Rococó

Rococó , menos comúnmente rococó ( / r ə ˈ k oʊ k oʊ /^ⓘ rə- KOH -koh, EE.UU. también / ˌ r oʊ k ə ˈ k oʊ / ROH -kə- KOH ;Francés: [ ʁɔkɔko ]^{El barroco} (también [ ʁokoko ] ) es un estilo occidental de arquitectura, arte ydecoraciónque surgió en Francia en la década de 1730 como reacción contra elestilo Luis XIV. Se caracteriza por una ornamentación extensa, curvas fluidas, asimetría y una escala menor diseñada para fomentar la intimidad. Emplea rocaille (motivos similares a conchas y guijarros)y a menudo combina colores blancos y pastel condoradosymolduras, utilizando frescos trampantojo para crear ilusión espacial. En las artes visuales, los temas predominantes son el ocio aristocrático y lopastoral, representados en escenarios teatrales. A menudo se le considera la expresión final delmovimientobarroco ^{[ 1 ]} y a veces se le llamabarroco tardío.

Originalmente conocido como estilo rocaille ' estilo rocaille ' , ^{[ 2 ] [ 3 ]} el rococó se extendió desde los interiores domésticos franceses a otras partes de Europa, particularmente el norte de Italia, Austria, el sur de Alemania, Europa Central en general y Rusia. ^{[ 4 ]} También influyó en la pintura, la escultura, el mobiliario, la platería, la cristalería, la música, el teatro, ^{[ 5 ]} y la literatura. ^{[ 6 ]} Posteriormente se adaptó a la arquitectura religiosa y se generalizó en esta forma, particularmente en Europa Central, Portugal y Sudamérica. ^{[ 7 ]} A finales del siglo XVIII, el rococó fue reemplazado en gran medida por el neoclasicismo .

La palabra rococó es una derivación satírica de la palabra francesa rocaille , acuñada por el pintor neoclásico Pierre-Maurice Quays (1777–1803). ^{[ 8 ] [ 9 ]} Históricamente, rocaille se refería a un método de decoración de grutas y fuentes artificiales con guijarros, conchas marinas y cemento, utilizado desde el Renacimiento . ^{[ 10 ] [ 11 ]} Durante finales del siglo XVII y principios del XVIII, el término pasó a describir un motivo decorativo de conchas marinas entrelazadas y hojas de acanto que surgió en el estilo Luis XIV tardío. En 1736, el diseñador y joyero Jean Mondon publicó Premier Livre de forme rocquaille et cartel (Primer Libro de Rocaille y Forma de Cartel), una colección de diseños para muebles e interiores. Esta publicación fue la primera vez que rocaille apareció impreso para describir el estilo. ^{[ 12 ]} En consecuencia, los artesanos integraron motivos de conchas talladas o moldeadas con hojas de palma o vides sinuosas para embellecer puertas, paneles de pared, muebles y otros elementos arquitectónicos. ^{[ 13 ]}

La palabra rococó apareció impresa por primera vez en 1825, utilizada por los críticos como un término peyorativo para la decoración considerada "pasada de moda y anticuada". En 1828, describía decoraciones "propias del estilo del siglo XVIII, sobrecargadas de ornamentos retorcidos". En 1829, el autor Stendhal definió el rococó como "el estilo rocalla del siglo XVIII", lo que marcó un cambio hacia una descripción histórica más objetiva. ^{[ 14 ]}

A lo largo del siglo XIX, se utilizaba a menudo de forma despectiva para referirse a la arquitectura o la música caracterizadas por una ornamentación recargada. ^{[ 15 ] [ 16 ]} A mediados del siglo XIX, los historiadores del arte aceptaban ampliamente el término. ^{[ 17 ]} Hoy en día, los historiadores del arte reconocen el rococó como un período distinto en el arte europeo. ^{[ 17 ] [ 18 ]}

La ornamentación rococó se basa en curvas, contracurvas, formas onduladas y motivos de la naturaleza. Los edificios suelen presentar exteriores sencillos que contrastan con interiores ricamente decorados, diseñados para sorprender al espectador. ^{[ 19 ]} Los planos de las iglesias utilizan óvalos entrelazados para crear espacios interiores complejos. En los palacios, las grandes escaleras sirven como puntos focales centrales que ofrecen múltiples vistas de las decoraciones. ^{[ 1 ]} Las habitaciones suelen presentar boiserie ( paneles de madera tallada ) y espejos colocados sobre las chimeneas o frente a las ventanas para reflejar la luz natural. ^{[ 20 ]} Los motivos comunes incluyen rocalla , acanto y volutas foliadas , pájaros, flores, frutas, instrumentos musicales y putti . El rococó también incluye chinoiserie , con pagodas estilizadas , dragones , flores exóticas, figuras idealizadas del este de Asia y singerie ( representaciones de monos ) . ^{[ 21 ]}

