Canguelo

Al igual que el soul, el funk se basa en la música bailable , por lo que tiene un fuerte "papel rítmico". ^{[ 18 ]} El sonido del funk se basa tanto en los "espacios entre las notas" como en las notas que se tocan; por lo tanto, los silencios entre notas son importantes. ^{[ 19 ]} Si bien existen similitudes rítmicas entre el funk y la música disco , el funk tiene un "ritmo bailable central que es más lento, más sensual y más sincopado que la música disco", y los músicos de la sección rítmica del funk agregan más "subtexturas", complejidad y "personalidad" al ritmo principal que un conjunto de música disco programado basado en sintetizadores. ^{[ 20 ]}

Antes del funk, la mayoría de la música pop se basaba en secuencias de corcheas, ya que los tempos rápidos hacían inviables subdivisiones adicionales del ritmo. ^{[ 3 ]} La innovación del funk fue que, al usar tempos más lentos (seguramente influenciados por el resurgimiento del blues a principios de la década de 1960), el funk "creó espacio para una mayor subdivisión rítmica, de modo que un compás de _4/4 ^ahora podía acomodar posibles colocaciones de semicorcheas". ^{[ 3 ]} Específicamente, al hacer que la guitarra y la batería tocaran con ritmos de semicorcheas "motorizados", se creó la oportunidad para que los demás instrumentos tocaran "un estilo más sincopado y fragmentado", lo que facilitó un paso a líneas de bajo más "liberadas". Juntas, estas "partes entrelazadas" crearon una "sensación hipnótica" y "bailarina". ^{[ 3 ]}

Gran parte del funk se basa rítmicamente en una estructura de dos celdas con ritmo a contratiempo, originada en las tradiciones musicales del África subsahariana . Nueva Orleans se apropió de esta estructura bifurcada del mambo y la conga afrocubanos a finales de la década de 1940 y la hizo suya. ^{[ 21 ]} El funk de Nueva Orleans, como se le denominó, alcanzó fama internacional en gran medida gracias al excelente uso que la sección rítmica de James Brown le dio. ^{[ 22 ]}

El funk utiliza los mismos acordes extendidos y ricos en color que se encuentran en el jazz bebop , como acordes menores con séptimas y undécimas añadidas, o acordes de séptima dominante con novenas alteradas. Algunos ejemplos de acordes utilizados en el funk son los acordes de undécima menor (p. ej., F menor 11); séptima dominante con novena aumentada añadida y cuarta suspendida (p. ej., C7 (#9) sus 4); acordes de novena dominante (p. ej., F9); y acordes de sexta menor (p. ej., C menor 6). ^{[ 19 ]} El acorde de sexta y novena se utiliza en el funk (p. ej., F 6/9); es un acorde mayor con una sexta y una novena añadidas. ^{[ 19 ]} En el funk, los acordes de séptima menor son más comunes que las tríadas menores porque se descubrió que las tríadas menores sonaban demasiado delgadas. ^{[ 23 ]} Algunos de los solistas más conocidos y hábiles del funk tienen formación en jazz . El trombonista Fred Wesley y los saxofonistas Pee Wee Ellis y Maceo Parker se encuentran entre los músicos más destacados del género funk, habiendo trabajado con James Brown , George Clinton y Prince .

A diferencia del jazz bebop, con sus cambios de acordes complejos y rápidos, el funk suele utilizar un vamp estático de uno o dos acordes (a menudo alternando un acorde de séptima menor y un acorde de séptima dominante relacionado, como La menor a Re7) durante toda o parte de una canción, con movimiento melodo-armónico y una sensación rítmica compleja e impetuosa. Aunque algunas canciones de funk son principalmente vamps de un solo acorde, los músicos de la sección rítmica pueden adornar este acorde moviéndolo hacia arriba o hacia abajo un semitono o un tono para crear acordes de paso cromáticos. Por ejemplo, la sección del verso de " Play That Funky Music " (de Wild Cherry ) utiliza principalmente un acorde de Mi novena, pero también utiliza Fa#9 y Fa9. ^{[ 24 ]}

Los acordes utilizados en las canciones funk suelen implicar un modo dórico o mixolidio , a diferencia de las tonalidades mayores o menores naturales de la mayoría de la música popular. El contenido melódico se derivaba de la mezcla de estos modos con la escala de blues . En la década de 1970, el jazz se inspiró en el funk para crear un nuevo subgénero, el jazz-funk , que se puede escuchar en grabaciones de Miles Davis ( Live-Evil , On the Corner ) y Herbie Hancock ( Head Hunters ).

El funk continúa la tradición musical africana de la improvisación , en la que, en una banda de funk, el grupo solía "sentir" cuándo cambiar, improvisando y "dejándose llevar por el ritmo", incluso en la etapa de grabación en estudio, que podía basarse únicamente en la estructura básica de cada canción. ^{[ 25 ]} El funk utiliza la "improvisación colectiva", en la que los músicos en los ensayos mantenían lo que metafóricamente era una "conversación" musical, un enfoque que se extendía a las actuaciones en directo. ^{[ 26 ]}

En la década de 1970, el funk empleó muchos de los mismos estilos vocales que se utilizaban en la música afroamericana de la década de 1960, incluyendo influencias vocales del blues, el gospel, el jazz y el doo-wop. ^{[ 39 ]} Al igual que estos otros estilos afroamericanos, el funk empleó "[g]ells, shouts, shouts, gims, tarareos y riffs melódicos", junto con estilos como la llamada y respuesta y la narración de historias (como el enfoque de la tradición oral africana). ^{[ 49 ]} La llamada y respuesta en el funk puede darse entre el cantante principal y los miembros de la banda que actúan como coristas . ^{[ 50 ]}

