Shozo Shimamoto

Shōzō Shimamoto (嶋本 昭三, Shimamoto Shōzō ; 22 de enero de 1928 – 25 de enero de 2013) fue un artista japonés. ^{[ 1 ] [ 2 ]} Habiendo estudiado con Jirō Yoshihara , el futuro líder de Gutai , desde 1947, Shimamoto fue un miembro fundador clave de Gutai junto con Yoshihara y otros quince en agosto de 1954. ^{[ 3 ] [ 4 ]} Fue cercano al líder Yoshihara y participó activamente en las primeras actividades y la administración del grupo. Trabajó con una amplia variedad de técnicas, como perforar papel de periódico en capas, lanzar botellas de pintura a lienzos, experimentar con cine y representaciones teatrales, y componer arte sonoro . Fue particularmente conocido por su innovador arte performático. De hecho, cuando Yoshihara decidió centrarse más en la pintura, tras su encuentro con el crítico de arte francés Michel Tapié , Shimamoto siguió animándolo a seguir por ese camino, expresando su deseo de trabajar con Allan Kaprow , por ejemplo.

Después de Gutai , se dio a conocer por sus actividades de arte postal con el grupo AU y por la continuación de sus performances pictóricas que realizó por todo el mundo. Falleció de insuficiencia cardíaca aguda en la ciudad de Nishinomiya , prefectura de Hyōgo . ^{[ 5 ]}

Shimamoto fue alumno de Yoshihara desde sus inicios, cuando tenía diecinueve años, en 1947. ^{[ 3 ] [ 4 ]}

En 1950, se graduó de la Facultad de Humanidades de la Universidad Kwansei Gakuin. ^{[ 2 ] [ 6 ]}

Shimamoto ha citado la caligrafía de Nantembō como una influencia temprana, señalando que “Lo que más me sorprendió cuando fui a ver a este maestro fue que usaba un pincel muy grande y con él creaba obras mucho más grandes que sus contemporáneos”. ^{[ 7 ]} De sus primeras obras de 1950 ha descrito “un solo signo de flecha en un trozo de papel, una imagen de un solo círculo dibujado en el lienzo y un agujero hecho en el centro del lienzo, etc.” ^{[ 8 ]} Este último se refiere a su serie “Agujero”, en la que perforó el plano pictórico de la pintura. Estas obras se desarrollaron a partir de las condiciones económicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial y su incapacidad para costear lienzos. ^{[ 9 ]} Al pegar capas de periódico, creó un nuevo tipo de soporte que llamó “papel-vaso”. ^{[ 9 ]} El papel-vaso se adhirió con un pegamento hecho de harina y agua, sobre el cual se pegó una capa final de papel de cartucho marrón y luego se pintó de blanco. ^{[ 10 ]} Descubrió que al pintar el soporte se rasgaba donde el pegamento no se había secado por completo. ^{[ 10 ]} El desgarro del soporte lo inspiró a realizar una serie de obras con papel perforado-vaso, ^{[ 10 ]} dando como resultado obras de arte como su Obra (Agujeros) de 1950. ^{[ 9 ]} En esta obra, la superficie blanca y monocromática parece estar a punto de desmoronarse debido a una serie de gestos agresivos con el lápiz. ^{[ 9 ]} Una obra similar, Agujeros (1954), se encuentra en la colección de la Tate Modern . ^{[ 10 ]}

