Jessica Accionista

Jessica Stockholder (nacida en 1959) es una artista canadiense-estadounidense conocida por sus instalaciones y esculturas específicas para cada lugar, a menudo descritas como "pinturas en el espacio". ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]} Saltó a la fama a principios de la década de 1990 con obras monumentales que desafiaban los límites entre la obra de arte y el entorno de exhibición, así como entre la experiencia pictórica y la física. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]} Su arte a menudo presenta una "avalancha" ^{[ 7 ]} de colores vivos, texturas y objetos cotidianos, incorporando suelos, paredes y techos, y a veces desbordándose de los espacios de exhibición. ^{[ 8 ] [ 9 ]} Los críticos sugieren que su obra está influenciada por diversas tradiciones artísticas, incluyendo el expresionismo abstracto , la pintura de campos de color , el minimalismo y el arte pop . ^{[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]} Desde el inicio de su carrera, han observado en su obra una apertura a la espontaneidad, el accidente y la marginalidad, así como un rechazo a la permanencia, la monetización y las convenciones disciplinares que Stephen Westfall caracterizó como una «sensación de libertad casi impactante». ^{[ 5 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]}

Stockholder ha expuesto en la Dia Art Foundation , ^{[ 16 ]} Centre Pompidou , ^{[ 17 ]} Whitney Museum of American Art , ^{[ 18 ]} MoMA PS1 , ^{[ 19 ]} y la Bienal de Venecia . ^{[ 20 ]} Su obra pertenece a numerosos museos, entre ellos el Museum of Modern Art (MoMA), ^{[ 21 ]} Museum of Contemporary Art, Los Angeles (MOCA), ^{[ 22 ]} Art Institute of Chicago , ^{[ 23 ]} British Museum , ^{[ 24 ]} y Stedelijk Museum Amsterdam . ^{[ 25 ]} Ha recibido premios de la Guggenheim Foundation , ^{[ 26 ]} Smithsonian American Art Museum , ^{[ 27 ]} Anonymous Was A Woman ^{[ 28 ]} y National Endowment for the Arts , entre otros. ^{[ 29 ]} Vive en Nanaimo, Columbia Británica, Canadá, con su esposo, el pintor Patrick Chamberlain, donde se mudaron en 2024 cuando ella se jubiló de la docencia en la Universidad de Chicago . ^{[ 30 ] [ 1 ] [ 31 ]}

Stockholder nació en Seattle en 1959 y se crió en Vancouver, Canadá. Sus padres, Fred y Kay Stockholder, eran profesores de inglés en la Universidad de Columbia Británica . ^{[ 8 ] [ 11 ]} Durante su adolescencia, tomó clases particulares de dibujo con el escultor Mowry Baden , amigo de su padre con quien estudió formalmente más tarde en la Universidad de Victoria (BFA, 1982). ^{[ 9 ]} Su trabajo de pregrado se centró en la pintura, pero exploró enfoques no tradicionales más allá del marco del cuadro, involucrando objetos, límites y arquitectura que siguen siendo centrales para su arte. Una obra temprana frecuentemente citada, Instalación en el patio trasero de mi padre (1983), por ejemplo, incorporó objetos pintados fijados o adyacentes al garaje de su padre, incluyendo un colchón doble, la puerta de un armario, un rollo de malla de gallinero y un parche rectangular de césped pintado. ^{[ 3 ] [ 9 ] [ 4 ]}

En 1983, Stockholder se matriculó en la Universidad de Yale, donde estudió con Judy Pfaff , Jake Berthot , Mel Bochner y Ursula von Rydingsvard , entre otros, y obtuvo una Maestría en Bellas Artes en 1985. ^{[ 32 ] [ 9 ]} Su trabajo en Yale fue a menudo efímero y ambiguo con respecto a los límites entre la obra de arte y la arquitectura. ^{[ 33 ] [ 9 ] [ 11 ]} Sus esculturas posteriores Kissing the Wall (1987–90) continuaron este enfoque con objetos independientes, involucrando espacios intermedios entre la pared y la obra de arte con espejos y lámparas adjuntas que proyectaban luz de color sobre paredes y estructuras. ^{[ 9 ] [ 4 ] [ 33 ]} Después de graduarse, Stockholder se mudó a Brooklyn. ^{[ 9 ]} Atrajo el reconocimiento a finales de la década de 1980 a través de exposiciones organizadas por PS1, Mercer Union (Toronto), The Mattress Factory (Pittsburgh), ^{[ 17 ] [ 34 ]} y poco después, American Fine Arts (Nueva York), Le Consortium (Francia), el Museo Whitney (incluida la Bienal de 1991) y Renaissance Society (Chicago), entre otros. ^{[ 35 ] [ 36 ] [ 37 ] [ 38 ] [ 39 ]}