A diferencia del período barroco, el rococó reemplaza la simetría bilateral y las formas pesadas con diseños más ligeros y asimétricos. En lugar del claroscuro audaz y de alto contraste , el rococó utiliza colores pastel como amarillos suaves, cremas, grises perlados y azules pálidos. ^{[ 22 ] [ 23 ]} En la organización espacial, el enfoque se desplaza de los grandes espacios públicos a las habitaciones privadas. Las grandes galerías estatales a menudo se dividen en apartamentos más pequeños. El mobiliario se reduce para adaptarse a estos espacios y se diseña para que combine con los paneles de pared tallados, creando un interior unificado conocido como en suite . ^{[ 24 ]}

Estos interiores suelen combinar estuco moldeado , madera tallada y quadratura ( frescos ilusionistas en el techo ) . Estos frescos simulan cielos abiertos poblados por putti y figuras alegóricas. Los materiales comunes incluyen estuco pintado o blanco, marquetería de madera (principalmente roble, haya o nogal), lacado japonés , ormolú ( bronce dorado ) y mármol. ^{[ 25 ]} Los historiadores del arte Stephan Tschudi-Madsen y Debora L. Silverman citan el uso rococó de elementos asimétricos, curvilíneos y botánicos como fuente del movimiento Art Nouveau de finales del siglo XIX . ^{[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]}

El estilo Rocaille , o rococó francés, apareció en París durante el reinado de Luis XV y floreció entre aproximadamente 1723 y 1759. ^{[ 29 ]} Las características del rococó francés incluyen una excepcional maestría artística y el uso de formas vegetales (vides, hojas, flores) entrelazadas en diseños complejos. ^{[ 30 ]} El estilo se utilizó particularmente en los salones, un nuevo tipo de habitación diseñada para impresionar y entretener a los invitados, siendo el ejemplo más destacado el salón de la princesa en el Hôtel de Soubise en París, diseñado por Germain Boffrand y Charles-Joseph Natoire entre 1735 y 1740.

Los muebles de la época también presentan las curvas sinuosas y los diseños vegetales característicos del estilo, especialmente en los complejos marcos para espejos y cuadros, esculpidos en yeso y a menudo dorados. Entre los principales diseñadores y artesanos de muebles de este estilo se encontraban Juste-Aurele Meissonier , Charles Cressent y Nicolas Pineau . ^{[ 31 ] [ 32 ]}

El rococó francés nunca alcanzó la extravagancia del estilo visto en Baviera, Austria o Italia. Aunque perduró hasta mediados del siglo XVIII, los descubrimientos de antigüedades romanas en Herculano en 1738 y Pompeya en 1748 orientaron la arquitectura francesa hacia un neoclasicismo más simétrico y menos ostentoso .

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  Diseño de mesa de Juste-Aurele Meissonier (1730)
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  Gran Cámara del Príncipe, Hôtel de Soubise (1735-1740)
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  Carpintería en el Hôtel de Varengeville de Nicolas Pineau (1735)
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  Cómoda de Charles Cressent (1730), Waddesdon Manor
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  Detalle de una puerta del Hôtel de Samuel Bernard de París (década de 1740).
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  ménsula de bronce dorado y martillado de un reloj de Jean Joseph de Saint-Germain y J. Boullé ( c. 1745 – c. 1749 ) 
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  La puerta del Hôtel de Marsilly , con dos ménsulas y un cartucho encima, todos ellos de estilo rococó.
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  Iglesia de Notre-Dame, Burdeos (1684-1707)

Los artistas italianos, especialmente los venecianos , crearon su propia versión del estilo rococó. Las cómodas venecianas imitaban las líneas curvas y los ornamentos tallados del estilo rococó francés, pero con una particularidad veneciana: las piezas estaban pintadas —a menudo con paisajes, flores, escenas de Guardi u otros pintores, o motivos chinos— sobre un fondo azul o verde, en consonancia con los colores de la escuela veneciana de pintores cuyas obras decoraban los salones.

Entre los pintores decorativos más destacados se encuentran Giovanni Battista Crosato , quien pintó el techo del salón de baile de Ca' Rezzonico al estilo quadraturo , y Giovanni Battista Tiepolo , quien pintó techos y murales en iglesias y palacios. Tiepolo viajó a Alemania con su hijo entre 1750 y 1753, donde decoró los techos de la Residencia de Würzburg , uno de los principales hitos del rococó bávaro. Otro célebre pintor veneciano fue Giovanni Battista Piazzetta , quien pintó varios techos notables en iglesias. ^{[ 33 ]}

El rococó veneciano también se caracterizó por una cristalería excepcional, en particular el cristal de Murano , que a menudo se grababa y coloreaba, y se exportaba a toda Europa. Entre las obras se incluían candelabros multicolores y espejos con marcos sumamente ornamentados. ^{[ 33 ]}

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  Techo de Santi Giovanni e Paolo, Venecia , de Piazzetta (1727)
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  Juno y Luna de Giovanni Battista Tiepolo (1735-1745)
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  Araña de cristal de Murano en Ca' Rezzonico (1758)
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  Techo del salón de baile de Ca' Rezzonico con techo de Giovanni Battista Crosato (1753)

