Hispanopedia WikiEl jazz orquestal o jazz sinfónico es una forma de jazz que se desarrolló en la ciudad de Nueva York en la década de 1920. Entre los primeros innovadores del género, como Fletcher Henderson y Duke Ellington , se encuentran algunos de los músicos, compositores y arreglistas más reconocidos de toda la historia del jazz. [ 1 ] La fusión de las características rítmicas e instrumentales del jazz con la escala y la estructura de una orquesta hizo que el jazz orquestal se distinguiera de los géneros musicales que lo precedieron. Su desarrollo contribuyó tanto a la popularización del jazz como a su reconocimiento como forma de arte.
Historia
El jazz orquestal se desarrolló a partir del jazz primitivo de Nueva Orleans . Los músicos afroamericanos que fueron pioneros del género antes de 1920, y que emigraron de Nueva Orleans a Chicago y Nueva York a principios de la década de 1920, llevaron el jazz hacia el norte; con el tiempo, el barrio afroamericano de Harlem se convirtió en el centro cultural del género. [ 2 ]
En Nueva York, las industrias del entretenimiento y las artes florecieron, y el jazz encontró un hogar idóneo, convirtiéndose en una parte importante del panorama cultural. Pero antes de la popularidad generalizada de las grandes orquestas, que se desarrolló paralelamente a la creciente moda del baile , el jazz era generalmente considerado por la mayoría blanca como un género musical bastante tosco. No se escuchaba mucho por su valor artístico, como escribe el crítico musical Richard Hadlock:
- "En los años veinte, la mayoría de quienes escuchaban jazz lo consideraban simplemente un acompañamiento enérgico para bailarines; los pocos que buscaban valores más profundos en la música tendían a aceptar las producciones de conciertos de Paul Whiteman... como el único jazz que merecía ser tomado en serio. [ 3 ]
Sin embargo, durante la década de 1920 surgió un movimiento que, en parte, se inspiró en la influencia musical de Paul Whiteman . Este movimiento dio lugar a una variante del jazz más estilizada y formal, que se convertiría en el jazz orquestal, concebido inicialmente por Whiteman como jazz sinfónico .
Esta estilización del jazz incorporaba elementos de la composición clásica europea , junto con el sonido rítmico e instrumental del jazz de Nueva Orleans. El jazz orquestal se distinguía musicalmente de su predecesor sureño por diversas razones: no solo las orquestas eran más grandes, lo que generaba una mayor riqueza sonora, sino que la música también era estructuralmente más sofisticada. Mientras que el jazz de Nueva Orleans se caracterizaba por la improvisación colectiva y la reinterpretación espontánea de temas clásicos, las orquestas de jazz interpretaban arreglos precompuestos y arreglados antes de la actuación. El estilo bullicioso y enérgico del jazz primitivo no gozaba del mismo atractivo popular que la relativa sobriedad del jazz orquestal. En particular, la implementación del ritmo medido explicaba gran parte de su popularidad. El ritmo de dos tiempos, característico del jazz de Nueva Orleans, fue reemplazado durante la transición a la era del swing por las innovaciones en el bajo de Jimmy Blanton y Walter Page , a quienes se les atribuye el desarrollo de la línea de bajo caminante. Esto convertiría el ritmo de cuatro tiempos por compás en un estándar del jazz; además, este ritmo propiciaba el tipo de baile que el público deseaba. [ 2 ]
El auge de la instrumentación de las grandes bandas tuvo tanto que ver con las tendencias artísticas como con la viabilidad comercial. Los importantes avances tecnológicos transformaron la industria musical durante la década de 1920, lo que permitió un aumento en el consumo masivo de música. Los fonógrafos y los discos se convirtieron en artículos domésticos comunes; prueba de la amplia popularización de la música grabada es el hecho de que se vendieron casi 100 millones de discos solo en 1927. [ 4 ] La música prearreglada tenía un atractivo comercial particular, ya que el público estaba familiarizado con las canciones que veía interpretar en vivo gracias a las grabaciones que compraba. Además, la exposición a la innovación musical —y el jazz, en todas sus variedades, era ciertamente innovador— nunca antes había alcanzado la misma amplitud del público estadounidense. Dada la disponibilidad comercial de la música —que, además de los discos, se vio favorecida por la proliferación de la radio— se creó una plataforma que explica la popularización del jazz. Pero el consumo masivo de jazz permitió simultáneamente que el público influyera de forma inversa en su desarrollo, y las demandas de los consumidores dictaron que el jazz orquestal adoptara una estructura similar a la de la música popular tradicionalmente accesible.
