El nacimiento de Venus

El nacimiento de Venus ( en italiano : Nascita di Venere [ ˈnaʃʃita di ˈvɛːnere ] ) es una pintura del artista italiano Sandro Botticelli , probablemente realizada a mediados de la década de 1480. Representa a la diosa Venus llegando a la orilla tras su nacimiento, cuando emergió del mar ya adulta (conocida como Venus Anadiómena y representada frecuentemente en el arte). La pintura se encuentra en la Galería Uffizi de Florencia , Italia.

Aunque no forman pareja, la pintura se suele comparar con la otra obra mitológica de gran formato de Botticelli, La Primavera , también en la Galería Uffizi. Ambas se encuentran entre las pinturas más famosas del mundo e iconos del Renacimiento italiano ; de las dos, El Nacimiento es más conocida que La Primavera . ^{[ 1 ]} Como representaciones de temas de la mitología clásica a gran escala, eran prácticamente inéditas en el arte occidental desde la antigüedad clásica , al igual que el tamaño y la prominencia de la figura femenina desnuda en El Nacimiento . Se creía que ambas habían sido encargadas por el mismo miembro de la familia Medici, pero esto ahora es incierto.

Han sido analizadas incansablemente por historiadores del arte , centrándose principalmente en: la emulación de pintores antiguos y el contexto de las celebraciones nupciales (generalmente aceptado), la influencia del neoplatonismo renacentista (algo controvertido) y la identidad de los comitentes (sin consenso). Sin embargo, la mayoría de los historiadores del arte coinciden en que El nacimiento de Cristo no requiere un análisis complejo para descifrar su significado, como sí ocurre con La primavera . Si bien la pintura presenta sutilezas, su significado principal reside en una representación directa, aunque individual, de una escena tradicional de la mitología griega , y su atractivo es sensorial y muy accesible, de ahí su enorme popularidad. ^{[ 2 ]}

En el centro, la diosa Venus (recién nacida en estado adulto, según la tradición) aparece desnuda en una concha de vieira gigante . El tamaño de la concha es puramente imaginario y también se encuentra en representaciones clásicas del tema. ^{[ 3 ]} A la izquierda, el dios del viento Céfiro sopla sobre ella, representado por líneas que irradian de su boca. Él está en el aire y lleva a una joven que también sopla, pero con menos fuerza. Ambos tienen alas. Vasari probablemente acertó al identificarla como " Aura ", personificación de una brisa ligera. ^{[ 4 ]} Sus esfuerzos conjuntos empujan a Venus hacia la orilla y agitan el cabello y la ropa de las otras figuras a la derecha. ^{[ 5 ]}

A la derecha, una figura femenina que parece flotar ligeramente sobre el suelo extiende un rico manto o vestido para cubrir a Venus cuando llegue a la orilla, como está a punto de hacerlo. Es una de las tres Horas , diosas menores griegas de las estaciones y otras divisiones del tiempo, y acompañantes de Venus. La decoración floral de su vestido sugiere que es la Hora de la Primavera. ^{[ 6 ]} Se encuentra en una postura de contrapposto , similar a la de Venus, y parece relajada y alegre por la llegada de Venus.

Las identificaciones alternativas para las dos figuras femeninas secundarias incluyen a las que también se encuentran en la Primavera ; la ninfa que sostiene Céfiro podría ser Cloris , una ninfa de las flores con la que se casó en algunas versiones de su historia, y la figura en tierra podría ser Flora . ^{[ 7 ]} Flora es generalmente el equivalente romano de la Cloris griega; en la Primavera , Cloris se transforma en la figura de Flora junto a ella, siguiendo los Fastos de Ovidio , ^{[ 8 ]} pero es difícil ver que tal transformación se contemple aquí. Sin embargo, las rosas que vuelan junto con las dos figuras voladoras serían apropiadas para Cloris.

