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Periodismo musical

(De izquierda a derecha) Los periodistas musicales Robert Christgau y Ann Powers y el profesor de musicología Charles Kronengolm en la Conferencia Pop de 2007 en el Experience M...

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(De izquierda a derecha) Los periodistas musicales Robert Christgau y Ann Powers y el profesor de musicología Charles Kronengolm en la Conferencia Pop de 2007 en el Experience Music Project de Seattle.

El periodismo musical (o crítica musical ) es la crítica y la información que se realiza en los medios sobre temas musicales, incluyendo la música popular , la música clásica y la música tradicional . Los periodistas comenzaron a escribir sobre música en el siglo XVIII, ofreciendo comentarios sobre lo que hoy se considera música clásica. En la década de 1960, el periodismo musical comenzó a cubrir con mayor prominencia la música popular, como el rock y el pop, tras el éxito arrollador de los Beatles . Con el auge de internet en la década de 2000, la crítica musical desarrolló una presencia online cada vez mayor, con blogueros musicales, aspirantes a críticos musicales y críticos consagrados que complementaban los medios impresos en línea. El periodismo musical actual incluye reseñas de canciones, álbumes y conciertos en vivo, perfiles de artistas y reportajes sobre noticias de artistas y eventos musicales.

Orígenes en la crítica de la música clásica

Hector Berlioz , periodista musical activo en París en las décadas de 1830 y 1840.

El periodismo musical tiene sus raíces en la crítica de la música clásica , que tradicionalmente ha comprendido el estudio, la discusión, la evaluación y la interpretación de la música compuesta y escrita en una partitura , así como la evaluación de la interpretación de canciones y piezas clásicas, como sinfonías y conciertos .

Antes de la década de 1840, la información sobre música se publicaba en revistas especializadas, como la Allgemeine musikalische Zeitung (fundada por Johann Friedrich Rochlitz en 1798) y la Neue Zeitschrift für Musik (fundada por Robert Schumann en 1834), y en periódicos londinenses como The Musical Times (fundado en 1844 como The Musical Times and Singing-class Circular ); o bien por periodistas de periódicos generales donde la música no formaba parte de los objetivos centrales de la publicación. Un influyente crítico musical inglés del siglo XIX, por ejemplo, fue James William Davison de The Times . El compositor Hector Berlioz también escribió reseñas y críticas para la prensa parisina de las décadas de 1830 y 1840. [ 1 ]

El periodismo moderno de música artística suele basarse en la teoría musical para considerar los diversos elementos de una pieza o interpretación musical, incluyendo (en lo que respecta a una composición musical ) su forma y estilo, y para la interpretación, los estándares de técnica y expresión. Estos estándares se expresaron, por ejemplo, en revistas como la Neue Zeitschrift für Musik, fundada por Robert Schumann , y se siguen publicando hoy en día en las columnas de periódicos y revistas especializadas como The Musical Times . [ 1 ]

Varios factores —entre ellos el crecimiento de la educación, la influencia del Romanticismo en general y en la música, la popularización (incluido el estatus de estrella de muchos intérpretes como Liszt y Paganini ), entre otros— propiciaron un creciente interés por la música en revistas no especializadas y un aumento en el número de críticos profesionales con distintos grados de competencia e integridad. La década de 1840 podría considerarse un punto de inflexión, ya que los críticos musicales posteriores a esa década generalmente no eran músicos en activo. [ 1 ] Sin embargo, existen contraejemplos como Alfred Brendel , Charles Rosen , Paul Hindemith y Ernst Krenek ; todos ellos practicantes modernos de la tradición de la música clásica que también escribían (o escribieron) sobre música.

