Bruce Conner

En 1955, Conner estudió durante seis meses en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn con una beca. ^{[ 3 ]} Su primera exposición individual en una galería de la ciudad de Nueva York tuvo lugar en 1956 y presentó pinturas. ^{[ 4 ]} En 1957, Bruce Conner abandonó el programa de Maestría en Bellas Artes (MFA) en la Universidad de Colorado en Boulder, Colorado , y se mudó a San Francisco. ^{[ 6 ]} Sus primeras exposiciones individuales en San Francisco, en 1958 y 1959, presentaron pinturas, dibujos, grabados, collages, ensamblajes y esculturas. ^{[ 6 ]} La Galería Designer's en San Francisco presentó la tercera exposición individual de Bruce. La galería presentaba paneles negros que resaltaban sus dibujos. Una de sus pinturas, Venus , se exhibió en el escaparate de la galería. La pintura mostraba un desnudo dentro de una forma que representaba una concha de almeja. Un policía local confrontó a los dueños de la galería para que la retiraran, "ya que los niños del vecindario podrían ver la pintura". La Unión Estadounidense por las Libertades Civiles respaldó el derecho de la galería a exhibirla, y el asunto nunca llegó a convertirse en un problema.

Conner atrajo la atención del público por primera vez con sus inquietantes ensamblajes envueltos en nailon , complejas amalgamas de objetos encontrados como medias de mujer, ruedas de bicicleta, muñecas rotas, pieles, flecos, bisutería y velas, a menudo combinados con superficies pintadas o con técnica de collage. Cargadas de erotismo y con ecos tanto de la tradición surrealista como del pasado victoriano de San Francisco , estas obras consagraron a Conner como una figura destacada dentro del movimiento internacional del ensamblaje. En general, estas obras carecen de significados precisos, pero algunas sugieren lo que Conner consideraba la belleza desechada de la América moderna, el impacto deformante de la sociedad en el individuo, la violencia contra las mujeres y el consumismo . El comentario social y la disensión siguieron siendo un tema recurrente en sus obras posteriores.

Conner también comenzó a hacer cortometrajes a finales de la década de 1950. Tituló explícitamente sus películas en mayúsculas. La primera y posiblemente más famosa película de Conner se tituló A Movie (1958). ^{[ 7 ]} A Movie era una "película de pobreza", ya que en lugar de filmar su propio material, Conner usó compilaciones de viejos noticieros y otras películas antiguas. ^{[ 8 ]} Reeditó hábilmente ese material, puso las imágenes a una grabación de Los pinos de Roma de Ottorino Respighi y creó una película de 12 minutos entretenida y que invita a la reflexión, que si bien no es narrativa, tiene cosas que decir sobre la experiencia de ver una película y la condición humana. En 1994, A Movie fue seleccionada para su preservación por el Registro Nacional de Cine en la Biblioteca del Congreso . Posteriormente, Conner hizo casi dos docenas de películas experimentales, en su mayoría no narrativas .

En 1959, Conner fundó lo que llamó la Asociación Protectora de los Bastardos de Ratas. ^{[ 9 ] [ 10 ]} Entre sus miembros se encontraban Jay DeFeo , Michael McClure (con quien Conner estudió en Wichita), Manuel Neri , Joan Brown , Wally Hedrick , Wallace Berman , Jess Collins , Carlos Villa y George Herms . ^{[ 11 ]} Conner acuñó el nombre como un juego de palabras con «Sociedad Protectora de Carroñeros». ^{[ 12 ] [ 13 ]} Una exposición de 1959 en la Galería Spatsa de San Francisco representó una exploración temprana de Conner sobre la noción de identidad artística. Para publicitar la muestra, la galería imprimió y distribuyó un anuncio de la exposición en forma de una pequeña tarjeta impresa con bordes negros (a la manera de un anuncio de defunción) con el texto «Obras del difunto Bruce Conner».

