Yo Akiyama

Yō Akiyama (秋山 陽, Akiyama Yō, nacido en 1953 ) es un ceramista japonés afincado en Kioto . Fue una figura destacada de Sōdeisha , un grupo de ceramistas de vanguardia que reinventó la cerámica como una práctica escultórica no funcional. Akiyama estudió directamente con Kazuo Yagi , uno de los fundadores de Sōdeisha, durante seis años. Más tarde se convirtió en profesor en la Universidad Municipal de Artes y Música de Kioto, donde actualmente es profesor emérito, tras haberse jubilado en 2018. ^[1] Como artista, trabaja principalmente con cerámica negra, una técnica que cuece arcilla a baja temperatura y en condiciones ahumadas para crear un efecto oscuro. Su obra, predominantemente a gran escala, es rica en texturas y abstracción, y enfatiza la materialidad terrosa de la obra, así como su forma.

Akiyama ha expuesto ampliamente en muestras individuales y colectivas en Japón y en el extranjero, con importantes exposiciones individuales en Bruselas, Nueva York, Osaka y Kioto. Recibió el Gran Premio de la Categoría de Artesanía Mokichi Okada del MOA en 2010, el Premio de Arte Mainichi en 2011 y un Premio al Mérito Cultural de la ciudad de Kioto en 2016. ^[2]

Akiyama nació en Shimonoseki, prefectura de Yamaguchi, en 1953. ^[3] Forma parte de la tercera generación de una familia de artistas. ^[4] Se interesó por primera vez en la relación intuitiva entre los humanos y el medio de la arcilla a principios de la década de 1970, mientras trabajaba en una escuela para niños con discapacidades intelectuales. ^[5] Estudió cerámica en la Universidad de las Artes de la Ciudad de Kioto, ahora Universidad Municipal de Artes y Música de Kioto, de 1972 a 1978, bajo la tutela de Kazuo Yagi, uno de los tres principales fundadores de Sōdeisha.

Akiyama realiza principalmente obras de gran escala que a menudo utilizan varias toneladas de arcilla y superan los 6 metros de longitud; sin embargo, también produce vasijas más pequeñas que pueden exhibirse en pedestales. ^[6] Se especializa en vasijas "no funcionales", lo que significa que sus cerámicas no tienen aberturas que puedan usarse para contener líquidos u otros objetos, en contraste con las formas utilitarias anteriores de cerámica que se ven en movimientos como el mingei . También se especializa en cerámica negra, una técnica que implica cocer arcilla en condiciones ahumadas de temperatura relativamente baja para crear un tono oscuro en la superficie de la obra. Además, utiliza un quemador para crear grietas en la superficie de sus piezas. ^[7]

Akiyama desarrolló y perfeccionó esta última técnica en la década de 1980 mientras experimentaba con la posibilidad de pelar la piel exterior de una bola de arcilla, de la misma manera que se pela una fruta. Para lograrlo, calentó una bola de arcilla con un quemador de gas, creando una forma con un centro blando y una cáscara exterior dura. Desde ese primer experimento, Akiyama ha refinado su técnica y ha manipulado esta plantilla para crear una multitud de grietas y abismos en la superficie de sus piezas, en algunos casos invirtiendo completamente la forma.

Esta yuxtaposición de interior y exterior es otra característica definitoria de la obra de Akiyama, ^[8] una tensión que es particularmente prominente en su extensa serie "Metavoid". ^[9] Las obras de esta serie varían en sus formas desde objetos que se parecen un poco a objetos encontrados en la naturaleza, como una concha parcialmente en espiral o una sección transversal del tronco de un árbol, hasta lo puramente abstracto. En Metavoid 202 , por ejemplo, Akiyama evoca la sección transversal del tronco de un árbol, con la mitad de la pieza tomando la forma de un familiar cilindro plano con anillos. Este uso de arcilla para parecerse a la madera ya juega con las percepciones texturales y la expectativa del espectador de la interacción entre el material y la forma, pero Akiyama lleva la experiencia visual un paso más allá al tallar la mitad del cilindro para crear una forma suave, similar a un "tazón de té". ^[10] En los lugares donde la arcilla parece haber sido cortada, la superficie es áspera y marrón, casi de color óxido, pero sin vetas, lo que elimina rápidamente cualquier asociación con la madera y evoca una estructura más metálica. Esta ambigüedad de material y forma es una característica definitoria de la obra de Akiyama, que cuestiona no solo la función y las composiciones de los recipientes de cerámica, sino también la función y la composición de la arcilla misma, a través de una exploración matizada de las muchas capas externas e internas de un objeto.

