Piet Mondrian

Mondrian nació en Amersfoort , provincia de Utrecht , en los Países Bajos, siendo el segundo de los hijos de sus padres. ^{[ 1 ]} Descendía de Christian Dirkzoon Monderyan, quien vivió en La Haya ya en 1670. ^{[ 2 ]} La familia se mudó a Winterswijk cuando su padre, Pieter Cornelius Mondriaan, fue nombrado director de una escuela primaria local. ^{[ 3 ]} Mondrian se inició en el arte desde temprana edad. Su padre era profesor de dibujo titulado y, junto con su tío, Frits Mondriaan (alumno de Willem Maris de la Escuela de Artistas de La Haya), el joven Piet solía pintar y dibujar a orillas del río Gein. ^{[ 4 ]}

Tras una estricta educación protestante , en 1892, Mondrian ingresó en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam . ^{[ 5 ]} Ya estaba cualificado como maestro. ^{[ 3 ]} Comenzó su carrera como maestro de primaria , pero también practicaba la pintura . La mayor parte de su obra de este período es naturalista o impresionista , compuesta principalmente por paisajes . Estas imágenes pastorales de su país natal representan molinos de viento , campos y ríos, inicialmente al estilo impresionista holandés de la Escuela de La Haya y luego en una variedad de estilos y técnicas que atestiguan su búsqueda de un estilo personal. Estas pinturas son figurativas e ilustran la influencia que diversos movimientos artísticos tuvieron en Mondrian, incluyendo el puntillismo y los colores vivos del fauvismo . En 1893 realizó su primera exposición. ^{[ 6 ]}

En el Kunstmuseum Den Haag se exhiben varias pinturas de este período, incluyendo obras postimpresionistas como El molino rojo y Árboles a la luz de la luna . Otra pintura, Atardecer ( Avond ) (1908), que representa un árbol en un campo al anochecer, incluso presagia desarrollos futuros al utilizar una paleta compuesta casi exclusivamente de rojo, amarillo y azul. Si bien Avond es solo parcialmente abstracta , es la primera pintura de Mondrian que enfatiza los colores primarios .

Las primeras pinturas de Mondrian que muestran cierto grado de abstracción son una serie de lienzos de 1905 a 1908 que representan escenas difusas de árboles y casas indistintas reflejadas en aguas tranquilas. Si bien el resultado lleva al espectador a centrarse en las formas más que en el contenido, estas pinturas aún están firmemente arraigadas en la naturaleza, y solo el conocimiento de los logros posteriores de Mondrian permite buscar en estas obras las raíces de su futura abstracción.

El arte de Mondrian estaba íntimamente ligado a sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908, se interesó por el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX, y en 1909 se unió a la rama holandesa de la Sociedad Teosófica . La obra de Blavatsky y un movimiento espiritual paralelo, la Antroposofía de Rudolf Steiner , influyeron significativamente en el desarrollo posterior de su estética. ^{[ 7 ]} Blavatsky creía que era posible alcanzar un conocimiento de la naturaleza más profundo que el que se obtiene por medios empíricos , y gran parte de la obra de Mondrian durante el resto de su vida se inspiró en su búsqueda de ese conocimiento espiritual. En 1918, escribió: «Lo obtuve todo de La Doctrina Secreta», refiriéndose a un libro escrito por Blavatsky. En 1921, en una carta a Steiner, Mondrian argumentó que su neoplasticismo era «el arte del futuro previsible para todos los verdaderos antropósofos y teósofos». En los años siguientes siguió siendo un teósofo comprometido, aunque también creía que su propia corriente artística, el neoplasticismo, acabaría formando parte de una espiritualidad ecuménica más amplia. ^{[ 8 ]}

Mondrian y su obra posterior estuvieron profundamente influenciados por la exposición de cubismo Moderne Kunstkring de 1911 en Ámsterdam . Su búsqueda de la simplificación se muestra en dos versiones de Naturaleza muerta con jarrón de jengibre ( Stilleven met Gemberpot ). La versión de 1911, ^{[ 9 ]} es cubista; en la versión de 1912, ^{[ 10 ]} los objetos se reducen a una forma redonda con triángulos y rectángulos .