Las instalaciones y exposiciones de Stockholder combinan objetos encontrados y comprados, zonas pintadas, alfombradas o de color intrínseco, y diversos dispositivos de enmarcado en "pinturas transitables" unificadas que fusionan arte y arquitectura, superficie y soporte, y figura y fondo. ^{[ 40 ] [ 36 ] [ 41 ]} Los críticos identifican sus principales preocupaciones como la subjetividad, la sintaxis visual y la creación de significado, la experiencia física y temporal, y el subversión de los hábitos de visualización y las convenciones artísticas. ^{[ 42 ] [ 12 ] [ 4 ]} David Pagel describió sus instalaciones como "inventarios poco ostentosos de artículos fácilmente disponibles [y] constelaciones bulliciosamente abiertas pero rigurosamente estructuradas", en las que "un ingenio sin pretensiones, que cualquiera podría hacer, cierra la brecha entre el idealismo onírico y el pragmatismo terrenal". ^{[ 12 ]}

La obra de Stockholder se ha analizado en relación con el desarrollo del arte de instalación y con tradiciones y figuras de la historia del arte, incluyendo a Cézanne y el modernismo temprano (por ejemplo, Matisse , el cubismo y Kurt Schwitters ), la pintura de acción , el color field y el hard-edge , el minimalismo, Anthony Caro , Gordon Matta-Clark y Robert Rauschenberg . ^{[ 5 ] [ 36 ] [ 13 ] [ 43 ]} El crítico Barry Schwabsky sugirió que estos precedentes comparten con Stockholder un rechazo del ilusionismo, un énfasis en la fisicalidad de las superficies u objetos de la pintura y un uso directo y agresivo de los materiales. ^{[ 3 ]} Helen Molesworth y Jack Bankowsky han identificado una "catalogación de estrategias de vanguardia" ^{[ 7 ]} en el arte de Stockholder que, según sugieren, ha llevado a interpretaciones erróneas de su obra, ya sea en términos puramente formalistas o en términos sociológicos que implican críticas a la cultura de consumo, las instituciones o la clase social. ^{[ 42 ] [ 3 ]} Bankowsky y Schwabsky sostienen que Stockholder elige objetos reconocibles por sus atributos formales, materiales o tipológicos en lugar de literales o funcionales (por ejemplo, en comparación con Rauschenberg), pero los utiliza sin despojarlos por completo de sus connotaciones extraartísticas. ^{[ 42 ] [ 3 ] [ 44 ]}

Michael Kimmelman , contrastando la ironía y el comentario social de los contemporáneos de la instalación ( Cady Noland , Jason Rhoades y Nancy Rubin ), distinguió la "locura funky" y el ingenio del trabajo de Stockholder como más sensorial, poético, romántico y celebratorio. ^{[ 8 ]} Los escritores frecuentemente señalan la desfamiliarización de lo cotidiano por parte de Stockholder como contribuyente a tales cualidades, así como a estados de desorientación y fantasía en su trabajo. ^{[ 42 ] [ 5 ] [ 32 ]} Ella logra esto a través de la yuxtaposición de elementos incompatibles, el uso del color (intrínseco o aplicado) para afirmar conexiones improbables y un enfoque espacial que rechaza cualquier punto de vista privilegiado. ^{[ 8 ] [ 16 ] [ 9 ] [ 4 ]} Germano Celant describió este enfoque como un cuestionamiento de "la fragmentación de la conciencia y las perspectivas, en favor de una visión que lo abarque todo, desprovista de jerarquías y límites". ^{[ 6 ]} Como resultado, muchos críticos interpretan la intención de los accionistas en términos de exploración o experimentación —en palabras de Miwon Kwon , "una actitud de ambos/y en lugar de una de uno u otro"— que mantiene contradicciones. ^{[ 45 ] [ 9 ] [ 16 ]}

