Tranquillo Cremona

Tranquillo Cremona nació en Pavía ( Lombardía ), entonces parte del Reino de Lombardía-Venecia, bajo dominio austriaco . Su hermano mayor era el matemático Luigi Cremona . ^{[ 1 ]} Se formó en la escuela de arte de Pavía con Giacomo Trécourt y Giovanni Carnovali . ^{[ 2 ]} Se trasladó a Venecia en 1852, donde vivió junto a su hermanastro, el abogado Giacomo Cremona. ^{[ 2 ]}

En 1859, Cremona se trasladó al Piamonte para evitar el servicio militar en el Ejército Imperial Austríaco . Tras la liberación de Lombardía por los piamonteses, se estableció en Milán. Allí se matriculó en la Academia de Brera , donde recibió clases de Francesco Hayez y Giuseppe Bertini , en cuyo estudio privado también se le permitió trabajar. ^{[ 2 ]} Entre sus compañeros de estudios se encontraban Daniele Ranzoni y Mosè Bianchi .

Cremona expuso por primera vez en la exposición anual de Brera de 1859, mostrando El Halconero ( Galleria d'Arte Moderna, Milán ). En 1862, tras establecer su propio estudio , Cremona expuso su primer óleo de gran formato en la Exposición Anual de Brera: Una visita a la tumba de Romeo y Julieta (Galleria d'Arte Moderna, Milán), un tema literario-histórico representado en una línea «clásica-romántica». ^{[ 3 ]} Si bien es claramente producto de los estímulos asimilados de las experiencias artísticas previas de Cremona, no obstante, reveló una mente independiente en acción.

En la Exposición Anual de Brera del año siguiente, Cremona presentó dos lienzos que recibieron considerable atención de la crítica: el gran Marco Polo presentado por su padre a Kublai, Gran Kan de los tártaros (1863; Roma, Galleria Nazionale d'Arte Moderna ), que era en parte producto de la moda actual de las grandes pinturas históricas, que celebraban preferiblemente las glorias de Italia, y en parte derivado de los ejemplos de Hayez, Trécourt y Federico Faruffini ; y su segunda versión, más compleja, de El halconero (1863; Galleria d'Arte Moderna, Milán), en la que se puede apreciar que Cremona se acerca a su propio estilo, menos claramente derivativo. Para entonces, Cremona había rechazado la forma popular de pintura de género anecdótica practicada en Milán por los hermanos Gerolamo y Domenico Induno y sus seguidores, y observaba con mayor detenimiento la suavidad del contorno lograda por Carnovali. Las expresiones apasionadas pero a la vez reservadas de los amantes y la omnipresente sensación de nostalgia, transmitida en tonos apagados, crean una atmósfera cargada de emoción que se repite a lo largo de toda la obra del artista.

En Milán, Cremona entabló amistad con los miembros de la Scapigliatura . ^{[ 2 ]} El movimiento, caracterizado por actitudes bohemias , incluía poetas, escritores, músicos y artistas, y estaba impregnado de una combinación de tendencias rebeldes. Cremona comenzó a realizar dibujos, y especialmente caricaturas, para varios periódicos y revistas milanesas como Fanfulla della domenica y Uomo di pietra , en las que colaboraban varios escritores de la Scapigliatura. Junto con Ranzoni y el escultor Giuseppe Grandi , pronto se convirtió en uno de los artistas oficiales del movimiento Scapigliatura. Entre sus miembros literarios se encontraban Guido Pisa, el primer biógrafo serio de Cremona, y Carlo Dossi , con quien Cremona entabló una amistad especial.

A través de los Scapigliati, muchos de los cuales gozaban de buenas conexiones sociales, Cremona recibió varios encargos de retratos de la burguesía milanesa, como el del abogado Emilio Marozzi (1869; Milán, E. Marozzi, col. privada). Los tonos apagados, los contornos suaves y la concentración en el sujeto más que en los detalles circundantes demostraban que Cremona había estudiado con mayor detenimiento la obra de Carnovali. Sin embargo, la mayoría de los mecenas milaneses, acostumbrados a las obras más elaboradas y «acabadas» de Hayez y Giuseppe Molteni , se mostraron reacios a la forma de retrato más sutil y alternativa de Cremona.

Los retratados por Cremona solían ser miembros de la propia familia Scapigliati o de la suya. Entre estos retratos, destacan por su profunda comprensión psicológica del carácter y su dominio del color y el espacio, los de Alberto Carlo y Guido Pisani Dossi (ambos de 1867; colección privada). En 1870, Cremona volvió a captar la atención de la crítica con El beso , posteriormente retitulado Los dos primos (1870; Roma, Galleria Nazionale d'Arte Moderna).

Este éxito llevó a Cremona en dos direcciones: primero, amplió su actividad como retratista, siendo el encargo más importante el de los retratos del señor Deschamps (1875; Milán, colección privada de Gaspare Gussoni) y la señora Deschamps (1875; Galería de Arte Moderno de Milán), una de las obras más destacadas de su madurez. En segundo lugar, realizó una serie de pinturas y acuarelas, técnica con la que había empezado a experimentar recientemente, en las que investigó no solo los efectos de la luz y el color, sino también las diversas formas de sentimiento expresadas entre niños y jóvenes, prestando especial atención a la sensualidad reprimida de sus emociones, como en Atracción (1874; Galería de Arte Moderno de Milán). Estas obras solían llevar títulos frívolos o alegóricos.

