Amy Goldin

Amy Goldin (20 de febrero de 1926 – 2 de abril de 1978) fue una crítica de arte estadounidense que trabajó desde 1965 hasta 1978. En esos trece años, publicó casi 200 artículos, desde reseñas de un párrafo sobre exposiciones, ensayos para catálogos y reseñas de libros. Abordó temas poco convencionales para la época: arte popular , arte afroamericano , artesanía, decoración, grafiti y arte islámico . Sus escritos aparecieron regularmente en Arts , ARTnews , Artforum , Art Journal , New American Review , International Journal for Aesthetics and Art Criticism y, con mayor frecuencia, en Art in America , donde fue editora colaboradora. ^{[ 1 ]}

Amy Genevieve Mendelson nació en Detroit el 20 de febrero de 1926. Sus padres, Harry y Jeanette Mendelson, emigraron de Rusia poco antes de su nacimiento. Tras estudiar en la Universidad Estatal de Wayne , Detroit (1943-1945) y en la Universidad de Chicago (1945-1947), Amy se mudó a la ciudad de Nueva York en 1948 y estableció un estudio de pintura en la calle 56 Este. ^{[ 1 ]} Se convirtió en estudiante de la Liga de Estudiantes de Arte en 1948-1949, asistió al Black Mountain College cerca de Asheville , Carolina del Norte , durante el verano y luego estudió con Hans Hofmann en Nueva York de 1950 a 1952. ^{[ 2 ]}

Después de estudiar filosofía en la Universidad de Chicago, Goldin se dedicó a una carrera como pintora. Uno de los pocos ejemplos fechados de su trabajo fue una portada de 1960 y una serie de dibujos para Trobar , una revista independiente de poesía. ^{[ 3 ]} A principios de la década de 1960, su estilo pictórico evolucionó del expresionismo a la abstracción geométrica de bordes duros. Matisse fue una gran influencia. ^{[ 1 ]} En una reseña de una exposición póstuma de sus pinturas en 1978, Peter Frank comentó: "Las pequeñas y enérgicas obras de bordes duros de Goldin son las más originales, pero era una pintora hábil y, como era de esperar, muy inteligente antes de eso". ^{[ 4 ]} En 1965, se montó una exposición de sus pinturas de bordes duros en la Galería Brata, una galería cooperativa de artistas ubicada en la Calle 10. Esta exposición recibió una reseña superficial en Arts Magazine en el mismo número en el que Goldin comenzó a publicar sus reseñas de exposiciones de otros artistas. ^{[ 5 ]} Después de 1965, Goldin continuó creando obras, pero nunca estuvo satisfecha con su práctica de estudio. ^{[ 1 ]} A partir de entonces centró sus energías —y se hizo conocida por— sus reseñas y ensayos críticos.

Cuando comenzó a escribir crítica en 1965, sus amistades, en particular con el grupo de poetas Deep Image , especialmente Robert Kelly , Jerome Rothenberg , David Antin y George Economou , le proporcionaron un terreno fértil y un público receptivo para sus primeras críticas. Muchos aspectos de sus intereses previos coincidieron: su fascinación por el arte histórico y contemporáneo, su estudio de la filosofía y la sociología, su naturaleza argumentativa, su empatía con la pintura y los pintores. Durante el año siguiente, completó más de 100 reseñas breves para Arts Magazine . Los artículos más extensos y que invitaban a la reflexión pronto se convirtieron en su fuerte. Le encantaba reflexionar sobre una idea, especialmente una que no había recibido mucha atención, leer lo que otros podrían haber escrito, refutar sus posturas y luego afirmar la suya propia. ^{[ 1 ]} Es conocida por su crítica original y poco ortodoxa; su temprana carrera como pintora le dio un punto de vista único que simpatizaba fuertemente con los artistas en lugar de con el establishment crítico. ^{[ 6 ]} Después de escribir sobre la obra de George Sugarman , se convirtieron en amigos devotos, corresponsales y compañeros de debate intelectual. Sobre su obra, Goldin escribió: «Sugarman cree que si una escultura se siente como una cosa, incluso una cosa bella, es un fracaso. Busca una relación más enérgica entre la obra y el espacio que crea, en aras de una respuesta vívida. En consecuencia, cree que la relación entre una parte de la obra y otra no debe parecer abiertamente inevitable y lógica, sino abierta y llena de posibilidades». ^{[ 7 ]}