Primeras instalaciones y esculturas

A lo largo de su carrera, el trabajo de Stockholder se ha dividido principalmente entre instalaciones temporales y específicas para lugares, creadas para espacios semipúblicos como museos, y ensamblajes o esculturas más autónomas y a escala humana, a menudo construidas en su estudio y exhibidas en galerías. ^{[ 3 ] [ 32 ]} Sus instalaciones y exposiciones en galerías en la década de 1990 se destacaron por sus yuxtaposiciones peculiares, su construcción tosca y su inusual mezcla de desorden con colores y patrones refinados, al estilo de Matisse. ^{[ 46 ] [ 47 ] [ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]} En reseñas de exposiciones en American Fine Arts (1990) y Jay Gorney (1995), la crítica del New York Times, Roberta Smith, caracterizó la obra como provocativa, "insistentemente abstracta" e inquietante en su determinación de "dejar de tener sentido visual, de combinar los estilos improbables del arte de ensamblaje y la pintura de campos de color [en] híbridos tan discursivos y extraños que la mente no puede comprenderlos del todo". ^{[ 36 ] [ 10 ] [ 51 ]} Una reseña del Los Angeles Times de una exposición en 1996 describió las "esculturas gloriosamente torpes" de Stockholder como difíciles de manejar y despreocupadamente informales, pero sostenidas por "una aguda inteligencia formal". ^{[ 49 ]}

Stockholder creó importantes instalaciones en la década de 1990 en la Dia Foundation, el Middelheim Open Air Sculpture Museum ( Linoleum del paisaje , 1998, Amberes) y Power Plant (Toronto), entre otros. ^{[ 8 ] [ 52 ] [ 53 ] [ 11 ]} La obra de Dia, Your Skin in This Weather Bourne Eye-Threads & Swollen Perfume (1995), ocupaba una sala de 3600 pies cuadrados, extendiéndose hacia el vestíbulo del centro y por las ventanas hacia un callejón. ^{[ 8 ] [ 16 ] [ 13 ]} Michael Kimmelman la describió como estridente y operística, con bloques de colores brillantes y vibrantes y múltiples puntos de vista que creaban la experiencia de "entrar en un recorte de Matisse, un escenario de David Hockney " o una estructura de Frank Gehry . ^{[ 8 ] [ 54 ]} La curadora Lynne Cooke escribió que Stockholder «fusiona de manera tangible y concreta el espacio artístico y el espacio real, de modo que [ellos] se vuelven intercambiables», lo que permite que su espacio pictórico alcance una calidad de experiencia vivida comparable a la arquitectura. ^{[ 13 ]} Deborah Solomon, de Sculpture, calificó la instalación Power Plant ( First Cousin Once Removed or Cinema of Brushing Skin , 1999) como una obra maestra fauvista de «extravagancia profundamente culta». Escribió que la obra «domesticó» la historia del arte, con contenidos desbordantes —lámparas, linóleo, falso techo, carretilla volcada y camión remolque con neumáticos pintados de azul piscina— que despojaron a los puntos de referencia modernistas como Mondrian y el minimalismo de su gravedad moral típica y sus aspiraciones utópicas. ^{[ 11 ]}

Instalaciones y esculturas posteriores, 2001–

Los críticos sugieren que las instalaciones y exposiciones posteriores de Stockholder invitan a un mayor grado de conectividad y participación del espectador al incorporar rampas y plataformas de "observación", materiales y objetos recuperados localmente, ^{[ 4 ] [ 43 ]} y obras de otros artistas. ^{[ 55 ] [ 56 ] [ 57 ]} También identifican un cambio en los materiales, hacia artículos brillantes y domésticos de tiendas de descuento como cubos, cestas de ropa, escurridores de platos y vasos de plástico. ^{[ 58 ] [ 59 ] [ 60 ] [ 61 ]}

La escultura de Stockholder de la década de 2000 se ha caracterizado como más íntima, concisa y menos orientada a la instalación que su trabajo anterior, con un equilibrio entre el espacio abierto y el rigor formal con la soltura, la libertad de improvisación y la pictórica. ^{[ 62 ] [ 58 ] [ 60 ]} En dos reseñas de exposiciones, The New York Times describió sus "ensamblajes de campo de color" como objetos domésticos, paredes y suelo cortados y empalmados ^{[ 55 ]} que sugieren "una casa suburbana atrapada en las secuelas de una explosión", ^{[ 62 ]} unida por la claridad de colores brillantes y pintura seductores. En una exposición posterior (Mitchell-Innes & Nash, 2006), obras como JS#433 y JS#436 fueron destacadas por su dominio del color y la textura, métodos de sujeción y suspensión poco convencionales (por ejemplo, armazones de mochilas y tiendas de campaña, portabicicletas) y formas nítidamente delineadas, como un cable eléctrico que evoca un dibujo lineal caprichoso. ^{[ 61 ] [ 63 ] [ 58 ]} El Brooklyn Rail los describió como "objetos humildes" que se abrían a la introspección privada y a las asociaciones, al elemento sorpresa y a momentos de "belleza inesperada". ^{[ 58 ]} La exposición "Sex in the Office" (1301PE, 2007) fue descrita como una provocación que exploraba lo tabú y "una erótica de las superficies materiales mundanas". ^{[ 59 ] [ 64 ]}

