Mira Mickey

«Mira a Mickey» (también conocida como « ¡Mira a Mickey! ») es una pintura al óleo sobre lienzo de Roy Lichtenstein , realizada en 1961. Considerada por muchos como el puente entre su expresionismo abstracto y su obra pop art , destaca por su humor irónico y su valor estético, además de ser el primer ejemplo del uso que hizo el artista de los puntos Ben-Day , los bocadillos de diálogo y las imágenes cómicas como fuente de inspiración para una pintura. La obra fue legada a la Galería Nacional de Arte de Washington D. C.tras la muerte de Lichtenstein.

Partiendo de sus dibujos de personajes de cómics de finales de la década de 1950, Look Mickey marca el primer uso pleno por parte de Lichtenstein de técnicas pictóricas para reproducir representaciones casi fieles de la cultura pop y, de este modo, satirizar y comentar el entonces incipiente proceso de producción en masa de imágenes visuales. En esto, Lichtenstein fue pionero de un motivo que se volvió influyente no solo en el arte pop de la década de 1960, sino que continúa presente en la obra de artistas actuales. Lichtenstein toma prestado de un libro ilustrado de Donald Duck, mostrando a Mickey Mouse y Donald Duck durante un percance de pesca. Sin embargo, introduce alteraciones significativas en la fuente original, incluyendo la modificación de la paleta de colores y la perspectiva, y la adición de un globo de diálogo, cambiando así el chiste original.

La obra data de la primera exposición individual de Lichtenstein y es considerada por la crítica de arte como revolucionaria, tanto por su evolución dentro del arte pop como por su contribución al arte moderno en general. Posteriormente, fue reproducida en su cuadro de 1973, *Artist's Studio—Look Mickey* , donde se muestra la pintura colgada en un lugar destacado de una pared del estudio de Lichtenstein.

A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, varios pintores estadounidenses comenzaron a adaptar las imágenes y los motivos de las tiras cómicas a su obra. Lichtenstein fue uno de ellos, y en 1958 comenzó a dibujar personajes de cómics. Andy Warhol produjo sus primeras pinturas en este estilo en 1960. Lichtenstein, sin conocer la obra de Warhol, creó Look Mickey y Popeye en 1961. ^{[ 1 ]} Las obras de Lichtenstein de 1961, especialmente Look Mickey , se consideran un paso menor respecto a su anterior arte pop de tiras cómicas. ^{[ 2 ]}

Según la Fundación Lichtenstein, Look Mickey se basó en la serie Little Golden Book . ^{[ 3 ]} La Galería Nacional de Arte señala que la fuente se titula Donald Duck Lost and Found , escrita en 1960 por Carl Buettner y publicada por Disney Enterprises . La imagen fue ilustrada por Bob Grant y Bob Totten. ^{[ 4 ] [ 5 ]} Una teoría alternativa sugiere que Look Mickey y Popeye eran ampliaciones de envoltorios de chicle. ^{[ 1 ]} Esta imagen marcó la primera de numerosas obras en las que Lichtenstein recortó su fuente para acercar al espectador a la escena. ^{[ 6 ]}

Varias historias pretenden narrar el momento de inspiración de Look Mickey . La crítica Alice Goldfarb Marquis escribe que el artista recordaba a uno de sus hijos señalando un cómic y desafiándolo: «Apuesto a que no puedes pintar tan bien como eso». ^{[ 7 ]} Otra cuenta que la pintura surgió de un esfuerzo por demostrar sus habilidades tanto a su hijo como a los compañeros de clase de este, quienes se burlaban de las abstracciones difíciles de comprender de Lichtenstein. ^{[ 8 ]} El pintor estadounidense Allan Kaprow afirmó una vez, refiriéndose a un envoltorio de chicle Bazooka Dubble Bubble , a Lichtenstein: «No se puede enseñar el color de Cézanne, solo se puede enseñar de algo como esto». Lichtenstein entonces le mostró una de sus imágenes del Pato Donald. ^{[ 9 ]}

