San Lucas dibujando a la Virgen

San Lucas dibujando a la Virgen es una gran pintura al óleo y témpera sobre tabla de roble, generalmente fechada entre 1435 y 1440, atribuida alpintor primitivo neerlandés Rogier van der Weyden . Conservada en el Museo de Bellas Artes de Boston ,muestra a Lucas el Evangelista , patrón de los artistas, dibujando a la Virgen María mientras amamanta al Niño Jesús . Las figuras están situadas en un interior burgués que se abre hacia un patio, un río, un pueblo y un paisaje. El jardín cerrado , las tallas ilusionistas de Adán y Eva en los brazos del trono de María y los atributos de San Lucas se encuentran entre los numerosos símbolos iconográficos de la pintura .

Van der Weyden estuvo fuertemente influenciado por Jan van Eyck , y la pintura es muy similar a la anterior Virgen del Canciller Rolin , generalmente fechada alrededor de 1434, con diferencias significativas. La posición y la coloración de la figura están invertidas, y Lucas ocupa el centro; su rostro se acepta como el autorretrato de van der Weyden . Tres versiones casi contemporáneas se encuentran en el Museo del Hermitage , San Petersburgo, la Alte Pinakothek , Múnich, y el Groeningemuseum , Brujas . ^{[ 2 ]} El panel de Boston es ampliamente considerado el original a partir de bocetos subyacentes que están muy retocados y ausentes en otras versiones. Está en condiciones relativamente malas, habiendo sufrido daños considerables, que persisten a pesar de una extensa restauración y limpieza.

La importancia histórica de la pintura radica tanto en la habilidad detrás del diseño como en su fusión de los reinos terrenal y divino. Al situarse en el mismo espacio que la Virgen María y mostrar a un pintor en el acto de la representación, Van der Weyden pone de relieve el papel de la creatividad artística en la sociedad del siglo XV. ^{[ 3 ]} El panel tuvo una gran influencia, con copias casi idénticas del Maestro de la Leyenda de Santa Úrsula y Hugo van der Goes .

No se conservan documentos de archivo contemporáneos de la obra de Rogier van der Weyden, San Lucas dibujando a la Virgen , pero los historiadores del arte coinciden en que casi con toda seguridad fue pintada para el gremio de pintores de Bruselas, para su capilla en la Iglesia de San Miguel y Santa Gúdula (actualmente la catedral), ^{[ 2 ]} donde está enterrado van der Weyden. ^{[ 1 ]} Es posible que se le encargara para celebrar el nombramiento del artista como pintor de la ciudad de Bruselas. ^{[ 2 ]} Se creía que Lucas el Evangelista era retratista, y se consideraba que los gremios de pintores del norte de Europa estaban bajo su protección. ^{[ 5 ]}

En el siglo XV, las imágenes de Lucas pintando a la Virgen eran más comunes en el arte del norte que en el italiano. ^{[ 6 ]} A Lucas se le atribuyó la pintura del original de la inmensamente popular Virgen de Cambrai , de estilo ítalo-bizantino , a la que se le atribuyeron numerosos milagros. ^{[ 7 ]} El original de esa obra fue llevado a Francia desde Roma en 1440, y en cuatro años se habían realizado al menos 15 copias de alta calidad. ^{[ 8 ]} Se la consideraba un ejemplo de la habilidad de San Lucas, y los pintores contemporáneos se esforzaron por emularlo en sus representaciones de María. La creencia popular sostenía que la esencia de la Virgen estaba capturada en el retrato que Lucas hizo de ella. ^{[ 9 ]}

Van der Weyden sigue de cerca la Virgen del canciller Rolin de van Eyck, c. 1435 , aunque existen diferencias significativas. El paisaje en van der Weyden es menos detallado y su parte superior da una menor ilusión de amplitud que la de van Eyck. ^{[ 10 ]} La similitud más obvia son las dos figuras de pie en un puente, que pueden no tener identidades específicas; ^{[ 11 ]} las de van der Weyden a veces se identifican como Joaquín y Ana , los padres de la Virgen. ^{[ 12 ]} En la pintura de van Eyck, la figura de la derecha lleva un turbante rojo, un motivo ampliamente aceptado como indicador de que el artista es un autorretrato ; imágenes similares se pueden encontrar en el Retrato de un hombre de Londres y en el reflejo en el escudo del caballero en la Virgen con el niño y el canónigo van der Paele , Brujas. ^{[ 13 ]}