Antes de estas obras, Yoshihara no se había impresionado mucho por los esfuerzos de Shimamoto, lo que lo desanimó de seguir la pintura como carrera después de un tiempo. ^{[ 11 ]} Motivado por el desafío, Shimamoto le prometió una pintura que no se había pintado antes. ^{[ 11 ]} Esto hizo que Shimamoto creara la primera obra de papel-jarrón, por la cual Yoshihara lo elogió con entusiasmo. ^{[ 11 ]} Shimamoto relató que cuando le mostró su primera obra de Hole a Yoshihara , “ambos sintieron que se había logrado algo grandioso”. ^{[ 12 ]} Luego se encerró en su habitación y produjo más usando el mismo método a lo que Yoshihara , según Shimamoto, “les echó un vistazo y simplemente me dijo que ya había visto esas cosas antes”. ^{[ 11 ]} Yoshihara lo desanimó de continuar la serie cuando se encontraron por primera vez con las obras “buchi” de Lucio Fontana que también perforan la superficie de la pintura. ^{[ 10 ]} Aunque las obras se realizaron de forma contemporánea y sin conocimiento mutuo (según Shimamoto), Yoshihara consideró que las obras de Shimamoto serían inevitablemente consideradas derivadas debido a los prejuicios del mundo del arte de la época. ^{[ 10 ]} Como sugiere Alexandra Munroe , estas obras “desafiaron las nociones establecidas de permanencia en la pintura modernista abstracta e introdujeron el hin (pobreza) —la apreciación de los objetos minimalistas y desgastados naturalmente, como se cultiva en las artes del té— en el contexto del arte japonés contemporáneo”. Por lo tanto, la serie Hole “representa el comienzo de un estilo Gutai ” para Munroe. ^{[ 13 ]}

En 1954, Shimamoto participó en la “Segunda Exposición Genbi”, que presentó al artista del Gendai Bijutsu Kondankai (Grupo de Discusión de Arte Contemporáneo) fundado por Hiroshi Muramatsu y fuertemente influenciado por Yoshihara . ^{[ 3 ]} El grupo buscaba repensar la jerarquía en todos los niveles del mundo del arte. ^{[ 3 ]} La exposición, celebrada en la Galería Asahi Biru en Kobe , reunió a muchos jóvenes artistas de Kansai que pronto establecerían Gutai con Yoshihara . ^{[ 6 ] [ 3 ]} Shimamoto fue responsable de proponer el nombre Gutai , traducido del japonés como “concreto” o “encarnado”. ^{[ 5 ] [ 14 ] [ 10 ]} Sobre este nombre ha explicado: “No queríamos mostrar nuestro sentimiento de forma indirecta o abstracta”. ^{[ 8 ]} Shimamoto también fue responsable de contactar a miembros del grupo Zero-kai, Kazuo Shiraga , Saburo Murakami , Atsuko Tanaka y Akira Kanayama , para que se unieran a Gutai después de que algunos de los miembros iniciales se marcharan. ^{[ 8 ] [ 15 ]} La casa de Shimamoto se convirtió en la primera sede del grupo, y es donde se publicó el primer número de la revista Gutai . ^{[ 3 ]}

Shimamoto también contribuyó a Gutai a través de sus escritos, publicados en la revista Gutai . Esta actitud hacia la pintura también se muestra en su texto de 1957, “La idea de ejecutar el pincel”, en el que escribe: “Creo que lo primero que debemos hacer es liberar la pintura del pincel”. ^{[ 16 ]} Además, defiende el reconocimiento de que “un color sin materia no puede existir” y que, por lo tanto, el artista debe pintar de una manera que “aproveche la textura de la pintura y le dé una sensación viva”. ^{[ 16 ]} En un artículo, “Mambo y pintura”, Shimamoto abogó por la destrucción de “los valores establecidos por la élite artística” ^{[ 17 ]} mediante la incorporación creativa de la participación del público. ^{[ 18 ]} En oposición a la “élite” artística, Shimamoto escribió: “Nunca sería apropiado que esos elitistas consideraran una obra maestra una pintura hecha bailando mambo sobre un lienzo”. ^{[ 19 ]}

En julio de 1955, Shimamoto creó su obra Please Walk on Here como parte de la “Exposición Experimental al Aire Libre de Arte Moderno para Desafiar el Sol de Verano” en la ciudad de Ashiya . ^{[ 20 ]} La obra consistía en dos conjuntos estrechos de tablas de madera dispuestas en línea recta. Un conjunto era estable para caminar sobre él, mientras que el otro era inestable, similar a un puente de cuerda roto. ^{[ 20 ]} En esta exposición, Shimamoto también mostró una placa gigante de metal perforada con pequeños agujeros, una evolución de su anterior serie Hole, aunque esta vez como un medio para intervenir en la interacción del espectador con el espacio. ^{[ 21 ] [ 6 ]} La placa estaba pintada de blanco por un lado y de azul por el otro, y se iluminaba desde atrás con una lámpara por las noches. ^{[ 6 ]} Please Walk on Here fue reproducida y exhibida con motivo de la Bienal de Venecia de 1993. ^{[ 11 ]}