Entre las periodistas musicales del siglo XX que cubrieron la interpretación de música clásica se encuentran Ruth Scott Miller del Chicago Tribune (1920-1921), Henriette Weber del Chicago Herald-Examiner y Claudia Cassidy , quien trabajó para el Chicago Journal of Commerce (1924-1941), el Chicago Sun (1941-1942) y el Chicago Tribune (1942-1965). [ 2 ]

Clásico

A principios de la década de 1980, comenzó a producirse un descenso en la cantidad de crítica clásica, cuando la crítica de música clásica empezó a desaparecer visiblemente de los medios de comunicación. En aquel entonces, los principales periódicos todavía solían contar con un crítico musical jefe , mientras que revistas como Time y Vanity Fair también empleaban a críticos de música clásica. Pero a principios de la década de 1990, muchas publicaciones prescindieron de los críticos de música clásica, en parte debido a una disminución del interés por la música clásica, especialmente entre los jóvenes. [ 3 ]

También preocupaba en el periodismo de música clásica cómo los críticos estadounidenses podían escribir sobre música étnica y folclórica de culturas distintas a la suya, como los ragas indios y las obras tradicionales japonesas. [ 4 ] : viii, 173 En 1990, el Instituto de Música Mundial entrevistó a cuatro críticos musicales del New York Times que propusieron los siguientes criterios sobre cómo abordar la música étnica:

  1. Una reseña debería relacionar la música con otros tipos de música que los lectores conozcan, para ayudarles a comprender mejor de qué trataba el programa.
  2. "Los intérpretes [deben] ser tratados como seres humanos y su música [debe] ser tratada como una actividad humana en lugar de un fenómeno místico o misterioso."
  3. La reseña debe demostrar una comprensión de los antecedentes culturales y las intenciones de la música. [ 4 ] : 173–74

Un hallazgo clave en un estudio de 2005 sobre el periodismo artístico en Estados Unidos fue que el perfil del "crítico promedio de música clásica es un hombre blanco de 52 años con un título de posgrado". [ 5 ] : 10 La demografía indicó que el grupo era 74% hombres, 92% blancos y 64% había obtenido un título de posgrado. [ 5 ] : 15 Un crítico del estudio señaló que, dado que se incluyeron todos los periódicos, incluidos los periódicos regionales de baja circulación, la representación femenina del 26% tergiversaba la escasez real, ya que "los grandes periódicos estadounidenses, que son los que influyen en la opinión pública, prácticamente no tienen mujeres críticas de música clásica", con las notables excepciones de Anne Midgette en el New York Times y Wynne Delacoma en el Chicago Sun-Times . [ 6 ]

En 2007, The New York Times escribió que la crítica de música clásica, que caracterizó como "una empresa noble que existe al menos desde los inicios de los periódicos", había sufrido "una serie de reveses en los últimos meses" con la eliminación, la degradación o la redefinición de los puestos de trabajo de los críticos en periódicos de Atlanta, Minneapolis y otros lugares, citando a Peter G. Davis , de la revista New York , "una de las voces más respetadas del oficio, [quien] dijo que lo habían obligado a dejarlo después de 26 años". [ 7 ] Al considerar que "el análisis, el comentario y el reportaje sólidos son vitales para la salud de la forma artística", The New York Times declaró en 2007 que seguía manteniendo "un equipo de tres críticos de música clásica a tiempo completo y tres colaboradores independientes", señalando también que la crítica de música clásica se había vuelto cada vez más accesible en los blogs, y que varios otros periódicos importantes "todavía tienen críticos de música clásica a tiempo completo", incluidos (en 2007) Los Angeles Times , The Washington Post , The Baltimore Sun , The Philadelphia Inquirer y The Boston Globe . [ 7 ]

Crítica del rock del siglo XX

Los críticos musicales solo comenzaron a "tratar la música pop y rock en serio" en 1964 "después del éxito de los Beatles ". [ 8 ] : 45 En su libro Rock Criticism from the Beginning , Ulf Lindberg y sus coautores afirman que la crítica de rock parece haber sido "más lenta en desarrollarse en los EE. UU. que en Inglaterra". [ 9 ] Una de las primeras revistas musicales británicas, Melody Maker , se quejó en 1967 de cómo "los periódicos y las revistas están continuamente atacando la música pop ". [ 8 ] : 116 Desde 1964, Melody Maker lideró a sus publicaciones rivales en cuanto a abordar la música y los músicos como un tema de estudio serio en lugar de meramente entretenimiento. Reporteros como Chris Welch y Ray Coleman aplicaron una perspectiva previamente reservada para los artistas de jazz al auge de los grupos locales de rock y pop influenciados por Estados Unidos, anticipando la llegada de los críticos de rock. [ 10 ] Entre los periódicos de gran formato de Gran Bretaña, la música pop ganó visibilidad en la sección de arte de The Times cuando William Mann , el crítico de música clásica del periódico , escribió una apreciación de los Beatles en diciembre de 1963. [ 11 ] [ 12 ] A principios de 1965, The Observer , el periódico dominical de alta cultura del país, señaló un cambio en el esnobismo cultural del establishment hacia la música pop al nombrar a George Melly como su "crítico de cultura pop". [ 13 ] Tras la llegada de Tony Palmer a The Observer , [ 14 ] el primer periódico diario en emplear a un crítico de rock dedicado fue The Guardian , con el nombramiento de Geoffrey Cannon en 1968. [ 15 ]

