Arlene Shechet

Arlene Shechet (nacida en 1951) es una escultora estadounidense conocida por sus ingeniosas composiciones que desafían la gravedad y por el uso experimental de diversos materiales. ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]} Los críticos describen su obra como técnica e intuitiva, híbrida y polimorfa, mezclando libremente superficies, acabados, estilos y referencias para crear paradojas visuales. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]} Sus formas abstracto-figurativas a menudo funcionan como metáforas de la experiencia corporal y la condición humana, abordando la imperfección y la incertidumbre con humor y patetismo. ^{[ 7 ] [ 8 ] [ 9 ]} El crítico del New York Times, Holland Cotter, escribió que su carrera "ha abarcado tanto vasijas de cerámica más o menos tradicionales como formas abstractas sumamente experimentales: ameboideas, intestinales, puntiagudas, sexuales, con referencias históricas y a menudo exhibidas sobre pedestales fantásticamente ingeniosos... esta es una de las esculturas estadounidenses más imaginativas de los últimos 20 años". ^{[ 10 ]}

La obra de Shechet pertenece a las colecciones públicas del Centro Pompidou , ^{[ 11 ]} el Museo Metropolitano de Arte , ^{[ 12 ]} la Galería Nacional de Arte , ^{[ 13 ]} y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , entre otros. ^{[ 14 ]} Ha expuesto en el Museo Whitney , ^{[ 15 ]} el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston , ^{[ 16 ]} la Colección Frick , ^{[ 17 ]} el Centro de Arte Storm King ^{[ 18 ]} y el Centro de Arte Walker , entre otros lugares. ^{[ 19 ]} Fue admitida en la Academia Estadounidense de Artes y Letras como miembro vitalicia en 2023 y recibió una beca Guggenheim en 2004. ^{[ 20 ] [ 21 ]}

Ella vive y trabaja en la ciudad de Nueva York y en el cercano valle del Hudson . ^{[ 22 ]}

Shechet nació en 1951 en la ciudad de Nueva York. ^{[ 22 ]} Obtuvo una licenciatura en la Universidad de Nueva York y una maestría en Bellas Artes de la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD) en 1978. ^{[ 22 ]} Después de graduarse, enseñó en RISD de 1978 a 1985 y en la Escuela de Diseño Parsons de 1984 a 1995. ^{[ 18 ] [ 23 ]} En la década de 1990, su escultura se centró en formas de yeso y pintura con forma de montículo, cuyas formas recordaban a Budas sentados. ^{[ 24 ] [ 10 ]} Durante ese tiempo, una beca de la fábrica de papel Dieu Donné en Nueva York en 1995 llevó a Shechet a iniciar un trabajo en papel fundido que imitaba la arcilla y la porcelana china. ^{[ 25 ] [ 26 ] [ 27 ]} A principios de la década de 2000 comenzó a recibir reconocimiento de la crítica por esculturas e instalaciones que se basaban en ambos cuerpos de trabajo y exploraban la iconografía budista y los temas de flujo, crecimiento e iluminación. ^{[ 28 ] [ 29 ] [ 30 ] [ 31 ] [ 32 ]}

El reconocimiento llegó después de que Shechet se volcara a la arcilla como su principal medio a finales de la década de 2000, cuando comenzó a producir vasijas-esculturas vidriadas con formas que aludían a asas de ollas, extremidades y hocicos, lámparas y bailarines abstractos. ^{[ 33 ] [ 34 ] [ 8 ]} En una reseña de 2007, la crítica del New York Times , Roberta Smith, escribió que estas obras estaban "llenas de referencias pero casi libres de deudas... moviéndose sin esfuerzo entre el arte y la religión y Oriente y Occidente, y de la pintura y la escultura a la artesanía y el ritual". ^{[ 33 ]} Le siguieron exposiciones en museos, incluyendo exposiciones individuales en el Tang Museum (2009) y el Museum of Contemporary Art Denver (2009), ^{[ 35 ] [ 36 ]} y más tarde, el Weatherspoon Art Museum (2013) y el Institute of Contemporary Art, Boston (2015, una retrospectiva de veinte años), entre otros. ^{[ 22 ] [ 16 ]}