El estilo decorativo rococó alcanzó su máximo esplendor en el sur de Alemania y Austria desde la década de 1730 hasta la de 1770. Allí, domina el paisaje eclesiástico hasta nuestros días y está profundamente arraigado en la cultura popular. Se introdujo inicialmente desde Francia a través de las publicaciones y obras de arquitectos y decoradores franceses, entre ellos el escultor Claude III Audran , el diseñador de interiores Gilles-Marie Oppenordt , el arquitecto Germain Boffrand , el escultor Jean Mondon y el dibujante y grabador Pierre Lepautre . Su obra tuvo una importante influencia en el estilo rococó alemán, pero no alcanza la extravagancia de los edificios del sur de Alemania. ^{[ 34 ]}

Los arquitectos alemanes adaptaron el estilo rococó haciéndolo mucho más asimétrico y ornamentado que el francés original. El estilo alemán se caracterizaba por una explosión de formas que caían en cascada por las paredes. Presentaba molduras con curvas y contracurvas, patrones sinuosos y follaje de estuco que parecía trepar por las paredes y el techo. La decoración solía estar dorada o plateada para contrastar con las paredes blancas o de tonos pastel. ^{[ 35 ]}

Uno de los primeros edificios rococó en Alemania, el pabellón de Amalienburg en Múnich (1734-1739), fue creado por el arquitecto y diseñador belga François de Cuvilliés , quien se inspiró en los pabellones del Gran Trianón y el Castillo de Marly en Francia. Fue construido como pabellón de caza, con una plataforma en el tejado para la caza de faisanes. El interior, la Galería de los Espejos, obra del pintor y escultor de estuco Johann Baptist Zimmermann, es mucho más elaborada que cualquier obra rococó francesa. ^{[ 36 ]}

Otro ejemplo notable del rococó alemán temprano es la Residencia de Würzburg (1720-1744), encargada por el príncipe-obispo Johann Philipp Franz von Schönborn . Al comienzo de la construcción del palacio, el arquitecto de la corte, Balthasar Neumann, viajó a París y consultó con los artistas decorativos rococó franceses Germain Boffrand y Robert de Cotte . Si bien el exterior del palacio presenta un estilo barroco más sobrio, el interior, en particular las escaleras y los techos, es mucho más extravagante. Neumann describió el interior de la residencia como "un teatro de luz". Entre 1750 y 1753, se contrató al pintor rococó italiano Giovanni Battista Tiepolo para crear un mural sobre la escalera ceremonial de tres niveles. ^{[ 37 ] [ 38 ] [ 39 ]} Neumann también diseñó la icónica escalera rococó del castillo de Augustusburg en Brühl (1725–1768), que lleva a los visitantes a través de una fantasía de pintura, escultura y herrería, con vistas sorprendentes en cada recodo. ^{[ 37 ]}

En las décadas de 1740 y 1750, se construyeron en Baviera varias iglesias de peregrinación con interiores decorados en una variante distintiva del estilo rococó. Uno de los ejemplos más notables es la Wieskirche (1745-1754), diseñada por Dominikus Zimmermann . Como la mayoría de las iglesias de peregrinación bávaras, el exterior es muy sencillo, con paredes en tonos pastel y poca ornamentación. Al entrar en la iglesia, el visitante se encuentra con una asombrosa armonía entre arte y forma. El santuario de forma ovalada, precedido al oeste por una antecámara semicircular, inunda la iglesia de luz desde todos los ángulos. Las paredes blancas contrastan con las columnas de estuco azul y rosa del coro, y la cúpula está pintada con la apariencia de un cielo abierto sobre el que vuelan ángeles. Otras iglesias de peregrinación bávaras notables incluyen la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores de Balthasar Neumann (1743–1772), ^{[ 40 ] [ 41 ]} y la Abadía de Ottobeuren (1748–1766) de Johann Michael Fischer , que presenta, como gran parte de la arquitectura rococó alemana, un notable contraste entre la regularidad de su fachada y la sobreabundancia de decoración en su interior. ^{[ 37 ]}

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  Pabellón Amalienburg en Múnich por François de Cuvilliés (1734-1739)
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  Salón de los Espejos de Amalienburg , obra de Johann Baptist Zimmermann (1734-1739).
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  Vista de la escalera central del Palacio de Augustusburg en Brühl, obra de Balthasar Neumann (1741-1744).
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  La Wieskirche de Dominikus Zimmermann (1745-1754)
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  Interior de la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores, obra de Balthasar Neumann (1743-1772).
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  Kaisersaal en la residencia de Würzburg por Balthasar Neumann (1749-1751)
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  Salón de actos del Palacio Schaezler en Augsburgo, obra de Carl Albert von Lespilliez (1765-1770).

En Gran Bretaña, el rococó tuvo menos influencia en el diseño y las artes decorativas que en la Europa continental, aunque su influencia aún se dejó sentir en ámbitos como la orfebrería, la porcelana y el mobiliario.

