Cerámica de figuras negras

El estilo de transición (640-625 a. C.) unió el estilo orientalizante (protocorintio) con el estilo de figuras negras. El antiguo estilo de frisos de animales del período protocorintio había desaparecido, al igual que el interés de los pintores de vasos por las escenas mitológicas. Durante este período, predominaron los animales y las criaturas híbridas. La forma de índice de la época era el aríbalo esférico, que se producía en grandes cantidades y se decoraba con frisos de animales o escenas de la vida cotidiana. La calidad de la imagen es inferior en comparación con el período orientalizante. Los artistas más destacados de la época fueron el Pintor del Toro Andante , cuya obra más famosa es un aríbalo con una escena de caza, el Pintor de Palermo (489 a. C. ) y su discípulo, el Pintor de Colón . El estilo personal de este último se reconoce más fácilmente en sus imágenes de leones poderosos. Además del aríbalo, el kotyle y el alabastrón son las formas de vasos más importantes. Los bordes de los kotyles estaban ornamentados, y las demás decoraciones consistían en animales y rayos. Las dos superficies verticales de los jarrones suelen presentar escenas mitológicas. Los alabastrones generalmente se pintaban con figuras individuales.

El Pintor de los Duelos fue el pintor corintio temprano más importante (625-600 a. C.), ^{[ 4 ]} que representó escenas de lucha en aríbalos . A partir del período corintio medio (600-575 a. C.), se utilizaron cada vez más colores opacos para enfatizar los detalles. Las figuras se pintaban además con una serie de puntos blancos. Los aríbalos se hicieron más grandes y se les dio una base plana.

El Pintor de Pholoe es bien conocido, siendo su obra más famosa un skyphos con una imagen de Heracles. El Pintor de Dodwell continuó pintando frisos de animales, aunque otros pintores ya habían abandonado esta tradición. ^{[ 5 ]} Su período creativo se extendió hasta el período corintio tardío (575-550 a. C.), y su influencia en la pintura de vasos de esa época es innegable. Igualmente de excepcional reputación fueron el maestro del Grupo del Gorgoneion y el Pintor de la Cabalgata , denominado así por su preferencia por representar jinetes en el interior de las copas; estuvo activo alrededor del 580 a. C. ^{[ 6 ]} Dos de sus obras maestras ^{[ 7 ]} son ​​una copa ^{[ 8 ]} que muestra el suicidio de Áyax y un cráter de columna que muestra a una pareja nupcial en un carro. Todas las figuras representadas en el cuenco están etiquetadas.

El primer artista conocido por su nombre es el pintor de jarrones policromados Timónidas , quien firmó ^{[ 9 ]} un frasco ^{[ 10 ]} y un pinax . ^{[ 11 ]} El nombre de un segundo artista, Milónidas, también aparece en un pinax.

La jarra de vino corintia llamada olpe fue reemplazada por una versión ática de la oinochoe con borde en forma de trébol. En la época corintia media, las representaciones de personas volvieron a ser más comunes. El cráter de Euritio , datado alrededor del 600 a. C., se considera de una calidad excepcional; en su friso principal muestra un simposio con Heracles, Euritio y otras figuras mitológicas.

En la época corintia tardía (a veces denominada corintia tardía I, 575-550 a. C.), los vasos corintios tenían un recubrimiento rojo para realzar el contraste entre las grandes áreas blancas y el color bastante pálido de la vasija de arcilla. Esto puso a los artesanos corintios en competencia con los pintores de cerámica áticos, quienes, mientras tanto, habían asumido un papel protagónico en el comercio de la cerámica. Las formas de los vasos áticos también se copiaron cada vez más. El oinochoes, cuya forma había permanecido prácticamente inalterada hasta entonces, comenzó a asemejarse a las formas áticas; el lekythos también comenzó a producirse en mayor cantidad. El cráter de columna, una invención corintia que por esa razón se llamaba korinthios en el resto de Grecia, fue modificado. El acortamiento de las volutas sobre las asas dio origen al cráter calcídico. El campo principal de la imagen estaba decorado con diversas representaciones de la vida cotidiana o escenas mitológicas, mientras que el campo secundario contenía un friso de animales. El reverso a menudo mostraba dos grandes animales.