In 1912, Mondrian moved to Paris and changed his name, dropping an "a" from "Mondriaan", to emphasize his departure from the Netherlands, and his integration within the Parisian avant-garde.^[12][13] While in Paris, the influence of the Cubist style of Pablo Picasso and Georges Braque appeared almost immediately in Mondrian's work.^[14] Paintings such as The Sea (1912) and his various studies of trees from that year still contain a measure of representation, but, increasingly, they are dominated by geometric shapes and interlocking planes. While Mondrian was eager to absorb the Cubist influence into his work, it seems clear that he saw Cubism as a "port of call" on his artistic journey, rather than as a destination. Piet Mondrian's Cubist period lasted from 1912 to 1917.

Unlike the Cubists, Mondrian still attempted to reconcile his painting with his spiritual pursuits, and in 1913 he began to fuse his art and his theosophical studies into a theory that signaled his final break from representational painting. While Mondrian was visiting the Netherlands in 1914, World War I began, forcing him to remain there for the duration of the conflict. Isolated, he began to create his own visual language, creating works like Compositie 10 in zwart wit(1915). During this period, he stayed at the Laren artists' colony, where he met Bart van der Leck and Theo van Doesburg, who were both undergoing their own personal journeys toward abstraction. Van der Leck's use of only primary colors in his art greatly influenced Mondrian. After a meeting with Van der Leck in 1916, Mondrian wrote, "My technique which was more or less Cubist, and therefore more or less pictorial, came under the influence of his precise method."^[15] With Van Doesburg, Mondrian founded De Stijl (The Style), a journal of the De Stijl Group, in which he first published essays defining his theory, which he called neoplasticism.

Mondrian published "De Nieuwe Beelding in de schilderkunst" ("The New Visualisation in Painting"),^[16] in twelve installments during 1917 and 1918. This was his first major attempt to express his artistic theory in writing. Mondrian's best and most-often quoted expression of this theory, however, comes from a letter he wrote to H. P. Bremmer in 1914:

Construyo líneas y combinaciones de colores sobre una superficie plana para expresar la belleza general con la máxima consciencia. La naturaleza (o lo que veo) me inspira, me sumerge, como a cualquier pintor, en un estado emocional que me impulsa a crear algo, pero quiero acercarme lo más posible a la verdad y abstraerlo todo, hasta alcanzar el fundamento (¡aún solo un fundamento externo!) de las cosas... Creo que es posible que, mediante líneas horizontales y verticales construidas con consciencia, pero no con cálculo, guiadas por una profunda intuición y armonizadas con ritmo, estas formas básicas de belleza, complementadas si es necesario con otras líneas o curvas directas, puedan convertirse en una obra de arte, tan fuerte como auténtica. ^{[ 17 ]}

En 1920, el texto de Mondrian fue traducido al francés y publicado como Le Néoplasticisme . También se planeó una traducción al polaco: en su correspondencia con diversos artistas de finales de 1926 y principios de 1927, Mondrian mencionó varias veces que había estado trabajando en la maquetación de la traducción al polaco, la cual preparó en colaboración con artistas de la vanguardia polaca. Henryk Stażewski diseñó la portada del libro. ^{[ 18 ]}

Durante las dos décadas siguientes, Mondrian desarrolló metódicamente su estilo característico, adoptando la visión del mundo clásica, platónica y euclidiana, donde simplemente se centró en sus ahora icónicas líneas negras horizontales y verticales que formaban cuadrados y rectángulos rellenos de colores primarios. ^{[ 19 ]}

Al finalizar la Primera Guerra Mundial en 1918, Mondrian regresó a Francia , donde residiría hasta 1938. Inmerso en la cultura de innovación artística del París de la posguerra, floreció y abrazó plenamente el arte de la abstracción pura durante el resto de su vida. Mondrian comenzó a producir pinturas basadas en cuadrículas a finales de 1919, y en 1920, el estilo por el que llegó a ser reconocido comenzó a perfilarse.

Mondrian creía que «el arte abstracto puro se emancipa por completo, liberándose de las apariencias naturalistas. Ya no es armonía natural, sino que crea relaciones equivalentes. La realización de relaciones equivalentes es de suma importancia para la vida. ^{» [ 20 ]}

En las primeras pinturas de este estilo, las líneas que delimitan las formas rectangulares son relativamente finas y grises, no negras. Además, tienden a desvanecerse a medida que se acercan al borde del cuadro, en lugar de terminar abruptamente. Las formas mismas, más pequeñas y numerosas que en las pinturas posteriores, están rellenas de colores primarios, negro o gris, y casi todas están coloreadas; solo unas pocas se dejan en blanco.