Una obra de Conner titulada Niño —una pequeña figura humana esculpida en cera negra, con la boca abierta como si sintiera dolor y parcialmente envuelta en medias de nailon, sentada en una pequeña y vieja trona de madera para niños, a la que está parcialmente atada por las medias— literalmente acaparó los titulares cuando se exhibió en el Museo De Young de San Francisco en diciembre de 1959 y enero de 1960. ^{[ 14 ]} Una meditación o quizás un comentario sobre la entonces inminente ejecución de Caryl Chessman , la obra horrorizó a muchos. «No es asesinato, es arte», tituló el San Francisco Chronicle ; su competidor, el News-Call Bulletin, tituló su artículo: «El impopular "Niño"». La escultura fue adquirida por el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1970, pero se deterioró mucho en los años posteriores, de tal manera que el museo la mantuvo almacenada durante largos períodos y Conner a veces pidió que no se exhibiera o sugirió que ya no existía. En 2015-2016, se emprendió otro intento de restaurar la obra, que requirió meses de trabajo por parte de dos restauradores. ^{[ 15 ]} La obra fue restaurada con éxito y exhibida en It's All True , una exposición retrospectiva que se inauguró en el Museo de Arte Moderno en julio de 2016.

Una exposición de ensamblajes y collages en la ciudad de Nueva York a finales de 1960 recibió críticas favorables en The New York Times , The New Yorker , Art News y otras publicaciones nacionales. Ese mismo año, Conner realizó su primera exposición en la Galería Batman de San Francisco. Ernest Burden, propietario y diseñador de la Designer's Gallery de San Francisco, colaboró ​​con Conner y los dueños de la Galería Batman e hizo pintar toda la galería de negro, al igual que la última exposición en la Designer's Gallery, para exhibir la obra de Bruce. La muestra recibió críticas muy favorables a nivel local. Otra exposición en Nueva York en 1961 también recibió críticas positivas.

En 1961, Conner completó su segundo cortometraje, Cosmic Ray , un montaje rápido en blanco y negro de 4 minutos y 43 segundos, compuesto por imágenes encontradas y filmadas por él mismo, con la canción " What'd I Say " de Ray Charles como banda sonora . La película se estrenó en 1962; la mayoría sugiere que trata sobre sexo y guerra.

Conner y su esposa, la artista Jean Conner , se mudaron a México alrededor de 1962 , a pesar de la creciente popularidad de su obra. Ambos, junto con su hijo recién nacido, Robert, regresaron a Estados Unidos y vivían en Massachusetts en 1963, cuando John F. Kennedy fue asesinado. Conner filmó la cobertura televisiva del evento y editó y reeditó el material con imágenes de archivo para crear una nueva reflexión sobre la violencia que tituló Report . La película se estrenó varias veces a medida que se reeditaba.

En 1964, Conner tuvo una exposición en la Galería Batman de San Francisco que duró solo tres días, y Conner nunca salió de la galería. La exposición se anunció únicamente mediante un pequeño aviso en los anuncios clasificados del Los Angeles Times . Parte de la exposición está documentada en la película de Conner, Vivian . Hacia finales de 1964, la Galería Robert Fraser de Londres acogió una exposición de la obra de Conner, que el artista documentó en una película llamada London One Man Show . ^{[ 16 ]} También ese año, Conner decidió que ya no haría ensamblajes, a pesar de que era precisamente ese tipo de trabajo el que le había dado mayor reconocimiento.

Según Stan Brakhage, amigo y colega cineasta de Conner, en su libro Film at Wit's End , Conner firmó un contrato con una galería de Nueva York a principios de la década de 1960, que estipulaba restricciones estilísticas y personales que iban más allá de la naturaleza desenfadada de Conner. Es improbable que Conner hubiera firmado un documento tan restrictivo. Le siguieron muchas parodias de la autoría artística, incluyendo un artículo de cinco páginas que Conner publicó en una importante revista de arte, en el que describía paso a paso y con gran detalle la preparación de un sándwich de mantequilla de cacahuete , plátano, beicon, lechuga y queso suizo, con numerosas fotografías, como si se tratara de una obra de arte. Justo antes de que Conner se mudara a México en 1961, repintó un letrero desgastado en la carretera para que dijera "Amor".

Conner produjo obras en diversas formas desde la década de 1960 en adelante. Fue una figura activa en la contracultura de San Francisco a mediados de la década de 1960 como colaborador en los espectáculos de luces Liquid en la legendaria Family Dog Productions en el Avalon Ballroom . También realizó —utilizando los entonces novedosos rotuladores— intrincados dibujos en blanco y negro con forma de mandala , muchos de los cuales posteriormente (a principios de la década de 1970) litografió para convertirlos en grabados. Uno de los dibujos de Conner se utilizó (en variaciones de colores llamativos) en la portada del número de agosto de 1967 (n.º 9) del San Francisco Oracle . ^{[ 17 ]} También realizó collages a partir de imágenes de grabados del siglo XIX, que expuso por primera vez como The Dennis Hopper One Man Show.

