lección de música

Las clases de música son un tipo de instrucción formal para tocar un instrumento musical o cantar. Normalmente, un estudiante que toma clases de música se reúne con un profesor de música para sesiones de formación individual que duran entre 30 minutos y una hora, a lo largo de varias semanas o años. Dependiendo de las lecciones que se impartan, los estudiantes aprenden diferentes habilidades relacionadas con los instrumentos que utilizan. Los profesores de música también asignan ejercicios técnicos, piezas musicales y otras actividades para ayudar a los estudiantes a mejorar sus habilidades musicales. Si bien la mayoría de las clases de música son individuales (privadas), algunos profesores también imparten clases a grupos de dos a cuatro estudiantes (clases semiprivadas) y, para la instrucción básica, algunos instrumentos se enseñan en clases grupales más grandes, como el piano y la guitarra acústica. Gracias a la amplia disponibilidad de internet de alta velocidad y baja latencia, las clases particulares también pueden realizarse mediante videollamadas en directo utilizando cámaras web , micrófonos y videotelefonía en línea.

Las clases de música forman parte tanto de la instrucción musical amateur como de la formación profesional. En contextos musicales amateur y recreativos, niños y adultos toman clases de música para mejorar sus habilidades de canto o interpretación instrumental y aprender técnicas básicas e intermedias. En contextos de formación profesional, como conservatorios de música, programas universitarios de interpretación musical (por ejemplo, Licenciatura en Música , Maestría en Música , Doctorado en Artes Musicales , etc.), los estudiantes que aspiran a una carrera como músicos profesionales toman una clase de música una vez por semana durante una hora o más con un profesor de música durante un período de años para aprender técnicas avanzadas de interpretación o canto. ^{[ 1 ]} Muchos intérpretes y cantantes instrumentales, incluyendo varias celebridades de la música pop, han aprendido música " de oído ", especialmente en estilos de música folclórica como el blues y estilos populares como el rock. Sin embargo, incluso en los estilos folclóricos y populares, varios intérpretes han recibido algún tipo de instrucción musical, como reunirse con un profesor de canto o recibir instrucción en la infancia en un instrumento como el piano.

Para las clases de canto, los profesores muestran a los alumnos cómo sentarse o pararse y respirar, y cómo colocar la cabeza y la boca para un buen tono vocal. Para las clases de instrumentos, los profesores muestran a los alumnos cómo sentarse o pararse con el instrumento, cómo sostener el instrumento y cómo manipular los dedos y otras partes del cuerpo para producir tonos y sonidos del instrumento. Para los instrumentos de viento y metal, el profesor muestra al alumno cómo usar sus labios, lengua y respiración para producir tonos y sonidos. Para algunos instrumentos, los profesores también entrenan a los alumnos en el uso de los pies, como en el caso del piano u otros instrumentos de teclado que tienen pedales de apagador o sostenido en el piano, el teclado de pedales en un órgano de tubos , y algunos tambores y platillos en la batería como el pedal del bombo y el pedal del platillo hi-hat. Además de enseñar digitación, los profesores también brindan otros tipos de instrucción. Un guitarrista clásico aprende a rasguear y pulsar las cuerdas; Los instrumentistas de viento aprenden sobre el control de la respiración y la embocadura , y los cantantes aprenden a sacar el máximo partido a sus cuerdas vocales sin dañar la garganta ni las cuerdas vocales.

Los profesores también instruyen a los alumnos sobre la postura correcta para tocar con la máxima eficiencia y prevenir lesiones. En todos los instrumentos, la mejor manera de mover los dedos y los brazos para lograr el efecto deseado es tocar con la menor tensión posible en las manos y el cuerpo. Esto evita la formación de hábitos que pueden dañar el esqueleto y los músculos. Por ejemplo, al tocar el piano, la digitación —qué dedos colocar en cada tecla— es una habilidad que se aprende gradualmente a medida que el alumno avanza, y existen muchas técnicas estándar que un profesor puede transmitir.

Entre los profesores de música, especialmente en la tradición clásica occidental, existen muchos mitos y conceptos erróneos sobre la postura "buena" y la "mala". Los alumnos que experimentan dolor físico al tocar sus instrumentos deben comunicárselo a sus profesores. Podría tratarse de un riesgo para la salud potencialmente grave, pero a menudo se pasa por alto al aprender a tocar un instrumento. Aprender a usar el cuerpo de forma coherente con la anatomía puede marcar la diferencia entre una lesión grave y una vida de disfrute. Muchos profesores de música advierten a sus alumnos que no acepten la frase "sin dolor no hay recompensa" como respuesta aceptable ante una queja de dolor físico. La preocupación por las lesiones relacionadas con el uso y la ergonomía en la interpretación musical ha ganado mayor aceptación en los últimos años. Los músicos recurren cada vez más a profesionales médicos, fisioterapeutas y técnicas especializadas para aliviar el dolor y prevenir lesiones graves. Existe una gran variedad de técnicas especiales para una amplia gama de dificultades potenciales. La Técnica Alexander es solo un ejemplo de estos enfoques especializados.