El tema no es estrictamente el «Nacimiento de Venus», título que se le dio a la pintura solo en el siglo XIX (aunque Vasari lo mencionó como el tema ), sino la siguiente escena de su historia, donde llega a tierra, arrastrada por el viento. La tierra probablemente representa Citera o Chipre , ambas islas mediterráneas consideradas por los griegos como territorios de Venus. ^{[ 9 ]}

La pintura es grande, pero ligeramente más pequeña que la Primavera , y mientras que aquella es una pintura sobre tabla , esta está realizada sobre el soporte más económico del lienzo. El lienzo estaba ganando popularidad, quizás especialmente para pinturas profanas destinadas a villas rurales, que se decoraban de forma más sencilla, económica y alegre que las de los palacios urbanos , ya que estaban diseñadas para el placer más que para el entretenimiento ostentoso. ^{[ 10 ]}

La pintura está realizada sobre dos lienzos, cosidos antes de comenzar, con una imprimación de yeso teñida de azul. Presenta diferencias con respecto a la técnica habitual de Botticelli, que trabajaba sobre soportes de tabla, como la ausencia de una primera capa verde bajo las zonas de la piel. Se han revelado varios arrepentimientos mediante análisis científicos modernos. La Hora originalmente llevaba "sandalias clásicas bajas", y el cuello del manto que sostiene es una adición posterior. El cabello de Venus y de la pareja voladora fue modificado. Se utiliza profusamente el oro como pigmento para los reflejos, en el cabello, las alas, los textiles, la concha y el paisaje. Aparentemente, todo esto se aplicó después de enmarcar la pintura. Se terminó con un "barniz gris frío", probablemente a base de yema de huevo. ^{[ 11 ] [ 12 ]}

Al igual que en la Primavera , el pigmento verde  —utilizado para las alas de Céfiro, su compañero, y las hojas de los naranjos en tierra—  se ha oscurecido considerablemente con el paso del tiempo debido a la exposición a la luz, distorsionando en cierta medida el equilibrio cromático previsto. Partes de algunas hojas en la esquina superior derecha, normalmente cubiertas por el marco, se han visto menos afectadas. ^{[ 13 ]} Los azules del mar y del cielo también han perdido su brillo. ^{[ 14 ]}

Aunque la pose de Venus es clásica en algunos aspectos y toma prestada la posición de las manos del tipo Venus Púdica en las esculturas grecorromanas (véase la sección siguiente), el tratamiento general de la figura, de pie descentrada con un cuerpo curvo de largas líneas fluidas, es en muchos aspectos propio del arte gótico . Kenneth Clark escribió: «Sus diferencias con la forma antigua no son fisiológicas, sino rítmicas y estructurales. Todo su cuerpo sigue la curva de un marfil gótico. Carece por completo de esa cualidad tan apreciada en el arte clásico, conocida como aplomo; es decir, el peso del cuerpo no se distribuye uniformemente a ambos lados de una línea vertical central. ... No está de pie, sino flotando. ... Sus hombros, por ejemplo, en lugar de formar una especie de arquitrabe para su torso, como en el desnudo antiguo, descienden hacia sus brazos en el mismo flujo ininterrumpido de movimiento que su cabello flotante». ^{[ 15 ]}

El cuerpo de Venus es anatómicamente improbable, con cuello y torso alargados. Su postura es imposible: aunque se encuentra en una postura clásica de contrapposto , su peso está demasiado desplazado hacia la pierna izquierda como para que pueda mantenerla. Las proporciones y posturas de los vientos a la izquierda no tienen mucho sentido, y ninguna de las figuras proyecta sombras. ^{[ 16 ]} La pintura representa el mundo de la imaginación en lugar de preocuparse demasiado por la representación realista. ^{[ 17 ]}

Ignorando el tamaño y la posición de las alas y las extremidades de la pareja voladora de la izquierda, que molestan a algunos otros críticos, Kenneth Clark las llama:

...quizás el ejemplo más bello de movimiento extático en toda la pintura. ...la suspensión de nuestra razón se logra mediante los intrincados ritmos de los pliegues de la tela que se deslizan y fluyen irresistiblemente alrededor de las figuras desnudas. Sus cuerpos, mediante una intrincada red de abrazos, sostienen la corriente de movimiento, que finalmente desciende por sus piernas y se dispersa como una descarga eléctrica. ^{[ 18 ]}

