Retablo de Massa Fermana

El retablo de Massa Fermana es una pintura al temple y oro sobre tabla de 1468 del pintor italiano Carlo Crivelli , conservada en la iglesia de Santi Lorenzo e Silvestro en la ciudad de Massa Fermana . Está firmado " KAROLVS CRIVELLVS VENETVS PINXIT HOC OPVS MCCCCLXVIII ". ^[1] Es su obra más antigua conocida y es notable por datar su regreso a Italia. ^[2]

El registro central es una Virgen con el Niño, flanqueada por los santos Juan Bautista, Lorenzo, Silvestre y Francisco. Por encima de este se encuentran los paneles de María en la Anunciación, la Piedad y Gabriel en la Anunciación, mientras que debajo hay una predela que muestra a Cristo en Getsemaní, la Crucifixión, la Flagelación y la Resurrección.

Amico Ricci (1834) cita una tradición local según la cual la obra fue un encargo de un conde de la familia Azzolini de Fermo , que también eran señores de Massa Fermana. Durante el reconocimiento de las obras de arte que quería el recién formado gobierno italiano tras la Unificación de Italia , Cavalcaselle y Crowe vieron el políptico en 1861 en la casa parroquial. Posteriormente se expuso en la residencia municipal y luego en la Galleria Nazionale delle Marche de Urbino , donde permaneció hasta el final de la Segunda Guerra Mundial , después de lo cual regresó a la iglesia de origen.

El políptico está compuesto por cinco paneles principales con la Virgen con el Niño en el centro (105x44 cm) y en los laterales los santos Juan Bautista, Lorenzo, Silvestre y Francisco (105x44 cm cada uno). Los paneles con la Anunciación y Gabriel en la Anunciación miden 37x19 cm cada uno, y la Piedad mide 51x28 cm. En los cuatro compartimentos de la predela, la Crucifixión precede a la Flagelación , una inversión del orden habitual.

La Virgen está sentada en un trono en el centro y sostiene en sus brazos al Niño que la bendice y sostiene una esfera dorada, símbolo del globo terrestre. El trono de mármol reposa sobre un pedestal, en el que está incrustada una vela apagada, cerca de la firma del artista. En la parte superior está refinada por el paño rojo que cubre el respaldo y por dos grandes grullas apoyadas a los lados, un melocotonero y un membrillo , en alusión al Pecado Original . Las aureolas, de María y de los santos, son de tipo arcaico, como discos dorados prendidos a la parte posterior de la cabeza y no escorzados, sobre los que el artista aplicó decoraciones en relieve.

La Virgen recuerda los esquemas de Filippo Lippi . En comparación con las Vírgenes de Padua o Zadar (por ejemplo, la Virgen de Huldschinsky ), la figura de la Virgen se suaviza aquí con una nueva ternura, que más tarde se encontrará en las obras de madurez del artista.

El escalón inferior unifica los compartimentos de los santos, pero se diferencia según el contexto. Por ejemplo, Juan Bautista se imagina en el desierto, apoyado en una roca dentada al estilo de Mantegna , que también se encuentra simétricamente en el panel más a la derecha, de San Francisco recibiendo los estigmas, mientras que los otros dos santos descansan sobre un escalón de mármol jaspeado.

Variando en pose y actitud, los santos son reconocibles por atributos típicos (el pergamino con el Ecce Agnus Dei de Juan , la parrilla de Lorenzo y el crucifijo con rayos dorados -en relieve- tocando las heridas de Francisco), con la exclusión de Silvestre, quien no tiene atributos específicos aparte de la suntuosa túnica papal, pero que sin embargo es reconocible como el santo titular (con Lorenzo) de la iglesia.

Concebidos de forma más seca y escultórica que la Virgen, los santos muestran una mayor persistencia del estilo renacentista paduano.

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  San Juan Bautista y San Lorenzo
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  San Silvestre y San Francisco
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  San Silvestre (detalle)

Se ha perdido el marco de madera original que debía incorporar los paneles superiores de una forma más elegante.

Estas tres escenas también están unidas espacialmente, pero sólo los paneles laterales de la Anunciación, que tienen el mismo fondo con una pared almenada. A la derecha, el ángel se desliza delicadamente con sus alas y los cordones ondeantes de su túnica y almohadilla en relieve; a la izquierda, María, sentada frente al atril, recibe la visita de la paloma del Espíritu Santo y acepta su destino juntando humildemente las manos, mientras que a la izquierda se vislumbra delicadamente su dormitorio, intacto como corresponde a una virgen. Estas dos pequeñas escenas representan un verdadero ejercicio de perspectiva, con la cuadrícula representada en los bloques del suelo y en la progresión de las juntas entre las paredes de ladrillo. El propio atril de la Virgen está violentamente acortado. El tipo de la Madonna está influenciado por Bartolomeo Vivarini , ya conocido por el artista en Venecia y también activo en Las Marcas en esos años.

La Piedad tiene como fondo un paisaje rocoso y despoblado. El cuerpo de Cristo se yergue al mismo tiempo heroico en su fuerte corporeidad plástica y doloroso por el sufrimiento del martirio, recordado no sólo por la mueca, sino también por la cruz que aparece detrás de él con los tres clavos clavados en la madera. La visión del sarcófago en perspectiva y la atención a la emisión de luz son hermosas, como lo demuestra la sombra que Jesús proyecta sobre el borde izquierdo, o la de los clavos.

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  Anunciación
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  Ángel de la Anunciación

La predela presenta escenas narrativas, algo poco frecuente en la producción del artista. La inspiración en el retablo de San Zenón de Mantegna es evidente en las escenas (excluida la Flagelación ), que intentan transmitir aún más el dramatismo de los acontecimientos, como se puede ver claramente en la Crucifixión, donde la anciana María se transfigura con una mueca de dolor. El soldado que yace en escorzo en la Resurrección es una cita explícita del Traslado de San Cristóbal pintado al fresco en la Capilla Ovetari de Padua. La Flagelación, en cambio, haría referencia a las soluciones perspectivas de Paolo Uccello , que trabajó en Urbino en ese año, en particular las escenas del Milagro de la Hostia Profanada .

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  Crucifixión
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  Resurrección