Para comprender plenamente la música que se interpreta, el estudiante debe aprender los fundamentos de la teoría musical subyacente . Junto con la notación musical , los estudiantes aprenden técnicas rítmicas, como el control del tempo , el reconocimiento de compases y la teoría de la armonía , incluyendo acordes y armaduras . Además de la teoría básica, un buen profesor enfatiza la musicalidad , es decir, cómo lograr que la música suene bien. Esto incluye cómo crear un tono agradable, cómo frasear musicalmente y cómo usar la dinámica (intensidad y suavidad) para hacer que la pieza o canción sea más expresiva.

La mayoría de las clases de música incluyen una introducción a la historia del género musical que el alumno está aprendiendo. En las clases de música clásica occidental, los profesores suelen dedicar tiempo a explicar las diferentes épocas, como el Barroco , el Clásico , el Romántico y la música clásica contemporánea , ya que cada época se asocia con distintos estilos musicales y técnicas de interpretación . La música instrumental del Barroco se utiliza con frecuencia en la década de 2000 como material didáctico para estudiantes de piano, instrumentos de cuerda y de viento. Si los alumnos simplemente intentan tocar estas piezas barrocas leyendo la partitura, es posible que no logren la interpretación correcta. Sin embargo, una vez que el alumno comprende que la mayor parte de la música instrumental barroca se asociaba con danzas, como la gavota y la sarabanda , y que la música para teclado de la época se interpretaba con el clavecín o el órgano, puede entender mejor cómo se debe tocar la pieza. Por ejemplo, si a un violonchelista se le asigna una gavota escrita originalmente para clavecín, esto le da una idea de cómo interpretar la pieza. Dado que es una danza, debe tener un pulso regular y claro, en lugar de un rubato con cambios de tempo al estilo de la época romántica. Además, como fue escrita originalmente para el clavecín, un instrumento de teclado de sonido ligero cuyas cuerdas se pulsan con plumas, esto sugiere que las notas deben tocarse con relativa suavidad y con pausas entre cada una, en lugar de con un legato sostenido y con cuerpo .

Aunque no es una práctica universalmente aceptada, muchos profesores hacen que sus alumnos practiquen la repetición de ciertos patrones, como escalas , arpegios y ritmos . Las escalas se enseñan con frecuencia porque son la base de la melodía en la mayoría de la música clásica occidental. Además, se realizan estudios de flexibilidad, que facilitan físicamente la ejecución del instrumento. Los instrumentos de percusión utilizan rudimentos que ayudan a desarrollar patrones de baquetas, técnicas de redoble y otros matices como los flams y los drags.

Existen series de ejercicios para piano diseñados para fortalecer la conexión entre el cuarto y el quinto dedo, logrando así mayor independencia entre ellos. Los instrumentistas de viento metal practican ligaduras de labios , que consisten en cambios de embocadura no articulados entre armónicos . Los instrumentistas de viento madera (saxofón, clarinete y flauta) cuentan con una gran variedad de ejercicios para mejorar la técnica de articulación, la destreza de los dedos y el desarrollo del sonido. Incluso se han escrito libros enteros de estudios con este propósito.

Los profesores suelen asignar a los alumnos piezas (o canciones, en el caso de los estudiantes de canto) de dificultad creciente. Estas pueden incluir estudios , repertorio solista o de cámara . Además de utilizar las piezas para enseñar diversos rudimentos musicales (ritmo, armonía, entonación, etc.) y los elementos de un buen estilo de interpretación (o canto), un buen profesor también inspira cualidades más intangibles, como la expresividad y la musicalidad. Las piezas (o canciones) pueden resultar más amenas para los alumnos que los ejercicios de teoría o escalas, y el énfasis en el aprendizaje de nuevas piezas suele ser necesario para mantener su motivación. Sin embargo, el profesor no debe complacer en exceso el deseo del alumno por piezas "divertidas". A menudo, la idea que tiene el alumno de música divertida son selecciones vocales populares, bandas sonoras de películas y sintonías de series de televisión, etc. Si bien algunas de estas piezas "divertidas" pueden interpretarse, también deben seleccionarse piezas por razones pedagógicas, como desafiar al alumno y perfeccionar sus habilidades. Además, para que los estudiantes tengan una formación integral, deben interpretar diversos tipos de piezas de compositores y letristas de diferentes épocas, desde música renacentista hasta obras de los siglos XX y XXI. Un repertorio variado aumenta la comprensión y la destreza musical del estudiante.