Durante la etapa del cómic de su carrera, Lichtenstein a menudo alteraba ligeramente la coloración de la fuente original. ^{[ 10 ]} Según Marco Livingstone, sus primeros temas de cómic comprenden un "estilo suelto e improvisado claramente derivado de de Kooning ". ^{[ 1 ]} El historiador de arte Jonathan Fineberg describe una pintura de Lichtenstein de 1960 como una "...imagen expresionista abstracta con Mickey Mouse en ella, relacionada estilísticamente con las Mujeres de de Kooning ". ^{[ 11 ]} Cuando Leo Castelli vio las obras de gran formato basadas en tiras cómicas de Lichtenstein y Warhol, optó por mostrar solo las de Lichtenstein, lo que provocó que Warhol creara la serie de latas de sopa Campbell para evitar competir con el estilo más refinado de cómics que Lichtenstein estaba produciendo entonces. ^{[ 12 ] [ 13 ]} Una vez dijo: "Tengo que hacer algo que realmente tenga mucho impacto, que sea lo suficientemente diferente de Lichtenstein y James Rosenquist , que sea muy personal, que no parezca que estoy haciendo exactamente lo que ellos hacen". ^{[ 14 ]} La incursión de Lichtenstein en los cómics llevó al abandono del tema por parte de Warhol. ^{[ 15 ]} Aunque Lichtenstein continuó trabajando con fuentes de cómics, después de 1961 evitó las fuentes fácilmente identificables como Popeye y Mickey Mouse . ^{[ 16 ]}

Durante el otoño de 1961, Allan Kaprow, colega docente en la Universidad de Rutgers , presentó a Lichtenstein al marchante de arte Ivan Karp , director de la Galería Leo Castelli. Lichtenstein le mostró a Karp varias pinturas, pero no « Mira a Mickey» . En cambio, lo impresionó con «Niña con pelota» , y Karp decidió representar a Lichtenstein unas semanas después. ^{[ 3 ]}

La pintura es una de las primeras obras no expresionistas de Lichtenstein y marca su primer uso de los puntos Ben-Day , que empleó para darle un efecto de semitono "industrial". La pintura es su primer uso tanto de un globo de diálogo ^{[ 3 ]} como de cómics como material de referencia. ^{[ 17 ]} La ​​obra tiene marcas de lápiz visibles y fue realizada utilizando un cepillo de cerdas de plástico para perros para aplicar la pintura al óleo sobre el lienzo. ^{[ 3 ]} Para el momento de su muerte, Look Mickey era considerada la obra que catapultó a Lichtenstein a la fama. ^{[ 18 ]}

Al reproducir una ilustración producida en masa con un estilo pictórico, Lichtenstein simplifica la composición reduciéndola a colores primarios, lo que acentúa su atractivo popular y le confiere un aspecto llamativo. ^{[ 4 ]} Normalmente, los puntos Ben-Day permiten al artista producir una variedad de colores utilizando puntos de pocos colores para crear la ilusión de una paleta más amplia. Al mezclar puntos de diferentes colores, como en una impresora de inyección de tinta, se puede crear un amplio espectro con tan solo unos pocos colores, utilizando un número limitado de tonalidades primarias. Lichtenstein, como pintor y no como impresor de producción en masa, evita esto, logrando sus tonos de color individuales sin mezclar tonalidades existentes. En cambio, para cada color que quería incluir en una obra, utilizaba pintura de ese color. ^{[ 20 ]}

Lichtenstein realizó varias modificaciones a la obra original: eliminó varias figuras y rotó el muelle para que Donald mirara hacia un lado en lugar de hacia el extremo. Al mismo tiempo, mantuvo a Donald y Mickey en casi las mismas posiciones que en el original. ^{[ 21 ]} Lichtenstein no solo rediseñó el espacio, sino que también alteró la posición del cuerpo de Donald y la caña de pescar, y eliminó signos de estrés y esfuerzo. ^{[ 22 ]} También añadió un globo de diálogo, haciendo que Donald aparentemente no se diera cuenta de que no había logrado lanzar la caña, a diferencia del dibujo animado original. Walt Disney dijo sobre el Pato Donald: "Tiene una boca grande, un ojo grande y beligerante, un cuello que se puede girar y una parte trasera sustancial que es muy flexible. El pato se acerca a ser el sujeto ideal del animador". ^{[ 23 ]} La pintura de Lichtenstein refleja muchas de estas características físicas. ^{[ 24 ]}

En comparación con la fuente original, Donald se inclina más hacia adelante, hacia el agua, y Mickey menos. El rostro de Mickey está más sonrojado. ^{[ 25 ]} La composición incorpora algunas de las peculiaridades de la impresión de cómics, incluyendo la desalineación de los contornos de las olas con el cielo amarillo para generar un área de espacio en blanco . ^{[ 20 ]}