A principios del siglo XVIII, el mobiliario inglés siguió el modelo neoclásico palladiano bajo la dirección del diseñador William Kent , quien diseñó para Lord Burlington y otros importantes mecenas de las artes. ^{[ 31 ]} Como resultado, el rococó tardó en llegar a Inglaterra, apareciendo por primera vez en la década de 1730 a través del trabajo de artistas inmigrantes y refugiados hugonotes de Francia, incluido el platero Paul de Lamerie . La Academia de St Martin's Lane , fundada por William Hogarth en 1735, también fue fundamental para introducir el estilo rococó a diseñadores y artistas en Inglaterra. ^{[ 42 ]}

El rococó floreció en Inglaterra entre 1740 y 1770. En un intento por competir con los productos franceses importados, los diseñadores de muebles desarrollaron un estilo rococó distintivamente británico, utilizado principalmente en la talla de madera. El más influyente de estos diseñadores fue Thomas Chippendale , cuyo libro de 1754, The Gentleman and Cabinet Maker's Director , un catálogo de diseños de muebles rococó, chinoiserie y góticos, alcanzó gran popularidad. ^{[ 43 ]} A diferencia de los diseñadores franceses, Chippendale no empleó marquetería ni incrustaciones en sus muebles. Los diseñadores predominantes de muebles con incrustaciones fueron Vile y Cob, ebanistas del rey Jorge III . Otra figura importante en el diseño de muebles británicos fue Thomas Johnson , quien en 1761 publicó un catálogo de diseños de muebles rococó. Este incluía muebles basados ​​en motivos chinos e indios bastante fantásticos, como una cama con dosel coronada por una pagoda china (actualmente en el Museo Victoria y Alberto ). ^{[ 33 ]}

Otra figura destacada del rococó británico es el platero Charles Friedrich Kandler.

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  Taza y tapa, hechas por Paul de Lamerie , 1736–7 Victoria and Albert Museum no. 819-1890 ^{[ 44 ]}
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  Candelabros de plata de Paul de Lamerie. Contrastados en Londres, circa 1747-1749.
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  Brasero del platero Charles Friedrich Kander (1735), Museo Metropolitano
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  Diseño para una cama de estado por Thomas Chippendale (1753–1754)
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  Diseño de cómoda y soportes para lámparas de Thomas Chippendale (1753–1754)
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  Silla auxiliar; Thomas Chippendale; c. 1755 – c. 1760 ; caoba; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) 
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  Diseño de candelabros al estilo chino, de Thomas Johnson (1756).

El estilo rococó ruso fue introducido en gran medida por la emperatriz Isabel y Catalina la Grande durante el siglo XVIII, por arquitectos de la corte como Francesco Bartolomeo Rastrelli . ^{[ 45 ]}

La obra de Rastrelli en palacios como el Palacio de Invierno en San Petersburgo y el Palacio de Catalina en Tsárskoye Seló incorporó muchas características de la arquitectura rococó de Europa occidental, incluyendo grandes salones ornamentados con pan de oro, espejos y grandes ventanales para la entrada de luz natural en los interiores, y suaves colores pastel enmarcados con grandes ventanas con dosel y cornisas en los exteriores con motivos rocalla, como conchas y rocas asimétricas. ^{[ 46 ]} Los plafones a menudo presentaban volutas rococó que rodeaban pinturas alegóricas de dioses y diosas de la antigua Grecia y Roma. ^{[ 47 ]} Los suelos a menudo estaban incrustados con parqué formado por diferentes maderas para crear elaborados diseños en la carpintería.

La arquitectura de las iglesias ortodoxas rusas también estuvo fuertemente influenciada por los diseños rococó durante el siglo XVIII, presentando a menudo un diseño de cruz griega cuadrada con cuatro alas equidistantes. Los exteriores se pintaban en colores pastel claros como azules y rosas, y los campanarios solían estar rematados con cúpulas bulbosas doradas. ^{[ 48 ]}

El rococó férreo es una forma de rococó que se desarrolló en Prusia durante el reinado de Federico el Grande y combinó influencias de Francia, Alemania (especialmente Sajonia ) y los Países Bajos . ^{[ 49 ]} Su seguidor más famoso fue el arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff . Además, el pintor Antoine Pesne e incluso el propio rey Federico influyeron en los diseños de Knobelsdorff. Entre los edificios famosos de estilo férreo se incluyen el Palacio de Sanssouci , ^{[ 50 ]} el Palacio de la Ciudad de Potsdam y partes del Palacio de Charlottenburg .

Comparación entre un grabado del siglo XVIII , de Jacques de Lajoue , de un cráter de cáliz rococó ; y un cráter de cáliz romano del siglo I que tiene exactamente la misma forma que un jarrón de jardín de piedra neoclásico.

El arte de François Boucher y otros pintores de la época, con su énfasis en la mitología decorativa y la galantería, pronto inspiró una reacción y una demanda de temas más «nobles». Mientras el rococó continuaba en Alemania y Austria, la Academia Francesa de Roma comenzó a enseñar el estilo clásico. Esto se confirmó con el nombramiento de Jean François de Troy como director de la academia en 1738, y posteriormente, en 1751, por Charles-Joseph Natoire .

