Betty Holliday

Elizabeth Gertrude Holliday (23 de mayo de 1925 - 3 de abril de 2011), ^{[ 1 ]} conocida profesionalmente como Betty Holliday y Betty Holliday Deckoff , ^{[ 2 ]} fue una artista visual y educadora estadounidense que desarrolló su actividad en Long Island , Nueva York, y en la ciudad de Nueva York . ^{[ 1 ]} Sus obras más conocidas son pinturas y dibujos figurativos de gran formato. Sus primeras pinturas estaban dominadas por el color, ya que se formó cuando el expresionismo abstracto era el movimiento artístico estadounidense dominante; posteriormente se interesó por la fotografía y, como resultado, experimentó con la "descoloración" de sus pinturas y dibujos. ^{[ 3 ]}

Betty Holliday fue la hija menor de Gertrude Holliday y George Alvin Holliday (1887–1970); ^{[ 4 ]} tenía una hermana, Priscilla. ^{[ 1 ]} Obtuvo una licenciatura en Historia del Arte en el Barnard College (1945), estudió pintura y dibujo en la Art Students League de Nueva York (1942–47) y obtuvo una maestría en Historia del Arte en el Radcliffe College (1950), ahora completamente fusionado con la Universidad de Harvard . ^{[ 4 ] [ 5 ]}

Después de completar su educación formal, Holliday trabajó como asistente editorial para ARTnews (1950–55), lo que la familiarizó con las obras de artistas contemporáneos. ^{[ 4 ]} Este acceso al mundo del arte fue fundamental para reclutar artistas visitantes para el Cumberland Center for Continuing Education, el programa de educación para adultos del Great Neck School District , donde Holliday fue una maestra muy respetada desde 1955 hasta 1984. ^{[ 4 ] [ 6 ]} También impartió clases particulares y muchos de sus alumnos se convirtieron en artistas profesionales, entre ellos Shirley Gorelick , ^{[ 7 ]} Deborah Katz, ^{[ 8 ]} Peter Galasso, ^{[ 9 ]} y Sigrid Somers. ^{[ 10 ]}

Holliday comenzó a explorar la no objetividad a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, pero sus abstracciones figurativas atrajeron la atención crítica publicada más tempranamente. My Father (1960), una abstracción monumental de George Alvin Holliday sentado en una silla, fue reproducida prominentemente en Art in America para ilustrar cómo las obras figurativas no tradicionales y no simbólicas de los "artistas novatos" atestiguaban la flexibilidad de la abstracción y la representación. ^{[ 11 ]} Incluso en sus primeras obras, Holliday fue capaz de "revelar la verdad de la figura que se expresa tan bien por su postura, su gesto total, como por sus rasgos individuales" a través del lenguaje del expresionismo abstracto. ^{[ 11 ]} Sus trazos gestuales pesados, audaces, interpenetrantes y, en algunos casos, obliterantes, de blanco, gris, negro y marrón invitaron a comparaciones con Franz Kline y Willem de Kooning . ^{[ 11 ]} Unos años más tarde, afirmó su independencia expresiva en un grupo de pinturas y dibujos sobre el tema de figuras con ropa a rayas sobre un fondo verde, incluyendo En el jardín (1964) y Sobre la hierba III (1965), ambos lienzos de gran formato. El dominio de Holliday del espacio y la estructura compositiva, que ya era evidente en Mi padre , se volvió más matizado y sus formas más descentralizadas; sus figuras también eran más enigmáticas. ^{[ 4 ]} Como señaló un crítico, Holliday superó la "representación fáctica" para lograr "una expresividad y una preocupación por el significado humano" tanto a través del tema como de su tratamiento del mismo. ^{[ 5 ]}

Holliday comenzó a explorar la fotografía como un medio expresivo alternativo en 1967 y 1968, cuando se centró casi exclusivamente en sus experimentos fotográficos de "decoloración" ^{[ 3 ],} lo que la llevó a crear varias fotoesculturas, incluyendo Vertical Broom , Horizontal Broom y The Farragut Stairs (todas de 1968). Cada una presenta una sola fotografía, con sus abundantes repeticiones adheridas a una gran construcción, lo que resulta en una disposición rítmica y visualmente estimulante de elementos en blanco y negro ^{[ 4 ]} . Una síntesis similar de forma y contenido se encuentra en Model for an Improbable Billboard (1967-69), una fotoescultura que presenta a la poeta estadounidense Marianne Moore , quien fue fotografiada por Holliday durante una lectura pública en el Loeb Student Center de la Universidad de Nueva York en 1967 ^{[ 12 ].}

Alrededor de 1972, Holliday reintrodujo algo de color de forma limitada y volvió a pintar figuras grandes, caracterizadas por pinceladas audaces y composiciones simples y directas. ^{[ 4 ]} En este momento de renovado énfasis en la pintura figurativa, Holliday fue invitada a contribuir a una instalación colaborativa feminista llamada The Sister Chapel , que fue concebida por su exalumna, Ilise Greenstein, y llegó a dominar la obra de Holliday durante casi dos años. ^{[ 4 ]} Aunque Holliday vaciló al elegir su tema para la instalación, finalmente se decidió por Marianne Moore, recordando su "ingenio afilado como el acero disfrazado de gentileza reticente: Sócrates escondido en la persona de la bibliotecaria local". ^{[ 13 ]} La fascinación de Holliday por Moore la llevó a crear innumerables obras. ^{[ 14 ]} Cuando The Sister Chapel se estrenó en 1978, un crítico informó que Holliday había realizado trescientos dibujos y cinco pinturas de tamaño natural de Marianne Moore. ^{[ 14 ]} La última pintura de Holliday, Marianne Moore (1977), fue el resultado de numerosos estudios en constante evolución, que incluyeron dibujos de la cabeza, el paraguas y una mecedora de madera curvada del tipo diseñado por Michael Thonet . ^{[ 4 ]} Cuando se mostró por primera vez The Sister Chapel , Marianne Moore fue identificada por un crítico como "probablemente la pintura más lograda —como pintura— en la capilla". ^{[ 14 ]}

A principios de la década de 1980, la atención de Holliday se centró en los girasoles y las figuras humanas dinámicas, ambas ejecutadas a gran escala, generalmente en forma de dibujos. ^{[ 15 ]} En estas obras, todas sus figuras eran más enérgicas que en sus pinturas anteriores, más estáticas. ^{[ 4 ]} La flauta y el ukelele en alto se encontraban entre los dibujos de "una forma femenina giratoria y ondulante, envuelta en líneas amplias que definen una capa o bufanda, mientras sostiene en alto una flauta o un ukelele. El efecto general es de movimiento, de energía, de alegría". ^{[ 16 ]} En ese momento, las figuras monumentales y expresivas de Holliday fueron descritas por un crítico de The New York Times como "un conjunto de obras que reinterpreta una tradición clásica con marcada originalidad". ^{[ 17 ]}

Las últimas obras de Holliday fueron dibujos de gran formato, entre ellos El juicio de París (1990), que Helen Harrison describió como "una parodia ingeniosa y geriátrica del encuentro mitológico ". ^{[ 18 ]}