Los escritores de Melody Maker defendieron las nuevas formas de música pop de finales de la década de 1960. «Para 1999, la prensa "de calidad" publicaba regularmente reseñas de conciertos y álbumes de música popular», lo que desempeñó un papel fundamental para mantener el pop en el ojo público. A medida que más críticos de música pop comenzaron a escribir, esto tuvo el efecto de «legitimar el pop como una forma de arte»; como resultado, «la cobertura periodística se centró en el pop como música en lugar de como fenómeno social». [ 8 ] : 129

En el mundo de la crítica musical pop, suele haber una rápida rotación. La "industria de la música pop" espera que cualquier crítico de rock desaparezca de la escena popular en un plazo de cinco años; en cambio, según el autor Mark Fenster, las "estrellas" de la crítica de rock tienen más probabilidades de tener carreras largas con "contratos para libros, columnas destacadas y puestos editoriales y de redacción en revistas y periódicos". [ 16 ]

Richard Goldstein (en la foto, durante la Conferencia EMP Pop de 2015) fue el primer crítico musical estadounidense en centrarse en la música rock.

El autor Bernard Gendron escribe que en Estados Unidos "el surgimiento de una prensa de rock 'seria' y del crítico de rock" comenzó en 1966, precedido por Robert Shelton , crítico de música folk de The New York Times , quien escribió artículos elogiando a los Beatles y a Bob Dylan , este último recién adoptado por el rock 'n' roll al actuar con acompañamiento eléctrico en el Festival de Folk de Newport de 1965. [ 17 ] Paul Williams , un estudiante de dieciocho años, lanzó la revista pop Crawdaddy! en febrero de 1966; en junio, Richard Goldstein , un recién graduado y escritor del Nuevo Periodismo , debutó con su columna "Pop Eye" en The Village Voice , que Gendron describe como "la primera columna regular sobre rock 'n' roll... que apareció en una publicación cultural establecida". [ 18 ] El periodista de rock Clinton Heylin , en su papel de editor de The Penguin Book of Rock & Roll Writing , cita "la verdadera génesis de la crítica de rock" en el surgimiento de Crawdaddy! [ 19 ] Lindberg et al. afirman que, si bien Williams es ampliamente considerado el primer crítico de rock estadounidense, «sin embargo, buscó material en Inglaterra». [ 20 ]

Según Gendron, los primeros trabajos más significativos de Goldstein fueron un «manifiesto» sobre el rock 'n' roll y el «esteticismo pop», y una elogiosa reseña del álbum Revolver de los Beatles . Publicado a finales de agosto, este último artículo constituyó «la primera reseña sustancial de rock dedicada a un solo álbum que apareció en una revista no especializada en rock con prestigio». [ 21 ] Mientras que Williams podía contar con un público receptivo, dada la naturaleza de su publicación, la tarea de Goldstein consistía en atraer a un público más culto a los méritos artísticos de la música pop contemporánea. [ 21 ] En ese momento, tanto Goldstein como Williams alcanzaron un considerable renombre en el ámbito cultural general [ 22 ] y fueron objeto de artículos de perfil en Newsweek . [ 23 ]

