Lev Russov

Según los investigadores de la obra del artista, el talento pictórico de Russov se reveló en todo su esplendor en una serie de retratos de sus contemporáneos pintados en la década de 1950 y la primera mitad de la de 1960, que le brindaron fama y reconocimiento. Durante diez años, Russov creó una galería de retratos que enriqueció los diversos tipos de retrato moderno. El inicio de esta galería se centró en imágenes femeninas, entre las que destacan los retratos de esposas y jóvenes de su círculo de amigos. Entre ellos se encuentran Retrato de Catherine Balebina ^{[ 7 ] [ 8 ]} (1956), Retrato de Natali Orlova ^{[ 9 ]} (1956), Retrato de Joven de Rojo (1956), Retrato de Joven (1957), y otros.

Las obras de arte conocidas que continuaron a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 — Retrato de la esposa (1959), Modelo fresca (1961), Kira , Narine , Retrato de Maria Korsukova (todas de 1962) — se distinguen por una gran ornamentación, generalización del dibujo y nitidez de la composición, que Russov utilizó en la búsqueda de medios para realzar la expresividad de la imagen.

Al caracterizar la obra de Russov, los historiadores del arte Anatoli Dmitrenko y Ruslan Bakhtiyarov señalan:

En el retrato leningradense de principios de la década de 1960, persistía un cierto conflicto entre la tarea de producir una imagen tipificada y el deseo simultáneo del artista de captar «los movimientos ocultos del alma». No es casualidad que Lev Russov, quien en su obra dio una clara preferencia a este último aspecto, separara, por así decirlo, el mundo interior del sujeto de los rasgos externos predeterminados que caracterizaban muchos retratos. En sus pinturas se puede apreciar una conexión con la obra de Valentin Serov y el estilo de Osip Braz y Andreas Zorn. Al conectar orgánicamente la figura y el fondo, que utilizó con éxito para realzar la expresividad de la imagen, Russov otorga a cada uno de sus sujetos el derecho a un «espacio personal», como, por ejemplo, en los retratos de Ekaterina Balebina, Natalya Orlova o la joven campesina Natasha Savelyeva. ^{[ 10 ]}

Los viajes a Oredezh a mediados de la década de 1950, primero al pueblo de Nakol y luego a Pavshino, marcaron el inicio de una notable serie de retratos de niños y jóvenes. Entre ellos se encuentran Zoya (1957), el retrato de las hermanas gemelas Kira y Zoya (1958), Natasha (1958) y Natasha , Pequeños Lazos (1960). En la década de 1960, esta serie de obras se complementó con retratos del hijo Andrei con el Caballo (1963), Retrato del Hijo (1965) y otros.

Los retratos de este periodo pertenecen a una etapa particularmente productiva de la carrera de Rusov y constituyen una parte significativa de su obra artística. Se caracterizan por un énfasis en la expresividad visual y composiciones audaces. Su paleta durante este periodo incluye frecuentemente tonos perlados y púrpuras.

El estilo pictórico de Rusov se caracteriza por pinceladas amplias, composiciones dinámicas y un interés por perspectivas poco convencionales. Sus retratos suelen centrarse en capturar expresiones y momentos fugaces, combinando el parecido individual con rasgos más generales propios de sus contemporáneos.

Durante el proceso de creación del retrato, Rusov logra capturar la fugacidad del modelo, algo que a menudo se les escapa a los artistas durante las poses prolongadas. Sabe cómo mantener la primera impresión hasta el final y transmitirla al espectador. Por lo tanto, en sus obras, la naturaleza cobra vida, y esta sensación de una mirada vivaz a personas reales es casi lo más emocionante de los retratos del artista. ^{[ 11 ]}

Además de la expresividad de la forma, los retratos de Russov se distinguen por la profundidad y el psicologismo de las imágenes, así como por la cuidadosa selección y el estudio de la modelo. Este es otro motivo importante del éxito de su obra. Algunas de sus mejores obras de este período fueron pintadas por Russov en el pueblo de Pavshino, a orillas del río Oredezh, cerca de Leningrado, donde a finales de la década de 1950 se estableció un grupo de jóvenes artistas: G. Bagrov, E. Shram, K. Slavin y N. Slavina, L. Kuzov, A. Yakovlev y G. Antonov. Allí, a orillas del río Oredezh, primero en el pueblo de Nakol y luego en Pavshino, Russov encontró a las protagonistas de sus nuevos retratos: la tía Polya, las hermanas Zoya y Kira, y la joven del pueblo Natasha Savelyeva. Fue su retrato, pintado por Russov en 1958, el que por primera vez captó la atención y el reconocimiento de la crítica.