La reproducción a gran escala de una viñeta de cómic fue considerada radical y revolucionaria en su momento. ^{[ 26 ]} Los críticos aplaudieron la jovialidad, el humor inherente y la irreverencia de la obra. Según Diane Waldman del Museo Solomon R. Guggenheim , « Look Mickey es una comedia desternillante y cae en la categoría de la comedia física  ...» ^{[ 27 ]} En el obituario de Lichtenstein , el crítico del Los Angeles Times, Christopher Knight, describió la obra como «una variación sutilmente hilarante del expresionismo abstracto». ^{[ 18 ]} Las ligeras alteraciones de Lichtenstein a su «claridad lineal y color», escribe el crítico, aumentan su valor estético y grandeza, reforzados por su elección de escala. ^{[ 28 ]} Una idea errónea común sobre Lichtenstein proviene del hecho de que en sus obras más conocidas, su meticuloso enfoque de la pintura está deliberadamente disfrazado porque superficialmente busca que sus pinturas parezcan facsímiles de íconos de la cultura pop producidos industrialmente. ^{[ 22 ]} Graham Bader escribió que «la pintura de Lichtenstein, de hecho, parece más el producto de la fabricación industrial que la propia imagen pulp en la que se basa». ^{[ 29 ]} Look Mickey se considera autorreferencial en el sentido de que el artista está pintando algo a través del cual el espectador puede ver elementos del artista. ^{[ 30 ]}

Bader observa que Look Mickey se ocupa tanto del proceso artístico como de las nuevas técnicas pictóricas de Lichtenstein. Cree que puede considerarse un autorretrato en el sentido de que «situa explícitamente al propio creador de la pintura dentro del circuito narcisista y ensimismado que se encuentra en su centro». La pintura muestra a Donald mirando el reflejo en el agua, la firma azul «rfl» de Lichtenstein, «como una especie de sustituto del creador de la imagen», de una manera que recuerda al Narciso de Caravaggio , en el que el sujeto contempla su propio reflejo en el agua. ^{[ 30 ]} Esto se interpreta como una alegoría de la posición de Lichtenstein como artista formado para desarrollar sus instintos realistas a pesar de la prominencia del expresionismo abstracto . Visto así, Mickey funciona como el superyó « modernista de vanguardia » que se alza sobre Lichtenstein y se ríe de sus esfuerzos retrógrados. ^{[ 25 ]}

Lichtenstein utiliza puntos Ben-Day rojos para colorear el rostro de Mickey. Según algunos críticos de arte, esto le da al personaje la apariencia de estar sonrojado . Otras interpretaciones son que la coloración es simplemente pigmentación de la piel o que es el tono asociado con un "brillo saludable", ya que Mickey ha sido históricamente visto como una criatura con piel en lugar de pelaje. ^{[ 31 ]} Otra interpretación, respaldada por la fuente original en la que Mickey dice que si Donald puede pescar el pez puede comérselo para el almuerzo, es que el rostro de Mickey está rojo debido al esfuerzo necesario para contener su incredulidad y risa mientras experimenta su superioridad divertida. ^{[ 25 ]} Quienes se adhieren a la interpretación del sonrojo se ven reforzados por la irregularidad de las manchas de los puntos rojos, pero otros se apresuran a señalar que la técnica de puntos Ben-Day de Lichtenstein todavía estaba en una etapa primitiva. No desarrolló el uso de una plantilla (es decir, la técnica de presionar la pintura líquida sobre la superficie a través de una pantalla de puntos) para presentar puntos distribuidos uniformemente hasta 1963. ^{[ 32 ]}

Graham Bader, al describirlo como el motor de la narrativa de la pintura, señala la intriga creada por la yuxtaposición del sentido de percepción visual agudizado de Donald en relación con su presa anticipada, y su sentido de percepción táctil adormecido en relación con tener un anzuelo en la parte posterior de su propia camisa. En este sentido, Lichtenstein ha optado por representar una fuente que tiene como tema una división entre una conciencia visual aumentada y un sentido del tacto ausente: ^{[ 33 ]}

Donald es un sujeto explícitamente dividido, toda experiencia sensorial en un extremo y, literalmente, entumecimiento en el otro (y, visualmente, toda profundidad y toda planitud, pues el rostro de Donald es, con mucho, el elemento más ilusionista espacialmente del cuadro, mientras que su chaqueta enganchada, fusionada con las olas esquemáticas que hay detrás, es enfáticamente uno de los más planos). De hecho, Donald es un retrato de la separación exacta entre vista y tacto, visión y tacto… Lo que divide la visión y el tacto en Look Mickey, lo que marca este cambio entre ellos, es el texto: las palabras que Donald (y Lichtenstein) introducen en la escena, y que el palo-cepillo del pato atraviesa antes de engancharse en su propia parte trasera.