El surgimiento del periodismo rock coincidió con un intento de posicionar la música rock, particularmente la obra de los Beatles, en el panorama cultural estadounidense. [ 24 ] [ 25 ] El discurso crítico se intensificó aún más por la respetuosa cobertura que se le brindó al género en publicaciones convencionales como Newsweek , Time y Life en los meses previos y posteriores al lanzamiento del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles en junio de 1967. [ 26 ] [ 27 ] Dentro de este discurso, Richard Meltzer , en un ensayo para Crawdaddy! en marzo, desafió la estética intelectual del rock propuesta por Goldstein. La reseña mixta de este último sobre Sgt. Pepper en The New York Times fue igualmente objeto de debate periodístico y provocó represalias de musicólogos, compositores y comentaristas culturales. [ 25 ]

Entre otros jóvenes escritores estadounidenses que se convirtieron en columnistas de música pop tras el nombramiento de Goldstein se encontraban Robert Christgau (en Esquire , desde junio de 1967), Ellen Willis ( The New Yorker , marzo de 1968) y Ellen Sander ( Saturday Review , octubre de 1968). [ 22 ] Christgau fue el «creador del enfoque de "guía del consumidor" para las reseñas de música pop», un enfoque diseñado para ayudar a los lectores a decidir si comprar un nuevo álbum. [ 8 ] : 4

Según el académico de música popular Roy Shuker en 1994, libros de referencia musical como The Rolling Stone Record Guide y Christgau's Record Guide desempeñaron un papel en el auge de los críticos de rock como creadores de tendencias en la industria musical, "construyendo su propia versión de la tradicional división entre alta y baja cultura , generalmente en torno a nociones de integridad artística, autenticidad y la naturaleza del comercialismo". Estas recopilaciones de reseñas, continúa Shuker, "se convirtieron en biblias en el campo, estableciendo ortodoxias sobre el valor relativo de varios estilos o géneros y panteones de artistas. Los coleccionistas y aficionados a los discos, así como las tiendas de discos especializadas y de segunda mano, inevitablemente tienen a mano ejemplares muy manoseados de estos y otros volúmenes similares". [ 28 ]

En el ámbito de la música rock, como en el de la música clásica, [ 29 ] los críticos no siempre han sido respetados por sus sujetos. Frank Zappa declaró que "La mayor parte del periodismo rock está formado por personas que no saben escribir, entrevistando a personas que no saben hablar, para personas que no saben leer". En la canción de Guns N' Roses " Get in the Ring ", Axl Rose atacó verbalmente a los críticos que dieron a la banda críticas negativas debido a sus acciones en el escenario; críticos como Andy Secher , Mick Wall y Bob Guccione Jr. fueron mencionados por su nombre.

Críticas cristianas conservadoras a la música rock

La música rock recibió numerosas críticas de comunidades cristianas conservadoras en Estados Unidos. Estas críticas fueron más fuertes durante las décadas de 1960 y 1970, siendo algunos de los críticos cristianos más destacados David A. Noebel , Bob Larson y Frank Garlock . [ 30 ] Si bien estos hombres no eran críticos musicales profesionales, a menudo afirmaban ser críticos de rock cualificados debido a su experiencia profesional tanto en música como en religión. [ 30 ] Por ejemplo, Larson intentó imponer su autoridad como crítico de rock al afirmar: «Como ministro, ahora sé lo que es sentir la unción del Espíritu Santo. Como músico de rock, sabía lo que significaba sentir la falsa unción de Satanás». [ 31 ]

Las críticas cristianas a la música rock a mediados del siglo XX a menudo se centraban en argumentos que afirmaban que el rock era malo tanto a nivel sonoro como moral, y físicamente dañino para el cuerpo y el alma. [ 30 ] Utilizando estos argumentos centrales, Noebel, Larson, Garlock y otros críticos cristianos de la música rock escribieron extensamente sobre las diferencias entre la música «buena» y la «mala». [ 30 ] En The Beatles: A Study in Drugs, Sex and Revolution , Noebel explicó por qué la música rock era «mala» contrastándola con las cualidades de la música «buena». [ 32 ] En The Big Beat: A Rock Blast , Garlock planteó argumentos similares, con el argumento adicional de que la música «buena» debe provenir de músicos distinguidos y educados. [ 33 ] Además, Larson argumentó que los ritmos utilizados en la música rock podían causar rebelión en las generaciones más jóvenes debido a su naturaleza hipnótica e influyente. [ 30 ]