Las copas se habían vuelto más profundas ya en la época corintia media y esta tendencia continuó. Se hicieron tan populares como los kotyles. Muchas de ellas tienen escenas mitológicas en el exterior y una mueca de gorgona en el interior. Este tipo de pintura también fue adoptado por los pintores áticos. Por su parte, los pintores corintios adoptaron los campos de imágenes enmarcadas de Atenas. Los frisos de animales perdieron importancia. Durante este tiempo estuvo activo el tercer pintor corintio con nombre conocido, Chares . ^{[ 12 ]} También cabe mencionar al Pintor de Tideo , a quien alrededor del 560 a. C. le gustaba pintar ánforas de cuello con un fondo rojo. ^{[ 13 ]} Se siguieron colocando rosetas incisas en los vasos; solo faltan en algunos cráteres y copas. La pieza de arte más destacada de este período es el Cráter de Anfiarao , un cráter de columna creado alrededor del 560 a. C. como la obra principal del Pintor de Anfiarao. Muestra varios eventos de la vida del héroe Anfiarao .

Hacia el año 550 a. C., cesó la producción de vasos figurados. El siguiente estilo corintio tardío II se caracteriza por vasos decorados únicamente con ornamentos, generalmente pintados con la técnica de silueta. Le sucedió el estilo de figuras rojas, que, sin embargo, no alcanzó una calidad particularmente alta en Corinto.

La técnica de figuras negras se aplicó por primera vez a mediados del siglo VII a. C., durante el período de la pintura de vasos protoáticos. Influenciados por la cerámica de Corinto, que ofrecía la más alta calidad en ese momento, los pintores de vasos áticos adoptaron la nueva tecnología entre aproximadamente el 635 a. C. y finales de siglo. Al principio, siguieron de cerca los métodos y temas de los modelos corintios. El Pintor de Berlín A 34, de principios de este período, es el primer pintor individual identificado. El primer artista con un estilo único fue el Pintor de Nessos . Con su ánfora de Nessos creó la primera pieza destacada del estilo ático de figuras negras. ^{[ 16 ]} Al mismo tiempo, fue un maestro temprano del estilo ático de frisos de animales. Uno de sus vasos fue también el primer vaso ático conocido exportado a Etruria. ^{[ 17 ]} También fue responsable de las primeras representaciones de arpías y sirenas en el arte ático. A diferencia de los pintores corintios, utilizó líneas incisas dobles e incluso triples para representar mejor la anatomía animal. La línea del hombro con doble incisión se convirtió en una característica de los vasos áticos. También se reconocieron tempranamente las posibilidades inherentes a las grandes piezas de cerámica, como las ánforas de vientre, como soportes para imágenes. Otros pintores importantes de esta época pionera fueron el Pintor del Pireo , el Pintor de Belerofonte y el Pintor del León .

El estilo de figuras negras se consolidó en Atenas alrededor del año 600 a. C. Un desarrollo temprano ateniense fue la ánfora con cabeza de caballo, cuyo nombre proviene de la representación de cabezas de caballo en una ventana. Estas ventanas se utilizaron con frecuencia en el período posterior y fueron adoptadas incluso en Corinto. El Pintor de Cerameico y el Pintor de la Gorgona están asociados con las ánforas con cabeza de caballo. La influencia corintia no solo se mantuvo, sino que incluso se intensificó. El friso animal se reconoció como generalmente obligatorio y de uso habitual. Esto respondía a razones tanto económicas como estilísticas, ya que Atenas competía con Corinto por los mercados. Los vasos áticos se vendían en la región del Mar Negro, Libia, Siria, el sur de Italia y España, así como en la propia Grecia.

