guitarrista de jazz

Los guitarristas de jazz son aquellos que interpretan jazz utilizando un enfoque particular de acordes, melodías y líneas solistas improvisadas, conocido como interpretación de guitarra jazz . La guitarra ha desempeñado funciones de acompañamiento ( guitarra rítmica ) y solista en conjuntos pequeños y grandes, así como de instrumento solista sin acompañamiento.

Hasta la década de 1930, las bandas de jazz usaban el banjo porque su sonido metálico era más fácil de escuchar que el de la guitarra acústica, compitiendo con trompetas, trombones y baterías. Además, en los inicios de la grabación de audio, el banjo se escuchaba con mayor claridad en cilindros de cera. La invención de la guitarra archtop aumentó su volumen. En manos de Eddie Lang, se convirtió por primera vez en un instrumento solista. Siguiendo el ejemplo de Lang, los músicos cambiaron sus banjos por guitarras, y para la década de 1930, el banjo prácticamente había desaparecido del jazz.

Charlie Christian fue el primer guitarrista en explorar las posibilidades que ofrecía la amplificación. Si bien su carrera fue breve, tuvo la suficiente influencia como para que los críticos dividieran la historia de la guitarra de jazz en épocas pre-Christian y post-Christian.

En los inicios del jazz en Nueva Orleans, la mayoría de las bandas tenían guitarristas, pero no existen grabaciones de Lorenzo Staulz, ^{[ 1 ] [ 2 ]} René Baptiste, Dominick Barocco, Joe Guiffre, Coochie Martin y Brock Mumford. Buddy Bolden , uno de los primeros músicos de jazz, tocó en una banda en 1889 liderada por el guitarrista Charlie Galloway. King Oliver , otra figura importante de los inicios, perteneció a una banda en 1910 liderada por el guitarrista Louis Keppard , hermano de Freddie Keppard . ^{[ 3 ]}

Aunque la guitarra de jazz existía durante esos años, el banjo era un instrumento más popular. El sonido metálico del banjo era más fácil de escuchar en una banda que el de la guitarra acústica o el piano, y también era más fácil de escuchar al grabar en cilindros de cera . ^{[ 3 ] [ 4 ]} La primera persona en hacer grabaciones solistas de guitarra fue Nick Lucas , el guitarrista dominante de la década de 1920, cuando lanzó "Pickin' the Guitar" y "Teasin' the Frets" en 1922. ^{[ 3 ]} Había experimentado con cilindros de cera diez años antes. Se convirtió en la primera persona en tener una guitarra personalizada que llevara su nombre, la Gibson Nick Lucas Special. ^{[ 5 ]} Sin embargo, su carrera se construyó sobre su reputación como cantante. Fue popular en la radio, Broadway y el vodevil. Con su voz aguda, vendió ocho millones de copias de su canción emblemática, " Tiptoe Through the Tulips ". Tanto la canción como el estilo de canto fueron tomados prestados décadas después por Tiny Tim . ^{[ 5 ]}

Los primeros guitarristas de jazz estaban destinados a formar parte de la sección rítmica. Freddie Green tocó la guitarra rítmica para la Count Basie Orchestra desde la década de 1930 hasta la muerte de Basie en la década de 1980, ^{[ 4 ] [ 6 ]} contribuyendo al swing de la banda mediante la inversión de acordes, también conocida como resonar , ^{[ 7 ]} en cada tiempo. ^{[ 8 ]} Al igual que Green, Eddie Condon tocó la guitarra rítmica durante toda su carrera sin realizar un solo. Allan Reuss le dio un lugar a la guitarra rítmica en la big band de Benny Goodman . ^{[ 9 ]}

El primer guitarrista de jazz en salir de la sección rítmica fue Eddie Lang . Deseando hacer algo más que rasguear acordes para la banda, Lang tocaba solos de una sola cuerda. Llamó la atención mientras era miembro de la Orquesta de Paul Whiteman y como músico de estudio popular . Como la mayoría de los guitarristas de la época, comenzó con el banjo, y cuando se pasó a la guitarra, muchos otros lo siguieron. Su Gibson L-5 archtop se convirtió en un modelo popular entre los guitarristas de jazz. Para 1934, en gran parte gracias a Lang, la guitarra reemplazó al banjo como instrumento de jazz. ^{[ 8 ] [ 10 ]}