Van der Weyden invierte la posición de las figuras principales; la Virgen aparece a la izquierda, ^{[ 10 ]} una posición que se volvió predominante en los dípticos neerlandeses posteriores . Los colores en esta obra son más cálidos que los de van Eyck. Van der Weyden cambia los colores de sus vestimentas; Lucas está vestido de rojo o escarlata, María con los azules cálidos más típicos. El tipo de la Virgen también ha cambiado; aquí se la representa como una María Lactans ("Virgen Lactante"). Esta es una de las representaciones estándar de ella, diferente del tipo de la Virgen Hodegetria ( Nuestra Señora del Camino , o La que señala el camino ) asociada más comúnmente con las representaciones bizantinas y del norte de Europa del siglo XV de San Lucas. ^{[ 14 ]} Esta representación de la maternidad de María enfatiza la "redención de la humanidad por Cristo como  alimento humano... [y] espiritual". ^{[ 15 ]}

El panel contiene cuatro piezas individuales de roble, pintadas sobre una base de tiza unida con cola. ^{[ 16 ]} La madera de preparación está fechada alrededor de 1410, lo que da una fecha estimada para el Van der Weyden a mediados de la década de 1430. ^{[ 2 ]} Los pigmentos dominantes son blanco de plomo (a menudo usado en el panel para resaltar pasajes azules y verdes), negro de carbón, azul ultramar , amarillo de plomo y estaño , cardenillo y laca roja. ^{[ 17 ]} Ha habido cierta decoloración  : algunos verdes ahora son marrones, incluidos los pigmentos utilizados para representar la hierba en el fondo. ^{[ 18 ]}

María está sentada bajo un dosel de brocado o paño de honor , pintado en tonos marrones que con el tiempo se han decolorado a verde oscuro. ^{[ 19 ]} El dosel cuelga hasta un banco de madera adosado a la pared detrás de ella. ^{[ 20 ]} María lleva el cabello suelto y un vestido bordado forrado de piel. Alrededor de su cuello hay un velo ligero , y se la muestra amamantando . [ ^{21 ] Su} vestido es la pieza central del panel, compuesto por una variedad de azules superpuestos con blanco de plomo y reflejos de lapislázuli azul oscuro . Las partes interiores de su túnica contienen telas de color violeta, forradas con azules grisáceos y púrpuras. ^{[ 18 ]}

Lucas está situado sobre un cojín verde, entre la figura celestial y el pequeño estudio que tiene detrás. Se está levantando de rodillas o a punto de arrodillarse . Sus ojos se fijan en ella con atención, ^{[ 20 ]} y parece casi hipnotizado . Jesús está igualmente absorto. ^{[ 22 ]} Hall describe las manos de Lucas como flotando ante él, sosteniendo las herramientas "con la misma delicadeza con la que un ángel podría sostener un lirio o un cetro ". María ha girado el rostro para que él pueda representarla casi de perfil, un honor poco común, mientras que la posición de Lucas arrodillado es muy similar a la de un retrato típico de un donante en presencia de la Virgen. ^{[ 22 ]}

Lucas es imberbe y ronda los 40 años, una edad cercana a la de van der Weyden a mediados de la década de 1430. ^{[ 23 ]} Su rostro no está idealizado; es de mediana edad, con barba incipiente y canas. ^{[ 21 ]} La habitación tras él contiene sus atributos, incluyendo un buey y un libro abierto que representa su Evangelio . ^{[ 24 ]} Está pintado con más naturalismo que María; sus ojos, en particular, están dibujados con mayor realismo. Los de Cristo se ajustan a la forma idealizada de la época, como simples medias lunas. Los de María están formados por líneas curvas típicas de los ideales góticos tardíos de belleza femenina. ^{[ 25 ]} En comparación con las pinturas contemporáneas de este tipo, la obra carece inusualmente de inscripciones; estas aparecen solo en objetos del estudio de Lucas, apenas perceptibles a su derecha: en un libro, en un tintero y en un pergamino que sale de la boca de su buey , debajo del pequeño escritorio. ^{[ 26 ]}