Madame de Pompadour , amante de Luis XV, contribuyó al declive del estilo rococó. En 1750 envió a su hermano, Abel-François Poisson de Vandières , en una misión de dos años para estudiar los desarrollos artísticos y arqueológicos en Italia. Lo acompañaron varios artistas, entre ellos el grabador Charles-Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot . Regresaron a París con una gran pasión por el arte clásico. Vandières se convirtió en marqués de Marigny y fue nombrado director general de los edificios reales . Orientó la arquitectura oficial francesa hacia el neoclasicismo. Cochin se convirtió en un importante crítico de arte; denunció el estilo petit de Boucher y abogó por un estilo grandioso con un nuevo énfasis en la antigüedad y la nobleza en las academias de pintura y arquitectura. ^{[ 51 ]}

El principio del fin del rococó llegó a principios de la década de 1760, cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a expresar sus críticas a la superficialidad y la degeneración de este arte. Blondel denunció la «ridícula mezcla de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas» en los interiores de la época. ^{[ 52 ]}

Hacia 1785, el rococó había pasado de moda en Francia, siendo reemplazado por el orden y la seriedad de artistas neoclásicos como Jacques-Louis David . En Alemania, el rococó de finales del siglo XVIII fue ridiculizado como Zopf und Perücke ("trenza y peluca"), y a esta fase a veces se la denomina Zopfstil . El rococó siguió siendo popular en algunos estados provinciales alemanes y en Italia, hasta que la segunda fase del neoclasicismo, el " estilo Imperio ", llegó con los gobiernos napoleónicos y arrasó con el rococó.

El estilo ornamental conocido como rocalla surgió en Francia entre 1710 y 1750, principalmente durante la regencia y el reinado de Luis XV ; también se le conocía como Luis XV . Sus principales características eran el detalle pintoresco, las curvas y contracurvas, la asimetría y una exuberancia teatral. En las paredes de los nuevos salones parisinos, los diseños sinuosos y tortuosos, generalmente realizados en estuco dorado o pintado, se enroscaban alrededor de las puertas y los espejos como enredaderas. Uno de los primeros ejemplos fue el Hôtel Soubise de París (1704-1705), con su famoso salón ovalado decorado con pinturas de Boucher y Charles-Joseph Natoire . ^{[ 53 ]}

El diseñador de muebles francés más conocido de la época fue Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), quien también fue escultor, pintor y orfebre al servicio de la casa real. Ostentó el título de diseñador oficial de la Cámara y el Gabinete de Luis XV. Su obra es muy conocida hoy en día gracias a la enorme cantidad de grabados que se realizaron de ella, los cuales popularizaron el estilo en toda Europa. Diseñó muebles para las familias reales de Sajonia y Portugal .

Italia fue otro lugar donde floreció el rococó, tanto en sus primeras como en sus últimas etapas. Artesanos de Roma, Milán y Venecia produjeron muebles y objetos decorativos ricamente decorados.

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  Candelabro de Juste-Aurèle Meissonnier (1735-1740)
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  Carroza de Apolo , diseño para el techo de la casa del conde Bielinski, obra de Meissonier , Varsovia, Polonia (1734).
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  Canapé diseñado por Meissonnier para el conde Bielinski, Varsovia, Polonia (1735)
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  Mesa consola, Roma, Italia ( c. 1710 )

La decoración esculpida incluía florecillas, palmetas, conchas marinas y follaje, tallados en madera. Las formas rocallas más extravagantes se encontraban en las consolas , mesas diseñadas para apoyarse contra las paredes. Las cómodas , o arcones, que aparecieron por primera vez bajo el reinado de Luis XIV, estaban ricamente decoradas con ornamentos rocallas de bronce dorado. Fueron elaboradas por maestros artesanos como Jean-Pierre Latz y también presentaban marquetería de maderas de diferentes colores, a veces dispuestas en patrones cúbicos de tablero de damas, hechos con maderas claras y oscuras. Este período también vio la llegada de la chinoiserie , a menudo en forma de cómodas lacadas y doradas, llamadas halcon de Chine o Vernis Martin , en honor al ebanista que introdujo la técnica en Francia. El ormolú , o bronce dorado, fue utilizado por maestros artesanos como Jean-Pierre Latz . Latz realizó un reloj particularmente ornamentado montado sobre un cartonier para Federico el Grande para su palacio en Potsdam . Las piezas de porcelana china importada a menudo se montaban en engastes rococó de ormolú (bronce dorado) para exhibirlas sobre mesas o consolas en los salones. Otros artesanos imitaban los muebles lacados japoneses y producían cómodas con motivos japoneses. ^{[ 19 ]}

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  Escritorio para la Residencia de Múnich, obra de Bernard II van Risamburgh (1737).
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  Cofre-reloj para Federico el Grande (1742)
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  Un cuenco de porcelana china y dos peces montados en bronce dorado, Francia (1745–1749)
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  Un reconocimiento del ebanista real Jean-Pierre Latz ( c. 1750 )
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  Cómoda lacada de estilo chinoiserie, de Bernard II van Risamburgh, Museo Victoria y Alberto (1750-1760).

El rococó británico tendía a ser más sobrio. Los diseños de muebles de Thomas Chippendale conservaban las curvas y la estética, pero no alcanzaban la extravagancia francesa. El exponente más destacado del rococó británico fue probablemente Thomas Johnson , un talentoso tallador y diseñador de muebles que trabajó en Londres a mediados del siglo XVIII.