Una de las obras maestras de Cremona, la excepcional pintura La Melodía (1874, colección privada), data de este período. Representa a una mujer al piano, en estilo impresionista , con el rostro ligeramente inclinado, invitándonos a considerar la composición musical como el tema de las pinceladas, en lugar de personas u objetos tridimensionales. ^{[ 4 ]}

Cremona amplió su interés por las relaciones personales investigando (en términos seculares más que religiosos) el tema de la madre y el hijo, por ejemplo en Amor maternal (1873; Galleria d'Arte Moderna, Milán). Esto pudo haber sido motivado por el nacimiento de su primer hijo en 1873. A través de estas dos series, Cremona desarrolló una profunda comprensión de las emociones. En ocasiones, su obra era excesivamente sentimental, pero en sus mejores momentos produjo piezas tan impresionantes como Hiedra (1878; Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín ). ^{[ 5 ]} Esta obra, encargada por Benedetto Junck , fue su último óleo terminado y tuvo un inmenso impacto en los círculos culturales milaneses. La forma en que Cremona retrató a los dos amantes, un tema recurrente en su obra, era completamente ajena a los pintores realistas . Hiedra marcó la culminación de los intentos de Cremona, influenciado por las ideas de Scapigliati, de producir una intensidad apasionada pero ambigua mediante una luminosidad evanescente y formas simplificadas.

En 1878, Cremona fue nombrado director de la escuela de arte de Pavía, pero falleció pocos meses después, al parecer a causa de la intoxicación acumulada por su hábito de mezclar pinturas con plomo en el brazo. Ese mismo año, Vittore Grubicy de Dragon organizó una exposición retrospectiva de las pinturas de Cremona en el Ridotto della Scala. Esta exposición fue un gran éxito y, como consecuencia, los precios de las obras de Cremona aumentaron considerablemente. Grubicy continuó promocionando la obra de Cremona en sus artículos y en las exposiciones que organizaba, y Cremona mantuvo su popularidad durante muchos años.

Cremona introdujo en Lombardía una forma dinámica y novedosa de abordar la pintura. En su intento por capturar la esencia del momento, la insinuación tras cada breve mirada y gesto, se dice que prácticamente arrojaba la pintura sobre el lienzo (que solía estar en el suelo, ya que no le gustaba trabajar con caballete); trabajaba con furia, frecuentemente en más de un lienzo, guiado únicamente por la inspiración del momento.

Esta es, sin duda, una visión idealizada de Cremona como el auténtico artista bohemio, pero basada en la realidad, ya que aparentemente prefería plasmar sus ideas directamente en el lienzo; de hecho, se conservan pocos bocetos de sus obras terminadas. Del mismo modo, la mayoría de sus dibujos solo pueden considerarse bocetos preliminares. Íntimamente ligada a este método de trabajo estaba la gran habilidad de Cremona para pintar con acuarela. Era capaz de superponer colores sin perder la transparencia y la translucidez, tan importantes en esta técnica. « Vida alta» (1877; Galleria d'Arte Moderna, Milán) y «Chicas curiosas» (Codogno, Fondo Lamberti) son ejemplos magníficos y delicados de la pintura italiana en acuarela de finales del siglo XIX . Muy apreciadas, estas obras llegaron a ser más valiosas que sus óleos.

En sus óleos, Cremona también logró mantener una sensación de luminosidad mediante pinceladas superpuestas y vaporosas. En todas las obras de su madurez se aprecian pinceladas amplias, intercaladas pero aún translúcidas, y una mayor fluidez. Este método, en el que Cremona estaba claramente más interesado en definir el espacio a través de efectos de color luminosos que en formas nítidamente delimitadas, fue, inevitablemente, malinterpretado por la mayoría de sus contemporáneos. Muchos mecenas y colegas artistas se aferraron a la interpretación tradicional de lo que se pretendía con una pintura "terminada" —la obra de Hayez, por ejemplo— , a la que la obra de Cremona no se ajustaba en absoluto. El artista fue acusado frecuentemente de presentar estudios preparatorios elaborados como pinturas terminadas, aunque, en lo que respecta a la representación de la apariencia y la calidad del atuendo de una dama, Cremona no era en absoluto inferior a Hayez, simplemente tenía un enfoque diferente. Esta falta de comprensión se debió en parte a la incapacidad del lenguaje para expresar lo que Cremona intentaba hacer visualmente. Muchos críticos recurrieron al vocabulario literario-musical formulado por los escritores de Scapigliati.  

Cremona se diferenció de muchos de sus contemporáneos también en la elección de sus temas, lo cual se relaciona con su estilo y técnica. Prácticamente no pintó paisajes (a diferencia de Ranzoni); realizó relativamente pocas obras inspiradas en temas religiosos, mitológicos, históricos o literarios; un gran número de retratos (característico de todos los artistas de Scapigliati); y numerosos estudios de figuras, especialmente entre sus acuarelas. Un rasgo común a sus retratos y estudios de figuras (y quizás derivado también de su técnica de acuarela) fue la eliminación de todo detalle irrelevante. Sus fondos y entornos desolados, tan distintos a los de Mosè Bianchi o los hermanos Induno, están representados por amplias zonas de color luminoso que obligan al espectador a concentrarse en el contenido psicológico del cuadro. Probablemente, Cremona limitó su temática para centrarse más en las cualidades de la luz reflejada por sus modelos.

La naturaleza de la relación artística entre Cremona y Ranzoni, así como el grado de influencia mutua, no están claros. Ambos artistas eran amigos íntimos e incluso compartieron estudio en un momento dado; estaban estrechamente vinculados al círculo literario-musical de los Scapigliati; y su obra presenta numerosas similitudes en su enfoque. Se sabe que Cremona proclamó a Ranzoni como su verdadero maestro en más de una ocasión, pero la situación probablemente era mucho más compleja; como mínimo, debió existir un intercambio constante de ideas.