Un aspecto de la actitud elitista hacia el arte a la que Shimamoto se opuso parece ser el mito del genio artístico y la intencionalidad, contra el cual utilizó formas accidentales e incidentales de creación de marcas. «Creo que se pueden hacer pinturas superiores con pintura derramada después de dejar caer accidentalmente una pelota desde el segundo piso y derribar una lata de pintura… en ese acto no hay acción ni ambición superfluas». ^{[ 19 ]} Este rechazo a la valoración convencional del artista o la obra de arte también se puede leer cuando escribe que, «Cuando se expresa la emoción incontenible de uno, y se vincula con el pasado a través de la expresión directa, el valor del arte no reside en el artista ni en la obra. Reside en la voluntad de crear». ^{[ 22 ]} Como señala la historiadora de arte Joan Kee, las actividades de Shimamoto en los primeros años de Gutai son indicativas de «un tipo de expresión singular» del grupo que no se puede categorizar fácilmente como pintura de acción ni como «happening». ^{[ 23 ]}

Esta experimentación con materiales y métodos no convencionales como medio para la originalidad pictórica continuó en el trabajo inicial de Shimamoto en Gutai . En la Exposición al Aire Libre de Gutai de julio de 1956, Shimamoto construyó un cañón usando combustión de acetileno desde el cual disparó pintura sobre una lámina de vinilo rojo para producir Cannon Work . ^{[ 15 ] [ 8 ]} La performance estuvo acompañada de música de fondo. ^{[ 6 ]} En octubre de ese mismo año, produjo Breaking Open the Object en la que llenó botellas de vidrio con pintura y las rompió sobre un lienzo sin estirar debajo de él. ^{[ 24 ]} Este método de pintura "Bottle Crash", como él lo llamó, se convertiría en un método distintivo de su performance pictórica. ^{[ 21 ]} En una entrevista con Lorenzo Mango, Shimamoto describe un impulso para sus experimentos iniciales que llevaron al uso de cañones y el método "Bottle Crash". A diferencia del atletismo requerido para las actividades de Kazuo Shiraga y Saburo Murakami , Shimamoto dice: «Yo, al ser físicamente más débil que ellos, pensé en lanzar botellas llenas de pintura de colores o hacerlas explotar con un cañón». ^{[ 25 ]} Si bien inicialmente se sintió frustrado porque los medios de comunicación cubrían su proceso poco convencional pero mostraban menos interés en la pintura final resultante, «comenzó a pensar de manera diferente, tanto proponiendo ideas para cambiar el escenario como adoptando un comportamiento determinado para esas ocasiones». ^{[ 25 ]} A continuación, señala: «Así que puedo decir que la relación entre mi trabajo y mis eventos me la han enseñado los periodistas». ^{[ 25 ]}

Esta reflexión sobre una relación activa con la pintura se llevó al escenario en la exposición de Gutai de mayo de 1957, Gutai Art on Stage, en el Sankei Hall de Osaka . ^{[ 26 ] [ 15 ]} Partiendo de un escenario completamente oscuro, se bajaron del techo bombillas de cristal iluminadas con luz. Shimamoto rompió las bombillas, apagándolas al romperlas con un palo. ^{[ 21 ] [ 9 ]} Después de esto, se bajaron dos grandes tubos de cristal blanco y, al romperlos, liberaron cuatro mil pelotas de ping-pong. ^{[ 21 ]} En estas obras, Shimamoto se preocupó por el acto de hacer arte mediante procesos de destrucción. ^{[ 27 ]} Shimamoto también experimentó con cine y música electrónica en este evento. ^{[ 15 ]} La música fue creada para acompañar su The Film that Doesn't Exist Anywhere in the World (1957), que era una doble proyección superpuesta de animación pintada a mano sobre película en una sola pantalla. ^{[ 28 ] [ 11 ]} Debido a la falta de fondos, Shimamoto hizo que uno de sus estudiantes de secundaria de su trabajo como profesor tomara película desechada de su trabajo en un cine. ^{[ 28 ] [ 11 ]} Luego lavó la película con vinagre y procedió a dibujar una animación simple en los fotogramas. ^{[ 28 ] [ 11 ]} Para crear la música de acompañamiento, Shimamoto decidió usar una grabadora de cinta, que se había introducido recientemente en el mercado. ^{[ 28 ] [ 11 ]} El resultado fue similar a la musique concréte , una traducción de “música gutai”. ^{[ 28 ]} Sin embargo, a Shimamoto no le gustaba la estructura de la musique concréte , y por lo tanto intentó hacer música no estructurada usando sonidos cotidianos. ^{[ 28 ]} Estos incluían los sonidos del agua fluyendo de un grifo, una silla siendo arrastrada y un pequeño golpe. ^{[ 11 ] [ 28 ]} Desanimado por la falta de atención y la abrumadora comparación con el privilegiado precedente de John Cage , Shimamoto se desanimó y la película y el audio permanecieron en un almacén sin ser tocados durante más de cuarenta años. ^{[ 28 ]}Desde entonces se han dividido y albergado en las colecciones del Centro Pompidou de París y del Museo de Arte e Historia de la ciudad de Ashiya . ^{[ 28 ] [ 11 ]}