Una medida popular del progreso, especialmente para los niños, es la evaluación externa del alumno mediante un examen regular . Varias juntas examinadoras evalúan a los alumnos en teoría o práctica musical. Estas evaluaciones están disponibles para casi todos los instrumentos musicales. Un método común para medir el progreso son los exámenes por grados, por ejemplo, desde el grado 1 (principiante) hasta el grado 8 (listo para ingresar a estudios superiores en una escuela de música). Algunos profesores prefieren otros métodos para establecer objetivos para sus alumnos. El más común es el concierto del alumno, que le brinda experiencia tocando en público y bajo cierta presión, sin críticas directas ni un sistema de calificación más o menos arbitrario. Otro es el sistema de libros por grados que siguen los profesores del método Suzuki , en el que se celebra la finalización de cada libro, sin un sistema de calificación o clasificación de los alumnos.

Algunos estudios sugieren que las clases de música brindan a los niños importantes beneficios para su desarrollo, más allá del simple conocimiento o la habilidad de tocar un instrumento musical. Las investigaciones indican que las clases de música pueden mejorar la inteligencia y el rendimiento académico, fortalecer la autoestima y fomentar la disciplina. Un estudio reciente de la Fundación Rockefeller reveló que los estudiantes de música tienen la mayor tasa de admisión a facultades de medicina, seguidos por los de bioquímica y humanidades. En las pruebas SAT , el promedio nacional fue de 427 en la sección verbal y 476 en matemáticas. Al mismo tiempo, los estudiantes de música obtuvieron un promedio de 465 en la sección verbal y 497 en matemáticas, 38 y 21 puntos más, respectivamente. Sin embargo, la correlación observada entre la habilidad musical y matemática podría ser innata en lugar de adquirida. Además, es posible que la correlación entre tomar clases de música y el rendimiento académico se deba a que ambos están fuertemente correlacionados con los ingresos y la educación de los padres. Incluso si las clases de música no tuvieran ningún impacto en el rendimiento académico, cabría esperar una correlación entre ambas. Un artículo de Inc.com titulado "Los beneficios de tocar música ayudan a tu cerebro más que cualquier otra actividad" afirma que los estudios demuestran que aprender a tocar un instrumento musical expande la capacidad de las células neuronales en numerosas áreas del cerebro. ^{[ 2 ]} También refuerza las conexiones de largo alcance entre ellas. Investigaciones adicionales muestran que la pedagogía musical puede potenciar la memoria verbal , el razonamiento espacial y las habilidades de lectoescritura.

Las habilidades aprendidas a través de la disciplina musical pueden transferirse a habilidades de estudio , habilidades de comunicación y habilidades cognitivas útiles en todas las partes de los estudios de un niño en la escuela. Un estudio exhaustivo de la Universidad de Harvard encontró evidencia de que el razonamiento espacio-temporal mejora cuando los niños aprenden a hacer música, y este tipo de razonamiento mejora temporalmente cuando los adultos escuchan ciertos tipos de música, incluyendo Mozart. ^{[ 3 ]} Este hallazgo (llamado el efecto Mozart ) sugiere que la música y el razonamiento espacial están relacionados psicológicamente (es decir, pueden depender de algunas de las mismas habilidades subyacentes) y quizás también neurológicamente. Sin embargo, ha habido una considerable controversia al respecto, ya que investigadores posteriores no han logrado reproducir los hallazgos originales de Rauscher (por ejemplo, Steele, Bass y Crook, 1999), han cuestionado tanto la teoría como la metodología del estudio original (Fudis y Lembesis, 2004) y han sugerido que los efectos potenciadores de la música en los experimentos se han debido simplemente a un mayor nivel de activación (Thompson, Schellenberg y Husain, 2001).

También se ha documentado en la literatura una relación entre la música y el fortalecimiento de las habilidades matemáticas , de danza, de lectura , de pensamiento creativo y de artes visuales. (Winner, Hetland, Sanni, según consta en The Arts and Academic Achievement – ​​What the Evidence Shows , 2000) Sin embargo, hallazgos recientes del Dr. Levitin de la Universidad McGill en Montreal, Canadá, socavan la supuesta conexión entre la habilidad musical y las habilidades matemáticas superiores. En un estudio realizado con pacientes con síndrome de Williams (un trastorno genético que causa baja inteligencia), descubrió que, aunque su inteligencia era la de niños pequeños, poseían un nivel inusualmente alto de habilidad musical.