Elementos del estilo rococó aparecieron en la obra de algunos pintores franceses, incluyendo un gusto por lo pintoresco en los detalles; curvas y contracurvas; y una asimetría que reemplazó el movimiento del barroco con exuberancia, aunque el rococó francés nunca alcanzó la extravagancia del rococó germánico. ^{[ 54 ]} El principal exponente fue Antoine Watteau , particularmente en El embarque a Citera (1717), Louvre , en un género llamado Fête galante que representa escenas de jóvenes nobles reunidos para celebrar en un entorno pastoral. Watteau murió en 1721 a la edad de treinta y siete años, pero su obra continuó teniendo influencia durante el resto del siglo. Una versión de la pintura de Watteau titulada Peregrinación a Citera fue adquirida por Federico el Grande de Prusia en 1752 o 1765 para decorar su palacio de Charlottenburg en Berlín. ^{[ 54 ]}

El sucesor de Watteau y la Fête Galante en la pintura decorativa fue François Boucher (1703–1770), el pintor favorito de Madame de Pompadour . Su obra incluyó el sensual Toilette de Venus (1746), que se convirtió en uno de los ejemplos más conocidos del estilo. Boucher participó en todos los géneros de la época, diseñando tapices, modelos para esculturas de porcelana, decorados para la Ópera de París y la Opéra-Comique , y decoración para la Feria de Saint-Laurent . ^{[ 55 ]} Otros pintores importantes del estilo Fête Galante fueron Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater . El estilo influyó particularmente en François Lemoyne , quien pintó la suntuosa decoración del techo del Salón de Hércules en el Palacio de Versalles , terminado en 1735. ^{[ 54 ]} Pinturas con temas de fiestas galantes y mitológicos de Boucher, Pierre-Charles Trémolières y Charles-Joseph Natoire decoraron el famoso salón del Hôtel Soubise en París (1735–1740). ^{[ 55 ]} Otros pintores rococó incluyen: Jean François de Troy (1679-1752), Jean-Baptiste van Loo (1685-1745), sus dos hijos Louis-Michel van Loo (1707-1771) y Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719-1795), su hermano menor Charles-André van Loo (1705–1765), Nicolas Lancret (1690–1743) y Jean Honoré Fragonard (1732–1806).

En Austria y el sur de Alemania, la pintura italiana tuvo la mayor influencia en el estilo rococó. El pintor veneciano Giovanni Battista Tiepolo , con la ayuda de su hijo Giovanni Domenico Tiepolo , fue invitado a pintar frescos para la Residencia de Würzburg (1720-1744). El pintor más destacado de las iglesias rococó bávaras fue Johann Baptist Zimmermann , quien pintó el techo de la Wieskirche (1745-1754).

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  Antoine Watteau , El embarque hacia Citera (1717)
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  " La cena del jamón " de Nicolas Lancret (1735)
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  Techo del Salón de Hércules, obra de François Lemoyne (1735).
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  El tocador de Venus , de François Boucher (1746)
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  Fresco en el techo de la residencia de Würzburg (1720-1744) de Giovanni Battista Tiepolo
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  Techo de la iglesia de Wieskirche , obra de Johann Baptist Zimmermann (1745-1754).

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  La "Dama Velada (Puritas) de Antonio Corradini (1722)
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  Cupido, de Edmé Bouchardon , Galería Nacional de Arte (1744)
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  Prometeo, de Nicolas-Sébastien Adam (1762)
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  Vertumno y Pomone, de Jean-Baptiste Lemoyne (1760)
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  Pigmalión y Galatea de Étienne-Maurice Falconet (1763)
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  La embriaguez del vino, de Claude Michel (Clodion), terracota, décadas de 1780-1790.

La escultura rococó era teatral, sensual y dinámica, transmitiendo una sensación de movimiento en todas direcciones. Se encontraba con mayor frecuencia en los interiores de las iglesias, generalmente integrada con la pintura y la arquitectura. La escultura religiosa seguía el estilo barroco italiano, como se aprecia en el retablo teatral de la iglesia de San Carlos (Karlskirche) de Viena.

La escultura rococó temprana o rocaille en Francia era más ligera y ofrecía mayor dinamismo que el estilo clásico de Luis XIV. Fue impulsada en particular por Madame de Pompadour , amante de Luis XV, quien encargó numerosas obras para sus castillos y jardines. El escultor Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando sus dardos de amor a partir de la maza de Hércules . Figuras rococó también poblaron las fuentes posteriores de Versalles , como la Fuente de Neptuno de Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740). Gracias a su éxito en Versalles, Federico el Grande los invitó a Prusia para crear esculturas para las fuentes del Parque Sanssouci (década de 1740). ^{[ 56 ]}

Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) fue otro destacado escultor francés de la época. Falconet fue famoso sobre todo por su estatua del Jinete de Bronce de Pedro el Grande en San Petersburgo, pero también creó una serie de obras más pequeñas para coleccionistas adinerados, que podían reproducirse en serie en terracota o fundirse en bronce. Los escultores franceses Jean-Louis Lemoyne , Jean-Baptiste Lemoyne , Louis-Simon Boizot , Michel Clodion , Lambert-Sigisbert Adam y Jean-Baptiste Pigalle también produjeron esculturas en serie para coleccionistas. ^{[ 57 ]}

