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Lynn Aldrich

Lynn Aldrich, Breaker , acero, madera, fibra de vidrio, mangueras de jardín, 36" x 32" x 50", 1999. Colección del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Lynn Aldrich (nacida ...

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Lynn Aldrich, Breaker , acero, madera, fibra de vidrio, mangueras de jardín, 36" x 32" x 50", 1999. Colección del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

Lynn Aldrich (nacida en 1944) es una escultora estadounidense cuyo arte se nutre de influencias y materiales tanto de alta como de baja cultura. [ 1 ] [ 2 ] [ 3 ] [ 4 ] Las críticas han caracterizado su obra de diversas maneras: como « meditaciones sutilmente minimalistas » sobre el color, la luz y el espacio [ 5 ] y como un « pop de Home Depot » caprichoso [ 3 ] que revela y critica los excesos visuales, formales y materiales del consumo desenfrenado. [ 6 ] [ 2 ] [ 7 ] Leah Ollman y Claudine Ise, del Los Angeles Times, definen el arte de Aldrich, respectivamente, como una «versión consumista de la tradición del ensamblaje » [ 8 ] y un «ingenioso conceptualismo de la cocina » [ 5 ] LA WeeklyDoug Harvey la llama "una de las escultoras menos reconocidas de Los Ángeles", cuyos sellos distintivos son la transformación poética de materiales encontrados, la inventiva formal y el eclecticismo incansable. [ 9 ]

Aldrich ha expuesto en lugares como el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA), el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), el Museo Hammer y el Museo de Arte de Santa Mónica . [ 10 ] [ 11 ] [ 12 ] Recibió una beca Guggenheim en 2014 y su obra pertenece a las colecciones de arte público del LACMA, el MOCA y el Museo de Arte de Portland , entre otros. [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ] [ 16 ] [ 12 ] Vive y trabaja en el área de Los Ángeles. [ 17 ]

Primeros años de vida y carrera profesional

Aldrich nació en Bryan, Texas, en el seno de una familia militar que se mudó por todo Estados Unidos. [ 10 ] [ 18 ] Su padre era patólogo veterinario en el Instituto de Patología de las Fuerzas Armadas y el Zoológico Nacional (Washington, DC) y la ciencia influyó en sus primeros intereses y en su posterior práctica artística. [ 19 ] [ 20 ] Inicialmente estudió biología en la Universidad de Stetson, trabajando como asistente de laboratorio de virología en los Laboratorios Smith, Kline & French (Filadelfia) durante los veranos universitarios. [ 21 ] [ 18 ] Tras cambiarse a literatura inglesa, se graduó de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill (BA, 1966), donde conoció a su futuro esposo, Michael Aldrich. [ 22 ] [ 19 ] Se establecieron en Glendale, California , en 1970 y criaron a tres hijos: Jack, Matthew y Daniel. [ 22 ] [ 19 ]

Aldrich exploró un interés de larga data en el arte a través de clases de pintura y dibujo en Glendale Community College, antes de estudiar arte formalmente en California State University, Northridge (BA, 1984), con el pintor Marvin Harden, y en Art Center College of Design (MFA, 1986), con Jeremy Gilbert-Rolfe y Stephen Prina . [ 23 ] [ 18 ] En la escuela de posgrado su estrategia de trabajo enfatizó los materiales, las alusiones poéticas, la tridimensionalidad, los cambios de escala y la simplicidad reductiva en lugar de un estilo distintivo; sus influencias incluyeron al teórico Paul Virilio , al artista/escritor Robert Smithson , a los minimalistas Donald Judd y Anne Truitt , y a los californianos Robert Irwin y Ed Ruscha . [ 22 ] [ 24 ] [ 16 ]