La pedagogía y la instrucción de las clases de música (también conocidas como clases de música de estudio o aplicadas) tienen muchas influencias y aspectos. Tanto los métodos de enseñanza como el contenido de las clases de música deben variar según el nivel del alumno, los objetivos de las clases, la edad del alumno y el contexto de la instrucción. ^{[ 4 ]} La relación interpersonal entre alumno y profesor es otro elemento importante de la pedagogía de la música de estudio. Otros factores importantes para los resultados de los alumnos incluyen la forma en que los instructores se comunican, sus habilidades para enseñar, cómo organizan sus clases y su flexibilidad para realizar ajustes. ^{[ 5 ]} Algunos profesores también consideran la proximidad física y la energía como aspectos importantes de la instrucción musical. ^{[ 6 ]}

Los profesores de clases particulares suelen adoptar diferentes enfoques y filosofías pedagógicas. Dos grandes filosofías de enseñanza pueden clasificarse como el enfoque de transferencia y el enfoque transformador. El enfoque de transferencia se centra principalmente en el desempeño y los resultados. Los objetivos más importantes de la clase se limitan a la calidad técnica de la interpretación musical. El enfoque transformador , en cambio, se fundamenta en la filosofía educativa constructivista y no solo se ocupa de la técnica y la ejecución musical, sino también del aprendizaje centrado en la persona y los procesos artísticos. Estos dos enfoques demuestran que la técnica musical no es necesariamente el único objetivo de la enseñanza de la música. ^{[ 7 ]}

Los instructores exitosos suelen ser deliberados y claros, explican las estrategias de práctica en detalle, consideran las necesidades emocionales de los estudiantes y elevan las expectativas de desempeño a largo plazo para sus alumnos. ^{[ 8 ]} Las necesidades, fortalezas y desafíos específicos del estudiante también pueden influir en la elección de la pedagogía del profesor. Los estudiantes de alto rendimiento pueden adaptarse bien a estrategias sin modificaciones, mientras que los estudiantes de nivel intermedio pueden beneficiarse de modificaciones. Por ejemplo, un profesor de estudio enfocado en un aspecto específico de la música y que busca un alto rendimiento en un área puede aceptar momentáneamente un nivel de desempeño más bajo en otros aspectos que no están relacionados con el objetivo principal.

Comprender las perspectivas de sus alumnos ayuda a los profesores de música a brindarles el apoyo necesario. Una preocupación fundamental para cualquier profesor es la motivación del alumno para el aprendizaje a largo plazo de un instrumento. La motivación del alumno se refiere a cómo los estudiantes de todas las edades desarrollan el deseo de estudiar instrumentos musicales, cómo y cuánto valoran el aprendizaje, qué influye en su persistencia/intensidad de estudio y su autopercepción de éxito o fracaso. La motivación es un requisito previo para el desarrollo de conductas adaptativas que aumentan el éxito en las metas personales. Entre los conceptos relevantes para la motivación se encuentran la teoría de la expectativa-valor , los constructos de autoeficacia , la teoría del flujo , la teoría de la atribución y los patrones motivacionales de dominio . El aprendizaje musical también está influenciado socialmente por profesores, padres y otras personas. ^{[ 9 ]}

La práctica por parte del alumno es otro aspecto fundamental del aprendizaje musical a través de las clases de música. La práctica del alumno suele ser sin supervisión y generalmente se realiza fuera de la clase. Los instructores suelen centrarse en enseñar a los alumnos a practicar utilizando métodos como aumentar el tempo de una pieza de lento a rápido, analizar piezas, marcar o anotar la música, establecer objetivos de práctica, practicar en sesiones más cortas y frecuentes, y usar un metrónomo . Los profesores pueden influir en los alumnos mediante la demostración de métodos de práctica o la descripción verbal, aunque la demostración suele ser más efectiva. ^{[ 10 ]}

Las clases de música son una parte importante de los programas de grado en interpretación musical y educación musical en la educación superior . Tanto los estudiantes de educación musical como los de interpretación pueden esperar impartir clases de música en sus carreras musicales. Los estudiantes se benefician de cursos que enseñan métodos de instrucción en el estudio, les permiten practicar técnicas de enseñanza, participar en la autorreflexión y perfeccionar su pedagogía. ^{[ 4 ]}

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