Además de seguir los modelos corintios, los vasos atenienses también mostraron innovaciones locales. Así, a principios del siglo VI a. C. surgió un «tipo Deianaira» de lekythos, con una forma ovalada y alargada. ^{[ 18 ]} El pintor más importante de esta época temprana fue el Pintor de la Gorgona (600-580 a. C.). Fue un artista muy prolífico que rara vez utilizó temas mitológicos o figuras humanas, y cuando lo hizo, siempre los acompañó con animales o frisos de animales. Algunos de sus otros vasos tenían solo representaciones de animales, como era el caso de muchos vasos corintios. Además del Pintor de la Gorgona, cabe mencionar a los pintores del Grupo de Komasta (585-570 a. C.). Este grupo decoró tipos de vasos que eran nuevos en Atenas, a saber, lekanes, kotyles y kothons. La innovación más importante fue, sin embargo, la introducción de la copa komast , que junto con las "copas prekomast" de la clase Oxford Palmette se sitúa al comienzo del desarrollo de las copas áticas. Pintores importantes de este grupo fueron el pintor KX mayor y el pintor KY , algo menos talentoso , quien introdujo el cráter de columna en Atenas. ^{[ 19 ]} Estos vasos fueron diseñados para usarse en banquetes y, por lo tanto, fueron decorados con escenas komos relevantes , como escenas komos de intérpretes de komast .

Otros pintores importantes de la primera generación fueron el Pintor de la Pantera , el Pintor de Anagyrus , el Pintor del Lekanis de Dresde y el Pintor de Polos . El último representante significativo de la primera generación de pintores fue Sophilos (580-570 a. C.), el primer pintor de vasos áticos conocido por su nombre. En total, firmó cuatro vasos conservados, tres como pintor y uno como alfarero, lo que revela que en esta época los alfareros también pintaban vasos en el estilo de figuras negras. Una separación fundamental de ambos oficios parece haber ocurrido solo en el curso del desarrollo del estilo de figuras rojas, aunque no se puede descartar una especialización previa. Sophilos hace un uso profuso de anotaciones. Aparentemente se especializó en vasos grandes, ya que se sabe que especialmente los dinos y las ánforas son obra suya. Con mucha más frecuencia que sus predecesores, Sophilos muestra escenas mitológicas como los juegos funerarios de Patroclo . El declive del friso animal comienza con él, y los ornamentos vegetales y de otro tipo también son de menor calidad, ya que se consideran menos importantes y, por lo tanto, reciben escasa atención del pintor. Pero en otros aspectos, Sophilos demuestra ser un artista ambicioso. En dos dinos se representa el matrimonio de Peleo y Tetis . Estos vasos se produjeron aproximadamente al mismo tiempo que el vaso François , que representa este tema a la perfección. Sin embargo, Sophilos prescinde de adornos en forma de frisos animales en uno de sus dos dinos, ^{[ 20 ]} y no combina diferentes mitos en escenas distribuidas en varias superficies del vaso. Es el primer gran vaso griego que muestra un solo mito en varios segmentos interrelacionados. Una característica especial de los dinos es la aplicación por parte del pintor de la pintura blanca opaca que designa a las mujeres directamente sobre la base de arcilla, y no como es habitual sobre el brillo negro. Los detalles y contornos interiores de la figura están pintados en un rojo apagado. Esta técnica en particular es rara, y solo se encuentra en jarrones pintados en el taller de Sófilo y en paneles de madera pintados al estilo corintio en el siglo VI a. C. Sófilo también pintó uno de los raros cálices (una variedad de copa) y creó la primera serie de tablillas votivas que se conserva. Él mismo o uno de sus sucesores también decoró el primer vaso nupcial (conocido como lebes gamikos ) que se ha encontrado. ^{[ 21 ]}

A partir del segundo tercio del siglo VI a. C., los artistas áticos se interesaron por las escenas mitológicas y otras representaciones de figuras. Los frisos de animales perdieron importancia. Solo unos pocos pintores les prestaron atención, y generalmente se trasladaron del centro de atención a áreas menos importantes de los vasos. Este nuevo estilo está especialmente representado por el vaso François, firmado tanto por el alfarero Ergotimos como por el pintor Kleitias (570-560 a. C.). Este cráter se considera el vaso griego pintado más famoso. ^{[ 22 ]} Es el primer cráter de volutas conocido hecho de arcilla. En varios frisos se representan eventos mitológicos, mientras que los frisos de animales se muestran en lugares secundarios. En este vaso aparecen por primera vez varios detalles iconográficos y técnicos. Muchos son únicos, como la representación de un mástil arriado de un velero; otros se convirtieron en parte del repertorio estándar, como las personas sentadas con una pierna detrás de la otra, en lugar de la tradicional posición paralela de las piernas. ^{[ 23 ]} Otros cuatro vasos más pequeños fueron firmados por Ergotimos y Kleitias, y se les atribuyen vasos y fragmentos adicionales. Estos proporcionan evidencia de otras innovaciones de Kleitias, como la primera representación del nacimiento de Atenea o de la Danza en Creta.