El rock and roll , que se inspiró en estilos como el rhythm and blues y el jazz , fue creado inicialmente por comunidades negras, pero pronto fue adoptado por la población blanca. [ 34 ] Este aspecto de la historia del rock ha sido pasado por alto por historiadores y medios de comunicación, pero los expertos en música coinciden en que los verdaderos orígenes del rock se encuentran en el sur de Estados Unidos, entre la población negra. [ 34 ]

Las primeras críticas cristianas conservadoras a la música rock tenían fuertes raíces en el racismo. La mayoría de los cristianos conservadores blancos de mediados del siglo XX comprendían que el rock se originó entre la población negra y temían las consecuencias que el éxito del género tendría para la iglesia, la segregación y la igualdad racial. [ 35 ] Al criticar la música rock, los críticos cristianos solían representarla con "imágenes primitivas y exóticas para transmitir sus raíces africanas". [ 35 ] Por ejemplo, la American Tract Society de Nueva Jersey publicó un folleto titulado "De la jungla a la máquina de discos" que utilizaba tropos racistas y exóticos para ilustrar los peligros de la música rock para la juventud blanca. [ 35 ]

década de 2000

En la década de 2000, los blogueros musicales en línea comenzaron a complementar, y hasta cierto punto a desplazar, a los periodistas musicales de la prensa escrita. [ 36 ] En 2006, Martin Edlund del New York Sun criticó esta tendencia, argumentando que si bien «Internet ha democratizado la crítica musical, parece que también ha extendido su inclinación por la exageración acrítica». [ 36 ]

Carl Wilson describió "un auge del sentimiento pro-pop entre los críticos" a principios de la década de 2000, escribiendo que "una nueva generación [de críticos musicales] pasó a ocupar posiciones de influencia crítica" y luego "erigió una crítica generalizada contra el síndrome de medir toda la música popular según las normas de la cultura rock". [ 37 ]

El escritor de la revista Slate, Jody Rosen, analizó las tendencias de la crítica musical pop de la década de 2000 en su artículo "Los peligros del poptimismo". Rosen señaló que gran parte del debate se centra en la percepción de que los críticos de rock consideran el rock como "normativo... el estado estándar de la música popular... con el que se compara todo lo demás". [ 38 ] En una conferencia de críticos de pop de 2006, los asistentes discutieron sus "placeres pop culpables", reconsiderando a músicos ( Tiny Tim , Dan Fogelberg , Phil Collins ) y géneros que los críticos de rock habían descartado durante mucho tiempo como música comercial y superficial. Rosen afirmó que "este nuevo paradigma crítico" se llama "popismo" o, de forma más sugerente (y un tanto ridícula), "poptimismo". El enfoque del poptimismo afirma: "Los productores de pop (y, especialmente, de hip-hop) son tan importantes como los autores de rock, Beyoncé merece tanta consideración como Bruce Springsteen , y atribuir vergüenza al placer pop es en sí mismo un acto vergonzoso". [ 38 ]

La crítica de música pop estadounidense Ann Powers

En 2008, Ann Powers del Los Angeles Times argumentó que los críticos de música pop "siempre han sido inconformistas", porque "la crítica de música pop surgió como un desafío a las jerarquías del gusto y ha permanecido como un negocio pugilístico y exhibicionista a lo largo de la propia evolución del pop". [ 39 ] Powers afirmó que "[l]os insultos, rechazos a la autoridad de los demás, afirmaciones prepotentes de conocimiento superior e incluso amenazas de violencia física son la materia prima de la crítica pop", mientras que, al mismo tiempo, "la mejor [crítica pop] también ofrece una apreciación afectuosa y profundas reflexiones sobre cómo la música crea y choca con nuestras realidades cotidianas". [ 39 ] Afirmó que la crítica pop se desarrolló como una "bofetada al sistema, a publicaciones como la cuna hippie Rolling Stone y el puesto de avanzada más crudo Creem ", y agregó que la "generación de los años 80" de rockeros indie post-punk había sido a mediados de la década de 2000 "derrotada por los 'poptimistas' más jóvenes, quienes argumentan que los amantes del rock underground son elitistas por no abrazar la corriente principal más multicultural". [ 39 ] Powers comparó los debates de los críticos poptimistas sobre bandas y estilos con una "melé en rugby", en el sentido de que "[s]odos empujan contra todos los demás, y avanzamos en una enorme masa de opiniones vehementes y juicios mutuos". [ 39 ]