En 1972, Goldin recibió una beca de crítica de la National Endowment . Viajaba a Harvard para tomar cursos con el reconocido islamista Oleg Grabar . Allí encontró una base intelectual y un mundo de información sobre una forma de arte para la cual el término «decoración» no es en absoluto peyorativo. ^{[ 8 ]} La artista y escritora tunecina Emna Zghal señala que Goldin fue inusualmente vanguardista en su tratamiento del arte islámico. Según Zghal, Goldin evitó en gran medida el orientalismo común entre sus críticos e historiadores de arte contemporáneos. ^{[ 9 ]}

El crítico del Los Angeles Times , Christopher Knight, describe el ensayo de Goldin de 1974, "El gueto estético: algunas reflexiones sobre el arte público", como "la mejor consideración que he leído sobre este espinoso tema". ^{[ 10 ] [ 11 ]} Según este ensayo, una obra se consideraría típicamente "arte público" si, debido a su tamaño y ubicación, llega a un público amplio y aborda un asunto de importancia social. Goldin, sin embargo, define una tercera condición: que el arte exija una respuesta moral del público, convirtiéndolo así en participante de un discurso público. Afirma que el arte público es hoy una imposibilidad porque "en parques y edificios públicos, todo lo que proclama claramente su naturaleza artística se identifica con la administración". La sociedad actual es demasiado cínica, demasiado desconfiada del poder como para involucrarse con una obra presentada en el contexto del arte público. ^{[ 12 ]}

También se la reconoce por haber proporcionado el primer marco teórico para el Movimiento de Patrón y Decoración , que fue ampliamente rechazado por la crítica contemporánea. ^{[ 13 ] [ 14 ]} En el ensayo de 1975 «Patrones, cuadrículas y pintura», describe la función y el valor del patrón. Escribe: «El disfrute de los patrones y las cuadrículas, tan a menudo vinculados a la religión, la magia y los estados de estar fuera de sí, requiere una indiferencia hacia la autoafirmación que resulta poco afín a la mayoría de los occidentales». ^{[ 15 ]} De manera similar, afirma la decoración en su exploración de 1975 de los últimos recortes de Matisse, afirmando que son la culminación de la obra de su vida: «Matisse deja la mente en paz. La experiencia que proporciona es sensorial y emocional, y la inteligencia solo interviene cuando se la invoca resueltamente para descubrir las causas de tal orden y deleite. La experiencia de la decoración es típicamente celebratoria y carece de contenido». ^{[ 16 ]} En su ensayo de 1978, ampliamente antologizado, « Arte: Nociones histéricas de progreso y cultura », las artistas de Pattern and Decoration, Joyce Kozloff y Valerie Jaudon, explicaron cómo, en su opinión, las suposiciones sexistas y racistas subyacían al discurso de la historia del arte occidental. Reafirmaron el valor de la ornamentación y la belleza estética, cualidades asignadas a la esfera femenina. ^{[ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]} El final de este ensayo dice: «A Amy Goldin, cuyas ideas y aliento hicieron posible esta obra». ^{[ 18 ]}

Fue la ganadora en 1977 del Premio Frank Jewett Mather de la College Art Association a la crítica de arte. Otros ganadores de ese período incluyen a Rosalind Krauss , Lucy R. Lippard y Linda Nochlin . ^{[ 20 ]}

Falleció de cáncer el 2 de abril de 1978, tras optar por no someterse a un tratamiento agresivo.

En 2011, se publicó una colección de sus escritos titulada "Amy Goldin: Art in a Hairshirt", editada por su amigo y antiguo alumno Robert Kushner . ^{[ 1 ]}