Paul Whiteman, Fletcher Henderson y Don Redman
El "Rey del Jazz" a principios de la década de 1920 fue Paul Whiteman , un músico de formación clásica originario de Denver . Antes de su etapa como director de orquesta en el Palais Royal de Nueva York, Whiteman tocó el violín en la Orquesta Sinfónica de Denver y en la Orquesta Sinfónica de San Francisco . Su formación clásica influyó sustancialmente en su enfoque de la "Música Moderna"; su actuación en el Aeolian Hall en 1924 fue especialmente famosa, ya que mostró la transformación que él mismo ayudó a impulsar. Al concluir este memorable espectáculo con la célebre composición de George Gershwin (y quizás el mejor ejemplo de jazz sinfónico), Rhapsody in Blue , la actuación de Whiteman se cita a menudo como el evento que marca la transición del jazz de música folclórica a forma de arte. [ 5 ] El talento escénico y la innovación que Whiteman demostró le valieron el sobrenombre de "Rey del Jazz", aunque este título conlleva bastante controversia. Como hombre blanco, el hecho de que Whiteman capitalizara un género musical de origen indiscutiblemente afroamericano ha llevado a muchos críticos a cuestionar la autenticidad de sus aspiraciones artísticas e incluso a considerarlas oportunistas. A pesar de ello, muchos de sus contemporáneos, tanto blancos como negros, lo elogiaron y, como muestra de su influencia, quisieron emular sus éxitos.
Dos de los contemporáneos de Whiteman que, posiblemente, hicieron las contribuciones más significativas al desarrollo del jazz orquestal, fueron el dúo formado por Fletcher Henderson y Don Redman . Si bien Henderson, pianista, nunca alcanzó la fama de muchos otros directores de orquesta de la época, sus colaboraciones con Redman tuvieron una enorme influencia en el desarrollo del jazz orquestal, y en particular en su transición desde los arreglos sinfónicos de Whiteman hasta la eventual supremacía de las big bands .
Los arreglos de Redman de piezas de jazz de Nueva Orleans y Chicago reinventaron el potencial musical del jazz, marcando el cambio de la improvisación colectiva y las melodías polifónicas a las composiciones homofónicas , mucho más accesibles, características del jazz orquestal. Otras técnicas estructurales, como la llamada y respuesta, eran evidentes en los arreglos de Whiteman, anteriores a los de Redman; sin embargo, el uso que hizo Redman de la llamada y respuesta como estructura subyacente de sus composiciones de jazz se considera uno de sus logros más importantes. [ 6 ] Su uso de acordes arpegiados, contrapunto seccional, cambios de armadura y ritmo, y la superposición de armonías complejas demuestran la comprensión matizada que tenía Redman de la composición musical. [ 7 ]
Redman también tenía una visión única de la estructura de la banda, cuyo legado aún perdura. Redman dividía la banda en cuatro secciones interactivas: viento madera ( saxofones y clarinetes ), trompetas , trombones y sección rítmica. Esta se convertiría en la estructura fundamental de las big bands, que normalmente constan de cuatro trompetas, cuatro trombones, cinco saxofones y sección rítmica (piano, bajo, guitarra y batería). [ 2 ]
Las variaciones en la instrumentación también permitieron flexibilidad en la interpretación. Una tendencia importante que coincidió con el aumento de la disponibilidad de música fue la moda del baile de las décadas de 1920 y 1930; las bandas más exitosas de la época fueron aquellas que se adaptaron al deseo de su público de bailar. [ 8 ] La banda de Henderson, por ejemplo, comenzó a tocar en el Roseland Ballroom a principios de la década de 1920; su repertorio incluía no solo piezas de "hot jazz", sino también valses en deferencia a los deseos de los clientes del Roseland. [ 4 ] La consideración de Henderson por su público apunta a la importancia del entretenimiento en la interpretación de la variedad de jazz que estaba conquistando la ciudad de Nueva York (sin embargo, cabe mencionar que Henderson no era considerado poseedor del mismo calibre de espectáculo que otros intérpretes, como Duke Ellington, y algunos atribuyen su falta de espectáculo como la razón principal de las dificultades comerciales que sufrió). [ 7 ] La variedad en el repertorio de una banda significaba la incorporación de estándares tanto de pop como de jazz en la mayoría de las presentaciones, lo que también permitía la fusión orgánica de los dos géneros por parte de aquellos que interpretaban ambos.