El arte de Botticelli nunca se comprometió plenamente con el naturalismo; en comparación con su contemporáneo Domenico Ghirlandaio , Botticelli rara vez otorgaba peso y volumen a sus figuras y rara vez utilizaba un espacio de perspectiva profundo. ^{[ 16 ]} Botticelli nunca pintó fondos de paisaje con gran detalle o realismo, pero esto se hace especialmente evidente aquí. Los laureles y la hierba que crece debajo son verdes con reflejos dorados, la mayoría de las olas presentan patrones regulares y el paisaje parece desproporcionado con respecto a las figuras. ^{[ 19 ]} Los grupos de juncos en primer plano a la izquierda están fuera de lugar aquí, ya que pertenecen a una especie de agua dulce. ^{[ 20 ]}

Desde hace tiempo se ha sugerido que Botticelli recibió el encargo de pintar la obra por parte de la familia Medici de Florencia, quizás de Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici (1463-1503), un importante mecenas de Botticelli, bajo la influencia de su primo Lorenzo de' Medici , «il Magnifico». Esta hipótesis fue propuesta por primera vez por Herbert Horne en su monografía de 1908, la primera obra moderna importante sobre Botticelli, y fue seguida durante mucho tiempo por la mayoría de los autores, pero más recientemente ha sido ampliamente puesta en duda, aunque todavía es aceptada por algunos. Diversas interpretaciones del cuadro se basan en este origen para su significado. Si bien las relaciones entre el Magnifico y sus jóvenes primos y pupilos, Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni di Pierfrancesco de' Medici , fueron quizás siempre bastante tensas, puede que fuera conveniente encargar una obra que glorificara al mayor Lorenzo, como sugieren algunas interpretaciones. Puede existir una ambigüedad deliberada sobre a qué Lorenzo se pretendía evocar. En años posteriores, la hostilidad entre las dos ramas de la familia se hizo manifiesta.

Horne creía que el cuadro fue encargado poco después de la compra en 1477 de la Villa di Castello , una casa de campo a las afueras de Florencia, por Lorenzo y Giovanni, para decorar su nueva casa, que estaban reconstruyendo. Esto ocurrió un año después de la muerte de su padre a los 46 años, dejando a los jóvenes bajo la tutela de su primo Lorenzo el Magnífico, de la rama principal de la familia Medici y gobernante de facto de Florencia. ^{[ 21 ]} No hay constancia del encargo original, y el cuadro es mencionado por primera vez por Vasari , quien lo vio, junto con la Primavera , en Castello, algún tiempo antes de la primera edición de sus Vidas en 1550, probablemente entre 1530 y 1540. En 1550, Vasari pintaba en la villa, pero es muy posible que la visitara antes. Sin embargo, en 1975 se descubrió que, a diferencia de la Primavera , el Nacimiento no figura en el inventario, aparentemente completo, realizado en 1499 de las obras de arte pertenecientes a la rama familiar de Lorenzo di Pierfrancesco. Ronald Lightbown concluye que solo pasó a ser propiedad de los Medici después de eso. El inventario se publicó recién en 1975 y dejó sin efecto muchas suposiciones previas. ^{[ 22 ]}

Horne fechó la obra en algún momento posterior a la compra de la villa en 1477 y anterior a la partida de Botticelli a Roma para unirse a la pintura de la Capilla Sixtina en 1481. Los estudiosos recientes prefieren una fecha alrededor de 1484-1486 basándose en el lugar que ocupa la obra en el desarrollo del estilo de Botticelli. Actualmente, la Primavera se fecha generalmente antes, después del regreso de Botticelli de Roma en 1482 y quizás alrededor de la fecha de la boda de Lorenzo di Pierfrancesco en julio de 1482, ^{[ 23 ]} pero algunos la sitúan aún antes de la partida de Botticelli. ^{[ 24 ]}

Desde que se reunieron los dos cuadros en Castello, han permanecido juntos. Estuvieron en Castello hasta 1815, cuando fueron trasladados a la Galería Uffizi. Durante algunos años, hasta 1919, se conservaron en la Galería de la Academia , otro museo gubernamental de Florencia. ^{[ 25 ]}

Aunque existen textos antiguos y modernos relevantes, ninguno proporciona la imagen precisa de la pintura, lo que ha llevado a los estudiosos a proponer numerosas fuentes e interpretaciones. ^{[ 26 ]} Muchos historiadores del arte especializados en el Renacimiento italiano han encontrado en las interpretaciones neoplatónicas , de las cuales Edgar Wind y Ernst Gombrich han articulado dos versiones diferentes , ^{[ 27 ]} la clave para comprender la pintura. Botticelli representó la idea neoplatónica del amor divino en la forma de una Venus desnuda. ^{[ 28 ]}