Después de graduarse, Aldrich expuso ampliamente, ganando reconocimiento por exposiciones individuales en Krygier/Landau, Sue Spaid Fine Art, Sandroni Rey y el Museo de Arte de Santa Mónica en California, Cristinerose Gallery (Nueva York) y Art Affairs Gallery (Ámsterdam). [ 23 ] [ 25 ] [ 26 ] [ 1 ] [ 27 ] Apareció en exposiciones colectivas en MOCA, Los Angeles Municipal Art Gallery , San Francisco Art Institute , PPOW (Nueva York) y Portland Institute of Contemporary Art. [ 28 ] [ 10 ] [ 29 ] En su carrera posterior, Carl Berg Gallery, Ben Maltz Gallery , Edward Cella Art+Architecture y DENK Gallery en Los Ángeles y Jenkins Johnson Gallery (Nueva York) han realizado exposiciones individuales de la obra de Aldrich. [ 9 ] [ 30 ] [ 4 ] [ 10 ] Expuso en exposiciones colectivas en LACMA, MOCA Pacific Design Center, el Hammer Museum, el Museo de Arte de San José y el Museo de Arte Bíblico de Nueva York. [ 11 ] [ 10 ]

Aldrich también ha impartido clases de arte durante aproximadamente tres décadas en la Universidad Azusa Pacific , la Escuela de Posgrado Mars Hill , el Art Center College of Design, la UCLA , el Otis College of Art and Design y la Universidad Biola . [ 22 ] [ 31 ]

Lynn Aldrich, Vista de la instalación de la exposición "Objetos poco comunes", Galería Alyce de Roulet Williamson, Art Center College of Design, 2013. En la imagen: Subdivisión , 1990 (primer plano, Colección MOCA Los Ángeles); Agujero de gusano , 2003 (fondo, Colección del Museo de Bellas Artes de Cornell, Winter Park, Florida); Vida en estante , 1992 (pared izquierda); y Constelación , 2005/2013 (pared derecha).

Trabajo y recepción

Aldrich incorpora una amplia gama de puntos de referencia en su obra: el exceso y el espectáculo de la cultura de consumo y la vida en Los Ángeles, influencias artísticas y literarias, fenómenos naturales y celestiales, y el anhelo cristiano de revelación y trascendencia. [ 20 ] [ 32 ] [ 33 ] [ 34 ] [ 24 ] El curador Stephen Nowlin escribió que las "obras heterogéneas de Aldrich fusionan y desintegran influencias de Duchamp , pop y minimalistas, a la vez respetuosa e irreverentemente, midiendo las dimensiones de la existencia contemporánea mediante el uso de la paleta de un consumidor". [ 35 ] Los críticos suelen señalar las dualidades resultantes en su obra de banalidad y profundidad, espectáculo humorístico y preocupación casi apocalíptica , empirismo científico y fe. [ 1 ] [ 36 ] [ 11 ] [ 16 ]

Los escritores también enfatizan el método de Aldrich de jugar influencias artísticas como el movimiento Luz y Espacio a partir de estrategias feministas que inyectan elementos cotidianos y domésticos en las bellas artes. [ 36 ] [ 1 ] [ 37 ] Ella crea a través de procesos de acumulación, repetición y colocación que preservan la naturaleza fundamental y reconocible de sus materiales fuente. [ 16 ] [ 38 ] Las obras resultantes (y sus títulos con juegos de palabras) fusionan, deconstruyen o cortocircuitan la forma, la función y el significado, [ 39 ] [ 5 ] creando enigmas físicos y conceptuales que revelan metáforas inherentes y esencias poéticas en objetos comunes. [ 40 ] [ 11 ] [ 7 ]

Primeros trabajos (1987–1996)

Las primeras reseñas describen el trabajo de Aldrich como "conceptualmente mordaz" [ 41 ] "disposiciones asombrosamente formalistas" [ 1 ] que transforman artefactos mundanos en ingeniosas metáforas visuales. [ 42 ] Al fusionar la forma minimalista de la alta cultura con el simbolismo de los objetos producidos en masa, obras como Subdivision (1990) o Shelf Life (1992) ofrecieron un comentario abierto sobre la domesticidad suburbana, el humanismo burgués y la práctica artística modernista . [ 1 ] [ 43 ] [ 37 ] [ 44 ] Subdivision presentaba secciones de valla blanca dispuestas en una formación cuadrada compacta que los críticos escribieron que significaba tanto la vida suburbana idealizada como la claustrofobia o amenaza de una vida prístina pero oprimida; [ 41 ] [ 1 ] [ 37 ] Shelf Life presentaba pilas de latas de comida sin etiquetas y encajadas en un espacio similar a un armario, una meditación sobre la obsolescencia y la mortalidad que Artforum comparó visualmente con "una Louise Nevelson en miniatura en metal". [ 1 ] [ 34 ]