Nearchos (565–555 a. C.) firmó como alfarero y pintor. Favoreció las figuras grandes y fue el primero en crear imágenes que muestran el enganche de un carro. Otra innovación fue colocar un diseño de lengua sobre un fondo blanco debajo del borde del jarrón. ^{[ 24 ]} Otros pintores talentosos fueron el Pintor de la Acrópolis 606 y el Pintor de Ptoon , cuya obra más conocida es la Hidria de Hearst. El Grupo de Burgon también es significativo, siendo la fuente de la primera ánfora panatenaica totalmente conservada .

La copa de Siana evolucionó a partir de la copa de Komasta alrededor del 575 a. C. Si bien el Grupo Komasta produjo otras formas además de copas, algunos artesanos se especializaron en la producción de copas después de la época del primer gran exponente de las copas de Siana, el Pintor C (575-555 a. C.). Las copas tienen un borde más alto que las anteriores y una base en forma de trompeta sobre un tallo hueco relativamente corto. Por primera vez en la pintura de vasos áticos, el interior de la copa se decoró con imágenes enmarcadas ( tondo ). Existían dos tipos de decoración. En el estilo de "doble capa", el cuerpo y el borde de la copa tienen decoraciones separadas. En el estilo de "superposición", la imagen se extiende sobre el cuerpo y el borde. Después del segundo cuarto del siglo VI a. C., hubo un mayor interés en decorar, especialmente las copas, con imágenes de atletas. Otro importante pintor de copas de Siana fue el Pintor de Heidelberg . Él también pintó casi exclusivamente copas de Siana. Su tema favorito era el héroe Heracles. El Pintor de Heidelberg es el primer pintor ático que lo muestra con el jabalí de Erimanto , con Nereo , con Busiris y en el jardín de las Hespérides . El Pintor de Casandra , que decoraba copas de tamaño mediano con bases y bordes altos, marca el final del desarrollo de la copa de Siana. Es significativo principalmente por ser el primer pintor conocido que pertenece a los llamados Pequeños Maestros , un gran grupo de pintores que producían la misma gama de vasos, conocidos como copas de Pequeños Maestros . Las llamadas copas de Merrythought se producían contemporáneamente con las copas de Siana. Sus asas tienen forma de tenedor de dos puntas y terminan en lo que parece un botón. Estas copas no tienen un borde definido. También tienen un cuenco más profundo con una base más alta y estrecha.

El último pintor destacado del período arcaico preclásico fue Lydos (560-540 a. C.), quien firmó dos de sus obras conservadas con la firma de Lydos (el lidio). Probablemente él o sus antepasados ​​inmediatos procedían de Asia Menor, pero sin duda se formó en Atenas. Se le atribuyen más de 130 vasijas conservadas. Una de sus pinturas en una hidria es la primera representación ática conocida de la lucha entre Heracles y Gerión . Lydos fue el primero en mostrar a Heracles con la piel de un león, lo que posteriormente se hizo común en el arte ático. También representó la batalla entre los dioses y los gigantes en un dinos hallado en la acrópolis de Atenas, y a Heracles con Cicno . Lydos decoró otros tipos de vasijas además de hidrias y dinos, como platos, copas (superpuestas a las copas de Siena), cráteras y psíquicos de columna, así como tablillas votivas. Sigue siendo difícil identificar las obras de Lydos como tales, ya que con frecuencia difieren solo ligeramente de las de su entorno inmediato. El estilo es bastante homogéneo, pero las piezas varían considerablemente en calidad. Los dibujos no siempre están realizados con esmero. Lydos probablemente fue capataz en un taller muy productivo del distrito alfarero de Atenas. Se presume que fue el último pintor de vasos áticos en plasmar frisos de animales en vasos grandes. Siguiendo la tradición corintia, sus dibujos de figuras constituyen un eslabón en la cadena de pintores de vasos que se extiende desde Cleitias, pasando por Lydos y los pintores de Amasis, hasta Exequias. Junto con ellos, participó en la evolución de este arte en el Ática y tuvo una influencia duradera. ^{[ 25 ]}