El estilo llamativo de Django Reinhardt destacó en los primeros tiempos de los guitarristas rítmicos. Nació en Bélgica en una familia gitana. Su jazz gitano estuvo influenciado por la guitarra flamenca de los gitanos españoles y el violín de los gitanos húngaros. En la década de 1930, formó el Quinteto del Hot Club de Francia , compuesto por tres guitarras acústicas, un violín y un contrabajo. Realizó una gira por los Estados Unidos en 1946 con Duke Ellington. ^{[ 6 ] [ 9 ] [ 11 ] [ 12 ]} La tradición del jazz gitano tiene un pequeño pero fiel grupo de seguidores que continuó en el trabajo de la familia Ferré , la familia Schmitt , Angelo Debarre , Christian Escoudé , Fapy Lafertin , Biréli Lagrène , Jon Larsen , Jimmy Rosenberg y Stephane Wrembel .

Tocar una guitarra archtop sin amplificar es factible para el acompañamiento de guitarra rítmica en algunos grupos pequeños que tocan en locales pequeños. Sin embargo, tocar solos de guitarra de una sola nota de forma audible sin un amplificador es un desafío en conjuntos más grandes y en salas de conciertos más grandes. El Hot Club de Francia de Django Reinhardt era un quinteto de cuerdas en el que ser escuchado por encima de los demás instrumentos rara vez era un problema. El argentino Oscar Alemán , que estaba en París al mismo tiempo que Reinhardt, intentó superar el problema de la audibilidad utilizando una guitarra resonadora , al igual que Eddie Durham , arreglista y trombonista de la orquesta de Jimmie Lunceford, que también tocaba la guitarra. Durham experimentó con la amplificación y se convirtió en la primera persona en realizar grabaciones de audio con guitarra eléctrica cuando grabó con los Kansas City Five en la década de 1930. Tocaba una Gibson ES-150 archedtop que Gibson había comenzado a producir un par de años antes. ^{[ 4 ] [ 8 ] [ 9 ]} Durham convenció a Floyd Smith de comprar una guitarra eléctrica, y durante la gira le mostró su amplificador a Charlie Christian . ^{[ 9 ]}

Antes de Christian, George Barnes ya experimentaba con la amplificación en 1931. Afirmaba ser el primer guitarrista eléctrico y el primero en grabar con una guitarra eléctrica, el 1 de marzo de 1938, en sesiones con el guitarrista de blues Big Bill Broonzy, quince días antes de que Eddie Durham grabara con los Kansas City Five. ^{[ 1 ]}

Muchos músicos se inspiraron para aprender a tocar la guitarra tras escuchar a Charlie Christian con la orquesta de Benny Goodman . Christian fue el primero en explorar las posibilidades que ofrecía la guitarra eléctrica. Atraía a grandes audiencias cuando tocaba solos con acordes de paso . ^{[ 8 ]} Según el crítico de jazz Leonard Feather , Christian tocaba una línea melódica de una sola nota junto a una trompeta y un saxofón, alejando a la guitarra de su papel secundario en la sección rítmica. Experimentó con acordes disminuidos y aumentados. Su ritmo recordaba al bebop . Durante su estancia en Nueva York, pasó muchas horas hasta tarde en el Minton's Playhouse de Harlem, tocando con músicos como Thelonious Monk y Dizzy Gillespie . ^{[ 9 ]}

Aunque la carrera de Charlie Christian fue breve (1939-1941), su impacto fue tan grande que algunos críticos dividen la historia de la guitarra de jazz en dos épocas: pre-Christian y post-Christian. Mary Osborne vio a Christian actuar cuando visitó su estado natal de Dakota del Norte en 1938. Aquella actuación la inspiró a comprar una guitarra eléctrica.

Oscar Moore , ^{[ 13 ]} Irving Ashby y John Collins fueron los guitarristas sucesivos del Nat King Cole Trio que ayudaron a establecer este tipo de formato de trío de jazz. A principios de la década de 1940, Al Casey contribuyó a la vitalidad del Fats Waller Trio, mientras que Tiny Grimes tocaba la guitarra tenor eléctrica de cuatro cuerdas con el Art Tatum Trio. Barney Kessel y Herb Ellis continuaron con el aspecto swing de la música de Christian hasta la década de 1950. ^{[ 9 ]}

