Lorena Shemesh

Lorraine Shemesh es una artista estadounidense cuya práctica se centra en la pintura, el dibujo y la cerámica. ^{[1] [2] [3]} Desde principios de la década de 1990, ha creado investigaciones de la forma humana que equilibran el realismo contemporáneo con una preocupación expresionista abstracta por el gesto, el ritmo y el patrón. ^{[4] [5] [6]} Su serie más conocida representa a nadadores activos en piscinas vistas desde arriba y bajo el agua o bailarines entrelazados y disfrazados en espacios ambiguos y comprimidos. ^{[7] [8] [9]} En la década de 2000, su trabajo se ha movido cada vez más hacia la abstracción , con figuras que se disuelven en fenómenos ópticos fielmente representados o patrones geométricos. ^{[10] [11] [12]} Al describir estas cualidades, el crítico de Art in America, Jonathan Goodman, escribió: "ser fiel a la naturaleza le permite a Shemesh registrar una deslumbrante variedad de gestos pictóricos, algunos de ellos directamente dentro de la tradición del expresionismo abstracto ... Su uso de efectos abstractos al servicio de la representación es sorprendente y hace que su arte sea complejo". ^[1]

El trabajo de Shemesh ha sido exhibido en instituciones como el Museo de Arte Moderno de San Francisco , ^[13] el Museo de Arte del Bronx , la Academia Nacional de Diseño , ^[14] el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston (ICA), el Museo de la Ciudad de Nueva York , ^[15] y el Musée de Carouge (Suiza). ^[10] Su trabajo pertenece a las colecciones públicas del Museo de la Academia Nacional , el Parque y Museo de Esculturas DeCordova y el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island , entre otros. ^{[16] [14] [17]}

Shemesh nació en Jersey City, Nueva Jersey . ^{[18] [19]} De niña estudió ballet, una experiencia que influiría en su obra de arte posterior, que explora el movimiento humano. ^{[6] [19]} Recibió una formación clásica en arte en un programa multidisciplinario en la Universidad de Boston , obteniendo una licenciatura en Bellas Artes en pintura en 1971 y una beca de verano en el Instituto Tanglewood con el pintor Philip Pearlstein . ^{[19] [12] [20]} Realizó estudios de posgrado en la Escuela de Arte Tyler (MFA, 1973) tanto en Filadelfia como en Roma, donde sus inspiraciones incluyeron artistas como Chaïm Soutine , Richard Diebenkorn y Edward Hopper . ^[19]

Después de graduarse, Shemesh comenzó a exponer y enseñar en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD) y el Amherst College entre 1973 y 1981. ^{[19] [18]} Apareció en exposiciones colectivas en ICA Boston y el Museo DeCordova y exposiciones individuales en RISD (1976) y Alpha Gallery en Boston (1978) ^{[21] [19] [10]} antes de unirse a la famosa Allan Stone Gallery, ^{[22] [23]} donde tuvo ocho exposiciones individuales entre 1983 y 2009. ^{[24] [25] [1] [5]} También ha tenido exposiciones individuales en el Butler Institute of American Art (2006), ^[26] Gerald Peters Gallery (Nueva York y Santa Fe; 2016, 2019 y 2024), ^{[3] [6]} y Dartmouth College (2021). ^[27]

Shemesh ha trabajado en diversos modos y géneros figurativos a lo largo de su carrera, acercándose con el tiempo a la abstracción. ^{[2] [28] [12]} Su serie Pool and Dancer se basa en intereses clásicos en la anatomía humana, la musculatura y el movimiento. ^{[6] [7]} Exploran la compleja coreografía de la conexión humana, las experiencias universales de temporalidad y mortalidad, y las relaciones entre el cuerpo y el espacio, la tensión y la tranquilidad, la disyunción y la armonía. ^{[28] [29] [14]} Ella equilibra estos intereses con las preocupaciones formales sobre el gesto, la forma abstracta, el patrón, la superficie y el manejo de la pintura. ^{[1] [6] [28]} En trabajos y exposiciones posteriores, ha puesto en diálogo pinturas, dibujos y cerámicas, investigando el movimiento y el patrón a través de motivos comunes y técnicas relacionadas que iluminan su producción general. ^{[3] [6]}