A finales de 1920 y durante 1921, las pinturas de Mondrian alcanzaron lo que para el observador casual constituye su forma definitiva y madura. Gruesas líneas negras separan ahora las formas, que son más grandes y menos numerosas, y se deja una mayor proporción de formas en blanco. Sin embargo, este no fue el punto culminante de su evolución artística. Si bien los refinamientos se volvieron más sutiles, la obra de Mondrian continuó evolucionando durante sus años en París.

En las pinturas de 1921, muchas de las líneas negras, aunque no todas, se detienen a una distancia aparentemente arbitraria del borde del lienzo, si bien las divisiones entre las formas rectangulares permanecen intactas. Aquí también, las formas rectangulares conservan en su mayoría coloreadas. Con el paso de los años y la evolución de la obra de Mondrian, comenzó a extender todas las líneas hasta los bordes del lienzo y a utilizar cada vez menos formas de color, prefiriendo el blanco.

Estas tendencias son particularmente evidentes en las obras en forma de rombo que Mondrian comenzó a producir con regularidad a mediados de la década de 1920. Los cuadros en forma de rombo son lienzos cuadrados inclinados 45 grados, de modo que adquieren una forma de diamante. Un ejemplo típico es Schilderij n.° 1: Rombo con dos líneas y azul (1926). Uno de los lienzos más minimalistas de Mondrian, esta pintura consta únicamente de dos líneas negras perpendiculares y una pequeña forma triangular azul. Las líneas se extienden hasta los bordes del lienzo, dando casi la impresión de que la pintura es un fragmento de una obra mayor.

Aunque la visión de la pintura se ve obstaculizada por el cristal que la protege y por el desgaste que el paso del tiempo y la manipulación han provocado en el lienzo, un examen minucioso de esta obra comienza a revelar algo del método del artista. La pintura no se compone de planos de color perfectamente planos, como cabría esperar. Se aprecian pinceladas sutiles por toda la obra. El artista parece haber utilizado diferentes técnicas para los distintos elementos. ^{[ 21 ]} Las líneas negras son los elementos más planos, con la menor profundidad. Las formas de color presentan las pinceladas más evidentes, todas en una misma dirección. Sin embargo, lo más interesante son las formas blancas, que claramente han sido pintadas en capas, utilizando pinceladas que discurren en diferentes direcciones. Esto genera una mayor sensación de profundidad en las formas blancas, de modo que parecen eclipsar las líneas y los colores, lo cual, de hecho, ocurría, ya que las pinturas de Mondrian de este período se caracterizaban cada vez más por el predominio del espacio en blanco.

En 1926, Katherine Dreier , cofundadora de la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York (junto con Marcel Duchamp y Man Ray ), visitó el estudio de Piet Mondrian en París y adquirió una de sus composiciones de diamantes, la Pintura I. Esta obra se exhibió posteriormente en una exposición organizada por la Sociedad de Artistas Independientes en el Museo de Brooklyn , la primera gran exposición de arte moderno en Estados Unidos desde el Armory Show . En el catálogo, Dreier afirmó que «Holanda ha producido tres grandes pintores que, si bien son una expresión lógica de su propio país, lo trascienden gracias al vigor de su personalidad: el primero fue Rembrandt , el segundo Van Gogh y el tercero Mondrian». ^{[ 22 ]}

Con el paso de los años, las líneas comenzaron a primar sobre las formas en las pinturas de Mondrian. En la década de 1930, empezó a utilizar líneas más finas y dobles con mayor frecuencia, salpicadas, si acaso, con algunas pequeñas formas de color. Las líneas dobles entusiasmaban especialmente a Mondrian, pues creía que aportaban a sus pinturas un nuevo dinamismo que ansiaba explorar. La introducción de la línea doble en su obra estuvo influenciada por el trabajo de su amigo y contemporáneo Marlow Moss . ^{[ 23 ] [ 24 ]}

Entre 1934 y 1935, tres pinturas de Mondrian fueron exhibidas como parte de las exposiciones "Abstracto y Concreto" en el Reino Unido, en Oxford, Londres y Liverpool . ^{[ 25 ]}

En septiembre de 1938, Mondrian abandonó París ante el avance del fascismo y se trasladó a Londres. Tras la invasión de los Países Bajos y la caída de París en 1940, se mudó de Londres a Manhattan , Nueva York, donde residiría hasta su muerte. Algunas de las obras posteriores de Mondrian son difíciles de ubicar en términos de su desarrollo artístico, ya que comenzó varios lienzos en París o Londres y los completó meses o años después en Manhattan. Las obras terminadas de este último período son visualmente complejas, con más líneas que en cualquier otra obra desde la década de 1920, dispuestas en una superposición que resulta casi cartográfica. Pasaba largas horas pintando solo hasta que le salían ampollas en las manos, y a veces lloraba o se provocaba el vómito.