Pero mientras que Whiteman continuó componiendo e interpretando una gran cantidad de música popular —y lo hizo casi exclusivamente después de sufrir las presiones económicas del crac bursátil de 1929— , otras grandes orquestas, como la de Henderson, hicieron la transición a la era del swing.
Durante esta transición, Henderson y Redman adoptaron un enfoque de la innovación musical muy distinto al de Whiteman, un enfoque firmemente arraigado en la tradición del jazz. Específicamente, el dúo aprovechó la espontaneidad y el virtuosismo de la improvisación, elementos esenciales del jazz como género musical único. Mientras que el propio publicista de Whiteman declaró que la era del solista de jazz había terminado, los arreglos de Redman mantuvieron un equilibrio entre pasajes arreglados e improvisación, y exhibieron los mejores talentos musicales de la época. La banda de Henderson contaba con una variedad de talentos virtuosos, incluyendo, en diferentes momentos, a algunos de los mejores solistas de jazz de todos los tiempos. Entre ellos se encontraban Louis Armstrong , Coleman Hawkins , Roy Eldridge , Benny Carter , Lester Young y Chu Berry , por nombrar solo algunos de los impresionantes músicos que Henderson reclutó. Después de que Henderson y Redman pusieran fin a su formidable colaboración en 1927, Henderson finalmente comenzó, en 1931, a componer. Se familiarizó con los elementos de la composición transcribiendo viejos discos de jazz y escribiéndoles la partitura para una orquesta completa. [ 7 ]
Duque Ellington
A medida que el jazz y la música popular evolucionaron a la par, ambos géneros dejaron de pertenecer a ámbitos separados y se vincularon más estrechamente con la popularización del swing . Las grandes orquestas dieron paso a la era del swing, que comenzó a principios de la década de 1930, marcando la culminación del jazz comercial con una orquestación elaborada. Esta variedad de jazz era mucho más accesible comercialmente que nunca, ya que su objetivo era hacer bailar al público.
Sin embargo, esta popularización del jazz no fue un fenómeno que lo diluyera o perjudicara. De hecho, las grandes orquestas de las décadas de 1920 y 1930 proporcionaron las plataformas necesarias para la realización del legado tanto de Whiteman como de Henderson. Esto se ejemplificó a la perfección en la trayectoria del compositor de jazz más prolífico, Duke Ellington . Conocido por su prodigioso talento musical, Ellington comenzó su carrera como compositor a los 14 años. Llegaría a componer una enorme variedad de música, grabar miles de discos y actuar durante casi cinco décadas.
Las sutilezas de la composición de Ellington dan lugar a un arte musical que era a la vez reflexivo y complejo, además de agradable y disfrutable. Las contribuciones de Ellington al jazz son innumerables, y sin embargo, como lo demuestra la fama que alcanzó a mediados de la década de 1920, el género le debe mucho por haber elevado el jazz orquestal a su máximo esplendor. Ningún otro artista fue tan capaz como Ellington de utilizar elementos del jazz, aunque Henderson y Redman lo habían intentado, con tanta fluidez con una gran orquesta. Muchas de las composiciones de Ellington fueron escritas para miembros específicos de su banda, resaltando sus talentos individuales y basándose en sus aportaciones para cultivar su sonido. Su orquesta contaría con músicos como Johnny Hodges , Ben Webster , Jimmy Blanton, Juan Tizol , Cootie Williams , Harry Carney , [ 2 ] y también sería testigo de una colaboración de casi treinta años con el compositor, arreglista y pianista Billy Strayhorn . [ 9 ] La carrera de Ellington, en última instancia, se cita comúnmente como la culminación de la época dorada del jazz, llamada la Era del Jazz y la era del swing .
Orquesta de Count Basie
La Count Basie Orchestra surgió en Kansas City, Missouri, tras la muerte de Bennie Moten y la disolución de su banda. Count Basie llegó a Kansas City en 1927, actuando inicialmente con Walter Page y Moten. La orquesta de Basie contó con muchos miembros destacados, entre ellos Lester Young , Joe Keyes , Oran 'Hot Lips' Page , Buster Smith , Earle Warren y, posteriormente, Illinois Jacquet , Paul Gonsalves y Lucky Thompson .