Una forma especial de vasos áticos de este período fue la ánfora tirrénica (550-530 a. C.). Se trataba de ánforas de cuello ovalado con decoraciones atípicas del canon de diseño ático habitual de la época. Casi todos los aproximadamente 200 vasos que se conservan se encontraron en Etruria. El cuerpo del ánfora suele estar subdividido en varios frisos paralelos. El friso superior o del hombro generalmente muestra una escena popular de la mitología. A veces aparecen temas menos comunes, como una escena única del sacrificio de Polixena . Las primeras imágenes eróticas conocidas en vasos áticos también se encuentran en este yacimiento. Los pintores frecuentemente incluían anotaciones en las ánforas tirrénicas que identificaban a las personas representadas. Los otros dos o tres frisos estaban decorados con animales; a veces uno de ellos se sustituía por un friso vegetal. El cuello suele estar pintado con una cruz de palmeta de loto o guirnaldas. Las ánforas son bastante coloridas y recuerdan a los productos corintios. En este caso, se copió deliberadamente una forma corintia para producir un tipo de jarrón específico para el mercado etrusco, donde este estilo era popular. Es posible que esta forma no se fabricara en Atenas, sino en algún otro lugar del Ática, o incluso fuera de ella. Entre los pintores más importantes se encontraban el Pintor de Castellani y el Pintor de Goltyr .

El periodo comprendido entre el 560 a. C. y el inicio de la pintura de cerámica de figuras rojas alrededor del 530/520 a. C. se considera el apogeo absoluto de la pintura de vasos de figuras negras. En este periodo, los mejores y más reconocidos artistas explotaron todas las posibilidades que ofrecía este estilo. ^{[ 26 ]}

El primer pintor importante de esta época fue el Pintor de Amasis (560-525 a. C.), llamado así por el famoso alfarero Amasis , con quien trabajó principalmente. Muchos investigadores los consideran la misma persona. Comenzó su carrera pictórica casi al mismo tiempo que Lydos, pero estuvo activo durante un período casi el doble de largo. Mientras que Lydos demostró más las habilidades de un artesano experto, el Pintor de Amasis fue un artista consumado. Sus imágenes son ingeniosas, encantadoras y sofisticadas ^{[ 27 ]} y su desarrollo artístico personal se acerca a un reflejo de la evolución general de la pintura de vasos áticos de figuras negras de la época. Su obra temprana muestra su afinidad con los pintores de copas de Siana. Los avances se pueden reconocer más fácilmente en la forma en que dibuja los pliegues de la ropa. Sus primeras figuras femeninas visten ropas sin pliegues. Más tarde pinta pliegues planos y angulares, y finalmente logra transmitir la impresión de prendas flexibles y fluidas. ^{[ 28 ]} Los dibujos de prendas eran una de sus principales características; le gustaba representar ropa estampada y con flecos. Los grupos de figuras que muestra el Pintor de Amasis fueron dibujados con esmero y compuestos simétricamente. Inicialmente eran bastante estáticos, pero las figuras posteriores transmiten una impresión de movimiento. Aunque el Pintor de Amasis a menudo representaba eventos mitológicos —es conocido por sus sátiros con cara de cerdo , por ejemplo—, es más conocido por sus escenas de la vida cotidiana. Fue el primer pintor en retratarlas de manera significativa. Su obra influyó decisivamente en la de los pintores de figuras rojas posteriores. Posiblemente anticipó algunas de sus innovaciones o se vio influenciado por ellas hacia el final de su carrera pictórica: en muchos de sus jarrones, las mujeres solo se muestran en contorno, sin relleno negro, y ya no se las puede identificar como mujeres por la aplicación de blanco opaco como color de piel. ^{[ 29 ]}