Como el funk surgió del soul, las voces en el funk comparten el enfoque del soul; sin embargo, las voces del funk tienden a ser "más puntuadas, enérgicas, rítmicamente percusivas[] y menos adornadas" con ornamentos, y las líneas vocales tienden a asemejarse a partes de metales y tienen ritmos "empujados". ^{[ 51 ]} Bandas de funk como Earth, Wind & Fire tienen partes vocales de armonía . ^{[ 20 ]} Canciones como " Super Bad " de James Brown incluían "doble voz" junto con "gritos, chillidos y alaridos". ^{[ 52 ]} Los cantantes de funk usaban una "estética negra" para actuar que hacía uso de un "intercambio colorido y animado de gestos, expresiones faciales, postura corporal y frases vocales" para crear una actuación atractiva. ^{[ 53 ]}

Las letras de la música funk abordaban los problemas que enfrentaba la comunidad afroamericana en los Estados Unidos durante la década de 1970, derivados del paso de una economía industrial obrera a una economía de la información, lo cual perjudicó a la clase trabajadora negra. ^{[ 54 ]} Canciones funk de The Ohio Players, Earth, Wind & Fire y James Brown planteaban en sus letras problemas que afectaban a los negros de bajos ingresos, como las precarias condiciones económicas y la vida en los barrios marginales de las comunidades negras. ^{[ 55 ]}

La canción de Funkadelic " One Nation Under A Groove " (1978) trata sobre los desafíos que los negros superaron durante el movimiento por los derechos civiles de la década de 1960, e incluye una exhortación para que los negros de la década de 1970 aprovecharan las nuevas "oportunidades sociales y políticas" que se habían vuelto disponibles en esa década. ^{[ 56 ]} La canción de los Isley Brothers "Fight the Power" (1975) tiene un mensaje político. ^{[ 57 ]} La canción de Parliament "Chocolate City" (1975) se refiere metafóricamente a Washington, D.C., y otras ciudades de EE. UU. con una población mayoritariamente negra, y llama la atención sobre el poder potencial que ejercen los votantes negros y sugiere que se considere a un presidente negro en el futuro. ^{[ 58 ]}

Los temas políticos de las canciones funk y la orientación de los mensajes hacia una audiencia negra se hicieron eco de la nueva imagen de los negros que se creó en las películas de Blaxploitation , que representaban a "hombres y mujeres afroamericanos defendiendo sus convicciones y luchando por lo que era justo". ^{[ 59 ]} Tanto el funk como las películas de Blaxploitation abordaron los problemas que enfrentaban los negros y contaron historias desde una perspectiva negra. ^{[ 59 ]} Otro vínculo entre el funk de la década de 1970 y las películas de Blaxploitation es que muchas de estas películas utilizaron bandas sonoras funk (por ejemplo, Curtis Mayfield para Superfly ; James Brown y Fred Wesley para Black Caesar y War para Youngblood ). ^{[ 60 ]}

Las canciones funk incluían un lenguaje metafórico que era mejor comprendido por los oyentes que estaban "familiarizados con la estética negra y el vernáculo [negro]". ^{[ 61 ]} Por ejemplo, las canciones funk incluían expresiones como "shake your money maker", "funk yourself right out" y "move your boogie body". ^{[ 62 ]} Otro ejemplo es el uso de "bad" en la canción "Super Bad" (1970), que los oyentes negros sabían que significaba "bueno" o "genial". ^{[ 50 ]}

En la década de 1970, para sortear las restricciones de obscenidad en la radio, los artistas de funk usaban palabras que sonaban como palabras prohibidas y dobles sentidos para eludir estas restricciones. ^{[ 63 ]} Por ejemplo, The Ohio Players tenían una canción titulada "Fopp" que hacía referencia a "Fopp me right, don't you fopp me wrong/We'll be foppin' all night long...". ^{[ 63 ]} Algunas canciones de funk usaban palabras inventadas que sugerían que estaban "escribiendo letras en una constante neblina de humo de marihuana", como " Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop) " de Parliament, que incluye palabras como "bioaquadoloop". ^{[ 63 ]} La base de oyentes blancos mayoritarios a menudo no podía entender los mensajes líricos del funk, lo que contribuyó a la falta de éxito del funk en las listas de música popular entre el público blanco durante la década de 1970. ^{[ 64 ]}

Los arreglos de sección de metales con grupos de instrumentos de viento-metal se utilizan a menudo en las canciones funk. ^{[ 20 ]} Las secciones de metales funk podían incluir saxofón (a menudo saxo tenor), trompeta, trombón y, para secciones de metales más grandes, como quintetos y sextetos, un saxo barítono. ^{[ 3 ]} Las secciones de metales tocaban partes "rítmicas y sincopadas", a menudo con "frases a contratiempo" que enfatizaban el "desplazamiento rítmico". ^{[ 3 ]} Las introducciones de las canciones funk son un lugar importante para los arreglos de metales. ^{[ 3 ]}