década de 2010

El crítico musical y músico de indie pop Scott Miller , en su libro de 2010 , Music: What Happened?, sugirió: «Parte del problema es que mucha música pop vital la crean jóvenes de 22 años que disfrutan provocando, y es patético cuando sus mayores se ven obligados a rendirles una reverencia absoluta». Miller sugirió que los críticos podrían abordar este problema estando dispuestos a «dar crédito a los jóvenes artistas por su excelente música sin dejarse intimidar y adoptar una mentalidad en la que los temas oscuros siempre obtienen una calificación aprobatoria», afirmando que un crítico debería poder llamar a un joven artista «un genio musical» y, al mismo tiempo, declarar que sus letras son moralmente reprobables. [ 40 ] : 14 Reaccionando al estado de la crítica de la música pop, Miller identificó un problema importante como el fracaso de los críticos para "atribuirle a un artista el mérito de transmitir un sentimiento", señalando específicamente al crítico Lester Bangs como "una bola de emoción en todo momento", quien, sin embargo, "nunca se relacionó realmente con sus artistas favoritos como personas que desarrollan la habilidad de transmitir sentimientos. No se siente que reconociera cómodamente haberse conmovido como resultado de su trabajo honesto. Los artistas en sus escritos eran vagamente ridículos, primitivos fascinantes, que encarnaban un arquetipo por accidente de la naturaleza". [ 40 ]

En 2014, Tracy Moore, de Jezebel , sugirió que una de las virtudes de escribir sobre cómo la música hacía sentir a uno, en contraste con vincularla a los sonidos de otros artistas, era evitar excluir a los lectores que tal vez no tuvieran un conocimiento musical tan amplio como el del autor. [ 41 ] Por el contrario, Miller creía que los lectores analíticos apreciarían "más comentarios musicales en la crítica musical", sugiriendo que "dosis moderadas y sensibles" de análisis musical proporcionarían un apoyo útil para llegar a la conclusión de "que se compuso una gran melodía o no". Por ejemplo, Miller señaló que los críticos rara vez "identifican melodías pegadizas como pasajes específicos dentro de una canción", de la misma manera que los músicos profesionales podrían hablar del "La menor en el segundo compás del estribillo".

Stevie Chick, escritora que imparte clases de periodismo musical en la City University de Londres , dijo: "Creo que, más que cualquier otro tipo de periodismo, el periodismo musical tiene un coeficiente de escritura creativa realmente poderoso". [ 42 ]

Tris McCall, del Newark Star-Ledger, habló sobre su enfoque de la crítica musical en una entrevista de 2010, afirmando: «La mayoría de nosotros [los críticos] empezamos a escribir sobre música porque nos encanta. Estamos deseando contarles a nuestros amigos y vecinos lo que escuchamos». [ 43 ] Según McCall, incluso a lo largo de una dilatada carrera profesional, el entusiasmo por compartir «nunca desaparece». [ 43 ] McCall expresó su interés en «examinar por qué la gente reacciona a lo que reacciona. Me arriesgo a hacer conjeturas. A veces me equivoco, pero espero ser siempre provocador». [ 43 ]

El crítico musical estadounidense Anthony Fantano en 2016.
El youtuber estadounidense Anthony Fantano en 2016

En la década de 2010, algunos comentaristas señalaron y criticaron la falta de críticas negativas en el periodismo musical. Saul Austerlitz, de la revista del New York Times, señaló que, a diferencia de otras formas de arte, «la música ahora es prácticamente gratuita. La antigua prioridad de la crítica musical —decir a los consumidores qué comprar— ha quedado obsoleta para la mayoría de los fans». Argumentó que esto, junto con la « cultura del clic », provoca que los críticos musicales actúen como «animadores» de las estrellas ya consagradas. [ 44 ] [ 45 ] [ 46 ]

