Lisa Hoke

Hoke obtuvo reconocimiento temprano por sus acrobáticas suspensiones de alambre y metal sin soldar de objetos fundidos que exploraban el equilibrio, la gravedad, la aerodinámica y la activación de vacíos en el espacio. ^{[ 29 ] [ 8 ] [ 18 ]} La crítica Lucy Lippard escribió que estas piezas esbozaban patrones de energía apenas visibles y planteaban preguntas importantes sobre la realidad física utilizando medios mínimos (por ejemplo, Magnet , 1989), ^{[ 22 ]} una cualidad que comparó con las obras de Eva Hesse que "dotaban a la austeridad formal de una sutil resonancia emocional". ^{[ 30 ] [ 31 ]} Las esculturas Eclipse y Levee (ambas de 1987) acunaban formas de frutas hechas de fundiciones de arena verde en pequeñas eslingas de alambre sostenidas en el aire en un equilibrio tenso e incierto por cables estirados y formas simples de acero; para Equilibrium (1990), Hoke creó una nube enredada de alambre atada al techo que fue izada por un contrapeso con forma de mano a través de la sala. ^{[ 32 ] [ 33 ] [ 29 ]} Las reseñas en Arts y Art International relacionaron el efecto gestual y la presencia gráfica de dicha obra con el concepto de dibujo en el espacio asociado con los escultores modernistas Julio González y David Smith , entre otros. ^{[ 34 ] [ 29 ]}

En la década de 1990, críticos como Eleanor Heartney notaron el giro de Hoke hacia piezas colgantes más densas y lúdicas que reelaboraban la estética de chatarra reciclada y de baja cultura del ensamblaje pop y el arte povera a través de una sensibilidad feminista orientada al proceso. ^{[ 11 ] [ 10 ] [ 35 ] [ 36 ]} Estas esculturas e instalaciones utilizaban inconfundibles desechos domésticos y de autopartes que transmitían el uso y el caos de la vida real. ^{[ 8 ] [ 11 ] [ 37 ]} El color aleatorio de los nuevos materiales reorientó a Hoke hacia el croma y la textura; su condición de objetos funcionales introdujo nuevos matices sociales y psicológicos abiertos en su obra: una sensación de locura y la condicionalidad de la existencia, insinuaciones de estrés emocional y comentarios sobre el trabajo doméstico que mezclaban la obsesión con corrientes subterráneas de peligro y desorden. ^{[ 28 ] [ 38 ] [ 7 ] [ 39 ]}

La escultura Manifold Destiny (1991) fue un ejemplo notable: un ensamblaje colgante de muebles de patio de plástico amarillo y rosa que se desprendían cada vez más enredados en silenciadores de automóviles oxidados y tubos de escape serpenteantes que sugerían entropía. ^{[ 11 ]} Tema Celeste la describió como una "Medusa con rulos" divertida y aterradora... a la vez vulnerable y amenazante, delicada y hercúlea. ^{[ 8 ]} En exposiciones en la Corcoran Gallery of Art (1992), Horodner Romley (1993, 1994) y Serpentine Gallery (Londres, 1998), los materiales domésticos —hilo, botones, cremalleras, tótems de coloridas y rígidas mangas de camisa y cortinas de ducha— predominaron en obras que empleaban una sensibilidad abstracta y formas de tejido más etéreas e intuitivas. ^{[ 40 ] [ 10 ] [ 41 ] [ 7 ] [ 42 ]} Heirloom (1994) consistía en madejas de hilo de colores que se lanzaban, fijaban e instalaban en abanicos verticales de patrones densos y calados a lo largo de dos paredes de esquina, luego se conectaban con hilos individuales para fundir botellas de detergente de cera y formas domésticas en el suelo. ^{[ 7 ]} Los críticos compararon la apariencia de la obra de 12 pies con "una manta deshecha de una abuela", ^{[ 41 ]} corales marinos o cabello enredado y sus patrones caligráficos y proceso con el expresionismo abstracto , una deuda a la que se hace referencia en el doble significado de su título. ^{[ 7 ] [ 10 ] [ 43 ] [ 39 ]}

A partir de finales de la década de 1990, Hoke se centró cada vez más en instalaciones abstractas de formas colgantes, paneles tipo mosaico y murales escultóricos, utilizando desechos de consumo y envases comerciales como materia prima. ^{[ 3 ] [ 44 ] [ 45 ] [ 21 ]} Estas eran a menudo obras temporales y específicas del lugar —muchas de ellas más grandes que el espacio del estudio de Hoke— que ella ejecutaba sin bocetos previos ni conocimiento de los resultados, lo que les confería un aspecto performativo. ^{[ 1 ] [ 14 ]}