En las críticas a la Exposición de Arte de Otoño de 1958, los periódicos de Leningrado otorgaron un lugar destacado a este retrato. E. Kovtun, en su artículo « Notas sobre una exposición de arte» publicado en el periódico Leningrad Evening el 29 de noviembre de 1958, escribió sobre la asombrosa inmediatez y frescura de los sentimientos que transmite esta obra de L. Russov . ^{[ 12 ]} M. Shumova, en el artículo « ¡No entreguen las fronteras ganadas!» publicado en Leningrad Pravda el 2 de diciembre de 1958, escribió sobre esta obra:

El retrato "Natasha" de Lev Russov deleita con el sincero interés del artista por el mundo interior del ser humano. El fondo del retrato y el vestido de la joven están realizados con pinceladas amplias y enérgicas. Sin embargo, no distraen la mirada ni desvían la atención del rostro sombreado, que también fue pintado con fluidez, pero a la vez con cuidado, sutileza y reflexión. Los ojos inquisitivos de la joven y su rostro inspirado captan la atención. ^{[ 13 ]}

En esos mismos años, Russov pintó a artistas conocidos, así como a trabajadores y campesinos colectivos. Entre ellos , Retrato de un joven campesino colectivo (1956), Retrato de Yevgeny Mravinsky (1957), ^{[ 14 ]} Retrato del actor Vladislav Strzhelchik (1957), ^{[ 15 ]} Retrato de un joven caster (1961), ^{[ 16 ]} Tía Pola con gallina (1961), Fabricante de acero (1972), y otros. En el retrato masculino, independientemente del estatus social del modelo, el artista se siente atraído por personas fuertes e independientes.

El encuentro de Russov con Yevgeny Mravinsky en 1955 pronto se convirtió en una amistad que duró hasta el final de la vida del artista. Durante treinta años, Russov pintó varios retratos del destacado director de orquesta, el más famoso de los cuales es Retrato de E. A. Mravinsky, de 1957.

El retrato fue pintado por Rusov durante dos años y se completó en 1957. Ese mismo año se exhibió por primera vez en la exposición conmemorativa del Museo Estatal Ruso. ^{[ 17 ]} A diferencia de la mayoría de los retratos famosos, Mravinsky aparece representado en un ambiente hogareño, donde la persona se pertenece solo a sí misma y se muestra tal como es.

De las Memorias de Alexander Mikhailovna Vavilina-Mravinsky, viuda de Yevgeny Mravinsky:

Entre los pocos amigos de Yevgeny Aleksandrovich Mravinsky que tenían derecho a tocar el timbre del apartamento sin previo aviso por teléfono, estaba Lyovushka Russov —así lo llamábamos en casa—. ¡Aparecía como caído del cielo! A cualquier hora del día, algo habitual para los dueños.

Su llegada siempre traía consigo luz, una sonrisa, alegría y una comunicación desinteresada. La amistad entre Yevgeny Aleksandrovich y Leva Russov se remontaba a décadas atrás, por lo que el ambiente de sus conversaciones era sincero y sencillo. Lyovushka conocía todas las experiencias creativas y cotidianas de Yevgeny Aleksandrovich; amaba la música, la conocía a la perfección, tenía una memoria prodigiosa y un gusto exquisito.

En las reuniones, ambos solían hablar de la naturaleza, de la pesca (cañas, señuelos, aparejos, etc.), ya que la vida fuera de la ciudad era para ambos la base de la inspiración creativa, una fuente de reservas espirituales. De naturaleza vivaz, temperamental y habladora, Lyovushka Russov tenía en Yevgeny Alexandrovich un oyente y narrador agradecido. Estas reuniones, por supuesto, estaban acompañadas de vodka y relatos al estilo de Prishvin hasta altas horas de la noche . ^{[ 18 ]}

En la década de 1970, Russov se volcó en la temática de dos grandes contemporáneos: Dmitri Shostakóvich y Yevgeny Mravinsky, encontrando su materialización en el cuadro «La Sinfonía de Leningrado. Director: Yevgeny Mravinsky» (1980). Russov trabajó durante mucho tiempo en el concepto y la composición de la obra, descartando una opción tras otra. Resulta difícil determinar hasta qué punto la versión final satisfizo a la artista. Cabe suponer que, de haber contado con la energía y el tiempo necesarios, este trabajo podría haber continuado.