En la década de 2010 se observó un auge de críticos musicales que utilizaban YouTube y las redes sociales como plataforma. Según Larry Fitzmaurice de la revista Vice en 2016, Twitter (X) es "quizás el último espacio público para la crítica musical sin restricciones en un panorama cada vez más anticrítico". [ 47 ] En 2020, The New York Times describió al YouTuber Anthony Fantano como "probablemente el crítico musical más popular que queda en pie". [ 48 ] El canal de Fantano, The Needle Drop, es su principal medio de comunicación, pero también transmite comentarios musicales en Twitch y publica en X.

década de 2020

En un artículo publicado en 2024, Jessica Karl, columnista de Bloomberg News , opinó que "la forma en que criticamos la música está obsoleta". Argumenta que la cultura actual de consumo de música nueva, especialmente tras el lanzamiento del álbum de Taylor Swift, The Tortured Poets Department (2024), es perjudicial. Si bien consideró que algunas reseñas del álbum estaban "bien fundamentadas", opinó que otras estaban preescritas y eran "absurdas". Explicó que los críticos "se quedan despiertos hasta el amanecer para terminar de escuchar un álbum como si fuera un trabajo universitario que deben entregar a última hora" y que los álbumes largos como Tortured Poets, con sus 31 canciones , los frustran. Karl también opinó que las reseñas que aparecen en línea a las pocas horas del lanzamiento de un álbum desacreditan tanto los elogios como las críticas. Condenó la reseña de Paste por hacer "una letanía de críticas mezquinas y llenas de signos de exclamación" contra Swift, y desestimó la entusiasta reseña de Rolling Stone por calificar el álbum como un clásico en un solo día, además de criticar los artículos de "publicaciones de renombre" como Time y The Philadelphia Inquirer por alimentar el chisme con las masas y los fans en lugar de practicar un periodismo serio sobre el arte. [ 49 ]

Teoría de género y raza

Aplicando la teoría crítica ( por ejemplo , los estudios críticos de género y la teoría crítica de la raza ) al periodismo musical, algunos autores académicos sugieren que la falta de respeto mutuo entre críticos y artistas es uno de los muchos efectos negativos del rockismo . En 2004, el crítico Kelefa Sanneh definió el "rockismo" como "idolatrar a la auténtica leyenda antigua (o héroe underground) mientras se ridiculiza a la última estrella del pop". [ 50 ] : 57 El periodismo musical "infectado" por el rockismo se ha convertido, según la profesora de Yale Daphne Brooks, [ 51 ] un desafío "para quienes nos preocupamos por la memoria histórica y la interpretación de la música popular". [ 50 ] : 57–58

Simon Frith afirmó que la música pop y rock "están estrechamente asociadas con el género; es decir, con las convenciones del comportamiento masculino y femenino". [ 52 ] Según Holly Kruse, tanto los artículos de música popular como los artículos académicos sobre música pop suelen estar escritos desde "posiciones de sujeto masculinas". [ 8 ] : 134 Kembrew McLeod analizó los términos utilizados por los críticos para diferenciar entre la música pop y el rock, encontrando una dicotomía de género en las descripciones de la música rock "'seria', 'cruda' y 'sincera' en contraposición a la música pop 'trivial', 'superficial' y 'formularia'". [ 53 ] McLeod descubrió que una causa probable de esta dicotomía era la falta de mujeres escribiendo en el periodismo musical: "Para 1999, el número de editoras o redactoras sénior en Rolling Stone rondaba el 15%, [mientras que] en Spin y Raygun , [era] aproximadamente el 20%". [ 54 ] Las críticas relacionadas con el género se analizaron gráficamente en un artículo de Jezebel de 2014 sobre las dificultades de las mujeres en el periodismo musical , escrito por la crítica musical Tracy Moore, anteriormente editora de Nashville Scene . [ 41 ] Moore describió cómo otra bloguera musical, una "ajena reconocida" que no representaba ningún estereotipo, fue recibida con entusiasmo por los hombres, en contraste con las propias experiencias de Moore como una "persona del círculo interno" que, sin embargo, debía "probar" o "ganarse" su lugar en un mundo periodístico dominado por hombres. [ 41 ]