Lichtenstein exploró con frecuencia temas relacionados con la visión después de comenzar a trabajar en el género del arte pop; ejemplos tempranos incluyen I Can See the Whole Room... and There's Nobody in It! y Look Mickey . ^{[ 34 ]} En esta pintura, los grandes ojos de Donald indican su creencia de haber atrapado algo grande, mientras que los pequeños ojos de Mickey indican su incredulidad de que Donald haya atrapado algo significativo. ^{[ 35 ]} Al igual que las obras de Lichtenstein con sujetos mirando a través de un periscopio ( Torpedo...Los! ), un espejo ( Girl in Mirror ) o una mirilla ( I Can See the Whole Room  ... and There's Nobody in It! ), Look Mickey , con un sujeto mirando su reflejo en el agua, es un ejemplo prominente del tema de la visión. Utiliza la narrativa para enfatizar este motivo, al tiempo que presenta varios elementos visuales. ^{[ 34 ]}

La pintura se incluyó en la primera exposición individual de Lichtenstein en la Galería Leo Castelli, una muestra en la que todas las obras se habían vendido antes de su inauguración en febrero de 1962. ^{[ 7 ]} La exposición, que se llevó a cabo del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962, ^{[ 36 ]} incluyó Engagement Ring , Blam y The Refrigerator . ^{[ 37 ]} Incluyó la pintura en su Artist's Studio—Look Mickey (1973), mostrándola colgada prominentemente en la pared del espacio pictórico destinado a representar su estudio como el estudio ideal, e implicando que su popularidad entre la crítica y el público ratificaba su elección de temas de la cultura popular. ^{[ 38 ]} Reflexionando sobre Look Mickey muchos años después, dijo:

La idea de hacer [una pintura de dibujos animados] sin alteraciones aparentes simplemente se me ocurrió  ... e hice una casi en serio para hacerme una idea de cómo podría verse. Y mientras pintaba este cuadro, me interesé en organizarlo como una pintura y llevarlo a una especie de conclusión como una declaración estética, algo que realmente no había planeado hacer desde el principio. Y entonces realmente volví a mi otro tipo de pintura, que era bastante abstracta. O lo intenté. Pero tenía este cuadro de dibujos animados en mi estudio, y era un poco demasiado imponente. No podía apartar la vista de él, y de alguna manera me impedía pintar de cualquier otra manera, y entonces decidí que esto era realmente serio  ... Diría que lo tuve en mi caballete durante una semana. Solo quería ver cómo se veía. Intenté convertirlo en una obra de arte. No estaba tratando de simplemente copiar. Me di cuenta de que esto era mucho más cautivador.

La pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte de Washington después de la muerte de Lichtenstein en 1997, luego de una promesa de 1990 en honor al 50.º aniversario de la institución. ^{[ 4 ] [ 39 ]} Permanece en la colección de la galería, donde, a partir de noviembre de 2012, está en exhibición permanente. ^{[ 4 ]}

Harold Rosenberg describió una vez la reelaboración que Lichtenstein hizo de la fuente del cómic de la siguiente manera: "...la diferencia entre una tira cómica de Mickey Mouse y una pintura de Lichtenstein del mismo radicaba en la historia del arte, o en el hecho de que Lichtenstein pinta con la idea del museo en mente." ^{[ 40 ]}

• 1961 en el arte
• 1962 en el arte

• Alloway, Lawrence (1983). Roy Lichtenstein . Abbeville Press . ISBN 0-89659-331-2.
• Bader, Graham, ed. (2009). Roy Lichtenstein: Archivos de octubre . La prensa del MIT . ISBN 978-0-262-01258-4.
• Bourdon, David (1989). Warhol . Harry N. Abrams, Inc. Publishing. ISBN 0-8109-2634-2.
• Livingstone, Marco (2000). Pop Art: A Continuing History . Thames and Hudson . ISBN 0-500-28240-4.
• Fineberg, Jonathan (1995). El arte desde 1940: Estrategias del ser . Harry N. Abrams . ISBN 0-8109-1951-6.
• Rondeau, James; Wagstaff, Sheena (2012). Rigas, Maia M. (ed.). Roy Lichtenstein: una retrospectiva . Instituto de Arte de Chicago . ISBN 978-0-300-17971-2.
• Watson, Steven (2003). Factory Made: Warhol and the Sixties . Pantheon Books . ISBN 0-679-42372-9.

• Mira a Mickey en la colección de la Galería Nacional de Arte.
• Mira a Mickey. Archivado el 5 de noviembre de 2015 en la Wayback Machine de la Fundación Lichtenstein.