Durante este período, Stockholder creó instalaciones temporales en la bienal SITE Santa Fe ( Bird Watching , 2001; ensamblada con materiales recuperados de contenedores de almacenamiento en Los Alamos ), ^{[ 65 ] [ 66 ]} Rice University ( Sam Ran Over Sand , 2005), ^{[ 4 ]} y PS1 ( Of Standing Float Roots in Thin Air , 2006). ^{[ 67 ]} En 2005, exhibió dos instalaciones en Kunsthallen Brandts en Dinamarca, White Light Laid Frozen and Bright Longing y Soggy Up the Hill . ^{[ 68 ]} Artforum describió la primera obra como "una cuidadosa calibración de extraños compañeros de cama" —un casillero amarillo fluorescente, tableros de mesa azules, ristras de sartenes de aluminio, viejos abrigos de piel, invernaderos apilados, iluminación variada y una rampa de madera elevada— que vacilaban "entre la comedia disparatada y lo sublime". ^{[ 43 ]} Peer Out to See (2010, Museo Reina Sofía, Madrid) fue descrita como "una pintura transitable" que incluía una forma escultórica similar a una fuente congelada —hecha de sillas de jardín apiladas, bañeras infantiles y cestas de plástico— que llegaba hasta un techo de cristal y hacía eco de la fuente exterior del museo. ^{[ 2 ]}

Stockholder también recibió el encargo de producir instalaciones temporales al aire libre. Flooded Chambers Maid (2009, Madison Square Park ) combinó materiales industriales, mantillo de caucho azul, gradas, cubos, contenedores y un jardín de forma libre en una vibrante pintura tridimensional de estilo constructivista donde los visitantes se sentaban, almorzaban y jugaban. ^{[ 1 ] [ 6 ]} Para Color Jam (2012), cubrió las cuatro esquinas y los edificios que rodean una concurrida intersección del centro de Chicago con franjas de naranja quemado, verde lima y turquesa, creando un efecto que el New York Times denominó " Christo se encuentra con Hans Hofmann ". ^{[ 69 ] [ 70 ] [ 71 ]}

"Asistencias" y temporadas tardías, 2015–

Con la serie "Assists", Stockholder extendió su exploración de la fluidez y los elementos intersticiales como plataformas y pedestales. ^{[ 33 ]} Sus "assists" son esculturas modulares que solo pueden mantenerse en pie cuando se sujetan a un objeto auxiliar grande y común (no considerado parte de la obra), como una silla o un piano. ^{[ 32 ] [ 33 ] [ 72 ]} Se exhibieron en varias muestras a partir de 2015, ^{[ 33 ] [ 32 ] [ 73 ] [ 74 ]} incluyendo Art Basel 2018. ^{[ 75 ] [ 76 ]}

La exposición "Door Hinges" ( Kavi Gupta , 2015) presentó tres asistentes sujetos con cinturones de vinilo a un piano, un escritorio antiguo y un coche eléctrico Smart, respectivamente, y una instalación efímera con una pasarela serpenteante, titulada A Log or a freeze . También incluyó una exposición aparte comisariada por Stockholder ("Assisted"), que yuxtaponía su obra con la de dieciséis artistas que la influyeron. ^{[ 56 ] [ 77 ] [ 78 ]} Caroline Picard de Artforum la describió como "una conversación profunda entre objetos y experimentos estéticos, que pone de relieve [una] red dinámica y polifónica". ^{[ 56 ]} "The Guests All Crowded Into the Dining Room" (Mitchell-Innes & Nash, 2016) fue una exposición inmersiva que incluía dos asistentes, esculturas autónomas y una "situación" efímera compuesta por una plataforma-escenario sinuosa y escalable que permitía la visualización de dibujos colgados sobre franjas de naranja y rosa pintadas en las paredes de la galería. ^{[ 33 ] [ 79 ] [ 6 ]} En 2019, el Centraal Museum montó "Stuff Matters", una gran exposición que Stockholder co-curó con Laurie Cluitmans, en la que incorporó sesenta objetos de la colección del museo, de una manera análoga a su uso de objetos en su escultura. La muestra incluía dos asistentes atados a objetos del museo, esculturas que abarcaban veinte años de su trabajo y una instalación efímera. ^{[ 57 ] [ 53 ]}