Shimamoto fue también el primer artista en tener una exposición individual en la Gutai Pincotheca, la galería y centro Gutai en Osaka . ^{[ 29 ]} La exposición se llevó a cabo del 1 al 10 de octubre de 1962. ^{[ 29 ]} En el texto de la exposición escrito por Yoshihara, describe las innovadoras contribuciones de Shimamoto al arte, incluyendo “una obra enorme, que aún considero una obra maestra, hecha simplemente usando una escoba para extender pintura amarilla sobre la superficie de un gran lienzo blanco”. ^{[ 29 ]} También menciona “una escultura hecha casi exclusivamente de cuchillas de afeitar” realizada cuando Shimamoto era estudiante, una “proyección de caleidoscopio” y “una obra enrollada como un túnel y, por lo tanto, solo visible desde el interior” que se exhibió en la Segunda Exposición Gutai en Tokio . ^{[ 29 ]}

Michel Tapié , en su texto de 1957 «Un cálculo mental de mi primer viaje a Japón», publicado originalmente en Bijutsu Techo , destacó a Shimamoto del grupo Gutai junto con Yoshihara , Kazuo Shiraga y Atsuko Tanaka como «cuatro artistas que deberían aparecer junto a las figuras internacionales más consagradas». ^{[ 30 ]} Shimamoto expresó su creencia de que Gutai habría sido más original y experimental si Taipé no hubiera influido tanto en la dirección del grupo. ^{[ 15 ]} Permaneció como miembro de Gutai hasta 1971, un año antes de que el grupo se disolviera oficialmente con la muerte de Yoshihara . ^{[ 31 ] [ 32 ]} La salida de Shimamoto se debió a desacuerdos sobre las finanzas dentro del grupo con respecto a la participación de Gutai en la Expo '70 , la primera Exposición Universal en Asia y un evento histórico para el arte contemporáneo japonés. ^{[ 33 ]}

Shimamoto se convirtió en director de la AU (Artist Union y, más tarde, Art Unidentified) en 1967. ^{[ 8 ] [ 25 ] [ 34 ]} Como él mismo señala, “los artistas que habían estudiado en universidades prestigiosas y habían aprendido las técnicas fundamentales, tendían a alejarse del grupo, mientras que otros artistas menos educados y aquellos con discapacidades físicas o mentales se convertían en miembros”. ^{[ 25 ]} Cita sus perspectivas poco convencionales como responsables de que el arte “evolucionara más allá del sentido artístico más común” de una manera que “genera un nuevo vigor”. ^{[ 25 ]} Aunque Shimamoto ya conocía el arte postal a través de la correspondencia de Gutai con Ray Johnson , fue durante su participación en la AU que Shimamoto desarrolló su interés por el arte postal . Esto se ha atribuido a su encuentro con Byron Black en Japón, un videoartista tejano que había estado involucrado con el espacio alternativo Western Front, donde se producía mucho arte postal . ^{[ 34 ]} Las actividades de arte postal de Shimamoto incluían muchas tarjetas de formas irregulares que enviaba por correo tanto a artistas como a personas comunes, como por ejemplo, un trozo de cartón recortado con la forma de la letra "A" en hiragana. Este se publicó en la portada de una revista que incluía algunos de los escritos de Shimamoto. ^{[ 35 ]}