Mondrian creó Composición en rombo con cuatro líneas amarillas (1933), una pintura sencilla que innovó al utilizar líneas gruesas de color en lugar de negras. Tras esta obra, esta práctica permaneció latente en su trabajo hasta su llegada a Manhattan, momento en el que la adoptó con entusiasmo. En algunos ejemplos de esta nueva dirección, como Composición (1938) / Plaza de la Concordia (1943), parece haber retomado pinturas de líneas negras inacabadas de París y haberlas completado en Nueva York añadiendo cortas líneas perpendiculares de diferentes colores, que discurren entre las líneas negras más largas o desde una línea negra hasta el borde del lienzo. Las nuevas áreas coloreadas son gruesas, casi uniendo líneas y formas, y resulta sorprendente ver color en una pintura de Mondrian sin los límites del negro. Otras obras mezclan largas líneas rojas entre las conocidas líneas negras, creando una nueva sensación de profundidad al añadir una capa de color sobre la negra. Su cuadro Composición n.º 10 , realizado entre 1939 y 1942, caracterizado por los colores primarios, el fondo blanco y las líneas de cuadrícula negras, definió claramente el enfoque radical pero clásico de Mondrian hacia el rectángulo.

El 23 de septiembre de 1940, Mondrian partió de Europa hacia Nueva York a bordo del buque RMS Samaria (1920)   de la Cunard White Star Line , con salida desde Liverpool. ^{[ 27 ]} La Composición número 12 , iniciada en 1936 en París, fue llevada consigo por Mondrian cuando emigró a Nueva York, donde completó la pintura en 1942; es una de las llamadas «pinturas transatlánticas» de Mondrian. ^{[ 28 ]} Actualmente se exhibe en Ottawa , en la Galería Nacional de Canadá . ^{[ 29 ]}

Los nuevos lienzos que Mondrian comenzó en Manhattan son aún más sorprendentes e indican el inicio de un nuevo lenguaje que se vio truncado por la muerte del artista. New York City (1942) es una compleja red de líneas rojas, azules y amarillas que se entrelazan ocasionalmente para crear una mayor sensación de profundidad que sus obras anteriores. ^{[ 30 ]} Una versión inacabada de 1941 de esta obra, titulada New York City I , utiliza tiras de cinta adhesiva de papel pintada, que el artista podía reorganizar a su antojo para experimentar con diferentes diseños. En octubre de 2022 se reveló que la obra, que se exhibió por primera vez en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en 1945, había estado expuesta al revés, al menos desde 1980, en la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen en Alemania, donde se conserva actualmente. La galería explicó que continuaría exhibiéndola al revés para evitar dañarla. ^{[ 31 ] [ 32 ]}

Su cuadro Broadway Boogie-Woogie (1942-1943), expuesto en el Museo de Arte Moderno, tuvo una gran influencia en la escuela de la pintura geométrica abstracta . La obra se compone de una serie de cuadrados brillantes de colores vivos que parecen saltar del lienzo, atrayendo al espectador hacia las luces de neón. En esta pintura y en la inacabada Victory Boogie Woogie (1942-1944), Mondrian sustituyó las líneas sólidas anteriores por líneas creadas a partir de pequeños rectángulos de color contiguos, realizados en parte con pequeños trozos de cinta adhesiva de papel de diversos colores. Rectángulos de color más grandes y sin límites puntúan el diseño, algunos con rectángulos concéntricos más pequeños en su interior. Si bien las obras de Mondrian de las décadas de 1920 y 1930 tienden a tener una austeridad casi científica, estas son pinturas brillantes y vivaces, que reflejan la música alegre que las inspiró y la ciudad en la que fueron creadas.

En estas obras finales, las formas han usurpado el papel de las líneas, abriendo una nueva puerta para el desarrollo de Mondrian como artista abstracto. Las pinturas de Boogie-Woogie representaron claramente un cambio más revolucionario que evolutivo, constituyendo el desarrollo más profundo en la obra de Mondrian desde su abandono del arte figurativo en 1913.