Los críticos distinguen la escultura posterior de Shechet por sus contrastes, paradojas de forma, estilo y proceso, y rangos impredecibles de tonalidad y textura. ^{[ 16 ] [ 8 ] [ 24 ]} Sebastian Smee de The Boston Globe escribió: «Es en las armonías y tensiones entre estos colores y texturas, entre sugerencias de orden y anarquía, decadencia y frescura floreciente, donde estas obras tosen, chisporrotean y cantan… Shechet sabe que esta vida es a la vez fugaz y monumental, caracterizada por extraños cambios de ritmo oníricos, irracionales, asimétricos y, en última instancia, incognoscibles». ^{[ 16 ]} Cabe destacar el contraste entre el método intuitivo y abierto de Shechet, que abarca la improvisación, los accidentes y la transgresión de las reglas, y la habilidad técnica y el rigor que lo sustentan, que comprenden la fabricación, el tallado y los experimentos de cocción de arcilla con esmaltes innovadores. ^{[ 5 ] [ 37 ]}

En las exposiciones individuales "The Sound of It" ( Jack Shainman Gallery , 2010) y "Slip" (Sikkema Jenkins & Co., 2013), Shechet presentó formas cerámicas biomórficas desgarbadas sobre bases hechas de hormigón fundido, ladrillos de horno y madera dura pintada, entre otros materiales. ^{[ 38 ] [ 6 ] [ 16 ]} Los dos componentes funcionaron como totalidades física y formalmente inseparables, y los podios constituyeron en muchos casos algunos de los elementos más comentados de las obras individuales. ^{[ 38 ] [ 8 ]} En una inversión similar de los límites entre lo formal y lo funcional, la primera exposición incluyó grupos de cuencos, jarras y vitrinas —ninguna de utilidad práctica— e inversiones del proceso de cocción de la arcilla en las que las formas libres se dejaron en su estado original, sin esmaltar, y las bases de ladrillos de horno recibieron una atención colorida y detallada. ^{[ 39 ] [ 38 ]} El crítico de The New Yorker , Peter Schjeldahl, declaró que esta obra era "íntimamente robusta" y añadió: "la exposición nos permite presenciar las eurekas de estudio de un artista con energía y maestría innatas que arden". ^{[ 40 ]}

Ambas exposiciones ilustraron otra paradoja en la obra de Shechet: la centralidad del movimiento en su escultura esencialmente sólida y fija. ^{[ 41 ] [ 24 ] [ 42 ]} Sus arreglos se adhieren y desafían la física, derivando tensión formal y metafórica de lo que The Brooklyn Rail denominó un sentido de "equilibrio dialéctico" —movimiento sin movimiento— que sugiere crecimiento, transformación o casi colapso (p. ej., Because of the Wind , 2010). ^{[ 38 ]} Un aspecto relacionado que los críticos han señalado es la capacidad de su obra para aparentemente transformarse o "conferir múltiples identidades" ^{[ 24 ]} cuando se observa desde diferentes ángulos debido a sus asimetrías, formas sorprendentes y superficies muy variadas. ^{[ 6 ] [ 5 ]}

El movimiento y el equilibrio —que generan una sensación de precariedad y contingencia— también transmiten dos aspectos clave de la escultura de Shechet: el humor y el patetismo. ^{[ 38 ]} El humor también surge de sus formas biomórficas improvisadas, que los escritores han descrito como toscamente talladas, a la vez torpes y autosuficientes, y cómicas por albergar aberturas inesperadas, apéndices extraños, protuberancias y afloramientos, y extremidades y crecimientos desplazados. ^{[ 3 ] [ 6 ] [ 38 ]} La escultura No Noise (2013) personifica estas cualidades, sugiriendo un biomorfo coralino de poros grandes con una protuberancia en forma de nariz que parece estar al revés, como si se hubiera resbalado sobre una cáscara de plátano; Roberta Smith la comparó con una "bolsa de agua caliente agitada". ^{[ 6 ] [ 42 ]}