Los primeros trabajos de Shemesh incluyeron dibujos figurativos y colchas pictóricas, paisajes urbanos e interiores al estilo de Hopper y agrupaciones de naturalezas muertas con alimentos y objetos cotidianos, como pelotas de playa, sandalias, guantes de goma y trajes de baño de mujer. ^{[30] [31] [15] [2]} Sus naturalezas muertas consistían en dibujos de grafito y pinturas al óleo de colores brillantes con una deuda con Wayne Thiebaud que combinaba una representación detallada y realista con lo que Carl Little de Art in America llamó una mirada sociocultural para el exceso y temas más oscuros que involucraban la mortalidad, la vulnerabilidad y el "sentimentalismo desesperado" de objetos comunes y no elitistas. ^{[2] [30] [32]} Ejemplos de este trabajo incluyen una agrupación de cajas de dulces ( Three Hearts ) y filas de calzado cuyos cordones errantes y diseños multicolores Little comparó con un banco de peces tropicales que se retuercen hacia arriba ( Bowling Shoes ). ^[2]

A principios de la década de 1990, Shemesh recurrió a pinturas realistas, a gran escala e inmersivas de figuras vistas desde debajo del agua en piscinas, a menudo basadas en estudios anatómicos en profundidad utilizando bailarines como modelos. ^{[25] [33] [1] [7]} A la distancia, las pinturas funcionan como composiciones figurativas clásicas de figuras atléticas, que muestran poderes de observación que los críticos compararon con los boxeadores de George Bellows , que de cerca se disuelven en investigaciones neoimpresionistas de luz pura o abstracción lírica. ^{[10] [32] [8]} Con frecuencia emplean el escorzo anatómico y la ampliación natural causada por la ondulación cambiante del agua para energizar el espacio de la pintura, al tiempo que explotan la calidad ingrávida del agua para evocar la experiencia corporal y extracorporal , la trascendencia de las limitaciones, el tiempo ralentizado, el sueño y la danza. ^{[28] [12] [7] [34]} Los críticos sugirieron que estas cualidades expresivas abrieron las pinturas a interpretaciones diametralmente opuestas, como experiencias sensualmente placenteras o como dramas más inquietantes de desorientación, aislamiento, silencio o peligro, particularmente en obras posteriores de figuras solitarias, a menudo recortadas o truncadas cuyos rostros no son visibles. ^{[12] [28]}

La serie inicialmente se involucró en un diálogo que involucraba la acción común de la piscina por encima y por debajo de la línea de agua, enfatizando las distorsiones de forma y color en los cuerpos sumergidos de los nadadores (por ejemplo, Twist and Shout y Tubes , 1993). ^{[35] [25] [19]} Sin embargo, hacia el final de la década, Shemesh fue cada vez más influenciada por pintores como Jackson Pollock y aflojó su control de la obra, permitiendo que las figuras alguna vez sólidas y contenidas se fragmentaran en estímulos ópticos abstractos: estrías ondulantes, detalles refractados y pasajes de luz ardiente y color incandescente que los escritores compararon con el trabajo de JMW Turner y Claude Monet . ^{[7] [36] [5]} Estas pinturas también adoptaron estrategias compositivas más geométricas y circulares, ya sea en sus arreglos figurativos ( Loop y Link , 1999) o al representar tubos inflables a través de los cuales emergían varias partes del cuerpo ( Ring , 1997). ^[28]

La muestra de Shemesh de 2000, "Water-Works", consistió en grandes óleos y estudios gestuales que, según escribieron los críticos, demostraban un interés intenso e igual en la torsión, flexión y contorsión del cuerpo atlético y las distorsiones del agua nunca quieta. ^{[1] [4]} Ken Johnson del New York Times describió las pinturas como nadadores con las espaldas arqueadas, agarrándose los pies para formar "un símbolo viviente del yin-yang" alrededor del perímetro del lienzo, "inmersos en un flujo pictórico luminoso". ^{[4] [1]} En las muestras posteriores "Breaking the Surface" (2006) y "Inside Out" (2016), Shemesh llevó la disolución de la forma aún más lejos en obras como Amoeba (2005), Spots (2012) y Crescent (2013), con figuras que se funden por completo en pasajes de forma, patrón y pinceladas puramente abstractas. ^{[10] [37] [36] [3]}