En respuesta a sus experimentos con el sistema postal japonés, la gente comenzó a enviarle objetos extraños pegándoles sellos y enviándolos por correo. ^{[ 35 ]} Entre ellos se encontraban un calamar seco, un grano de arroz con una etiqueta postal para objetos más pequeños que una postal, y un armario de madera para sandalias enviado en sus partes constituyentes (incluidas las sandalias), que posteriormente debía volver a ensamblar. ^{[ 35 ]}

En 1976, Shimamoto creó un camino con 10.000 periódicos en la ribera del río Murogawa. ^{[ 6 ]} De manera similar, exhibió 10.000 periódicos como parte del “World Symposium Invitation Show” en Alberta , Canadá. ^{[ 6 ]}

En 1986, con motivo de la visita a Japón del artista postal italiano Guglielmo Achille Carvellini , Shimamoto se afeitó la cabeza. ^{[ 6 ]} A partir de ese momento, les pidió a los artistas que visitaba que trataran su cabeza calva como un plano pictórico. Posteriormente, su cabeza se utilizó para transmitir mensajes e imágenes, así como una superficie para proyectar diapositivas y películas. ^{[ 4 ] [ 36 ]}

A lo largo de su trayectoria, Shimamoto también se dedicó al arte infantil. Sobre la exposición anual de pintura infantil en Ashiya (fundada en 1949), Shimamoto escribe: «Inmediatamente después de la guerra, los miembros de Gutai creamos varias obras utilizando nuevos métodos. No es exagerado decir que todo esto se lo debemos a los niños y a esta exposición». ^{[ 37 ]} Podemos observar la influencia de la creatividad infantil en su propia práctica en lo que él considera una ausencia de pensamiento interviniente. Al describir un vídeo de Picasso ordenando artísticamente pipas de terracota encontradas en la calle, señala cómo «disfrutaba con la naturalidad de un niño, sin dudarlo». ^{[ 38 ]} Esto lo vincula a la importancia de las cosas inútiles en una sociedad mediada por convenciones de pensamiento excesivamente racionales y teleológicas, ^{[ 38 ]} o, como lo expresó Romano Gasparotti, “a) una forma de expresión aún no condicionada por patrones culturales y formas preestablecidas, b) una atención holística al mundo entendido como un todo indiviso y que, por lo tanto, contrastaba con la actitud hiperanalítica típica de la mentalidad técnico-científica capaz solo de separar, dividir y diseccionar”. ^{[ 39 ]} La importancia de este compromiso directo con el material en el arte puede aplicarse a los tipos de métodos que Shimamoto buscó en su práctica.

La carrera de Shimamoto después de Gutai también estuvo marcada por su pasión por el activismo por la paz mundial, inspirado en parte por una visita en 1986 de Bern Porter . ^{[ 25 ]} Porter , un físico nuclear que trabajó en el Proyecto Manhattan y adoptó una vida de austeridad y expiación después del bombardeo nuclear de Japón, posteriormente nominaría a Shimamoto para un Premio Nobel de la Paz . ^{[ 25 ]} En una obra producida en 1999, Heiwa no Akashi (Una prueba de paz), dejó caer botellas de vidrio de pintura sobre una losa de hormigón mientras era elevado en el aire en el puerto deportivo de Shin Nishinomiya. Se supone que la obra continuará cada año durante 100 años con la condición de que la paz permanezca en Japón, con nuevos artistas y miembros del público contribuyendo a la pintura utilizando la técnica de la botella de vidrio de Shimamoto. ^{[ 4 ] [ 36 ]} De manera similar, en 2006 realizó Un arma para la paz en la Piazza Dante en Nápoles. ^{[ 21 ]} Para esta actuación, la plaza se preparó con un lienzo enorme con un piano de cola en el centro. ^{[ 21 ]} Shimamoto entró entonces en el área a través de un tubo de lienzo blanco, sugiriendo una especie de nacimiento. ^{[ 21 ]} Shimamoto, suspendido por una grúa de un arnés, dejó caer “extrañas esferas formadas por numerosos vasos de plástico llenos de pintura de colores” sobre el lienzo y el piano que se encontraban debajo. ^{[ 21 ]} Durante toda la actuación, Charlemagne Palestine tocó un piano diferente, situado a un lado del área de pintura. ^{[ 21 ]} Shimamoto ha llamado a la paz el “tema” de su vida. ^{[ 25 ]}

