Frances Barth

Frances Barth (nacida en 1946) es una artista visual estadounidense conocida principalmente por sus pinturas que se sitúan entre la abstracción, el paisaje y la cartografía, y en su carrera posterior, por sus obras de video y narrativas. ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]} Surgió durante un período en el que los pintores contemporáneos buscaban un camino más allá del minimalismo y el conceptualismo de la década de 1960 , produciendo obras que combinaban el formalismo modernista, la abstracción geométrica, elementos referenciales y la metáfora. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]} La crítica Karen Wilkin escribió: «Las pinturas de Barth juegan con una variedad de lenguajes espaciales entre sí, desde vistas aéreas que sugieren cartografía, hasta sugerencias de espacio perspectivo, hasta una implacable planitud... [ella] cuestiona las convenciones pictóricas que emplea, creando imágenes ambiguas y un espacio igualmente ambiguo que parece cambiar a medida que miramos». ^{[ 7 ]}

Barth ha sido reconocida con una beca Guggenheim ^{[ 8 ]} y el premio Anonymous Was a Woman ^{[ 9 ]} , entre otros. Ha expuesto en el Museo de Arte Moderno (MoMA) ^{[ 10 ]} , el Museo de Arte de Dallas [ ^{11 ] y} en las Bienales de Whitney ^{[ 12 ]} y Venecia ^{[ 13 ]} . Su obra forma parte de las colecciones públicas del Museo Metropolitano de Arte ^{[ 14 ]} , el MoMA ^{[ 10 ]} y el Museo Whitney ^{[ 15 ]} , entre otros. Es directora emérita de la Escuela de Arte Mount Royal del Instituto de Arte de Maryland (MICA) ^{[ 8 ] .}

Barth nació en el Bronx , Nueva York, en 1946. ^{[ 8 ] [ 16 ]} En la década de 1960, asistió al Hunter College , donde obtuvo una licenciatura en Bellas Artes y una maestría en pintura e historia del arte. ^{[ 8 ] [ 17 ]} Sus primeros intereses se extendieron a la escultura (incluidos estudios con Tony Smith ), el movimiento y la música; después de tomar un taller de danza moderna en Hunter, actuó en obras de Yvonne Rainer y Joan Jonas entre 1968 y 1976. ^{[ 8 ] [ 17 ]}

Barth obtuvo reconocimiento temprano a través de varias exposiciones retrospectivas en la década de 1970. La curadora Marcia Tucker la incluyó en la exposición anual de pintura del Museo Whitney de 1972 y en la bienal de 1973; ^{[ 15 ] [ 12 ]} las exposiciones llevaron a una exposición individual en 1974 y a la representación con la Galería Susan Caldwell. ^{[ 18 ] [ 19 ]} Barth también apareció en "American Painting: The Eighties" (1979, comisariada por Barbara Rose ), ^{[ 20 ] [ 16 ]} "American Paintings of the 1970s" ( Albright-Knox Art Gallery , 1979), ^{[ 21 ]} y exposiciones colectivas centradas en el Contemporary Arts Museum Houston ^{[ 22 ] [ 23 ]} y la Corcoran Gallery of Art . ^{[ 24 ]} En años posteriores, expuso en Tomoko Liguori, ^{[ 25 ]} Sundaram Tagore ^{[ 1 ]} y Silas Von Morisse en Nueva York, ^{[ 2 ]} Jan Cicero Gallery (Chicago), ^{[ 26 ]} y Marcia Wood (Atlanta), ^{[ 27 ]} entre otros.

Desde principios de la década de 1970, Barth ha explorado las posibilidades de significado y metáfora dentro de pinturas abstractas empleando espacios pictóricos complejos y múltiples puntos de vista. ^{[ 7 ] [ 6 ] [ 1 ]} Su obra frecuentemente combina planitud y volumen, un color delicadamente indeterminado y una sensación de espacio y escala inestables, a menudo en formatos horizontales largos que requieren que los espectadores los "lean" (y relean) lentamente, de izquierda a derecha. ^{[ 4 ] [ 17 ] [ 7 ]}

En su primera gran exposición individual (Susan Caldwell, 1974), Barth exhibió pinturas horizontales de 10 a 16 pies de largo centradas en el color, el movimiento y la gravedad, que evolucionaron a partir de formas geométricas comunes como triángulos, trapecios y círculos. ^{[ 18 ] [ 17 ] [ 28 ]} Las formas escabrosas y rayadas funcionaban tanto como objetos como atmósfera y sugerían planos que se movían suavemente cambiando de lugar (p. ej., Vermillion , 1973). ^{[ 17 ] [ 19 ] [ 4 ]} Para 1978, estaba produciendo conjuntos cada vez más complejos, parecidos a murales que Artforum describió como "composiciones largas, estrechas, parecidas a frisos de formas circulares y triangulares alternadas, que avanzan, retroceden, se extienden más allá de la visión" (p. ej., Mariner , 1977). ^{[ 4 ] [ 17 ]} La transformación sucesiva de las formas estableció una sensación de temporalidad y acentuó la dicotomía entre el diseño de la superficie y la profundidad pictórica en su obra. ^{[ 4 ] [ 29 ]}