La escena se desarrolla en un espacio interior bastante estrecho, ^{[ 27 ]} con un techo abovedado , baldosas estampadas en el suelo y vidrieras. La pared exterior se abre al plano medio, con un trozo de césped y plantas, ^{[ 10 ]} y ofrece vistas a un río o ensenada . ^{[ 28 ]} El historiador de arte Jeffrey Chipps Smith señala cómo la transición entre los terrenos establece un «espacio espacial complejo en el que [van der Weyden] logró un movimiento casi imperceptible desde la elaborada arquitectura de la sala principal hasta el jardín y el parapeto del plano medio, y el paisaje urbano y rural que se extiende detrás». ^{[ 24 ]}

Dos figuras en el plano medio se encuentran junto a una muralla almenada con vistas al agua, de espaldas al espectador, el hombre señalando hacia afuera. ^{[ 29 ]} Están enmarcadas por columnas y miran hacia la detallada ciudad y el paisaje del fondo. ^{[ 30 ]} Las figuras parecen absortas en la "mirada", que Carol Purtle cree que, para van der Weyden, era una forma de devoción; al meditar sobre una imagen, el "espectador experimentaba visiones de éxtasis". ^{[ 31 ]} El análisis técnico muestra que ambas figuras fueron reelaboradas extensamente tanto en el dibujo subyacente como en la pintura final; ^{[ 32 ]} la capucha de la figura de la derecha era originalmente roja, pero fue repintada de negro, entre muchas otras diferencias. ^{[ 33 ]}

La disposición de estas figuras se asemeja mucho a la de dos personas representadas en el panel de van Eyck. En esa pintura, la figura de la derecha se vuelve hacia su compañero, indicándole que mire hacia afuera. En la obra de van der Weyden, la figura equivalente parece proteger a su amiga, que aquí es mujer, mientras que la figura de la izquierda en el panel anterior podría representar un homenaje al hermano del artista, Hubert, fallecido en la década de 1420. ^{[ 34 ]} Un tocado rojo era un indicador de autorretrato para van Eyck. ^{[ 13 ]} Al igual que en la obra de van Eyck, las figuras actúan como ejemplos de repoussoir , ^{[ 35 ]} ya que atraen nuestra atención hacia el tema subyacente del cuadro: la capacidad de la pintura para visualizar la infinitud del mundo en el paisaje. La pintura puede aludir al concepto de paragone ; el hombre señala el paisaje, quizás destacando la capacidad de la pintura, a diferencia de la escultura, de proporcionar fondo a su primer plano. ^{[ 36 ]}

El examen del dibujo subyacente muestra que el artista pretendía un ángel van Eyckiano coronando a la Virgen, pero esto se omitió en la pintura final. ^{[ 37 ]} Reelaboró ​​profundamente las posiciones de las tres figuras principales incluso hacia el final de la finalización. ^{[ 38 ]} Los pliegues de los mantos eran inicialmente más grandes. ^{[ 39 ]} El cuerpo de Cristo inicialmente miraba hacia Lucas, pero luego se inclinó hacia su madre. La madre y el niño se acercaron. La cabeza de Lucas estaba inicialmente a la altura de la Virgen, pero en la pintura final está ligeramente elevada. ^{[ 40 ]} Las diferencias se extienden más allá de las del primer plano. Las fortificaciones del patio interior se han ampliado, mientras que las dos figuras que miran hacia el río eran más pequeñas, y el río mismo más estrecho. ^{[ 39 ]}