Los críticos suelen destacar una fusión perfecta de materiales y concepto en la obra de Aldrich. [ 27 ] [ 45 ] David Pagel describió Waxing and Waning (1990) —dos docenas de tiras de papel encerado colgando entre dispensadores de plástico en paredes contiguas— como una elegante y "fantasmagórica parodia de las piezas de fieltro seminales de Robert Morris " que alude a la invisibilidad y el poder del trabajo doméstico. [ 46 ] Las camisetas anidadas y almidonadas con resina de Shell Collection (1993–4) hacían referencia al ciclo de vida y a formas naturales como los anillos de los árboles, las mudas orgánicas o las crisálidas ; ARTnewsSuzanne Muchnic describió tales obras como "piezas de pensamiento inusuales" cuyo toque ligero, humor irónico y carácter efímero hacían que sus "ideas fueran aún más memorables porque parecían ingrávidas". [ 43 ] [ 37 ]

Lynn Aldrich, Starting Over: Neo-Atlantis , Esponjas, estropajos, almohadillas abrasivas, cabezales de fregona, cepillos, guantes de plástico, desatascadores, piezas de fontanería, 54" x 96" x 66", 2008.

Obra madura (1997– )

Las reseñas de las principales exposiciones de Aldrich a mitad de su carrera (1997-2008) sugieren que adoptó una teatralidad más asertiva y una extravagancia sensual, explorando la belleza inadvertida de la sociedad de consumo y revelando sus peligros. [ 40 ] [ 9 ] [ 47 ] Más caprichosa, más compleja en su gama de colores, espacio y textura, esta obra desafió aún más las restricciones minimalistas en cuanto al contenido narrativo y referencial, conectando con asociaciones corporales y connotativas [ 6 ] [ 2 ] [ 9 ] [ 8 ] y generando temas filosóficos y teológicos explícitos que involucran la tierra y el cosmos, la sociedad y la percepción. [ 6 ] [ 48 ] [ 38 ] [ 49 ]

En Designer's Choice (Genesis) (1997; una cuadrícula de piso de 125 muestras de tela de tapicería de piel sintética ) y Worm Hole (2003; un túnel de tubos de fundición de hormigón revestidos con un espectro de piel sintética), Aldrich mezcló productos de consumo de gama baja, casi llamativos, forma minimalista y alusiones espirituales, científicas y metafísicas. [ 2 ] [ 9 ] [ 50 ] Para Breaker (1999), Serpentarium (2002) y Drench (2008), recontextualizó mangueras de jardín comunes, usando sus tonalidades de agua a verde como pigmentos y evocando alusiones al agua, serpientes en equilibrio en el paraíso, patios traseros suburbanos y pinturas abstractas de rayas, entre otros; [ 39 ] [ 9 ] [ 17 ] Breaker sugirió una gran ola, juguetonamente amenazante, que se elevaba desde el suelo como un grabado de Hokusai , con sus brillantes accesorios de latón que parecían motas de espuma. [ 48 ] [ 39 ] [ 40 ]

Varias obras tragicómicas imitaron la vida acuática con productos comerciales (a menudo de la economía petrolera que amenaza la vida oceánica), ofreciendo críticas irónicas y furtivas de la sociedad de consumo. [ 8 ] [ 51 ] [ 52 ] Sea Change (2003) es un diorama Day-Glo de vida submarina construido con esponjas de cocina y estropajos; Starting Over: Neo- Atlantis utiliza productos de limpieza y desatascadores de inodoro para crear un mundo submarino sintético e hiperbólico cuyo derroche de color rivaliza con la gama cromática de la naturaleza. [ 9 ] [ 45 ] [ 8 ] [ 53 ] Leah Ollman describió tales obras como cargadas con "un poder caricaturesco [que] resuena poderosamente —y caprichosamente— con mundos tanto naturales como antinaturales, la esfera doméstica y el trauma global". [ 8 ]

Lynn Aldrich, Ramo de flores , bajantes de acero, codo flexible de plástico, esmalte exterior, tejas, 71 x 48 x 30 cm, 2009. Colección de la Galería de Arte Ahmanson, Irvine.