También realizó varios cortometrajes a mediados de la década de 1960, además de Report y Vivian . Estos incluyen Ten Second Film (1965), un anuncio para el Festival de Cine de Nueva York que fue rechazado por ser "demasiado rápido"; Breakaway (1966), con música cantada y bailada por Toni Basil ; The White Rose (1967), que documenta la retirada de la obra maestra de la también artista Jay DeFeo de su apartamento en San Francisco, con Sketches of Spain de Miles Davis como banda sonora; y Looking for Mushrooms (1967), un viaje salvaje de tres minutos en color con " Tomorrow Never Knows " de los Beatles como banda sonora. (En 1996 creó una versión más larga de la película, poniéndole música de Terry Riley ). ^{[ 18 ]} En 1966, Dennis Hopper invitó a Conner al rodaje en exteriores de Cool Hand Luke ; el artista filmó el proceso en 85 mm, y revisó este material en 2004 para crear su película Luke . ^{[ 19 ]}

Durante la década de 1970, Conner se centró en el dibujo y la fotografía, incluyendo muchas fotos de la escena punk rock de la Costa Oeste de finales de los 70. Una película de 1978 usó "Mongoloid" de Devo como banda sonora. ^{[ 20 ]} En la década de 1970, Conner también creó junto con el fotógrafo Edmund Shea una serie de fotogramas de tamaño natural llamados Ángeles . Conner posaba frente a grandes piezas de papel fotográfico, que después de ser expuestas a la luz y luego reveladas producían imágenes del cuerpo de Conner en blanco sobre un fondo oscuro. Throne Angel , en la colección del Museo de Arte de Honolulu , es un ejemplo con el artista agachado en un taburete. Conner también comenzó a dibujar manchas de tinta elaboradamente dobladas .

En las décadas de 1980 y 1990, Conner continuó trabajando en collages, incluyendo algunos que utilizan imágenes religiosas, y dibujos de manchas de tinta que se han mostrado en numerosas exposiciones, incluyendo la Bienal de Whitney de 1997. A lo largo de toda la obra de Conner, la recurrencia de imágenes y simbología religiosas sigue subrayando la naturaleza esencialmente visionaria de su trabajo. ^{[ 21 ]} ' Que el corazón del leñador de hojalata esté contigo' de 1981, en la colección del Museo de Arte de Honolulu , es un ejemplo de los collages del artista que son a la vez místicos y simbólicos. Es un collage de grabado, con pegamento, plástico derretido y madera carbonizada.

En 1999, para acompañar una exposición itinerante, el Walker Art Center publicó una importante monografía sobre su obra , titulada 2000 BC: The Bruce Conner Story, Part II . La exposición, que incluía salas de proyección especialmente construidas dentro de la galería para las películas de Conner, así como una selección de ensamblajes, dibujos a rotulador y manchas de tinta, collages de grabados, fotogramas y piezas conceptuales, se pudo ver en el Walker, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, el de Young de San Francisco y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.

Conner anunció su retiro en el momento de la exposición "2000 a. C.", pero de hecho continuó creando arte hasta poco antes de su muerte. Sin embargo, gran parte de este trabajo, incluyendo en particular los numerosos dibujos de manchas de tinta que realizó, incluyendo una serie en respuesta al 11-S, se presentaron utilizando seudónimos o el nombre "Anónimo". ^{[ 22 ]} Conner también realizó collages a partir de grabados antiguos y completó (dependiendo de cómo se cuenten) tres o cuatro películas experimentales. También utilizó programas de gráficos por computadora para convertir collages de grabados antiguos en tapices tejidos de gran tamaño, y también realizó impresiones en papel de esa manera. También completó varios otros proyectos artísticos, incluyendo en el año de su muerte un gran ensamblaje titulado King . ^{[ 23 ]} A finales de 2007, Conner también dirigió y aprobó una instalación al aire libre de una gran pintura, lo que resultó en lo que un observador sugirió que es una obra final en proceso. ^{[ 24 ]}