Para Platón —y por ende para los miembros de la Academia Platónica Florentina— Venus tenía dos aspectos: era una diosa terrenal que despertaba en los humanos el amor físico o una diosa celestial que inspiraba en ellos el amor intelectual. Platón argumentaba además que la contemplación de la belleza física permitía a la mente comprender mejor la belleza espiritual. Así, contemplar a Venus, la más bella de las diosas, podía suscitar inicialmente una respuesta física en los espectadores, que luego elevaba sus mentes hacia lo divino. ^{[ 29 ]} Una lectura neoplatónica del Nacimiento de Venus de Botticelli sugiere que los espectadores del siglo XV habrían contemplado la pintura y sentido que sus mentes se elevaban al reino del amor divino.

La composición, con una figura desnuda central y otra a un lado con un brazo levantado sobre la cabeza de la primera, y seres alados a su alrededor, habría recordado a los espectadores renacentistas la iconografía tradicional del Bautismo de Cristo , que marca el inicio de su ministerio en la tierra. De manera similar, la escena que se muestra aquí marca el inicio del ministerio de amor de Venus, ya sea en un sentido simple o en el significado ampliado del neoplatonismo renacentista. ^{[ 30 ]}

Más recientemente, han surgido interrogantes sobre el neoplatonismo como sistema intelectual dominante de la Florencia de finales del siglo XV, ^{[ 31 ]} y los estudiosos han indicado que podría haber otras maneras de interpretar las pinturas mitológicas de Botticelli. En particular, tanto La Primavera como El Nacimiento de Venus se han considerado pinturas nupciales que sugieren comportamientos apropiados para los novios. ^{[ 32 ]}

Los laureles a la derecha y la corona de laurel que lleva la Hora son referencias con juegos de palabras al nombre "Lorenzo", aunque no está claro si se refiere a Lorenzo el Magnífico , el gobernante de facto de Florencia, o a su joven primo Lorenzo di Pierfrancesco . Del mismo modo, las flores en el aire alrededor de Céfiro y en los textiles que lleva la Hora evocan el nombre de Florencia. ^{[ 33 ]}

Fuentes literarias

Generalmente se acepta que el precedente más cercano para esta escena se encuentra en uno de los primeros himnos homéricos griegos antiguos , publicado en Florencia en 1488 por el refugiado griego Demetrios Chalkokondyles :

De augusto, coronado de oro y hermoso

Afrodita, a cuyo dominio cantaré

pertenecen a las almenas de todos los amados por el mar

Chipre, donde, acariciado por el aliento húmedo

De Céfiro, fue llevada sobre el

olas del mar resonante sobre la suave espuma.

La Horae, adornada con cintas de oro, fue recibida con alegría.

y la vistió con vestiduras celestiales. ^{[ 34 ]}

Es probable que este poema ya fuera conocido por Angelo Poliziano , contemporáneo florentino de Botticelli y poeta de la corte de Lorenzo de Médici . La iconografía de El nacimiento de Venus es similar a la descripción de un relieve del evento en el poema de Poliziano, Stanze per la giostra , que conmemora un torneo de justas de los Médici en 1475, lo que también pudo haber influido en Botticelli, aunque existen muchas diferencias. Por ejemplo, Poliziano habla de múltiples Horas y céfiros. ^{[ 35 ]} Autores más antiguos, siguiendo a Horne, postularon que «su mecenas Lorenzo di Pierfrancesco le pidió que pintara un tema que ilustrara los versos», ^{[ 36 ]} y esa sigue siendo una posibilidad, aunque difícil de sostener con tanta seguridad hoy en día. Otro poema de Poliziano habla de Céfiro haciendo florecer las flores y esparciendo su aroma por la tierra, lo que probablemente explica las rosas que sopla junto a él en la pintura. ^{[ 37 ]}