A finales de la década de 2000, Shemesh produjo un nuevo conjunto de trabajos, su serie "Intersections" (2007-21): obras de gran tamaño que se alejaban de sus boyantes figuras de Pool al representar bailarines anónimos, en pareja, enzarzados en una fuerte lucha o agarrándose ( Tangle , 2010; Lock , 2009). ^[11] Las pinturas fusionaban una atención realista a la musculatura y las sombras con una geometría abstracta que algunos críticos compararon con el trabajo de Sean Scully . ^{[19] [29] [6] [11]} Completamente cubiertos con trajes con capuchas de anchas bandas blancas y negras, los bailarines representaban poses elaboradas y sensuales que Shemesh colocaba sobre fondos neutros y brumosos y contenidos dentro de espacios poco profundos, casi claustrofóbicos, que comprendían el plano del cuadro. ^{[29] [5]} Los trajes estampados y las yuxtaposiciones de brazos y piernas sintetizaban los cuerpos en formas más grandes, aparentemente imaginadas, con un juego animado y rítmico de formas abstractas; Los patrones fueron influenciados por textiles africanos (por ejemplo, tela Kuba), así como objetos mecánicos como engranajes de bicicleta, ruedas y cremalleras. ^{[29] [5]} Críticos como Donald Kuspit describieron pinturas como Checkmate (2008) como "cargadas de tensión" e "inquietantes" en su ambigüedad existencial. ^{[9] [5]} Representaba figuras sentadas con cabezas y hombros inclinados y brazos hacia atrás, lo que sugiere cautiverio, y piernas estiradas y estrechamente unidas que abarcaban el centro del lienzo que creaba un patrón de tablero de ajedrez. ^[5]

Las pinturas de bailarinas de la serie "The Space Between Us" (2014-21) de Shemesh emplearon colores más cálidos inspirados en el paisaje que rodea a Santa Fe, Nuevo México . ^[6] Por ejemplo, Attached (2018) recordaba la arquitectura de adobe, con una disposición circular de figuras entrelazadas resaltadas por un cuadrado naranja quemado circundante y un área central blanca cegadora que subrayaba el vacío entre ellas; en Puzzle (2014), patrones de color amarillo pálido y negro proyectados sobre y detrás de una disposición de figuras en forma de espiral sugerían sombras fragmentadas, de rompecabezas y los patrones de diamantes de un traje de arlequín , transmitiendo una calidad lúdica y de libre asociación. ^[6] La escritora Molly Boyle sostuvo que estos lienzos interrogaban ideas de conexión, "despertando una exploración de la psicología de una forma humana en relación con otra, y las distancias relativas e intimidades entre los yoes alojados en cada cuerpo". ^[6]

A partir de 2016, Shemesh comenzó a exhibir pinturas y dibujos con vasijas de porcelana y gres que compartían preocupaciones con el patrón, la geometría, las formas retorcidas y entrelazadas, y las metamorfosis de la forma y la luz desde la figuración hasta la abstracción. ^{[3] [6] [8]} Creó las obras de arcilla utilizando las técnicas japonesas que consumen mucho tiempo de Nerikomi y Neriage , entrelazados de arcillas de diferentes colores que luego se construyen a mano como formaciones geológicas en capas, o se trabajan en una rueda de bandas. ^{[3] [36]} Obras como Black & White Tilted Vessel (2011) emplearon repeticiones y desviaciones de patrones y formas fluidas aparentemente sacadas de sus imágenes de piscinas, mientras que Large Black & White Woven Neriage Cylinder (2017) abordó las pinturas de bailarinas. ^{[3] [6]} Al describir la interacción entre los medios, A. Bascove escribió: "La sensación de movimiento apasionado, a menudo con un borde precario, abunda... la atracción gravitatoria del orden en el caos se convierte en una meditación sobre el paso del tiempo y las circunstancias profundamente sentidas de la vida misma". ^[3] El trabajo cerámico de Shemesh aparece en el libro Nerikomi: The Art of Colored Clay del ceramista Thomas Hoadley. ^[38]

El trabajo de Shemesh pertenece a las colecciones públicas del Instituto Butler de Arte Americano, el Museo de Arte Danforth , el Museo DeCordova, el Museo de Arte Hood , la Academia Nacional de Diseño, el Museo de la Ciudad de Nueva York y el Museo de la Escuela de Diseño de Rhode Island, entre otros. ^{[39] [16] [17] [14] [36]} Recibió una beca del Consejo Estatal de Rhode Island para las Artes, un premio de exalumnos distinguidos de la Escuela de Artes Visuales de la Universidad de Boston y residencias de artistas del Dartmouth College, el Centro Watershed para las Artes Cerámicas y Yaddo . ^{[27] [14] [40]} En 2004, fue elegida miembro de la Academia Nacional de Diseño. ^{[41] [18]}

• Sitio web de Lorraine Shemesh
• Lorraine Shemesh, charla de artista residente, Dartmouth, 2021
• De entre muchos: Lorraine Shemesh, Academia Nacional de Diseño, 2021
• Lorena Shemesh y Gerald Peters
• Lorraine Shemesh, Proyectos de Allan Stone