Las secciones de metales del funk se interpretaban en un "estilo rítmico percusivo" que imitaba el enfoque utilizado por los guitarristas rítmicos del funk. ^{[ 65 ]} Las secciones de metales "puntuaban" las letras tocando en los espacios entre las voces, utilizando "cortos estaccatos rítmicos explosivos". ^{[ 65 ]} Entre los notables intérpretes de metales del funk se encontraban Alfred "PeeWee" Ellis , el trombonista Fred Wesley y el saxofonista alto Maceo Parker . ^{[ 65 ]} Entre las notables secciones de metales del funk se incluyen los Phoenix Horns (con Earth, Wind & Fire), los Horny Horns (con Parliament), los Memphis Horns (con Isaac Hayes ) y MFSB (con Curtis Mayfield ). ^{[ 65 ]}

Los instrumentos en las secciones de metales del funk variaban. Si había dos músicos de metales, podían ser trompeta y saxofón, trompeta y trombón, o dos saxofones. ^{[ 3 ]} Un trío de metales estándar constaba de trompeta, saxofón y trombón, pero también eran bastante comunes los tríos de una trompeta con dos saxofones, o dos trompetas con un saxofón. ^{[ 3 ]} Un cuarteto se configuraba igual que un trío de metales estándar, pero con un músico adicional de trompeta, saxofón o (con menos frecuencia) trombones. Los quintetos podían ser un trío de saxofones (normalmente alto/tenor/barítono, o tenor/tenor/barítono) con una trompeta y un trombón, o una pareja de trompetas y saxofones con un trombón. Con seis instrumentos, la sección de metales solía estar formada por dos trompetas, tres saxofones y un trombón. ^{[ 3 ]}

Entre las canciones más destacadas con secciones de metales funk se incluyen:

• " Sudor frío " (James Brown & the Famous Flames), 1967
• "Superstición" (Stevie Wonder), 1972
• "Funky Stuff" (Kool & The Gang), 1973
• "¿Qué es ser moderno?" (Torre de Poder), 1973
• " Recoger los pedazos " (Banda blanca promedio)
• " Arriba para el golpe descendente " (Parlamento), 1974
• "Cabello" (Estación Graham Central), 1974
• " Demasiado caliente para parar " (The Bar-Kays), 1976
• " Escapada " (Earth, Wind & Fire), 1976

En bandas o espectáculos donde no es factible contratar una sección de metales, un tecladista puede tocar las partes de metales en un sintetizador con parches de metales; sin embargo, es importante elegir un sintetizador y un parche de metales con un sonido auténtico. ^{[ 3 ]} En la década de 2010, con los micro-sintetizadores MIDI, incluso era posible que otro instrumentista tocara las partes de metales del teclado, lo que permitía al tecladista seguir acompañando durante toda la canción. ^{[ 3 ]}

Las bandas de funk de la década de 1970 adoptaron la moda y el estilo afroamericano, incluyendo " pantalones acampanados , zapatos de plataforma, pendientes de aro, peinados afro, chalecos de cuero, collares de cuentas", ^{[ 66 ]} camisas dashiki , monos y botas. ^{[ 67 ]} A diferencia de bandas anteriores como The Temptations , que usaban "trajes a juego" y "cortes de pelo pulcros" para atraer al público blanco mayoritario, las bandas de funk adoptaron un "espíritu africano" en sus atuendos y estilo. ^{[ 61 ]} George Clinton y Parliament son conocidos por sus imaginativos vestuarios y su "libertad de vestir", que incluía sábanas que servían como batas y capas. ^{[ 68 ]}

Gerhard Kubik señala que, con la excepción de Nueva Orleans , el blues primitivo carecía de polirritmos complejos , y existía una «ausencia muy específica de patrones rítmicos asimétricos ( patrones clave ) en prácticamente toda la música afroamericana de principios del siglo XX  ... solo en algunos géneros de Nueva Orleans aparece ocasionalmente un atisbo de patrones rítmicos simples en forma de patrones transitorios denominados "stomp" o coros de tiempo detenido. Estos no funcionan de la misma manera que las líneas de tiempo africanas». ^{[ 70 ]}

A finales de la década de 1940, esto cambió un poco cuando la estructura de línea de tiempo de dos células se introdujo en el blues de Nueva Orleans . Los músicos de Nueva Orleans fueron especialmente receptivos a las influencias afrocubanas precisamente en el momento en que el R&B comenzaba a formarse. ^{[ 71 ]} Dave Bartholomew y Professor Longhair (Henry Roeland Byrd) incorporaron instrumentos afrocubanos, así como el patrón de clave y figuras de dos células relacionadas en canciones como "Carnival Day" (Bartholomew 1949) y "Mardi Gras In New Orleans" (Longhair 1949). Robert Palmer informa que, en la década de 1940, Professor Longhair escuchó y tocó con músicos de las islas y "cayó bajo el hechizo de los discos de mambo de Pérez Prado ". ^{[ 21 ]} El estilo particular de Professor Longhair era conocido localmente como rumba-boogie . ^{[ 22 ]}

Una de las grandes contribuciones de Longhair fue su particular enfoque de adoptar patrones de dos células, basados ​​en la clave, en el rhythm and blues (R&B) de Nueva Orleans. El enfoque rítmico de Longhair se convirtió en un modelo básico del funk. Según el Dr. John (Malcolm John "Mac" Rebennack Jr.), el Profesor "introdujo el funk en la música  ... Diría que lo de Longhair tuvo una influencia directa en gran parte de la música funk que evolucionó en Nueva Orleans". ^{[ 72 ]} En su "Mardi Gras in New Orleans", el pianista emplea el motivo de clave 2-3 a tiempo/fuera de tiempo en un " guajeo " de rumba-boogie . ^{[ 73 ]}