Arte antiguo

Tener una gran figura femenina desnuda de pie como foco central no tenía precedentes en la pintura occidental posclásica, y ciertamente se inspiró en las esculturas clásicas que salían a la luz en este período, especialmente en Roma, donde Botticelli había pasado 1481-82 trabajando en los muros de la Capilla Sixtina . ^{[ 38 ]} La pose de la Venus de Botticelli sigue el tipo de la Venus Púdica ("Venus de la Modestia") de la antigüedad clásica , donde las manos se mantienen para cubrir los senos y la ingle; en el arte clásico esto no se asocia con la recién nacida Venus Anadiómena . Un ejemplo famoso de este tipo es la Venus de Médici , una escultura de mármol que se encontraba en una colección de los Médici en Roma hacia 1559, que Botticelli pudo haber tenido la oportunidad de estudiar (la fecha de su hallazgo no está clara). ^{[ 39 ]}

El pintor y los humanistas que probablemente lo aconsejaron recordarían que Plinio el Viejo había mencionado una obra maestra perdida del célebre pintor griego antiguo Apeles , que representaba a Venus Anadiómena ( Venus emergiendo del mar ). Según Plinio, Alejandro Magno ofreció a su amante, Campaspe , como modelo para la Venus desnuda y, posteriormente, al darse cuenta de que Apeles se había enamorado de ella, se la entregó al artista en un gesto de extrema magnanimidad. Plinio continuó señalando que el cuadro de Apeles que representaba a Campaspe como Venus fue posteriormente «dedicado por Augusto en el santuario de su padre César ». Plinio también afirmó que «la parte inferior del cuadro estaba dañada y era imposible encontrar a alguien que pudiera restaurarlo  ... Este cuadro se deterioró por el paso del tiempo y la putrefacción, y Nerón  ... lo sustituyó por otro cuadro de la mano de Doroteo». ^{[ 40 ]}

Plinio también mencionó una segunda pintura de Venus realizada por Apeles, «superior incluso a la anterior», que el artista había comenzado pero dejó inconclusa. Las imágenes romanas en diversos soportes que muestran a la recién nacida Venus en una concha gigante bien podrían ser versiones toscas derivadas de estas pinturas. Botticelli no pudo haber visto los frescos desenterrados posteriormente en Pompeya , pero es posible que haya visto versiones más pequeñas del motivo en terracota o gemas grabadas . La «Casa de Venus» en Pompeya tiene un fresco de tamaño natural de Venus recostada en la concha, que también aparece en otras obras; en la mayoría de las demás imágenes, aparece de pie con las manos sobre el cabello, escurriéndole el agua, con o sin concha.

La bidimensionalidad de esta pintura puede ser un intento deliberado de evocar el estilo de la pintura de vasos griegos antiguos o los frescos en las paredes de las tumbas etruscas , ^{[ 41 ]} los únicos tipos de pintura antigua conocidos por Botticelli.

• 
  Venus Capitolina , derivada de Afrodita de Cnido.
• 
  Venus de Médici
• 
  Venus Anadiómena grecorromana
• 
  Estatuilla de bronce grecorromana
• 
  Terracota griega, procedente del Ponto.

La interpretación de Charles R. Mack

Otra interpretación del Nacimiento de Venus la ofrece el historiador de arte y autor Charles R. Mack. ^{[ 42 ]} Esta interpretación toma muchos elementos generalmente aceptados, pero Mack continúa explicando la pintura como una alegoría que exalta las virtudes de Lorenzo de Médici . ^{[ 43 ]} Esta interpretación no ha sido adoptada por los historiadores de arte del Renacimiento en general, ^{[ 44 ]} y sigue siendo problemática, ya que depende de que la pintura haya sido encargada por los Médici, pero la obra no está documentada en manos de los Médici hasta bien entrado el siglo siguiente.

Mack considera que la escena está inspirada tanto en el Himno Homérico como en las pinturas antiguas. Pero es probable que el miembro de la familia Medici que encargó esta pintura a Botticelli tuviera en mente algo más que un himno homérico redescubierto. Una vez más, Botticelli, en su versión del Nacimiento de Venus, podría considerarse que completa la tarea iniciada por su predecesor Apeles, incluso superándolo. Un argumento adicional que respalda esta interpretación de Botticelli como un Apeles renacido es el hecho de que esta misma afirmación fue expresada en 1488 por Ugolino Verino en un poema titulado "Sobre la alabanza a la historia de Florencia". ^{[ 45 ]}