En 2008, el programa de televisión holandés Andere Tijden encontró la única grabación de vídeo conocida de Mondrian. ^{[ 33 ]} El descubrimiento de la grabación se anunció al final de un programa de investigación de dos años sobre el Boogie Woogie de la Victoria . La investigación reveló que la pintura se encontraba en muy buen estado y que Mondrian pintó la composición en una sola sesión. También se descubrió que Mondrian modificó radicalmente la composición poco antes de su muerte utilizando pequeños trozos de cinta adhesiva de colores.

Cuando Piet Mondrian, de 47 años, dejó los Países Bajos para ir a la libre París por segunda y última vez en 1919, se dedicó de inmediato a convertir su estudio en un entorno propicio para las pinturas que tenía en mente, las cuales expresarían cada vez más los principios del neoplasticismo sobre los que había estado escribiendo durante dos años. Para ocultar de forma rápida y económica las deficiencias estructurales del estudio, colgó grandes carteles rectangulares, cada uno de un solo color o tono neutro. Pequeños cuadrados y rectángulos de papel de colores, dispuestos en conjunto, acentuaban las paredes. Luego vino un intenso período de pintura. De nuevo intervino en las paredes, recolocando los recortes de colores, aumentando su número, alterando la dinámica del color y el espacio, generando nuevas tensiones y equilibrios. En poco tiempo, había establecido un programa creativo en el que un período de pintura se alternaba con un período de reagrupación experimental de los papeles más pequeños en las paredes, un proceso que alimentaba directamente el siguiente período de pintura. Fue un patrón que siguió durante el resto de su vida, desde sus traslados en tiempos de guerra de París a Hampstead, en Londres, en 1938 y 1940, hasta cruzar el Atlántico hasta Manhattan.

A los 71 años, en el otoño de 1943, Mondrian se mudó a su segundo y último estudio en Manhattan, en el número 15 de la calle 59 Este , y se propuso recrear el ambiente que, con el paso de los años, había aprendido que era el más propicio para su modesta forma de vida y el más estimulante para su arte. Pintó las altas paredes del mismo blanco roto que usaba en su caballete y en los asientos, mesas y cajas de almacenamiento que diseñaba y fabricaba meticulosamente con cajas de naranjas y manzanas desechadas. Barnizó la parte superior de un taburete de metal blanco con el mismo rojo primario brillante que aplicaba a la funda de cartón que había hecho para el radiofonógrafo que reproducía su amado jazz de discos muy usados. Quienes visitaban este último estudio rara vez veían más de uno o dos lienzos nuevos, pero descubrían, a menudo con asombro, que ocho grandes composiciones de trozos de papel de colores, que él mismo había fijado y vuelto a fijar a las paredes en relaciones siempre cambiantes, constituían en conjunto un entorno que, paradójicamente y a la vez, era dinámico y sereno, estimulante y apacible. Era el mejor espacio que había habitado, según Mondrian. Permaneció allí solo unos meses, pues falleció en febrero de 1944.

Tras su muerte, Harry Holtzman , artista y amigo y mecenas de Mondrian en Manhattan, y otro amigo pintor, Fritz Glarner , documentaron minuciosamente el estudio en vídeo y fotografías antes de abrirlo al público para una exposición de seis semanas. Antes de desmontar el estudio, Holtzman (quien también era heredero de Mondrian) reprodujo con precisión las composiciones murales, preparó réplicas portátiles exactas del espacio que cada una había ocupado y les adhirió los elementos originales recortados que aún se conservaban. Estas composiciones portátiles de Mondrian se conocen como «Las Obras Murales». Desde la muerte de Mondrian, sus obras se han exhibido dos veces en el Museo de Arte Moderno de Manhattan (1983 y 1995-96), ^{[ 34 ]} una vez en SoHo en la Galería Carpenter + Hochman (1984), una vez en la Galerie Tokoro de Tokio, Japón (1993), la XXII Bienal de São Paulo (1994), la Universidad de Michigan (1995) y, por primera vez en Europa, en la Akademie der Künste (Academia de las Artes) de Berlín (del 22 de febrero al 22 de abril de 2007). Su obra también se exhibió en una exposición retrospectiva en la Whitechapel Gallery de Londres, que tuvo lugar de agosto a septiembre de 1955.