La síncopa, pero con una subdivisión rítmica directa, característica de la música cubana (a diferencia de las subdivisiones con swing ), echó raíces en el R&B de Nueva Orleans durante esta época. Alexander Stewart afirma: «Con el tiempo, músicos de fuera de Nueva Orleans comenzaron a aprender algunas de las prácticas rítmicas [de la Ciudad Media Luna]. Los más importantes fueron James Brown y los bateristas y arreglistas que empleó. El repertorio inicial de Brown utilizaba principalmente ritmos shuffle, y algunas de sus canciones más exitosas eran baladas en compás _{de 12/8} ⁽ por ejemplo, "Please, Please, Please" (1956), "Bewildered" (1961), "I Don't Mind" (1961)). El cambio de Brown hacia un soul más funky requirió un compás _{de 4/4} ^y un estilo de batería diferente». ^{[ 74 ]} Stewart señala: "El estilo singular de rhythm & blues que surgió en Nueva Orleans en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial desempeñó un papel importante en el desarrollo del funk. En un desarrollo relacionado, los ritmos subyacentes de la música popular estadounidense experimentaron una transición básica, aunque generalmente no reconocida, de un ritmo de tresillos o shuffle a corcheas regulares o uniformes." ^{[ 75 ]}

Otros grupos musicales adoptaron los ritmos y el estilo vocal desarrollados por James Brown y su banda, y el estilo funk comenzó a crecer. Dyke and the Blazers , con sede en Phoenix, Arizona , lanzó " Funky Broadway " en 1967, quizás el primer disco de la era del soul en tener la palabra "funky" en el título. En 1969, Jimmy McGriff lanzó Electric Funk , con su característico órgano sobre una vibrante sección de metales. Mientras tanto, en la Costa Oeste , Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band lanzaba temas funk desde su primer álbum en 1967, culminando con el clásico sencillo "Express Yourself" en 1971. También de la Costa Oeste, más específicamente de Oakland, California , surgió la banda Tower of Power (TOP), formada en 1968. Su álbum debut, East Bay Grease , lanzado en 1970, es considerado un hito en el funk. A lo largo de la década de 1970, TOP tuvo muchos éxitos y la banda ayudó a convertir la música funk en un género exitoso, con un público más amplio.

En 1970, " Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) " de Sly & the Family Stone alcanzó el número 1 en las listas, al igual que " Family Affair " en 1971. Cabe destacar que estos éxitos les brindaron al grupo y al género un éxito que trascendió géneros y un mayor reconocimiento, aunque tal éxito escapó a otras bandas de funk comparativamente talentosas y moderadamente populares. The Meters definieron el funk en Nueva Orleans , comenzando con sus éxitos top ten de R&B "Sophisticated Cissy" y " Cissy Strut " en 1969. Otro grupo que definió el funk por esta época fueron los Isley Brothers , cuyo éxito funky número 1 de R&B de 1969, " It's Your Thing ", marcó un hito en la música afroamericana, uniendo los sonidos jazzísticos de Brown, el rock psicodélico de Jimi Hendrix y el soul alegre de Sly & the Family Stone y Mother's Finest . The Temptations , quienes previamente habían ayudado a definir el " Sonido Motown " —una mezcla distintiva de pop y soul— también adoptaron este nuevo sonido psicodélico hacia finales de la década de 1960. Su productor, Norman Whitfield , se convirtió en un innovador en el campo del soul psicodélico, creando éxitos con un sonido más novedoso y funky para muchos artistas de Motown , incluyendo " War " de Edwin Starr , " Smiling Faces Sometimes " de The Undisputed Truth y " Papa Was A Rollin' Stone " de The Temptations. Los productores de Motown Frank Wilson (" Keep On Truckin' ") y Hal Davis (" Dancing Machine ") siguieron su ejemplo. Stevie Wonder y Marvin Gaye también adoptaron ritmos funk para algunos de sus mayores éxitos en la década de 1970, como " Superstition " y " You Haven't Done Nothin' ", y " I Want You " y " Got To Give It Up ", respectivamente.

La década de 1970 fue la época de mayor popularidad para la música funk. Además de Parliament Funkadelic , artistas como Sly and the Family Stone , Rufus & Chaka Khan , Bootsy's Rubber Band , los Isley Brothers , Ohio Players , Con Funk Shun , Kool and the Gang , los Bar-Kays , los Commodores , Roy Ayers , Curtis Mayfield y Stevie Wonder , entre otros, sonaban en la radio. La música disco le debía mucho al funk. Muchas de las primeras canciones y artistas de la música disco provenían directamente de entornos influenciados por el funk. Algunos éxitos de la música disco, como todos los éxitos de Barry White , " Kung Fu Fighting " de Biddu y Carl Douglas , " Love To Love You Baby " de Donna Summer , " Love Hangover " de Diana Ross , " I'm Your Boogie Man " de KC and the Sunshine Band , " I'm Every Woman " de Chaka Khan (también conocida como la Reina del Funk) y "Le Freak" de Chic , incluyen claramente riffs y ritmos derivados del funk. En 1976, Rose Royce alcanzó el número uno con un disco de dance-funk puro, " Car Wash ". Incluso con la llegada de la música disco, el funk se hizo cada vez más popular hasta principios de la década de 1980.

