Christopher Street , donde el grupo realizó su primera y única exposición. Amos exhibió un grabado titulado Without a Feather Boa , que desde entonces se ha perdido. Este grabado era un autorretrato desnudo en busto que representaba a Amos "mirando con indiferencia al espectador desde detrás de unas gafas de sol oscuras". ^{[ 12 ]} Antes de Spiral, Amos se resistía a la idea del " arte negro " y a las galerías que solo exhibían obras de afroamericanos, pero llegó a comprender que estas solían ser las únicas opciones disponibles para los artistas negros en ese momento, y también aprendió a integrar la política racial y de género en su obra sin que esta quedara dominada por el proceso de compromiso político. ^{[ 13 ]}

Spiral dejó de reunirse poco después de 1965, cuando el aumento de los precios del alquiler les hizo perder su galería y espacio de reunión en el Lower East Side . Durante la década de 1970, Amos pasó a enseñar diseño textil en la Escuela de Bellas Artes e Industriales de Newark , tejiendo en sus propios telares en Threadbare, una tienda de lanas y tejidos en Bleecker Street , y prosperó como tejedora gracias a la difusión del tejido y el arte textil dentro del Movimiento de Arte Feminista . ^{[ 10 ]}

Amos creó y copresentó Show of Hands , un programa de artesanía para WGBH-TV en Boston entre 1977 y 1979, y más tarde se convirtió en profesor en la Escuela de Artes Mason Gross de la Universidad de Rutgers . ^{[ 14 ]}

Amos diseñó el monumento a Ralph Abernathy, líder y activista de los derechos civiles, que consta de cuatro instalaciones y está ubicado en el Parque Conmemorativo Ralph David Abernathy en Atlanta, GA. ^{[ 15 ]}

Su obra Measuring Measuring (1995) ^{[ 16 ]} se utilizó como imagen de portada del texto histórico sobre artistas afroamericanas, Creating Their Own Image: The History of the African American Women Artists de Lisa E. Farrington. ^{[ 17 ]}

Entre 2025 y 2026, la obra de Emma Amos fue presentada en Get in the Game: Sports, Art, Culture , que viajó desde el Museo de Arte Moderno de San Francisco , California, hasta el Pérez Art Museum Miami , Florida. ^{[ 18 ] [ 19 ]}

Amos combinó el grabado, la pintura y el textil en sus obras autorreferenciales , generalmente sobre lino , de gran formato y sin enmarcar. Utilizó pintura acrílica , aguafuerte, serigrafía , colagrafía , efectos de transferencia fotográfica con tela termoadhesiva y textiles africanos . Tomó prestados esquemas, temas y símbolos del arte europeo , citando pictóricamente a artistas como Paul Gauguin , Malcolm Morley , Lucian Freud y Henri Matisse . Amos demostró la libertad deconstructiva de las obras posmodernas al utilizar aplicaciones de varias disciplinas en el mismo plano pictórico , creando una «obra de arte sin fisuras». ^{[ 14 ]}

Además de bordear sus pinturas con telas africanas, Amos cosía , aplicaba , bordaba y, ocasionalmente, acolchaba con sus propios tejidos, tela Kente y batiks. ^{[ 20 ]} La escala y la superposición de texturas de la obra se asemejan a formas que se encuentran a menudo en tapices europeos de prestigio y en la diáspora africana . ^{[ 14 ]}

La directora del museo de arte, Sharon Patton , resume su obra de la siguiente manera:

La secuencia de pinturas de Amos es anecdótica, pero el objetivo de cada una es el mismo: argumentar constructivamente contra las normas tanto en el ámbito del arte como en la sociedad. Sus respuestas son reactivas y reflexivas; utiliza hábilmente sus pinturas como medio para analizar y evaluar la producción cultural, la autoría, el significado y el consumo. Amos es esencialmente posmoderna porque cuestiona la validez de las tradiciones e instituciones canónicas que durante tanto tiempo han discriminado la inclusión de mujeres y artistas de color, especialmente los negros. ^{[ 14 ]}

Entre la variedad de técnicas mixtas que Amos utiliza en su obra, el tema principal suele ser figurativo . A diferencia de muchos artistas figurativos, a Amos no le gustaba pintar la figura desnuda . Prefería pintar figuras vestidas porque creía que pintar la figura desnuda era sexista y que la ropa reflejaba la cultura. ^{[ 11 ]}

Durante su estancia en la Central School of Art, Amos estudió pintura abstracta y produjo algunas obras de expresionismo abstracto durante un tiempo. Después de un tiempo, consideró que la abstracción era demasiado fácil y arbitraria, por lo que volvió a pintar la figura humana porque le resultaba más desafiante. Esta influencia se mantuvo presente en su obra figurativa. ^{[ 11 ]}

Amos utilizó su arte para explorar temas de raza y sexo, argumentando que el mero hecho de ser negra siendo artista tiene una naturaleza política. Citó a artistas blancos y varones de renombre, como Picasso y Gauguin , quienes fueron elogiados por incluir sujetos de color en su obra, mientras que de los artistas afroamericanos aparentemente se esperaba que pintaran otros sujetos de color. Amos incorporó sujetos blancos en su arte, en particular imágenes del Ku Klux Klan , desafiando esta suposición. ^{[ 10 ] [ 21 ]}