El rostro de Lucas es ampliamente considerado un autorretrato de van der Weyden . Es posible que quisiera asociarse tanto con un santo como con el fundador de la pintura. Esto se ve reforzado por el hecho de que Lucas aparece dibujando con punta de plata sobre papel blanco ; una técnica extremadamente difícil que exige una gran concentración y que normalmente se utiliza solo para la preparación. ^{[ 41 ]} El artista enfatiza con audacia su habilidad y destreza con los bocetos preparatorios; un único dibujo a punta de plata que se conserva, atribuido a van der Weyden y que se encuentra actualmente en el Louvre, contiene una cabeza femenina muy similar a la de María en el panel de Boston. ^{[ 42 ]}

Van der Weyden parece inteligente y apuesto, pero curtido por el tiempo. ^{[ 43 ]} Insertó un autorretrato en otra obra; la perdida Justicia de Trajano y Herkinbaldo , conocida a través de una copia en tapiz en el Museo Histórico de Berna . ^{[ 44 ]} Artistas posteriores del norte siguieron su ejemplo, utilizando autorretratos en sus propias representaciones de Lucas. ^{[ 45 ]}

Los detalles biográficos disponibles sitúan al artista como un católico devoto, profundamente influenciado por textos místicos y devocionales, familiarizado con teólogas de los siglos XII y XIII como Mechthild de Magdeburgo e Hildegarda de Bingen . ^{[ 47 ]} Creían que contemplar imágenes devocionales durante la meditación podía conducir a una visión o a un estado de éxtasis. Es posible que, a partir de estas enseñanzas, van der Weyden desarrollara una serie de motivos devocionales como La Magdalena leyendo . La importancia de San Lucas en el arte cristiano se subraya en San Lucas pintando a la Virgen , al tiempo que se afirma «el papel del arte en el contexto de la meditación y la contemplación». ^{[ 48 ]}

El autorretrato cumple varios propósitos. Actúa como un tributo a su propia habilidad, como una medida de su destreza en comparación con van Eyck y como una defensa de la legitimidad del oficio de la pintura. ^{[ 8 ]} Al representarse a sí mismo como San Lucas dibujando en lugar de pintando, De Vries cree que van der Weyden revela una «conciencia artística al comentar las tradiciones artísticas y, al hacerlo, presenta un argumento visual sobre el papel y la función del artista y su arte, que en aquel entonces todavía se definía predominantemente desde una perspectiva religiosa». ^{[ 15 ]}

Smith describe el panel como una "exposición del arte de la pintura", observando que van der Weyden registra las habilidades esenciales que todo artista exitoso debería dominar, al tiempo que se proclama heredero de San Lucas. ^{[ 24 ]} Trabaja con punta de plata  , y por lo tanto no está obstaculizado por los elementos propios de la pintura: un caballete , un asiento u otros objetos que podrían recargar la composición o, más importante aún, interponer una barrera física entre los reinos divino y terrenal. ^{[ 49 ]}

La pintura es rica en iconografía tanto explícita como implícita . Van der Weyden presenta a María como la virgen Maria Lactans , un símbolo de la " Iglesia Madre " especialmente popular en tiempos de peste o hambruna , lo que implica que ella cuida de todos y nadie pasará hambre. Esta noción se relaciona con el doble papel de Lucas como médico (y por lo tanto sanador) y artista. ^{[ 50 ]} Van der Weyden ya había representado a María amamantando en su Virgen con el Niño entronizada , que muestra tallas igualmente detalladas y significativas, pero de menor tamaño y con menos personajes, y omite el acto de contemplar. ^{[ 51 ]}

La arquitectura del espacio cerrado sugiere una iglesia. La Virgen se sienta bajo un dosel, tal vez símbolo del espacio sagrado, y la separación espacial entre el celebrante y la congregación , generalmente por un coro alto . La pequeña habitación a la derecha podría simbolizar la cámara de vestimentas. ^{[ 51 ]} Los brazos de su trono están pintados como tallados con figuras que incluyen a Adán, Eva y la serpiente antes de la caída del Paraíso. ^{[ 30 ]} La habitación da a un jardín cerrado , otro emblema de la castidad de la Virgen. ^{[ 10 ]} Aunque María está situada junto a un trono y bajo un dosel, lo que indica su papel como Reina del Cielo , se sienta en el escalón, una indicación de su humildad . ^{[ 25 ] [ 52 ]}