Si bien Botticelli bien pudo haber sido aclamado como un Apeles revitalizado, su Nacimiento de Venus también atestigua la naturaleza especial del ciudadano más importante de Florencia, Lorenzo de Médici . Aunque ahora parece que la pintura fue realizada para otro miembro de la familia Médici, probablemente tenía la intención de celebrar y halagar a su cabeza, Lorenzo de Médici. La tradición asocia la imagen de Venus en la pintura de Botticelli con la famosa belleza Simonetta Cattaneo Vespucci , de quien la leyenda popular afirma que tanto Lorenzo como su hermano menor, Giuliano , eran grandes admiradores. Simonetta posiblemente nació en la ciudad costera ligur de Portovenere («el puerto de Venus»). Así, en la interpretación de Botticelli, Pankaspe (el antiguo prototipo viviente de Simonetta), la amante de Alejandro Magno (el predecesor de Laurentides), se convierte en la bella modelo de la Venus perdida , obra del famoso pintor griego Apeles (renacida gracias al talento recreativo de Botticelli), que acabó en Roma, instalada por el emperador Augusto en el templo dedicado al supuesto fundador de Florencia, Julio César .

En el caso de El nacimiento de Venus de Botticelli , las referencias sugeridas a Lorenzo, respaldadas por otros indicadores internos como el grupo de laureles a la derecha, habrían sido precisamente el tipo de detalle que los eruditos humanistas florentinos habrían apreciado. En consecuencia, por implicación explícita, Lorenzo se convierte en el nuevo Alejandro Magno, con una conexión implícita tanto con Augusto, el primer emperador romano, como con el legendario fundador de Florencia, el propio César. Además, Lorenzo no solo es magnífico, sino que, al igual que Alejandro en la historia de Plinio, también es magnánimo. En definitiva, estas interpretaciones de El nacimiento de Venus halagan no solo a los Médici y a Botticelli, sino a toda Florencia, cuna de los dignos sucesores de algunas de las figuras más importantes de la Antigüedad, tanto en el gobierno como en las artes. ^{[ 46 ]}

Estas interpretaciones esencialmente paganas del Nacimiento de Venus de Botticelli no excluyen una interpretación más puramente cristiana, que puede derivarse de la lectura neoplatónica de la pintura mencionada anteriormente. Desde una perspectiva religiosa, la desnudez de Venus sugiere la de Eva antes de la Caída, así como el amor puro del Paraíso. Una vez en tierra, la diosa del amor se vestirá con las vestiduras terrenales del pecado mortal, un acto que la conducirá a la Nueva Eva: la Virgen cuya pureza está representada por la Venus desnuda. Una vez cubierta con ropas terrenales, se convierte en la personificación de la Iglesia cristiana, que ofrece un viaje espiritual de regreso al amor puro de la salvación eterna. En este caso, la concha de vieira sobre la que se alza esta imagen de Venus/Eva/Virgen/Iglesia puede interpretarse en su contexto tradicionalmente simbólico de peregrinación. Además, la vasta extensión del mar recuerda el título de la Virgen María, stella maris , aludiendo tanto al nombre de la Virgen (Maria/maris) como al cuerpo celeste (Venus/stella). El mar da a luz a Venus del mismo modo que la Virgen da a luz al símbolo supremo del amor, Cristo. ^{[ 47 ]}

En lugar de optar por una de las muchas interpretaciones que se ofrecen para la representación del Nacimiento (¿o Llegada?) de Venus de Botticelli , tal vez sea mejor contemplarla desde diversas perspectivas. Este enfoque multifacético —mitológico, político y religioso— fue intencional. ^{[ 48 ]}

Botticelli, o más probablemente su taller, repitió la figura de Venus en otra pintura de alrededor de 1490. Esta obra de tamaño natural representa una figura y pose similares, parcialmente vestida con una blusa clara, y contrasta con un fondo oscuro liso. Se encuentra en la Galería Sabauda de Turín . ^{[ 49 ] [ 50 ]} Existe otra Venus de taller similar en Berlín, y es muy probable que otras fueran destruidas en la « Hoguera de las Vanidades ». Parece que se exportaron ejemplos a Francia y Alemania, influyendo probablemente en Lucas Cranach el Viejo, entre otros. ^{[ 51 ]}