En Italia, Antonio Corradini fue uno de los escultores más destacados del estilo rococó. Veneciano, viajó por Europa, trabajando para Pedro el Grande en San Petersburgo y para las cortes de Austria y Nápoles . Prefería los temas sentimentales y realizó varias obras de gran calidad que representaban a mujeres con el rostro cubierto por velos, una de las cuales se conserva actualmente en el Louvre . ^{[ 58 ]}

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  Atlántidas en el Belvedere superior del Palacio de Viena, obra de Johann Lukas von Hildebrandt (1721-1722).
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  Escena de la Asunción de Egid Quirin Asam (1722-1723), antigua iglesia del monasterio, Rohr en Niederbayern
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  Altar del Transparente en la Catedral de Toledo de Narciso Tomé (1721-1732)
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  Portal del Palacio del Marqués de Dos Aguas , Valencia, España (1740-1744)
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  Fuente de Neptuno y Anfítrite, Palacio de Versalles , por Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740)
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  Ninfas de la fuente, obra de Lambert-Sigisbert Adam, en el palacio de Sanssouci , Prusia (década de 1740).
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  Altar de la Misericordia con estatuas de los Catorce Santos Auxiliadores en la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores.

Los ejemplos más elaborados de escultura rococó se encontraron en España, Austria y el sur de Alemania, en la decoración de palacios e iglesias. La escultura estaba tan integrada en la arquitectura que resultaba imposible distinguir dónde terminaba una y comenzaba la otra. En el Palacio Belvedere de Viena (1721-1722), la bóveda del Salón de los Atlantes se sostiene sobre los hombros de figuras musculosas diseñadas por Johann Lukas von Hildebrandt . El portal del Palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia (1715-1776) estaba completamente cubierto de esculturas talladas en mármol, según diseños de Hipólito Rovira Brocandel. ^{[ 59 ]}

El altar de El Transparente , en la capilla mayor de la Catedral de Toledo, es una imponente escultura de mármol policromado y estuco dorado, que combina pinturas, estatuas y símbolos. Fue realizado por Narciso Tomé (1721-1732). Su diseño permite el paso de la luz y, con los cambios de iluminación, parece moverse. ^{[ 60 ]}

Surgió una nueva forma de escultura a pequeña escala: la figura de porcelana , o pequeño grupo de figuras, que inicialmente reemplazó a las esculturas de azúcar en las grandes mesas de los comedores, pero que pronto se popularizó para colocar sobre repisas de chimenea y muebles. El número de fábricas europeas creció de forma constante a lo largo del siglo, y algunas producían porcelana que las crecientes clases medias podían permitirse. La cantidad de colorida decoración sobre vidriado utilizada en ellas también aumentó. Por lo general, eran modeladas por artistas con formación en escultura. Entre los temas comunes se incluían figuras de la commedia dell'arte , vendedores ambulantes, amantes, figuras con ropas de moda y parejas de pájaros.

Johann Joachim Kändler fue el modelador más importante de la porcelana de Meissen , la primera fábrica europea, que siguió siendo la más importante hasta alrededor de 1760. El escultor suizo-alemán Franz Anton Bustelli produjo una gran variedad de figuras coloridas para la Manufactura de Porcelana de Nymphenburg en Baviera, que se vendían en toda Europa. El escultor francés Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) siguió este ejemplo. Además de realizar obras de gran formato, llegó a ser director de la Manufactura de Porcelana de Sèvres y produjo obras de pequeño formato, generalmente sobre el amor y la alegría, para su producción en serie.

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  Altar mayor de la iglesia de San Carlos (Karlskirche) en Viena (1737)
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  Taza con platillo; c. 1753 ; porcelana de pasta blanda con vidriado y esmalte; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.
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  Mezzetin , de Johann Joachim Kaendler , Meissen , c. 1739
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  Arlequín y Colombina , porcelana de Capodimonte , c. 1745
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  Pareja de amantes, grupo escultórico de porcelana de Nymphenburg , c. 1760 , modelado por Franz Anton Bustelli.
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  Figura de un vendedor de queso, obra de Franz Anton Bustelli , porcelana de Nymphenburg (1755).

En la historia de la música existió un periodo rococó , aunque no tan conocido como el barroco y el clasicismo. El estilo rococó se desarrolló a partir del barroco tanto en Francia, donde se le denominó estilo galante (o elegante), como en Alemania, donde se le conoció como estilo sensible. Se caracteriza por una música ligera e íntima, con ornamentaciones sumamente elaboradas y refinadas .

En la segunda mitad del siglo XVIII, se produjo una reacción contra el estilo rococó, principalmente contra su percibido uso excesivo de ornamentación y decoración. Liderada por Christoph Willibald Gluck , esta reacción dio paso a la era clásica . A principios del siglo XIX, la opinión católica se volvió en contra de la idoneidad del estilo para contextos eclesiásticos porque «no propiciaba en absoluto los sentimientos de devoción». ^{[ 61 ]}

El compositor ruso de la época romántica , Piotr Ilich Chaikovski, escribió Variaciones sobre un tema rococó , Op. 33, para violonchelo y orquesta en 1877. Si bien el tema no es de origen rococó, está escrito al estilo rococó.