Proyectos curatoriales

La obra de Shechet es ampliamente referencial, situándose a menudo dentro y fuera de los contextos histórico-artísticos y la cultura en general, y en relación con los espacios que habita. ^{[ 2 ] [ 10 ] [ 6 ] [ 43 ]} En 2014, comenzó a comisariar una serie de exposiciones lúdicas y subversivas que combinaban obras históricas de colecciones de museos con su propia escultura. ^{[ 44 ] [ 45 ] [ 46 ] [ 47 ]} Las exposiciones "Meissen Recast" ( Museo RISD , 2014) y "Porcelain, No Simple Matter" (Colección Frick, 2016) surgieron de su residencia de dos años en la famosa fábrica de porcelana de Meissen en Alemania en 2012-13; notablemente, fue la primera artista viva en exponer en profundidad en la Frick. ^{[ 39 ] [ 17 ] [ 48 ]} En ambas exposiciones, destacó la vajilla de lujo y las figurillas como objetos industriales, yuxtaponiéndolas en ubicaciones muy poco ortodoxas con sus propias esculturas nuevas e híbridas. ^{[ 7 ] [ 44 ] [ 17 ]} Una pareja en el Frick presentó un cuenco de porcelana de 1730 inspirado en el loto que parecía flotar sobre un objeto más tosco que Shechet fundió desde el exterior del molde del cuenco original; otras obras se hicieron a través de muestreos irreverentes de fragmentos figurativos y varios subproductos de fabricación. ^{[ 48 ] [ 45 ]} Sus subversiones de las jerarquías alto-bajo, arte-funcionalidad se extendieron a las convenciones de exhibición de museos, con paredes personalizadas que fueron recortadas o hicieron eco de los moldes de fábrica, aparadores, estantes sobresalientes y materiales y superficies poco ortodoxos. ^{[ 44 ] [ 7 ]} Andrea Scott de The New Yorker describió la exposición de Frick como un "acto de equilibrio entre lo respetuoso y lo radical". ^{[ 48 ]}

Shechet retomó este enfoque en "Disrupt the View: Arlene Shechet at the Harvard Art Museums (2021)", presentando obras recientes junto con obras históricas alemanas, japonesas y chinas de porcelana y otros objetos. ^{[ 47 ]} En la exposición que abarcó todo el museo "From Here On Now" (Phillips Collection, 2017), combinó su escultura con pinturas de la colección del museo de Van Gogh , Mondrian , Joan Mitchell , Morris Louis y Walker Evans , entre otros; en una escultura, fundió la base para que hiciera eco de un negativo de la abertura de una chimenea enfrentada. ^{[ 49 ]} El crítico del Washington Post, Mark Jenkins, dijo sobre la muestra: "la mayoría de los vínculos entre la artista contemporánea y sus precursores están intrigantemente entrelazados. Que la inspiración no es un asunto simple es una de las lecciones de esta muestra multifacética". ^{[ 49 ]} Shechet también comisarió exposiciones en el Drawing Center y la Pace Gallery . ^{[ 50 ] [ 51 ]}

Exposiciones posteriores

La instalación de Shechet en el Madison Square Park de Manhattan rompió con las prácticas típicas del arte público en términos de sus variados materiales (porcelana, hierro fundido y madera), pedestales personalizados y alteraciones y adiciones al entorno y asientos del parque (por ejemplo, "asientos falda" esculpidos). ^{[ 52 ] [ 53 ]} El título de la exposición, Full Steam Ahead , hacía referencia a una cita legendaria del almirante David Farragut , cuyo monumento anclaba un extremo del parque. ^{[ 53 ]} La estatua de Farragut es vista por algunos como un símbolo de la dominación masculina históricamente prevalente tanto en el arte como en la sociedad, y de manera algo controvertida, Shechet negoció con los funcionarios del parque para vaciar el estanque de agua frente a la escultura, despojándola efectivamente de su poder. ^{[ 52 ]} Su docena de esculturas a escala humana sugerían diversas personalidades y criaturas, así como una intimidad de tipo familiar poco común para la escultura pública; Entre ellas se encontraban Low Hanging Cloud (Lion) —una pieza de porcelana que pesaba más de una tonelada— y la robusta y segura figura femenina Forward , tallada en madera de cerezo. ^{[ 53 ] [ 52 ]} Shechet también organizó una serie de eventos durante la exposición que incluyeron a la actriz Fiona Shaw interpretando The Waste Land de T.S. Eliot y a Dianne Wiest interpretando extractos de Happy Days de Samuel Beckett con vestuario escultórico diseñado por Shechet. ^{[ 54 ]}