La música funk también se exportó a África, donde se fusionó con el canto y los ritmos africanos para dar origen al afrobeat . Se le atribuye al músico nigeriano Fela Kuti , quien estuvo muy influenciado por la música de James Brown, la creación de este estilo y el haberlo bautizado como "afrobeat".

El jazz-funk es un subgénero de la música jazz caracterizado por un fuerte ritmo ( groove ), sonidos electrificados ^{[ 84 ]} y una temprana prevalencia de sintetizadores analógicos . La integración de la música y los estilos funk, soul y R&B en el jazz resultó en la creación de un género cuyo espectro es bastante amplio y abarca desde una fuerte improvisación de jazz hasta soul, funk o disco con arreglos de jazz, riffs de jazz y solos de jazz, y a veces voces de soul. ^{[ 85 ]} El jazz-funk es principalmente un género estadounidense , donde fue popular durante la década de 1970 y principios de la de 1980, pero también alcanzó un atractivo notable en el circuito de clubes en Inglaterra a mediados de la década de 1970. Géneros similares incluyen soul jazz y jazz fusión , pero ninguno se superpone completamente con el jazz-funk. Cabe destacar que el jazz-funk es menos vocal, más arreglado y presenta más improvisación que el soul jazz, y conserva una fuerte sensación de groove y R&B en comparación con algunas de las producciones de jazz fusión.

En la década de 1980, en gran medida como reacción contra lo que se consideraba el exceso de la música disco , muchos de los elementos centrales que formaban la base de la fórmula P-Funk comenzaron a ser usurpados por instrumentos electrónicos , cajas de ritmos y sintetizadores . Las secciones de vientos de saxofones y trompetas fueron reemplazadas por teclados sintetizados , y a los instrumentos de viento que quedaron se les dieron líneas simplificadas, y se les dieron pocos solos de viento a los solistas. Los teclados eléctricos clásicos del funk, como el órgano Hammond B3 , el Hohner Clavinet y/o el piano Fender Rhodes , comenzaron a ser reemplazados por los nuevos sintetizadores digitales como el Yamaha DX7 y los sintetizadores analógicos controlados por microprocesador como el Prophet-5 y el Oberheim OB-X . Las cajas de ritmos electrónicas como la Roland TR-808 , la Linn LM-1 y la Oberheim DMX comenzaron a reemplazar a los " bateristas funky " del pasado, y el estilo de tocar el bajo slap y pop fue reemplazado a menudo por líneas de bajo de teclado sintetizado. Las letras de las canciones funk comenzaron a cambiar, pasando de sugerentes dobles sentidos a un contenido más gráfico y sexualmente explícito.

Influenciado por Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra , el DJ de hip-hop estadounidense Afrika Bambaataa desarrolló el electro-funk, un estilo minimalista de funk impulsado por máquinas, con su sencillo " Planet Rock " en 1982. ^{[ 86 ] [ 87 ]} También conocido simplemente como electro, este estilo de funk se basaba en sintetizadores y el ritmo electrónico de la caja de ritmos TR-808 . El sencillo " Renegades of Funk " le siguió en 1983. ^{[ 86 ]} Michael Jackson también fue influenciado por el electro-funk. ^{[ 88 ]} En la década de 1980, la música tecno-funk utilizó la caja de ritmos programable TR-808, ^{[ 89 ]} mientras que Kraftwerk y Yellow Magic Orchestra influyeron en artistas de electro-funk como Afrika Bambaataa y Mantronix . ^{[ 87 ] [ 90 ]}

Rick James fue el primer músico de funk de la década de 1980 en asumir el liderazgo del género, dominado por P-Funk en la década de 1970. Su álbum de 1981, Street Songs , con los sencillos "Give It to Me Baby" y " Super Freak ", lo catapultó al estrellato y allanó el camino hacia una mayor explicitud en el funk.

Prince formó The Time , concebida originalmente como telonera suya y basada en su " sonido de Minneapolis ", una mezcla híbrida de funk, R&B , rock , pop y new wave . Con el tiempo, la banda llegó a definir su propio estilo de funk minimalista, caracterizado por una gran destreza musical y temáticas sexuales.

Al igual que Prince, otras bandas surgieron durante la era del P-Funk y comenzaron a incorporar una sexualidad desinhibida, temas bailables, sintetizadores y otras tecnologías electrónicas para seguir creando éxitos funk. Entre ellas se encontraban Cameo , Zapp , The Gap Band , The Bar-Kays y The Dazz Band , quienes alcanzaron sus mayores éxitos a principios de la década de 1980. Para la segunda mitad de los años 80, el funk puro había perdido su impacto comercial; sin embargo, artistas pop como Michael Jackson y Culture Club a menudo utilizaban ritmos funk.

Si bien el funk fue desplazado de la radio por el hip-hop comercial , el R&B contemporáneo y el new jack swing , artistas como Cameo aún gozaban de gran difusión. Las bandas de rock comenzaron a incorporar elementos del funk a su sonido, creando nuevas combinaciones de " funk rock " y " funk metal ". Los Red Hot Chili Peppers , Primus y Faith No More exhibieron la fusión del funk con el rock y el metal.