La obra posterior de Stockholder incluye las series "EWaste" y "Specific Shape/Fixed Object". David Pagel describió las piezas "EWaste" —reelaboraciones de dispositivos y hardware electrónicos encontrados convertidos en esculturas abstractas— como "sutilmente subversivas", amalgamas de composición tensa que combinan la especulación de libre asociación con el poder formal de los collages de papel recortado de Matisse. ^{[ 80 ]} En una exposición de 2021, Stockholder combinó sus "formas específicas" —formas pintadas a mano en paredes cuya escala cambia de una instalación a otra— con "objetos fijos", pequeñas esculturas ensambladas a partir de materiales cotidianos que permanecen inalterables en todas las instalaciones. ^{[ 81 ]}

Stockholder ha comisariado varias exposiciones de su propia obra y de otros. Estas exposiciones tuvieron lugar en Gorney Bravin & Lee (2003), ^{[ 55 ]} Tang Museum ("The Jewel Thief", comisariada junto con Ian Berry, 2010), ^{[ 82 ]} Kavi Gupta ("Assisted", 2015), ^{[ 56 ]} The Contemporary Austin (2018, obra de Robert Davidson ), ^{[ 73 ]} Centraal Museum (con Laurie Cluitmans, 2019), ^{[ 57 ]} y OGR Turino (2021). ^{[ 83 ]}

De 1999 a 2011, Stockholder fue directora y profesora de estudios de posgrado en escultura en la Universidad de Yale. ^{[ 11 ] [ 84 ] [ 85 ]} Fue jefa de la facultad del Departamento de Artes Visuales de la Universidad de Chicago de 2011 a 2018, y se retiró de la docencia en 2024. ^{[ 30 ]}

Stockholder ha recibido una beca Guggenheim (1996); ^{[ 26 ]} premios del Museo Lehmbruck en Alemania (2001), ^{[ 86 ]} Smithsonian American Art Museum (Premio Lucelia Artist, 2007), ^{[ 27 ]} Anonymous Was A Woman (2012), ^{[ 28 ]} y American Academy of Arts and Letters ; ^{[ 87 ] [ 88 ]} y subvenciones del National Endowment for the Arts, New York Foundation for the Arts y Canada Council . ^{[ 29 ] [ 68 ]} Fue elegida miembro de la National Academy of Design en 2011 y recibió doctorados honoris causa del Emily Carr College of Art y del Columbia College Chicago , en 2010 y 2013, respectivamente. ^{[ 89 ] [ 85 ]}

La obra de Stockholder pertenece a las colecciones públicas de museos estadounidenses, entre ellos MoMA, ^{[ 21 ]} Albright-Knox Art Gallery , ^{[ 90 ]} Art Institute of Chicago, ^{[ 23 ]} Los Angeles County Museum of Art , ^{[ 91 ]} MOCA LA, ^{[ 92 ]} Museum of Fine Arts, Boston , ^{[ 17 ]} National Gallery of Art , ^{[ 93 ]} Orange County Museum of Art , ^{[ 94 ]} San Francisco Museum of Modern Art , ^{[ 95 ]} y el Whitney Museum. ^{[ 96 ]} Pertenece a las colecciones internacionales del Museo Británico, ^{[ 24 ]} Carré d'Art , ^{[ 97 ]} Centraal Museum, ^{[ 98 ]} GAM Torino , ^{[ 99 ]} Le Consortium, ^{[ 100 ]} Lehmbruck Museum , ^{[ 101 ]} Mumok , ^{[ 102 ]} Musée National d'Art Moderne (Centre Pompidou), ^{[ 103 ]} National Gallery of Australia , ^{[ 104 ]} Städel , ^{[ 44 ]} Stedelijk Museum Amsterdam, ^{[ 25 ]} y Vancouver Art Gallery , entre otras. ^{[ 17 ]}

La obra de Stockholder fue incluida en la exposición Mujeres en la abstracción de 2021 en el Centro Pompidou . ^{[ 105 ]}

• Sitio web de Jessica Stockholder
• Perfil de Jessica Stockholder en Art21
• Entrevista con Jessica Stockholder | ¿Qué es lo normal ?, Diario de ATP
• Un proyecto para Artforum de Jessica Stockholder
• Jessica Stockholder | Asuntos importantes , 2019
• 'Color Jam': Una conversación con Jessica Stockholder , 2012