Akiyama ha citado la flexibilidad de la forma de la arcilla como una de las razones por las que la prefiere como medio. Ha dicho que, como artista que busca una conexión con su obra y su material, su primer "trabajo" es "crear forma", y el segundo es "destruirla". La dualidad de este proceso requiere un tipo de arcilla que deje evidencia de dicha manipulación, por lo que Akiyama generalmente busca arcilla que tenga poca plasticidad y que muestre fácilmente marcas, una característica que no suele ser favorecida por los ceramistas. En una desviación adicional de los procesos cerámicos tradicionales, Akiyama renuncia al uso de un esmalte para mostrar la arcilla cocida en su forma más natural. En su opinión, "cuanto más desnuda está una arcilla, más real es". ^[11] Los resultados son esculturas que exploran las tensiones binarias fundamentales que existen en la materia, incluyendo: interior y exterior, generación y descomposición, y continuidad y división. ^[12]

La flexibilidad, tanto del proceso como de los resultados, es también un principio importante de la obra de Akiyama. Aunque dibuja bocetos y hace maquetas de la forma que cree que podría adoptar un recipiente, también prevé que la arcilla misma desempeñará un papel a la hora de determinar la forma y las texturas finales que adoptará la obra terminada. En este sentido, ha dicho que se considera un artista que "colabora" con la arcilla, y que esta simbiosis creativa es un aspecto definitorio de su obra. ^[13]

Su obra se exhibe con frecuencia en los principales museos y galerías de todo el mundo y se encuentra en varias colecciones a nivel internacional, entre ellas: el Museo de Arte Cerámico Moderno, Gifu ; el Museo Nacional de Arte, Osaka ; el Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio ; la Galería Canadiense de Arcilla y Vidrio, Ontario ; el Museo de Arte de Honolulu, Hawái ; el Museo Internacional de Cerámica de Faenza, Italia; el Instituto de Arte de Minneapolis ; el Museo de Bellas Artes, Boston ; el Museo de Bellas Artes, Houston ; y el Museo Victoria & Albert, Londres. ^[14]

• 1976 - Galería Iteza, Kyoto, Japón [también en 1977]
• 1980 - Galería 16, Kioto, Japón
• 1986 - Galería INAX 2, Tokio, Japón
• 1991 - Galería de artesanía Shibuya Seibu, Tokio, Japón
• 1987 - Galería Koyanagi, Tokio, Japón [también en 1996]
• 1987 - Galería Nakamura, Kioto, Japón [también en 1996]
• 1998 - Galería Muramatsu, Tokio, Japón
• 1999 - Arte Contemporáneo NIKI, Tokio, Japón
• 2004 - Museo del Azulejo INAX, Tokoname, Aichi, Japón
• 2005 - Galería Kochukyo, Tokio, Japón
• 2007 - Joan B. Mirviss Gallery, Nueva York, EE. UU. [también en 2011, 2015]
• 2009 - Art Court Gallery, Osaka [también en 2013, 2022]
• 2010 - Galerie Pierre Marie Giraud (Bruselas, Bélgica) [también 2014, 2021]
• 2016 - "Al Mar de Arcay", Musée Tomo (Museo de Arte Conmemorativo Hiromi Kikuchi), Tokio
• 2018 - "Akiyama Yo - Introducción con tierra" Galería de la Universidad de las Artes de la Ciudad de Kioto @ KCUA (Kioto)
• 2019 - "Ecos: En el principio era arcilla", Galería QM Katara, Doha, Qatar

• La Fundación Japón
• Mingei
• Sodeisha
• Kazuo Yagi
• Hikaru Yamada

• Museo de Arte Cerámico de Ibaraki
• Museo de Arte de la Prefectura de Shiga