En la década de 1990, artistas como Me'shell Ndegeocello , Brooklyn Funk Essentials y el movimiento acid jazz (predominantemente británico) —incluidos artistas y bandas como Jamiroquai , Incognito , Galliano , Omar , Los Tetas y Brand New Heavies— continuaron con fuertes elementos de funk. Sin embargo, nunca se acercaron al éxito comercial del funk en su apogeo, con la excepción de Jamiroquai, cuyo álbum Travelling Without Moving vendió alrededor de 7 millones de copias en todo el mundo y sigue siendo el álbum de funk más vendido de la historia. ^{[ 91 ]} Mientras tanto, en Australia y Nueva Zelanda, bandas que tocaban en el circuito de pubs, como Supergroove , Skunkhour y The Truth , preservaron una forma más instrumental de funk.

Desde finales de la década de 1980, los artistas de hip-hop han sampleado con frecuencia temas funk antiguos. Se dice que James Brown es el artista más sampleado en la historia del hip-hop, mientras que George Clinton es el segundo; los samples de canciones antiguas de Parliament y Funkadelic formaron la base del G-funk de la Costa Oeste .

Los ritmos originales que presentan riffs de bajo o guitarra rítmica al estilo funk tampoco son raros. Dr. Dre (considerado el progenitor del género G-funk) ha reconocido abiertamente haber sido fuertemente influenciado por la psicodelia de George Clinton: "En los 70, eso era todo lo que hacía la gente: drogarse, usar afros , pantalones acampanados y escuchar Parliament-Funkadelic. Por eso llamé a mi álbum The Chronic y basé mi música y los conceptos como lo hice: porque su mierda fue una gran influencia en mi música. Muy grande". ^{[ 92 ]} Digital Underground fue un gran contribuyente al renacimiento del funk en la década de 1990 al educar a sus oyentes con conocimiento sobre la historia del funk y sus artistas. George Clinton bautizó a Digital Underground como " Sons of the P ", como también se titula su segundo lanzamiento de larga duración. El primer lanzamiento de DU, Sex Packets , estaba repleto de samples de funk, siendo el más conocido " The Humpty Dance ", que sampleaba "Let's Play House" de Parliament. Un álbum de funk muy potente de DU fue Future Rhythm , lanzado en 1996. Gran parte de la música dance contemporánea de club, en particular el drum and bass, utiliza numerosos samples de breaks de batería funk.

El funk es un elemento importante de ciertos artistas identificados con la escena de las jam bands de finales de los 90 y los 2000. A finales de los 90, la banda Phish desarrolló un sonido en vivo llamado "cow funk" (también conocido como "space funk"), que consistía en extensos y bailables ritmos de bajo profundos, y a menudo enfatizaba el uso fuerte del pedal "wah" y otros efectos psicodélicos del guitarrista y el Clavinet en capas del tecladista. ^{[ 93 ]} Phish comenzó a tocar jams más funky en sus sets alrededor de 1996, y The Story of the Ghost de 1998 estuvo fuertemente influenciado por el funk. Si bien _el funk de Phish era tradicional en el sentido de que a menudo acentuaba el tiempo 1 del compás ^4/4 , también era altamente exploratorio e implicaba construir jams hacia picos energéticos antes de transitar a un rock and roll progresivo altamente compuesto.

Desde mediados de la década de 1990, la escena nu-funk o de revival funk, centrada en la escena de coleccionistas de deep funk , está produciendo material nuevo influenciado por los sonidos de los raros 45s de funk. Los sellos incluyen Soul Fire , Daptone y otros. Estos sellos suelen lanzar en  discos de 45 rpm. Aunque se especializan en música para DJs de funk raro, ha habido cierta incursión en la industria musical convencional, como la aparición de Sharon Jones en 2005 en Late Night with Conan O'Brien . Aquellos que mezclan acid jazz , acid house , trip hop y otros géneros con funk incluyen Tom Tom Club , ^{[ 94 ]} Brainticket , ^{[ 95 ]} Groove Armada , et al. ^{[ 96 ] [ 97 ]}

Durante la década de 2000 y principios de la de 2010, algunas bandas de punk funk como Out Hud y Mongolian MonkFish actuaron en la escena del rock independiente . La banda independiente Rilo Kiley , en consonancia con su tendencia a explorar una variedad de estilos rockeros, incorporó el funk en su canción " The Moneymaker " del álbum Under the Blacklight . Prince, con sus últimos álbumes, dio un renacimiento al sonido funk con canciones como "The Everlasting Now", " Musicology ", "Ol' Skool Company" y " Black Sweat ". Particle , ^{[ 98 ]} por ejemplo, forma parte de una escena que combinaba elementos de música digital creada con ordenadores, sintetizadores y samples con instrumentos analógicos, sonidos y elementos de improvisación y composición propios del funk. ^{[ 99 ] [ 100 ]}

El funk rock (también escrito como funk-rock o funk/rock ) fusiona elementos del funk y del rock . ^{[ 103 ]} Su primera encarnación se escuchó a finales de la década de 1960 hasta mediados de la década de 1970 por músicos como Jimi Hendrix , Frank Zappa , Gary Wright , David Bowie , Mother's Finest y Funkadelic en sus primeros álbumes.

En el funk rock se pueden incorporar muchos instrumentos, pero el sonido general se define por un bajo o una batería con un ritmo marcado y guitarras eléctricas . Los ritmos de bajo y batería tienen influencias del funk, pero con mayor intensidad, mientras que la guitarra puede tener influencias del funk o del rock, generalmente con distorsión . Prince , Jesse Johnson , Red Hot Chili Peppers y Fishbone son algunos de los artistas más importantes del funk rock.