La Virgen ocupa un espacio terrenal en lugar de uno sagrado, pero se mantiene distante. Este enfoque se enfatiza mediante figuras secundarias en el plano medio que se encuentran al aire libre, mientras que las figuras principales están ubicadas en una sala elevada que contiene un trono, grandes arcos y tallas de madera. El escenario de Van der Weyden es menos artificial que el de Van Eyck; aquí Lucas y María se miran como iguales, a diferencia de la pintura de Van Eyck donde, como describe Blum, "una divinidad y un mortal" se enfrentan. Van der Weyden omite al ángel alado que sostiene una corona y que flota sobre la Virgen; la figura estaba incluida en los bocetos preliminares, pero finalmente se descartó. El paisaje es más secular que el de Van Eyck, que está dominado por campanarios de iglesias. ^{[ 53 ]}

A finales del siglo XIII, muchos de los gremios de pintores recién surgidos nombraban a Lucas como su santo patrón. ^{[ 20 ]} El panel de van der Weyden se encuentra entre las primeras representaciones conocidas de San Lucas pintando a la Virgen en el arte del Renacimiento nórdico, ^{[ 54 ]} junto con una obra similar, un tríptico perdido de Robert Campin . ^{[ 25 ]} Van der Weyden presenta una Virgen y un Niño humanizados, como sugieren el entorno contemporáneo realista, ^{[ 53 ]} la ausencia de halos y la construcción espacial íntima. Sin embargo, impregna el panel con una extensa iconografía religiosa. ^{[ 25 ]}

Durante el siglo XIX, la pintura se asoció en ocasiones con Quentin Massys y Hugo van der Goes . A principios de la década de 1930, basándose en radiografías , el historiador de arte Alan Burroughs atribuyó la pintura de Boston a Dieric Bouts "bajo la supervisión" de van der Weyden. ^{[ 55 ]} Posteriormente, revisó su opinión y la atribuyó a van der Weyden, pero los historiadores de arte seguían sin estar seguros de cuál de las cuatro versiones del panel era la original o la primera y cuáles eran copias. ^{[ 12 ]} La reflectografía infrarroja ha revelado un dibujo subyacente en la versión de Boston que contiene un redibujo y reelaboración considerables. Esto está ausente en las otras versiones, una fuerte evidencia de que el panel de Boston es el primero. ^{[ 56 ]} El enfoque del dibujo subyacente es muy similar al de las pinturas en las que se ha establecido la atribución a van der Weyden, como el Descendimiento de la Cruz en Madrid y el Retablo de Miraflores en Berlín. Están construidos con pincel y tinta, prestando especial atención a los contornos de las figuras y los drapeados. Se utiliza el rayado para indicar las zonas de sombra profunda. En cada uno, el dibujo subyacente es un boceto de trabajo, sujeto a revisiones constantes, que continuaron incluso después de haber comenzado la pintura. ^{[ 57 ]} El dibujo de María es similar al dibujo a punta de plata del Louvre de 1464 atribuido a su círculo. Ambos son del tipo que preocupaba a van der Weyden, mostrando «un refinamiento continuo y un énfasis en la juventud [de María]  ... [que es] rastreable en toda su obra». ^{[ 42 ]}

Museo del Hermitage , San Petersburgo, c. 1440 (recortada)

Antigua Pinacoteca de Múnich. do. 1450

Museo Groeninge , Brujas

Los historiadores del arte revisaron gradualmente su datación de 1450 a la actualmente aceptada de 1435-1440, más temprana en la carrera del artista. ^{[ 2 ]} Esta estimación se basa en tres factores: la datación de la Virgen de Rolin , la oportunidad que tuvo van der Weyden de ver ese panel y su capacidad para producir su propia obra después de dicha visión. Se sabe que visitó Bruselas  —donde van Eyck tenía su estudio—  en 1432 y nuevamente en 1435. Erwin Panofsky sugirió c. 1434 como la fecha más temprana posible, y que el panel de Rolin se completó en 1433 o 1434. Julius Held se mostró escéptico ante esta datación temprana, señalando que, de ser cierta, nos vemos obligados a suponer que, dentro del año siguiente a la obra de Jan, Rogier recibió un encargo que le brindó la oportunidad de adoptar el patrón compositivo de Jan, sometiéndolo al mismo tiempo a una transformación muy profunda y altamente personal, y todo esto en Brujas, bajo la atenta mirada de Jan. ^{[ 58 ]}