Más de una década después, Botticelli adaptó la figura de Venus para una personificación desnuda de la "Verdad" en su Calumnia de Apeles . Aquí una mano está alzada, señalando al cielo en busca de justificación, y la mirada de la figura también se dirige hacia arriba; el efecto general es muy diferente. ^{[ 52 ]}

Un detalle de la Venus de Botticelli aparece en el reverso de las monedas italianas de diez céntimos desde la adopción inicial del euro en 2002. La moneda, hecha de oro nórdico , muestra una pequeña efigie del rostro y el cuello de Venus, rodeada por doce estrellas de cinco puntas , junto con el monograma de la República Italiana y su año de acuñación. ^{[ 53 ]}

• 
  "Venus emergiendo del mar" de Tiziano, c. 1520-25
• 
  Venus sortant de l'Onde , Gustave Moreau , 1866
• 
  Venus emergiendo del mar, de James McNeill Whistler , c. 1866-1870
• 
  El nacimiento de Venus, de Charles Haslewood Shannon , 1923

• Partes de la pintura se utilizan para el fondo de la portada del álbum Artpop de Lady Gaga de 2013. ^{[ 54 ]}

• El video musical del primer sencillo del álbum, " Applause ", también incluye una referencia a la pintura, mostrando a la cantante con una peluca rubia, vestida únicamente con conchas. ^{[ 55 ]} El video musical también contiene guiños a otras obras de arte famosas, incluyendo el cuadro de Andy Warhol, Marilyn Diptych . ^{[ 56 ]}

• Un detalle estilizado de la pintura, con una parte del rostro de Venus, fue utilizado por Adobe en la imagen de la pantalla de inicio de su software Illustrator desde su versión inicial en 1986 hasta 2003. ^{[ 57 ]}
• La pintura se recrea en una escena de la película de Terry Gilliam de 1988 , Las aventuras del barón Munchausen . ^{[ 55 ]}
• La pintura se utiliza como fondo para la portada del álbum Made in Heaven de Cecile Believe, publicado en 2020 .
• La pintura aparece mencionada en el título y en la portada de Venus on the Half-Shell , una novela de ciencia ficción de Philip José Farmer .
• Andy Warhol reprodujo la imagen en su serie Detalles de pinturas renacentistas (Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1482) Carpeta (F & S II.316–319). La carpeta comprende cuatro serigrafías en ediciones de 70, más pruebas, cada una firmada y numerada. ^{[ 58 ]}

• Lista de obras de Sandro Botticelli
• 100 Grandes Pinturas , serie de la BBC de 1980

• Clark, Kenneth , El desnudo, un estudio de la forma ideal , n.º 1949, varias ediciones, referencias de página de la edición Pelican de 1960.
• Dempsey, Charles, "Botticelli, Sandro", Grove Art Online , Oxford Art Online. Oxford University Press. Web. 15 de mayo de 2017. Se requiere suscripción .
• «Ettlingers»: Leopold Ettlinger con Helen S. Ettlinger, Botticelli , 1976, Thames and Hudson (World of Art), ISBN 0500201536
• Hartt, Frederick , Historia del arte del Renacimiento italiano , (2.ª ed.) 1987, Thames & Hudson (EE. UU. Harry N Abrams), ISBN 0500235104
• Hemsoll, David , El nacimiento de Venus , Universidad de Birmingham, conferencia introductoria de 18 minutos , referencias a mm:ss
• Legouix, Susan, Botticelli , 115–118, 2004 (ed. revisada), Chaucer Press, ISBN 1904449212
• Lightbown, Ronald, Sandro Botticelli: Vida y obra , 1989, Thames and Hudson
• Mack, Charles R. (2002), "La Venus de Botticelli: alusiones antiguas y propaganda medicea", Explorations in Renaissance Culture , 28, 1 (invierno), 2002, 1–31.
• Mack, Charles R. (2005), Mirando el Renacimiento: Ensayos para una apreciación contextual , Ann Arbor: University of Michigan Press, 2005
• Wind, Edgar , Misterios paganos en el Renacimiento , edición de 1967, Peregrine Books

• Universidad de Birmingham: Dr. David Hemsoll, El nacimiento de Venus – miniconferencia