El término «avant-funk» se ha utilizado para describir a grupos que combinaban el funk con las inquietudes del art rock . ^{[ 104 ]} Simon Frith describió el estilo como una aplicación de la mentalidad del rock progresivo al ritmo, en lugar de a la melodía y la armonía. ^{[ 104 ]} Simon Reynolds caracterizó el avant-funk como una especie de psicodelia en la que «el olvido se alcanzaría no elevándose por encima del cuerpo, sino a través de la inmersión en lo físico, la pérdida del yo a través del animalismo». ^{[ 104 ]}

Entre los artistas del género se incluyen la banda alemana de krautrock Can ^{[ 105 ]} y los artistas estadounidenses de funk Sly Stone y George Clinton . ^{[ 106 ]} Una ola de artistas post-punk británicos y estadounidenses de principios de la década de 1980 (incluidos Public Image Ltd , Talking Heads , The Pop Group , Gang of Four , Bauhaus , Cabaret Voltaire , Defunkt , A Certain Ratio y 23 Skidoo ) ^{[ 107 ]} adoptaron estilos de música dance negra como el disco y el funk. ^{[ 108 ]} Los artistas de la escena no wave de Nueva York de finales de la década de 1970 también exploraron el avant-funk, influenciados por figuras como Ornette Coleman . ^{[ 109 ]} Reynolds señaló las preocupaciones de estos artistas con temas como la alienación , la represión y la tecnocracia de la modernidad occidental . ^{[ 104 ]}

El go-go se originó en la zona de Washington D. C. , con la que aún se asocia, junto con otros lugares de la región del Atlántico Medio. Inspirado por cantantes como Chuck Brown , el "padrino del go-go", es una fusión de funk, rhythm and blues y los inicios del hip-hop , con énfasis en instrumentos de percusión lo-fi y sesiones improvisadas en vivo en lugar de pistas de baile . Por ello, es principalmente música bailable con un fuerte énfasis en la interacción con el público en directo . Los ritmos del go-go también se incorporan a la percusión callejera.

El boogie es un género de música electrónica influenciado principalmente por el funk y el post-disco. Su enfoque minimalista, basado en sintetizadores y teclados, contribuyó al desarrollo del electro y el house. A diferencia del electro, el boogie enfatiza las técnicas de slapping del bajo, así como el uso de sintetizadores de bajo. Entre los artistas que lo representan se encuentran Vicky "D" , Komiko , Peech Boys , Kashif y, posteriormente, Evelyn King .

El electro funk es un híbrido de música electrónica y funk. Sigue esencialmente la misma estructura que el funk y conserva sus características, pero se crea total o parcialmente con instrumentos electrónicos como la TR-808 . Los vocoders o talkboxes se utilizaban comúnmente para transformar las voces. La banda pionera de electro Zapp solía usar estos instrumentos en su música. Bootsy Collins también comenzó a incorporar un sonido más electrónico en sus últimos álbumes en solitario . Otros artistas incluyen a Herbie Hancock , Afrika Bambaataa , Egyptian Lover , Vaughan Mason & Crew , Midnight Star y Cybotron .

El funk metal (a veces escrito de forma diferente como funk-metal ) es un género musical de fusión que surgió en la década de 1980, como parte del movimiento del metal alternativo . Suele incorporar elementos de funk y heavy metal (a menudo thrash metal ), y en algunos casos otros estilos, como el punk y la música experimental . Presenta riffs de guitarra de heavy metal contundentes , los ritmos de bajo característicos del funk y, a veces, rimas al estilo hip-hop en un enfoque de rock alternativo para la composición de canciones. Un ejemplo principal es la banda de rock afroamericana Living Colour , a quienes Rolling Stone ha calificado de "pioneros del funk-metal" . ^{[ 110 ]} A finales de la década de 1980 y principios de la de 1990, el estilo fue más frecuente en California , particularmente en Los Ángeles y San Francisco . ^{[ 111 ] [ 112 ]}

El G-funk es un género musical de fusión que combina el gangsta rap y el funk. Generalmente se considera que fue inventado por raperos de la Costa Oeste y popularizado por Dr. Dre . Incorpora sintetizadores melódicos y con múltiples capas, ritmos hipnóticos y lentos, un bajo profundo, voces femeninas de fondo, un amplio uso de samples de temas de P-Funk y un sintetizador principal con onda de sierra y portamento agudo. A diferencia de otros grupos de rap anteriores que también utilizaban samples de funk (como EPMD y Bomb Squad ), el G-funk solía usar menos samples, sin modificar, por canción.

La timba es un género de música popular cubana bailable y con ritmo funk. Para 1990, varias bandas cubanas habían incorporado elementos de funk y hip-hop a sus arreglos, y ampliaron la instrumentación del conjunto tradicional con una batería americana, saxofones y un formato de dos teclados. Bandas de timba como La Charanga Habanera o Bamboleo suelen incluir instrumentos de viento u otros instrumentos que interpretan fragmentos de canciones de Earth, Wind and Fire , Kool and the Gang u otras bandas de funk estadounidenses. Si bien muchos motivos funk presentan una estructura basada en la clave , se crean de forma intuitiva, sin la intención consciente de alinear las distintas partes con un patrón guía . La timba incorpora motivos funk en una estructura de clave explícita e intencionada.