Para Ricochet (Holly Solomon, 1999), Hoke llenó la galería con láminas de poliéster con forma de cometa, incrustadas con pajitas de neón multicolores; estas estaban suspendidas dentro de una red de cuerdas de colores que se extendía por techos, paredes y suelos antes de converger y unirse a un conjunto de contrapesos vegetales de hierro fundido en el suelo. ^{[ 3 ] [ 19 ] [ 27 ]} Las reseñas en el New York Times y New Art Examiner compararon las láminas con vidrieras, decorados teatrales y tapices fantásticos, cuyo absurdo se veía atenuado por la complejidad de la instalación, al estilo de Rube Goldberg , y la tensión formal entre las formas escultóricas lúdicas y la arquitectura de la galería. ^{[ 3 ] [ 12 ]}

En una serie de instalaciones posteriores, Hoke exploró la cromática del color y las sensaciones superficiales en mayor grado, utilizando papel de colores y vasos de bebidas como materiales. Light My Fire (Museo Aldrich, 2001; Universidad Rice, 2006) consistía en rollos de papel cortos, recortados de diversas maneras, de color rojo, rosa, amarillo y blanco, adheridos a cinco ventanas adyacentes; explotaba la luz solar cambiante para crear un efecto similar al encaje que salpicaba el espacio con puntos de luz y color que cambiaban (y se desvanecían en intensidad) con el tiempo. ^{[ 6 ] [ 21 ]} Para la obra tipo mural Gravity of Color (Elizabeth Harris, 2004), Hoke empleó vasos de papel sobresalientes y vasos de plástico parcialmente llenos de pintura para crear formas serpentinas, similares a joyas, de colores intensos que los críticos relacionaron con las paredes incrustadas de Gaudí y los patrones en espiral de las pinturas de Seurat y Klimt. ^{[ 13 ] [ 46 ]} Hoke reelaboró ​​la pieza en el Museo de Arte de Katonah (2005) ^{[ 47 ]} y en una instalación de dos pisos y seis años en el Museo de New Britain (2008). ^{[ 46 ] [ 4 ]}

En la década de 2010, Hoke comenzó a trabajar con cartón reciclado —gran parte del cual fue recolectado de su edificio de apartamentos de varias unidades en SoHo— aprovechándose del rico color, los patrones y el atractivo del embalaje comercial. En su estudio, organizó el cartón en contenedores clasificados por color, y luego creó cientos de collages de aproximadamente 60 x 60 cm, que fueron editados y ensamblados en el lugar en instalaciones murales onduladas de gran escala. Después de la exposición, fueron desmontados y, en ocasiones, reelaborados en nuevas piezas. ^{[ 5 ] [ 24 ] [ 14 ]} Críticos como Stephen Westfall relacionaron las "tiradas de marea y arabescos de color y formas en abanico" abstractas de esta obra en términos formales con artistas como Klimt y contemporáneos como Polly Apfelbaum , Judy Pfaff y Tony Feher , al tiempo que señalaron su comentario sobre los placeres y horrores simultáneos del marketing, el exceso material y el consumo masivo. ^{[ 14 ] [ 9 ] [ 48 ]}

Hoke creó cuatro versiones (de hasta 75 pies de largo) de su primera obra de este tipo, Love, American Style (2011–2), en MASS MoCA , Elizabeth Harris, J. Johnson Gallery y D'Amour Museum of Fine Arts. ^{[ 5 ] [ 48 ] [ 26 ]} Las instalaciones relacionadas en la misma línea incluyeron: The future ain't what it used to be ( McNay Art Museum , 2012), una obra extensa, aproximadamente triangular, que también incorporaba naipes y platos de papel; Come on Down (Museo de Arte de Oklahoma City, 2013), de 16 por 110 pies, cuyo título derivado de The Price Is Right señalaba su celebración de doble filo del exceso; y Swept Away (Museo de Arte de Sarasota, 2014). ^{[ 24 ] [ 20 ] [ 14 ] [ 49 ]} En 2018, la empresa italiana de café Lavazza encargó a Hoke la creación de la instalación específica para el lugar Dolce Croma para la sala de exposición y el vestíbulo de su nueva sede en Turín, Italia. Las formas que recuerdan a la flora y la fauna de la instalación de 51 pies se crearon a partir de materiales de embalaje brillantes de toda la historia de la empresa. ^{[ 2 ]}

Durante este último período, Hoke también creó obras escultóricas discretas, para exposiciones colectivas e individuales, como "Attention Shoppers" (2015) en la galería Pavel Zoubok. Esa exposición presentó obras de pared y exentas que se asemejaban a carrozas de desfile o monumentos excéntricos y con colores llamativos (por ejemplo, Coming Attractions o Aisle 3 ). ^{[ 50 ] [ 1 ]}