Amos admitió que, siendo del Sur y afroamericana, siempre había sido consciente de las adversidades que enfrentaba en su vida cotidiana . Sin embargo, en relación con el feminismo , Amos no se involucró activamente hasta finales de la década de 1980. ^{[ 11 ]} Antes de esto, a principios de la década de 1970, mientras criaba a sus hijos, Amos fue invitada a unirse a un grupo feminista de artistas que se reunía en parques de la ciudad de Nueva York. Al decidir si asistir o no, Amos declaró: «Por lo que escuché de las discusiones feministas en el parque, las experiencias de las mujeres negras de cualquier clase social quedaban excluidas. Yo provenía de una familia de mujeres trabajadoras que no solo eran madres, sino también el sustento de sus familias, cultas, educadas y tratadas como iguales por sus maridos negros. Sentí que no podía permitirme el lujo de dedicar un tiempo precioso, lejos de mi estudio y mi familia, a escuchar historias tan alejadas de la mía». ^{[ 7 ]}

No fue hasta principios de la década de 1980, después de comenzar a impartir clases en la Escuela de Artes Mason Gross de la Universidad de Rutgers en Nueva Jersey, que decidió participar en el grupo feminista Heresies . Dentro de este grupo, mujeres de diversos orígenes colaboraban para publicar obras de arte y escritos de artistas desconocidas, en una serie de revistas y foros de debate. Al hablar del grupo, declaró: «Y eso es lo que Heresies se convirtió para mí. Todo mi desdén por las feministas blancas desapareció, porque todas estábamos en el mismo barco. Simplemente llegamos al barco desde diferentes perspectivas». ^{[ 23 ]} Editó la revista del colectivo , Heresies: A Feminist Publication on Art and Politics . ^{[ 13 ]}

Emma Amos también fue miembro del grupo feminista anónimo Guerilla Girls y usó el seudónimo de Zora Neale Hurston. ^{[ 24 ]} Amos también estuvo brevemente involucrada con AIR o Artists in Residency Gallery, ^{[ 25 ]} conocida por ser la primera galería dirigida por artistas para mujeres en los Estados Unidos de América. ^{[ 26 ]} Durante muchos años, Amos también asistió a reuniones con el grupo Fantastic Women in the Arts. Este grupo también exploró la obra y los escritos de muchas artistas, pero también se centró en cómo la revolución de las décadas de 1960 y 1970, en lo que respecta a la educación sobre racismo y sexismo, no logró realmente marcar ninguna diferencia para los afroamericanos o las mujeres. Fue en este grupo donde Amos discutió el privilegio de los estadounidenses blancos y cómo eso era evidente en las artes en la vida cotidiana. ^{[ 7 ]} Amos se mantuvo activa en su participación en estos temas y brindando educación a las generaciones más jóvenes; sin embargo, mantener los grupos activos le parecía el desafío más difícil. ^{[ 7 ]} Amos opinaba que «los artistas que no son blancos, jóvenes y heterosexuales , y que son abiertamente políticos y feministas, parecen seguir estando marginados. [Ella] espera que todos veamos más cambios pronto». ^{[ 7 ]}

Amos se retiró de la docencia en 2008 y se propuso visitar las exposiciones de sus alumnos para apoyarlos. Sus obras en la muestra Soul of a Nation de la Tate en 2017 inspiraron una colección del diseñador Duro Olowu . ^{[ 13 ]}

Amos falleció por complicaciones de la enfermedad de Alzheimer el 20 de mayo de 2020 a la edad de 83 años. ^{[ 27 ] [ 28 ]} En 2021, Emma Amos: Color Odyssey , una retrospectiva de su obra organizada por Shawnya Harris , se inauguró en el Museo de Arte de Georgia antes de itinerar. ^{[ 29 ] [ 30 ]}

La obra de Amos se incluyó en la exposición de 2022 Women Painting Women en el Modern Art Museum of Fort Worth . ^{[ 31 ]} Su obra se incluyó en la exposición de 2024 Making Their Mark: Works from the Shah Garg Collection en el Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA). ^{[ 32 ]}

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• Amos, Emma; Gouma-Peterson, Thalia; Hooks, Bell; Mercer, Valerie J; Zurko, Kathleen McManus (1993). Emma Amos  : pinturas y grabados 1982–92: una exposición . Wooster, OH: College of Wooster Art Museum. ISBN 978-0-9604658-7-3OCLC 29579572​​ 
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• Harris, Juliette (1999). "Bailarina privada, marchante privado: ¡Exposición privada!". Revista internacional de arte afroamericano . 16 (3). Hampton, VA: Museo de Arte Afroamericano, Universidad de Hampton: 2, 60. ISSN 1045-0920 . OCLC 47639248 .  
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• Patton, Sharon (1995). «Vivir sin miedo con y dentro de la(s) diferencia(s)» . En Driskell, David C. (ed.). Estética visual afroamericana: una perspectiva posmodernista . Washington, DC: Smithsonian Institution Press. pp. 45–79 . ISBN  978-1-56098-605-8OCLC 604999396 – vía Internet Archive . 
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• Sitio web oficial
• "Entrevista de historia oral con Emma Amos, 3 de octubre de 1968" . Archivos de Arte Americano, Instituto Smithsonian . 12 de enero de 2021. Consultado el 14 de enero de 2021 .
• «Emma Amos falleció justo antes de su retrospectiva, pero su arte sigue tan vivo como siempre» . NPR.org . 13 de enero de 2021. Consultado el 14 de enero de 2021 .