Held, en solitario y escribiendo en 1955, defiende una fecha entre 1440 y 1443, considerando la obra más avanzada que otras pinturas del artista de mediados de la década de 1430, y cree que contiene "diferencias considerables" en comparación con otras obras tempranas, especialmente el Tríptico de la Anunciación de c. 1434. Observa además que, si bien la pintura llegó a ser muy influyente, no aparecieron copias hasta mediados de siglo. ^{[ 59 ]}

El análisis dendrocronológico de los anillos de crecimiento de la madera del panel sugiere que la madera fue talada alrededor de 1410. ^{[ 2 ]} En el siglo XV, la madera se almacenaba normalmente durante unos 20 años antes de su uso en la pintura sobre tabla, lo que sitúa la fecha más temprana entre mediados y finales de la década de 1430. El análisis de la versión de Múnich la sitúa en la década de 1480, unos 20 años después de la muerte de van der Weyden. ^{[ 60 ]} El panel de Brujas se encuentra en el mejor estado y es de una calidad excepcional, pero data de c. 1491–1510. ^{[ 39 ]}

A pesar de la eminencia de la pintura y sus numerosas copias, se sabe poco de su procedencia antes del siglo XIX. Parece probable que sea la pintura que Albrecht Dürer menciona en su diario al recordar su visita a los Países Bajos en 1520. ^{[ 61 ]} Probablemente sea la misma obra registrada en un inventario de Felipe II de 1574 , conservado en El Escorial . ^{[ 1 ]} La pintura está registrada en 1835 en la colección de Don Infante Sebastián Gabriel Borbón y Braganza, sobrino nieto de Carlos III de España y él mismo artista. Las notas del inventario de Gabriel describían el panel en detalle, lo atribuían a Lucas van Leyden y sugerían una restauración anterior . ^{[ 12 ]} Fue donado al Museo de Bellas Artes en 1893 por Henry Lee Higginson después de su compra en una subasta de Nueva York en 1889. ^{[ 1 ]} Fotografías de 1914 lo muestran en un marco ornamentado y decorativo que probablemente sea el mismo que en la descripción de Gabriel de 1835. ^{[ 62 ]}

El panel está en mal estado, con daños sustanciales ^{[ 11 ]} en su marco y superficie, a pesar de al menos cuatro restauraciones. ^{[ 62 ]} La primera restauración registrada fue en 1893, año en que fue adquirido por el Museo de Bellas Artes, pero no se conservan registros del tratamiento. A principios de la década de 1930, el conservador de pinturas del museo, Philip Henry, describió la pintura como un van der Weyden original, pero opinó que su mal estado estaba dificultando una mayor aceptación de la atribución. Sobre esta base, fue enviado a Alemania en 1932 para someterse a conservación. El esfuerzo fue dirigido por el restaurador Helmut Ruhemann , quien describió el panel como "estructuralmente sólido" y eliminó capas de barniz descolorido y "repintado tosco", al tiempo que rellenó algunas áreas con pérdida de pintura. ^{[ 62 ]} Ruhemann creía haber encontrado evidencia de al menos dos restauraciones importantes del siglo XIX, una de las cuales probablemente fue la realizada en Boston en 1893. La limpieza y restauración de Ruhemann fue ampliamente elogiada y contribuyó a que van der Weyden aceptara el panel como el original. ^{[ 63 ]}