A partir de la década de 1980, Barth comenzó a agregar formas y marcadores referenciales a sus formas geométricas, incorporando nuevos lenguajes espaciales y gráficos —símbolos de cartografía aérea, diagramas esquemáticos, representación en perspectiva, modelado, planitud pura— que provocaron múltiples lecturas de la obra. ^{[ 19 ] [ 30 ] [ 6 ]} Art in America calificó su exposición de 1983 como un deliberado "salto estilístico" hacia el "paisaje geométrico" con un "espacio más profundo y decididamente ilusionista" habitado por formas volumétricas y colores más suaves (por ejemplo, Seventh New Year , 1983). ^{[ 19 ] [ 31 ]} En 1989, la crítica del New York Times, Roberta Smith, escribió que las "obras de Barth se han abierto últimamente a paisajes extrañamente angulares, tan abstractos como imagísticos y tan gestuales como estructurados". ^{[ 25 ]} Los escritores han descrito estas obras como «narrativas» lineales que traducen el lento movimiento del tiempo geológico (por ejemplo, el desarrollo de fallas o la formación de cañones) y como representaciones panorámicas y creíbles de paisajes y experiencias —incluida la luz y la hora del día— logradas mediante un uso sutil e informado del color abstracto. ^{[ 5 ] [ 19 ] [ 32 ]}

En la década de 1990, Barth incorporó influencias clásicas japonesas a sus pinturas, mientras continuaba contraponiendo el ilusionismo occidental a la planitud modernista. ^{[ 3 ] [ 30 ] [ 6 ]} Las inspiraciones orientales se manifestaron en las imágenes rudimentarias del paisaje de la obra, las perspectivas inclinadas, el equilibrio entre elementos planos y lineales, y las paletas apagadas y económicas de color polvoriento. ^{[ 3 ] [ 30 ]} Los críticos caracterizaron las pinturas como altamente individualistas, desconcertantes, "improvisaciones reflexivas", señalando su yuxtaposición de decoración, organización cuidadosamente cuadriculada y espontaneidad caligráfica (p. ej., L. Rides West , 1993). ^{[ 6 ] [ 33 ] [ 3 ]} Art Papers describió obras como sal.-v (1997) como "absortas en la quietud, con la intención de describir [la] experiencia de un momento de reconocimiento". ^{[ 6 ]}

Los críticos de las exposiciones de Barth entre 2006 y 2011 a menudo se centraron en lo que Joan Waltemath llamó un "enfoque dialéctico" ^{[ 1 ]} que mezclaba códigos sintácticos divergentes, perspectivas y escalas inestables para producir obras que evocaban simultáneamente terrenos misteriosos, esquemas geológicos y una "abstracción casi mínima". ^{[ 34 ] [ 35 ] [ 36 ]} David Brody describió la interacción tipo collage en la exposición de Barth de 2017 (por ejemplo, en Yellow Yellow , 2016 u Olive , 2017) como un lugar "precisamente equilibrado entre lucidez y misterio" en el que "un mundo absorbente de imaginación podría ser también una transcripción peculiar de hechos observables". ^{[ 2 ]} Hizo especial hincapié en la interacción entre sus pinturas y su nuevo trabajo secuencial (animaciones y una novela gráfica), sugiriendo que estas últimas obras sacaron a la luz "disputas internas de larga data" en el núcleo de su práctica, en particular, "un argumento implícito entre la abstracción y la narrativa, entre la quietud y el movimiento hacia adelante". ^{[ 2 ]}

Desde 2007, Barth ha creado dos animaciones ( End of the Day, End of the Day , 2007; y Jonnie in the Lake , 2016), ^{[ 37 ]} dos documentales ( Regina , 2013, sobre la pintora Regina Bogat ; y The Audition , 2018), y dos cortometrajes narrativos ( No No Boy , 2015; y Dreaming Tango , 2020). ^{[ 38 ] [ 2 ] [ 39 ]} En 2017, publicó la novela gráfica Ginger Smith and Billy Gee , que presentaba escenarios derivados de sus pinturas. ^{[ 2 ] [ 40 ]} Barth fue panelista invitada en un episodio de 1975 de Firing Line con William F. Buckley Jr. con Tom Wolfe , discutiendo su libro entonces reciente The Painted Word .

Barth ha recibido una beca Guggenheim (1977), ^{[ 8 ]} premios de la Fundación Joan Mitchell (1995) ^{[ 41 ]} y de la Academia Estadounidense de Artes y Letras (1999, 2004), ^{[ 42 ]} y subvenciones del Fondo Nacional para las Artes (1974), ^{[ 43 ]} la Fundación Adolph y Esther Gottlieb (1993), Anonymous Was a Woman (2006) ^{[ 9 ]} y la Fundación Pollock-Krasner (2017), ^{[ 44 ]} entre otros. En 2011, fue elegida miembro de la Academia Nacional de Diseño . ^{[ 45 ]}

Su obra pertenece a las colecciones públicas del Museo de Arte Moderno, ^{[ 10 ]} Museo Metropolitano de Arte, ^{[ 46 ] [ 47 ] [ 48 ] [ 49 ]} Museo Whitney, ^{[ 15 ]} Instituto de Arte de Akron ^, Galería de Arte Albright-Knox, ^{[ 50 ]} Museo de Arte de Cincinnati , ^{[ 51 ]} Museo de Bellas Artes de Dallas, ^{[ 52 ]} Museo Davis , ^{[ 53 ]} Museo de Arte Herbert F. Johnson , ^{[ 54 ]} Instituto de Arte de Minneapolis , ^{[ 29 ]} Museo de Newark y Museo de Arte de Tucson , ^{[ 28 ]} entre otros.

• Sitio web de Frances Barth
• Frances Barth Archivado el 1 de octubre de 2022 en la página de la Beca Guggenheim de Wayback Machine
• Frances Barth Archivado el 1 de octubre de 2023 en Wayback Machine Galería Silas Von Morisse