A pesar de la popularidad del funk en la música moderna, pocas personas han examinado el trabajo de las mujeres del funk . Entre las mujeres del funk más destacadas se encuentran Chaka Khan , Labelle , Brides of Funkenstein , Klymaxx , Mother's Finest , Lyn Collins , Betty Davis y Teena Marie . Como explica la crítica cultural Cheryl Keyes en su ensayo "She Was Too Black for Rock and Too Hard for Soul: (Re)discovering the Musical Career of Betty Mabry Davis", la mayor parte de la investigación sobre el funk se ha centrado en el trabajo cultural de los hombres. Afirma que "Betty Davis es una artista cuyo nombre ha pasado desapercibido como pionera en los anales del funk y el rock. La mayoría de los escritos sobre estos géneros musicales tradicionalmente han situado a artistas masculinos como Jimi Hendrix, George Clinton (de Parliament-Funkadelic) y el bajista Larry Graham como creadores de tendencias en la configuración de una sensibilidad de la música rock". ^{[ 113 ]}

En The Feminist Funk Power of Betty Davis and Renée Stout , Nikki A. Greene ^{[ 114 ]} señala que el estilo provocador y controvertido de Davis la ayudó a alcanzar la popularidad en la década de 1970, ya que se centró en temas de empoderamiento sexual. Greene también señala que Davis nunca fue nombrada portavoz oficial ni defensora de los movimientos feministas y de derechos civiles de la época, aunque más recientemente su obra se ha convertido en un símbolo de liberación sexual para las mujeres de color. La canción de Davis "If I'm In Luck I Just Might Get Picked Up", de su álbum debut homónimo, generó controversia y fue prohibida por la NAACP de Detroit . ^{[ 115 ]} Maureen Mahan, musicóloga y antropóloga, examina el impacto de Davis en la industria musical y el público estadounidense en su artículo "They Say She's Different: Race, Gender, Genre, and the Liberated Black Femininity of Betty Davis".

Laina Dawes, autora de What Are You Doing Here: A Black Woman's Life and Liberation in Heavy Metal , cree que la política de respetabilidad es la razón por la que artistas como Davis no reciben el mismo reconocimiento que sus colegas masculinos: "Culpo a lo que llamo política de respetabilidad como parte de la razón por la que algunas de las mujeres del funk-rock de los años 70 no son más conocidas. A pesar de la importancia de su música y presencia, muchas de las mujeres del funk-rock representaban un comportamiento agresivo y una sexualidad con la que muchas personas no se sentían cómodas". ^{[ 116 ]}

Según Francesca T. Royster, Rickey Vincent , en su libro Funk: The Music, The People, and The Rhythm of The One , analiza el impacto de Labelle, pero solo en secciones limitadas. Royster critica el análisis de Vincent sobre el grupo, afirmando: «Es una pena, entonces, que Vincent preste tan poca atención a las actuaciones de Labelle en su estudio. Esto refleja, lamentablemente, un sexismo aún presente que moldea la evaluación de la música funk. En Funk , el análisis de Vincent sobre Labelle es breve: comparte un solo párrafo con las Pointer Sisters en su subcapítulo de tres páginas, "Funky Women". Escribe que, si bien " Lady Marmalade " "rompió con los estándares de la insinuación sexual y catapultó al grupo a la fama", la "imagen brillante de la banda se deslizó en la corriente de la música disco y finalmente se desperdició cuando el trío se separó en busca de una carrera en solitario" (Vincent, 1996, 192). ^{[ 117 ]} Muchas artistas femeninas consideradas dentro del género funk, también comparten canciones en los géneros disco , soul y R&B ; algunos creen que Labelle entra en esta categoría de mujeres divididas entre géneros debido a una visión crítica de la teoría musical y la historia del sexismo en los Estados Unidos. ^{[ 118 ]}

En el siglo XXI, artistas como Janelle Monáe han abierto las puertas a una mayor investigación y análisis sobre el impacto femenino en el género de la música funk. El estilo de Monáe desafía los conceptos de género , sexualidad y autoexpresión de manera similar a como algunos pioneros masculinos del funk rompieron barreras. ^{[ 119 ]} Sus álbumes se centran en conceptos afrofuturistas , haciendo hincapié en elementos de empoderamiento femenino y negro y visiones de un futuro distópico . ^{[ 120 ]} En su artículo "Janelle Monáe y el funk feminista afrosónico", Matthew Valnes escribe que la participación de Monáe en el género funk se yuxtapone a la visión tradicional del funk como un género centrado en los hombres. Valnes reconoce que el funk está dominado por los hombres, pero ofrece una perspectiva sobre las circunstancias sociales que llevaron a esta situación. ^{[ 119 ]}

Entre las influencias de Monáe se encuentran su mentor Prince, Funkadelic, Lauryn Hill y otros artistas de funk y R&B, pero según Emily Lordi, "[Betty] Davis rara vez figura entre las muchas influencias de Janelle Monáe, y ciertamente los conceptos de alta tecnología, las interpretaciones virtuosas y las canciones meticulosamente producidas de la joven cantante están muy alejados de la estética protopunk de Davis. Pero... al igual que Davis, también está estrechamente vinculada con un mentor masculino visionario (Prince). El título del álbum de Monáe de 2013, The Electric Lady , alude a Electric Ladyland de Hendrix , pero también cita implícitamente al grupo de mujeres que inspiraron al propio Hendrix: ese grupo, llamado Cosmic Ladies o Electric Ladies, estaba liderado por la amante de Hendrix, Devon Wilson, y Betty Davis." ^{[ 121 ]}