Las performances pictóricas de Shimamoto continuarían en diversas formas a lo largo de su obra posterior, incluyendo performances en 2008 en el Palacio Ducal de Génova, Certosa do Capri y Punta Campanella. ^{[ 21 ]} Sus obras se encuentran en colecciones de museos como las de la Tate Gallery y la Tate Modern (tanto en Londres como en Liverpool ) y el Museo de Arte de la Prefectura de Hyōgo en Kobe, Japón . La crítica de arte del New York Times, Roberta Smithlo ha señalado como uno de los experimentalistas más audaces e independientes de la escena artística internacional de la posguerra en la década de 1950. En 1997 sus obras de arte postal se mostraron en la exposición individual "Shozo Shimamoto's Gutai & AU" en los "Archivos de Arte por Correo Electrónico" de Guy Bleus , Centro de Artes Visuales, Hasselt, Bélgica. ^{[ 40 ]} En 1954 ganó el Premio de la Asociación en la Asociación de Arte Moderno de Japón, asociación a la que se uniría como miembro en 1957. ^{[ 2 ]} Recibió el premio del concurso en la 9.ª Exposición de Arte Contemporáneo de Japón en 1969, una Medalla Cinta Azul Oscuro en 1999 y el Premio Cultural de la Prefectura de Hyōgo en 2000. ^{[ 2 ]}

• Jiro Yoshihara ; Shozo Shimamoto; Michel Tapié ; Gutai Bijutsu Kyōkai. Gutai [= 具体] (具体美術協会, Nishinomiya-shi  : Gutai Bijutsu Kyōkai, 1955–1965) [Japonés: Publicación en serie: Periódico] OCLC 53194339 [Información "Otros títulos" de Worldcat: Exposición de arte Gutai, Aventure informelle, Arte internacional de una nueva era, EE. UU., Japón, Europa, Festival Internacional del Cielo, Osaka, 1960]

• Información sobre Shimamoto en la Tate Collection del Reino Unido , con imágenes de obras de la colección.
• Página francesa sobre el grupo Gutaj con información sobre Shimamoto.
• Artículo del New York Times de la crítica de arte Roberta Smith: "ART VIEW; When Art Became a Stage and Artists Actors" (5 de abril de 1998). En él, menciona a Shimamoto como uno de los experimentalistas más audaces de la escena artística internacional.
• Shozo Shimamoto: Obras excepcionales expuestas en Art Paris 2016. Exposición de una selección excepcional de obras de Shozo Shimamoto en Art Paris 2016 (Galería ABC-ARTE, Génova, Italia).

Quizás impulsados ​​por la estimulante mezcla de alivio, libertad y desesperación que siguió al final de la Segunda Guerra Mundial, artistas de todo el mundo habían estado experimentando con nuevas formas físicas, a veces violentas y catárticas, de crear pinturas y esculturas. Otros también organizaban lo que llamaban eventos, acciones o performances que a veces eran tan destructivas como creativas...

Algunos de estos artistas, sin duda, se vieron influenciados por el ejemplo de Pollock... Pero ese mismo año surgieron experimentos independientes: Lucio Fontana , por ejemplo, se encontraba en Argentina (o Italia) creando imágenes perforando o cortando repetidamente lienzos pintados con cuchillos. Y en Japón, Shozo Shimamoto penetraba simbólicamente el sacrosanto plano pictórico arrojándose a través de varias capas de papel de arroz, dejando rastros del suceso —el agujero rodeado de fragmentos irregulares de papel— como obra de arte.

• Shozo Shimamoto : Sitio oficial
• Páginas de Askart.com sobre Shimamoto, incluyendo imágenes a color de la obra.