La moda rococó se basaba en la extravagancia, la elegancia, el refinamiento y la decoración. La moda femenina del siglo XVII contrastaba con la del siglo XVIII, que era ornamentada y sofisticada, el verdadero estilo rococó. ^{[ 62 ]} Estas modas se extendieron más allá de la corte real, llegando a los salones y cafés de la burguesía en ascenso. ^{[ 63 ]} El estilo exuberante, lúdico y elegante de decoración y diseño que ahora llamamos «rococó» se conocía entonces como le style rocaille, le style moderne, le gout. ^{[ 64 ]}

Un estilo que apareció a principios del siglo XVIII fue la robe volante , ^{[ 62 ]} un vestido fluido, que se popularizó hacia el final del reinado del rey Luis XIV. Este vestido tenía las características de un corpiño con grandes pliegues que caían por la espalda hasta el suelo sobre una enagua redondeada. La paleta de colores era rica, telas oscuras acompañadas de elaborados y pesados ​​detalles de diseño. Después de la muerte de Luis XIV, los estilos de vestimenta comenzaron a cambiar. La moda dio un giro hacia un estilo más ligero y frívolo, pasando del período barroco al conocido estilo rococó. ^{[ 65 ]} El período posterior se conoció por sus colores pastel, vestidos más reveladores y la plétora de volantes, fruncidos, lazos y encajes como adornos. Poco después de que se introdujera el típico vestido rococó femenino, robe à la Française, ^{[ 62 ]} un vestido con un corpiño ajustado que tenía un escote bajo, generalmente con grandes lazos de cinta en el centro del frente, amplios panieres y estaba profusamente adornado con grandes cantidades de encaje, cinta y flores.

Los pliegues Watteau ^{[ 62 ]} también se hicieron más populares, llamados así por el pintor Jean- Antoine Watteau , quien pintó los detalles de los vestidos hasta las puntadas del encaje y otros adornos con inmensa precisión. Más tarde, el'cesto'y'mantuaSe pusieron de moda alrededor de 1718. Eran aros anchos debajo del vestido para extender las caderas hacia los lados y pronto se convirtieron en un elemento básico de la vestimenta formal. Esto le dio al período rococó el icónico vestido de caderas anchas combinado con la gran cantidad de decoración en las prendas. Los paniers anchos se usaban para ocasiones especiales y podían alcanzar hasta 4,9 metros de diámetro, ^{[ 66 ]} y los aros más pequeños se usaban para el día a día. Estas características provenían originalmente de la moda española del siglo XVII, conocida como guardainfante , inicialmente diseñada para ocultar el vientre de embarazada, luego reinventada como panier. ^{[ 66 ]} 1745 se convirtió en la Edad de Oro del Rococó con la introducción de una cultura oriental más exótica en Francia llamada a la turca . ^{[ 62 ]} Esto fue popularizado por la amante de Luis XV, Madame de Pompadour , quien encargó al artista Charles-André van Loo que la pintara como una sultana turca.

En la década de 1760, surgió un estilo de vestidos menos formales y uno de ellos fue la polonesa , inspirada en Polonia. Era más corta que el vestido francés, lo que permitía ver la enagua y los tobillos, facilitando así el movimiento. Otro vestido que se puso de moda fue la robe à l'anglais , que incluía elementos inspirados en la moda masculina: una chaqueta corta, solapas anchas y mangas largas. ^{[ 65 ]} También tenía un corpiño ajustado, una falda amplia sin paniers pero aún un poco larga en la parte posterior para formar una pequeña cola, y a menudo algún tipo de pañuelo de encaje alrededor del cuello. Otra prenda era la «redingote», a medio camino entre una capa y un abrigo.

Los accesorios también eran importantes para todas las mujeres durante esta época, ya que añadían opulencia y adorno al cuerpo para que combinara con sus vestidos. En cualquier ceremonia oficial, las damas debían cubrirse las manos y los brazos con guantes si sus prendas eran sin mangas. ^{[ 65 ]}

En literatura, el término es "inútilmente vago, pero generalmente sugiere una alegre ligereza e intimidad de tono, y una elegante jovialidad". ^{[ 6 ]} Los principales géneros literarios rococó eran formas pequeñas, como la poesía ligera erótica ( en francés : poésie légère o poésie fugitive ), el soneto , el madrigal y otras canciones, la pastoral , el cuento de hadas, la novela corta, pero también había largos poemas narrativos , por ejemplo, la obra maestra en alemán de Christoph Martin Wieland , Oberón .

Predominantemente un estilo literario francés del siglo XVIII , influenciado por la escuela de las Preciosas del siglo XVII , está representado por Anne Claude de Caylus , autora de El arte de amar PJ Bernard, Alexandre Masson de Pezay (el poema narrativo El baño de Zélis ), Abbé de Favre (el poema Las cuatro horas del baño de las damas ), Évariste de Parny , Jean-Baptiste Louvet de Couvray y otros escritores. El rococó también tuvo seguidores en Italia ( Paolo Rolli , Pietro Metastasio ) y Alemania ( Friedrich von Hagedorn , Johann Wilhelm Ludwig Gleim , Johann Uz , Johann Nikolaus Götz ), ^{[ 67 ]} y en menor medida, en los escritos ingleses y rusos ( Ippolit Bogdanovich ).

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• Muebles barrocos de Lieja-Aquisgrán

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