A medida que la era del swing dio paso al bebop, los guitarristas se alejaron del estilo de Charlie Christian. Dos pioneros del bebop, Charlie Parker y Dizzy Gillespie , grabaron con los jóvenes guitarristas Bill DeArango ^{[ 14 ]} y Remo Palmier e inspiraron a Chuck Wayne a cambiar su enfoque. Billy Bauer exploró territorios poco convencionales con Lennie Tristano y Lee Konitz , ^{[ 15 ]} tocando acordes disonantes e intentando adaptar la abstracción de Konitz y Warne Marsh a la guitarra. Aunque Jimmy Raney fue influenciado por Tristano, sus armonías eran más sutiles y lógicas. Johnny Smith llevó este amor por la armonía a un estilo romántico y armónico, como en su exitosa balada " Moonlight in Vermont ". Tal Farlow evitó la abstracción de Tristano. Farlow atribuyó su habilidad para tocar rápido a la necesidad de seguir el ritmo del líder de la banda, Red Norvo . ^{[ 16 ] [ 9 ]}

Wes Montgomery , Grant Green , Kenny Burrell y Jim Hall son quizás los guitarristas de jazz más importantes de los años sesenta y de las décadas siguientes.

La bossa nova se popularizó a principios de la década de 1960. El álbum Jazz Samba , publicado por Verve Records en 1962, de Stan Getz y Charlie Byrd, fusionaba jazz y samba. Dos años después, con el álbum Getz/Gilberto, que incluía composiciones de Antonio Carlos Jobim , entre ellas " La chica de Ipanema ", la bossa nova alcanzó un gran éxito. Si bien la bossa nova no es sinónimo de jazz, esta fusión resultó fructífera para ambos géneros. Entre los guitarristas brasileños destacan João Gilberto , Baden Powell de Aquino y Bola Sete . ^{[ 9 ]}

Cuando el guitarrista de rock Jimi Hendrix alcanzó la popularidad en la década de 1960, creó la figura del héroe de la guitarra, el carismático guitarrista solista que deslumbraba al público. Abrió nuevas posibilidades en la guitarra mediante el uso de unidades de efectos electrónicos . Hendrix inspiró a muchos músicos a aprender a tocar la guitarra eléctrica.

Uno de ellos fue Larry Coryell , quien combinó jazz y rock en la década de 1960 antes de que el término jazz fusión se popularizara. El guitarrista inglés John McLaughlin siguió los pasos de Coryell y Hendrix, pero también exploró otros estilos, como blues , electrónica, folk, free jazz , jazz gitano y música india . McLaughlin grabó un álbum de jazz acústico a principios de la década de 1980 con los guitarristas Paco de Lucía y Al Di Meola . El guitarrista inglés Allan Holdsworth tocó jazz rock en la década de 1980 inspirado en John Coltrane. Lee Ritenour se encuentra entre los guitarristas de jazz fusión más populares. ^{[ 16 ]} Se consolidó como músico de estudio en la década de 1970, grabando con artistas de diversos géneros. ^{[ 17 ]}

Durante la década de 1980, Stanley Jordan fue el primero en extender la técnica del hammer-on a todo su estilo de tocar. Jordan golpeaba el diapasón con las yemas de los dedos de ambas manos, tocando el mástil de la guitarra como si fuera un piano. Otros que utilizaron técnicas de tapping en menor medida fueron David Torn y Tuck Andress . Algunos guitarristas de fusión reaccionaron contra los excesos de sus predecesores tocando con un estilo más contenido. Entre ellos se encontraban Larry Carlton , Steve Khan y Terje Rypdal . ^{[ 16 ]} Mike Stern comenzó su carrera con la banda Blood, Sweat & Tears , y luego fue miembro de la banda de Miles Davis en la década de 1980. ^{[ 18 ]}

Las influencias del free jazz de los años sesenta llegaron a la guitarra. Sonny Sharrock utilizó disonancias, unidades de efectos de distorsión y otros equipos electrónicos para crear "capas sonoras de ruido" que ahuyentaban a algunos oyentes cuando actuaba en festivales. Se negaba a tocar acordes, autodenominándose instrumentista de viento, de donde obtenía su inspiración. ^{[ 19 ]} El guitarrista inglés Derek Bailey se labró una reputación como parte de la escena europea del free jazz. Al igual que Sharrock, buscaba la liberación por sí misma y la ruptura de todas las convenciones en nombre de la originalidad. Perteneció al Spontaneous Music Ensemble en los años setenta.

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