De las Memorias de Alexander Mikhailovna Vavilina-Mravinsky, viuda de Yevgeny Mravinsky:

Lev Russov tenía otro tema soñado: Mravinsky y Shostakovich, pero la enfermedad, la falta de tiempo y energía le impidieron realizarlo en su forma final. Leva y Yevgeny Alexsandrovich hablaron durante mucho tiempo y en más de una ocasión sobre cómo llevar a cabo esta idea, pero este tema es tan monumental, tan irrealizable, que depende de los tiempos que Dios les ha concedido a ambos . ^{[ 19 ]}

Entre 1954 y 1956, Lev Russov se sintió atraído por el género histórico, creando una serie de ocho pinturas basadas en la novela de Charles de Coster, La leyenda de Thyl Ulenspiegel . La elección del tema y su representación figurativa reflejaban el ambiente del deshielo de Jruschov y las aspiraciones personales de libertad del autor. Exhibidas a finales de 1956 en la Exposición de Otoño de Artistas de Leningrado, las obras Un nacimiento , Sobre las torturas , La muerte de un padre , En los campos de la patria , Un abordaje (Flandria insurgente) , Till y Lamme , Muerte a los traidores , Canción de Till (todas de 1956) le valieron la fama y lo consagraron como maestro de la pintura histórica. ^{[ 20 ] [ 21 ]}

Estas obras, y sobre todo el doble retrato de Till y Lamme , ^{[ 22 ]} resultan interesantes porque el artista dotó a los rasgos de Till de un gran parecido con el autor. Esto lo convierte en una obra única dentro del legado creativo del artista, ya que no se conocen autorretratos de Lev Russov. De niño perdió un ojo y no le gustaba que le tomaran fotos, además de mostrarse reacio a posar para retratos, ya fueran pintados por él mismo o por otros.

En el futuro, el interés de Russov por los temas históricos se expresó en numerosas obras de escultura en madera, así como en algunas pinturas, en particular en el cuadro Bufones ambulantes (1976).

En la obra de Russov, la naturaleza muerta está estrechamente ligada a las exigencias cromáticas y compositivas que el artista se imponía en el retrato. De ahí la nitidez y frescura de sus soluciones compositivas, el dramatismo interno y la tensión presentes en sus obras de este género. No es casualidad que, en cuanto a expresividad y profundidad de imagen, las mejores obras de Russov en el género de la naturaleza muerta no tengan nada que envidiar a sus conocidos retratos. Esto las distingue de otras pinturas creadas en este género entre 1950 y 1970.

La mayoría de sus bodegones transmiten no solo el interior del taller del artista y el mundo de objetos que lo rodea, sino también la atmósfera, el florecimiento de la creatividad en el que nacen y se materializan las ideas del creador. Además, su forma artística, a pesar de la aparente facilidad de ejecución, está cuidadosamente pensada y perfeccionada por el autor. Entre las obras de Russov en este género, destacan Naturaleza muerta con Séneca ^{[ 23 ]} (1963), Naturaleza muerta con ramo ^{[ 24 ]} (1959), Música y violín ^{[ 25 ]} (1964), Taller de arte. Naturaleza muerta ^{[ 26 ]} (1979), entre otras.

Las obras de los años 50 y 60 consagraron a Lev Russov como uno de los maestros más destacados del retrato. Sin embargo, para el público en general, e incluso para muchos de sus colegas de la Unión de Artistas de Leningrado, permaneció prácticamente desconocido. La explicación de esto debe buscarse principalmente en los rasgos de su personalidad. Hombre de ideas independientes, talentoso, directo, a veces implacable en sus valoraciones y juicios, asombró a quienes lo conocían de cerca con su monstruosa capacidad de trabajo, pero rehuyó la vida pública de la Unión de Artistas y fue intolerante con cualquier manifestación de mediocridad o imitación de la creatividad. De hecho, durante los años de estancamiento y desarrollo socialista de Brezhnev, se mantuvo fiel al deshielo de Jruschov. Entre 1970 y 1980, Russov rara vez expuso su obra en muestras de arte. Su vida transcurría entre un taller en la ciudad, una casa en Pavshino, en la isla de Oredezh, y el contacto con un reducido círculo de viejos amigos. Para ser justos, debemos admitir que el sistema existente no rechazaba a esos artistas, permitiéndoles disponer de materiales casi gratuitos y un taller para el trabajo creativo a cambio de una lealtad mínima.

A mediados de la década de 1960, Lev Russov se aficionó a la escultura en madera y a la epopeya folclórica rusa. Desde entonces hasta el final de su vida, este tema se convirtió en el principal de su obra, superando a la pintura. De sus manos surgieron numerosas esculturas magníficas, desde pequeñas figurillas hasta grandes formas, como el Ícaro ruso y el relieve sobre el tema épico de Zastava , los cantores folclóricos .