En exposiciones posteriores, Shechet continuó analizando las tradiciones escultóricas, arquitectónicas y decorativas y desarrollando nuevos diálogos de material y forma. ^{[ 55 ]} La crítica del Los Angeles Times, Leah Ollman, describió su exposición de 2019 en Vielmetter Los Angeles como "generosa en homenajes y de amplia gama en asociaciones", con guiños a los escultores de cerámica Peter Voulkos y Ken Price , Constantin Brâncuși , Claes Oldenburg y la arquitectura brutalista . ^{[ 2 ]} En la exposición "Skirts" (Pace, 2020), abordó oblicuamente las disparidades de género, en parte a través del título de la exposición, que puede servir como verbo, término escultórico y expresión misógina. ^{[ 56 ] [ 43 ]} Una reseña de Brooklyn Rail comparó su síntesis de pintura y escultura en términos de color, superficie y forma con los pintores Joan Miró y Pablo Picasso ; Los materiales incluían troncos de árboles derribados por tormentas con nudos rellenos de latón, trozos de cerámica vidriada, hierro fundido y acero (por ejemplo, The Crown Jewel , 2020). ^{[ 43 ] [ 57 ]} La exposición "Best Picture" (Vielmetter, 2022) presentó esculturas vibrantes a escala humana que sugerían vagamente personalidades de Hollywood; también introdujo un nuevo formato con dos grandes tapices de materiales mixtos que ofrecían contrapuntos suaves a sus pesadas esculturas. ^{[ 9 ] [ 58 ]} En Frieze Masters (2023, Londres), Shechet exhibió once esculturas de colores brillantes y ricas texturas, y vasijas de papel fundido junto con un manuscrito medieval iluminado que sirvió de inspiración. ^{[ 59 ] [ 60 ] [ 61 ]}

En 2024, el Storm King Art Center montó la exposición de Shechet "Girl Group", que incluía seis obras gigantes al aire libre soldadas en acero y aluminio, así como esculturas de cerámica del tamaño de un torso para interiores que fueron las fuentes generativas de las obras al aire libre. ^{[ 62 ] [ 63 ] [ 64 ]} El título de la exposición evocaba un coro de obras, hacía referencia a bandas de rock femeninas y comentaba el dominio histórico de los artistas minimalistas masculinos dentro de la escultura pública y en el lugar. ^{[ 18 ] [ 65 ]} Trabajando en su escala más grande hasta el momento (hasta 28 pies de alto y 30 pies de largo), Shechet creó piezas individuales que combinaban docenas de formas intrincadamente soldadas que sugerían tela desplegándose en el viento, tonos vívidos mezclados a mano y una amalgama de material y acabado que yuxtaponía superficies de aluminio mate, brillante y, ocasionalmente, natural. ^{[ 63 ] [ 65 ] [ 1 ] [ 64 ]} La crítica del New York Times, Nancy Hass, escribió que las obras de la exposición "comparten un lenguaje: curvas ondulantes, aberturas y hendiduras inesperadas, ángulos rectos, túneles, conos, extensiones en forma de escudo, pero cada una tiene su propia personalidad, creando una especie de universo de criaturas míticas". ^{[ 18 ]}

Shechet ha recibido una beca John S. Guggenheim (2004), ^{[ 21 ]} premios de Anonymous Was A Woman (2010), la Academia Estadounidense de Artes y Letras (2011) y la College Art Association (2016), ^{[ 66 ] [ 67 ] [ 68 ]} y subvenciones del National Endowment for the Arts , New York Foundation for the Arts , Dieu Donné Papermill, Joan Mitchell Foundation y VIA Art Fund, entre otros. ^{[ 22 ] [ 27 ] [ 69 ] [ 70 ]} Fue admitida en la Academia Nacional de Diseño en 2016 y en la Academia Estadounidense de Artes y Letras en 2023. ^{[ 71 ] [ 20 ]}

La obra de Shechet pertenece, entre otras, a las colecciones públicas de las siguientes instituciones:

• Sitio web oficial de Arlene Shechet
• Arlene Shechet en Art21
• Entrevista realizada por Rebecca Smith , revista Bomb Magazine , 2024
• Entrevista a Arlene Shechet , Cultured , 2024
• "Arlene Shechet: Todo a la vez" , Instituto de Arte Contemporáneo, Boston, 2015
• Arlene Shechet , Galería Pace
• Arlene Shechet , Vielmetter Los Ángeles
• Arlene Shechet , Almine Rech