A finales de la década de 2000, Aldrich exploró metáforas que involucran agua, sed y anhelo en obras que utilizan canaletas de lluvia de acero galvanizado cuyo significado (y títulos) se equilibran entre objeto formal, vernáculo suburbano y metáfora. [ 54 ] [ 20 ] [ 7 ] Silver Lining (2009) es una gran serie de bajantes de metal brillante suspendidos a diferentes alturas desde arriba, sus interiores abiertos pintados en tonos azules que sugieren rayas de lluvia, tubos de órgano y lo sacramental. [ 54 ] [ 13 ] [ 47 ] En Desert Springs (2006–9) y Bouquet (2009), Aldrich subvirtió la función de las bajantes, organizándolas como manantiales, cactus, tallos oculares de animales o flores que estallan. [ 20 ] [ 7 ] Hydra Hydrant (2010) presenta un tronco de bajantes blancas que se extienden hacia arriba en un frenesí retorcido, lírico y de múltiples cabezas. [ 30 ] [ 55 ] [ 7 ]

Los escritores sugieren que la obra de Aldrich a menudo trae lo trascendente o majestuoso al espacio doméstico íntimo y común, como en My Niagara (2012) o Ray (2005/2013), una escultura sobria, del techo al suelo, similar a un rayo de sol, hecha de 150 colores únicos de hilos de coser que sugieren iluminación o epifanía. [ 47 ] [ 52 ] [ 56 ] [ 24 ] Sus obras de pared "Lampshade" ( The Violet Hour (for TS Eliot) ; Constellation ) transforman igualmente lo mundano —pantallas de lámparas baratas y parcialmente llenas fijadas de arriba a las paredes con interiores sutilmente pintados— en cuencos celestiales de color y luz [ 2 ] [ 39 ] [ 40 ] [ 52 ] que Susan Kandel dijo que sugieren "que la revelación está disponible incluso, o tal vez especialmente, en la tienda de 99 centavos". [ 6 ] La instalación Rosy Future (2015) reinterpretó la majestuosidad y la luz de los interiores de las catedrales con vidrieras, utilizando paneles de yeso, papel alquitranado y pintura; [ 57 ] [ 19 ] Hermitage (2019), una columna de catorce pies con forma de telescopio a la que los espectadores pueden entrar, utiliza materiales sencillos y una construcción de baja tecnología para recrear los efectos de luz meditativos y de alta tecnología de los skyspaces de James Turrell . [ 58 ] [ 59 ]

Reconocimiento público

Aldrich ha recibido becas de la Fundación John S. Guggenheim (2014), el J. Paul Getty Trust (2000) y la Ciudad de Los Ángeles (COLA, 1999). [ 12 ] [ 10 ] Ha recibido un premio Communication Arts Design Award por Un/Common Objects: Lynn Aldrich (2014), un premio United States Artists Project Award (2014), un premio Christians in the Visual Arts (CIVA) Award (2007) y un premio de la Bienal de Florencia por escultura (2001), entre otros. [ 10 ]

La obra de Aldrich pertenece a las colecciones públicas de LACMA, MOCA Los Ángeles, Biblioteca Pública de Nueva York , Museo de Arte de Portland, Galería de Arte Ahmanson (Irvine, CA), Fundación Calder, Museo de Bellas Artes Cornell (Winter Park, FL) y Museo de Arte Westmont Ridley-Tree (Santa Bárbara, CA). [ 13 ] [ 10 ] [ 12 ] Ha recibido encargos de arte público de la Autoridad de Tránsito Metropolitano de Los Ángeles (para Blue Line Oasis , 1994, estación Artesia de la Línea Azul) [ 60 ] y del Centro de Artes Armory (para la instalación pública temporal, Three Founts , 2010). [ 61 ] [ 62 ] [ 63 ]

Referencias

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  • Sitio web oficial de Lynn Aldrich
  • Lynn Aldrich: Artista singular , documental