El MFA realizó una tercera restauración en 1943, cuando se reparó cierto amarilleamiento del esmalte . ^{[ 64 ]} Más recientemente, la pintura fue limpiada en 1980, cuando se eliminaron pequeñas cantidades de suciedad, se rellenaron algunas pérdidas y se aplicó una capa ligera de barniz. ^{[ 64 ]}

Si la pintura se encontraba en la capilla del Gremio de San Lucas en Bruselas, muchos artistas casi contemporáneos habrían podido contemplarla. La interpretación de Van der Weyden fue enormemente influyente durante mediados del siglo XV y principios del XVI, tanto en adaptaciones libres como fieles y copias, ^{[ 37 ]} ejemplos de las cuales se encuentran en Bruselas, Kassel , Valladolid y Barcelona. ^{[ 65 ]} Esto refleja su calidad y el hecho de que presenta una imagen ideal de un artista como autorretrato, legitimando y enalteciendo el oficio. ^{[ 8 ]} También fue influyente su tipo de la Virgen, que volvió a utilizar para el Díptico de Jean de Gros , de alrededor de 1450. Esa pintura presenta un ala de la «Virgen con el Niño» modelada directamente a partir de su panel de San Lucas, extendiendo el aspecto devocional para incluir a un donante que aparece en el mismo panel con ella. Al combinar al mecenas con la Virgen, el «artista ha hecho de esa devoción personal una parte integral de la imagen». ^{[ 66 ]}

Las representaciones de Lucas dibujando a la Virgen ganaron popularidad a mediados y finales del siglo XV, siendo el panel de van der Weyden el más antiguo conocido de los Países Bajos ^{[ 67 ]} – El tratamiento anterior de Campin se había perdido para entonces. ^{[ 68 ]} La mayoría eran copias libres (adaptaciones) del diseño de van der Weyden. El pintor anónimo conocido como el Maestro de la Leyenda de Santa Úrsula incorporó el tipo de María Lactans para su Virgen con el Niño , que ahora se encuentra en Nueva York. Otros artistas que produjeron obras directamente influenciadas por el retrato de van der Weyden incluyen a Hugo van der Goes, Dieric Bouts, Derick Baegert y Jan Gossaert . Algunos artistas copiaron a van der Weyden colocando su propia imagen en lugar de la de San Lucas, en particular Simon Marmion y Maarten van Heemskerck . ^{[ 69 ]} Al representarse a sí mismos como Lucas, los artistas implicaban una representación de la Virgen basada en el contacto directo y, por lo tanto, le daban una imagen fiel. ^{[ 70 ]}

La de Van der Goes es la versión autógrafa más antigua que se conserva, y una de las más importantes. Este panel era originalmente un ala de un díptico, del cual se ha perdido el panel que lo acompañaba, el de la Virgen y el Niño, y probablemente fue hecho para un gremio. Lucas está vestido con una pesada túnica roja, dibuja un boceto preparatorio con punta de plata y luce una expresión melancólica. ^{[ 71 ]} Partiendo del tema de van der Weyden sobre el rol, la práctica y el oficio del artista, van der Goes coloca trozos de carbón, un cuchillo y las plumas de un pequeño pájaro frente al santo. ^{[ 72 ]} Las similitudes con la obra de van der Weyden son numerosas y sorprendentes, e incluyen los utensilios de pintura, las túnicas rojas, el gorro de médico y el manto azul. La figura tiene el mismo tipo de rostro de mediana edad y su pose, arrodillado sobre un cojín verde, aunque invertida en comparación con la de van der Weyden, es la misma. ^{[ 72 ]} La adaptación de Van der Goes aumentó la posición de Van der Weyden a los ojos de los seguidores del artista posterior y dio lugar a un nuevo grupo de copias que se modelaron a partir de la pintura posterior. ^{[ 43 ]}

Una versión en tapiz tejida en Bruselas hacia 1500 se encuentra ahora en el Louvre . ^{[ 73 ]} Probablemente fue diseñada utilizando un dibujo invertido de la pintura. ^{[ 74 ]}

• Lista de obras de Rogier van der Weyden

• San Lucas dibujando a la Virgen , Museo de Bellas Artes , Boston