La orquesta también era muy conocida por su sección rítmica, que incluía a Basie al piano, Jo Jones a la batería, Walter Page al bajo y Freddie Green a la guitarra. La sección rítmica definiría el sonido de las big bands modernas, siendo Jones uno de los primeros bateristas en cambiar el rol de marcar el tiempo del bombo al platillo hi-hat , [ 10 ] Page un innovador destacado de la línea de bajo caminante, y Green desarrollando el estilo de guitarra " Freddie Green", en el que los acordes se tocan cuatro por compás, a menudo con una ligera sordina. [ 2 ] [ 11 ]
La orquesta de Basie también era conocida por trabajar con arreglistas como Neal Hefti , Quincy Jones y Sammy Nestico . [ 2 ] [ 12 ]
Estilo musical e instrumentación
Los cambios más notables entre los estilos de jazz de Nueva Orleans y Chicago y el jazz orquestal incluyeron el paso de la polifonía a la homofonía, la expansión general de la instrumentación y un mayor énfasis en composiciones prearregladas en lugar de la improvisación colectiva. Antes de 1930, las big bands estaban compuestas por trompetas, trombones, saxofones o clarinetes, y una sección rítmica formada por tuba, banjo, piano y batería. Las primeras big bands solían interpretar canciones populares de 32 compases o blues de 12 compases, organizados en torno al ritmo tradicional de dos tiempos del jazz; sin embargo, a medida que el género de las big bands evolucionó, el ritmo swing de cuatro tiempos se convirtió en su cambio más sustancial. Esto se debió en parte al cambio en la instrumentación de la sección rítmica y a la incorporación del contrabajo, así como a la sustitución del banjo por la guitarra. Finalmente, los arreglos musicales que organizaban la interpretación de un conjunto se basaban en un enfoque de riff que utilizaba arreglos de cabezas de melodía. Los arreglos principales emplean la estructura de llamada y respuesta típica de la música afroamericana; cada sección orquestal armoniza un riff determinado, respondiendo a las frases de las otras secciones. [ 6 ] Por lo tanto, las piezas de jazz orquestal progresaban lógicamente a través de esta tensión, construida y liberada por la comunicación armónica de la interpretación por capas. [ 2 ]
Referencias
- ↑ "jazz - Cantos de campo y procesiones fúnebres: formando la matriz | Britannica" . www.britannica.com . Consultado el 16 de abril de 2022 .
- 1 2 3 4 5 6 7 Gioia, Ted (1997). La historia del jazz . Estados Unidos: Oxford University Press . ISBN 9780190087210.
- ↑ Hadlock, Richard (1980). El mundo de Count Basie . Nueva York: C. Scribner and Sons.
- 1 2 Deffaa, Chip. Voces de la era del jazz: perfiles de ocho músicos de jazz clásicos. Urbana: University of Illinois Press, 1990.
- ↑ Howland, John Louis. Ellington Uptown: Duke Ellington, James P. Johnson y el nacimiento del jazz de concierto. Ann Arbor: University of Michigan Press, 2009.
- 1 2 Giddins, Gary y Scott Knowles DeVeaux. Jazz. Nueva York: WW Norton, 2009.
- 1 2 3 Hadlock, Richard. Maestros del jazz de los años veinte. Nueva York: Macmillan, 1965.
- ↑ Dance, Stanley. El mundo de Count Basie. Nueva York: C. Scribner's Sons, 1980.
- ↑ Hajdu, David (1996). Lush Life: A Biography of Billy Strayhorn . Nueva York: Farrar, Straus & Giroux. pág. 170. ISBN 978-0-86547-512-0.
- ↑ Larkin, Colin (1992). The Guinness Who's Who of Jazz (1.ª ed.). Guinness Publishing . p. 232. ISBN 0-85112-580-8.
- ↑ Denyer, Ralph (1982). The New Guitar Handbook . Pan Books . ISBN 978-0330327503.
- ↑ "Canciones, álbumes, reseñas, biografía y más de Sammy Nestico" . AllMusic . Consultado el 16 de abril de 2022 .
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