Según Anwen Crawford , crítica musical de la revista australiana The Monthly , el problema para las mujeres críticas de música popular radica en que su rol en este ámbito se codificó hace mucho tiempo; como resultado, la mayoría de los críticos de rock más famosos —Robert Christgau, Greil Marcus , Lester Bangs , Nick Kent— son hombres. [ 55 ] Crawford señala que la tienda de discos , la tienda de guitarras y ahora las redes sociales se convierten en escenarios para la exhibición de la destreza masculina en el ámbito de la música popular, y añade: «Cuando aparece la experiencia femenina, se la tacha repetidamente de fraudulenta. Toda mujer que se haya atrevido a opinar sobre música popular podría ofrecer una variación de esta experiencia... y convertirse en una "experta" reconocida (música, crítica) no las librará de las acusaciones de impostura». [ 55 ]

Daphne Brooks, en su artículo de 2008 «The Write to Rock: Racial Mythologies, Feminist Theory, and the Pleasures of Rock Music Criticism», escribió que para reestructurar la crítica musical, uno debe «enfocarse en múltiples contranarrativas » para romper con los sesgos raciales y de género encarnados en las «fetichizaciones culturales contemporáneas del virtuosismo performativo masculino blanco y las innovaciones latentes masculinas negras». [ 50 ] : 55 Brooks se centró en «las formas en que la crítica de la música rock ha moldeado y continúa moldeando nuestra comprensión de los encuentros musicales racializados, y cuáles son las historias alternativas que podríamos contar». [ 50 ] : 55–56 Brooks señaló la afirmación de Christgau de que, después de la llegada de los Beatles a Estados Unidos, «la crítica del rock abrazó un sueño o metáfora de revolución perpetua. Se suponía que las bandas valiosas cambiarían la vida de las personas, preferiblemente para mejor. Si no lo hacían, significaba que no importaban». [ 56 ] Como era de esperar, según Brooks, "la historia de las mujeres que han mantenido una tradición de escribir sobre rock desde los años 60" ha estado "en gran medida oculta en la cultura estadounidense". [ 57 ]

Brooks teorizó que las percepciones de las artistas femeninas de color podrían ser diferentes si hubiera más mujeres de color escribiendo sobre ellas, y elogió a Ellen Willis como una importante crítica feminista de la era clásica del rock. [ 50 ] : 58–59 Willis, quien fue columnista de The New Yorker de 1968 a 1975, creía que la sociedad podría iluminarse por la "experiencia extática" de visiones expresadas a través del ritmo y el ruido de la música y que tal alegría llevaría a las personas a diferentes formas de compartir. [ 58 ] Brooks escribió que "la confluencia de los estudios culturales, los estudios del rock y los estudios críticos feministas de la tercera ola hace posible ahora más que nunca continuar criticando y reinterrogando la forma y el contenido de las historias de la música popular". [ 50 ] : 58 En opinión de Brooks, «al romper valientemente las complejas ecuaciones de género, clase, poder y escenas musicales subculturales», periodistas musicales, activistas y críticos como Ellen Willis han podido «desafiar brillantemente, como nadie antes, el activismo y la capacidad de acción intelectual y política» de toda la industria musical. [ 50 ] : 58

Véase también

Referencias

  1. 1 2 3 Bujić, Bojan (s.f.), "Crítica de la música" en The Oxford Companion to Music , Oxford Music Online .
  2. ↑ "Concerning Ruth Miller", Chicago Tribune , 7 de noviembre de 1920, pág. 97; Hannah Edgar, Chicago on the Aisle: Claudia Cassidy's Music Criticism and Legacy , Tesis de licenciatura, Universidad de Chicago: 2018.
  3. ↑ Sandow, Greg, "Sí, la crítica de música clásica está en declive, pero lo último que debería hacer la industria es culpar a la prensa". Archivado el 12 de enero de 2018 en Wayback Machine , Wall Street Journal . Consultado el 9 de marzo de 2010.
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