El Grupo E (550-525 d. C.) fue una gran agrupación autónoma de artesanos, considerada el grupo anónimo más importante en la producción de cerámica ática de figuras negras. Rompió radicalmente con la tradición estilística de Lydos, tanto en la imagen como en la vasija. Abandonó por completo las ánforas de cuello ovalado y casi por completo los cráteres de columna. En su lugar, introdujo las ánforas de vientre tipo A, que posteriormente se convirtieron en una forma de índice. Las ánforas de cuello se producían generalmente solo en versiones personalizadas. El grupo no tenía interés en los formatos pequeños. Muchas escenas, especialmente las de origen mitológico, se reproducían una y otra vez. Así, varias ánforas de este grupo muestran a Heracles con Gerión o el León de Nemea , y cada vez más a Teseo y el Minotauro , así como el nacimiento de Atenea. Sin embargo, la importancia particular del grupo reside en la influencia que ejerció sobre Exequias. La mayoría de los artistas áticos de la época copiaron los estilos del Grupo E y de Exequias. En cambio, la obra de Lydos y del Pintor de Amasis no fue imitada con tanta frecuencia. Beazley describe la importancia del grupo para Exequias de la siguiente manera: «El Grupo E es el terreno fértil del que brota el arte de Exequias, la tradición que él retoma y supera en su camino de excelente artesano a verdadero artista». ^{[ 30 ]}

Exequias (545-520 a. C.) es generalmente considerado el maestro absoluto del estilo de figuras negras, que alcanza su apogeo con él. ^{[ 31 ]} Su importancia no se debe solo a su magistral pintura de vasos, sino también a la alta calidad e innovación de su cerámica. Firmó 12 de sus vasijas conservadas como alfarero, dos como pintor y alfarero. Exequias probablemente tuvo un papel importante en el desarrollo de las copas de Pequeño Maestro y la ánfora de vientre tipo A mencionada anteriormente, y posiblemente inventó el cráter de cáliz ; al menos la pieza más antigua que se conserva proviene de su taller. A diferencia de muchos otros artesanos comparables, como pintor concedió gran importancia a la cuidadosa elaboración de los ornamentos. Los detalles de sus imágenes —crines de caballos, armas, vestimentas— también están excepcionalmente bien ejecutados. Sus escenas suelen ser monumentales y las figuras emanan una dignidad hasta entonces desconocida en la pintura. En muchos casos rompió con las convenciones áticas. Para su pieza más famosa, la copa de Dioniso, fue el primero en utilizar un revestimiento interior de color rojo coral en lugar del rojo habitual. Esta innovación, así como la colocación de dos pares de ojos en el exterior, vincula a Exequias con las clásicas copas con forma de ojo. Probablemente aún más innovador fue el uso de todo el interior de la copa para su imagen de Dioniso, recostado en un barco del que brotan vides. En aquella época, de hecho, era costumbre decorar la superficie interior simplemente con el rostro de una gorgona. La copa ^{[ 32 ]} es probablemente uno de los experimentos emprendidos en el distrito alfarero para abrir nuevos caminos antes de la introducción del estilo de figuras rojas. Fue el primero en pintar un barco navegando por el borde de un dinos. Rara vez se adhirió a los patrones tradicionales de representación de temas mitológicos habituales. Su representación del suicidio de Áyax también es significativa. Exequias no muestra el acto en sí, como era tradición, sino más bien los preparativos de Áyax. ^{[ 33 ]} Tan famosa como la copa de Dioniso es una ánfora con su representación de Áyax y Aquiles jugando a un juego de mesa. ^{[ 34 ]} La representación no solo es detallada, sino que Exequias incluso transmite el resultado del juego. Casi como un globo de diálogo, hace que ambos jugadores anuncien los números que sacaron con sus dados: Áyax un tres y Aquiles un cuatro. Esta es la representación más antigua conocida de esta escena, de la que no hay mención en la literatura clásica. No menos de 180 vasos que se conservan, que datan desde la versión de Exequias hasta aproximadamente el 480 a. C., muestran esta escena. ^{[ 35 ]}

John Boardman destaca el estatus excepcional de Exequias, que lo distingue de los pintores de vasos tradicionales: «Las personas representadas por artistas anteriores son, en el mejor de los casos, elegantes muñecas. Amasis (el Pintor de Amasis) era capaz de visualizar a las personas como personas. Pero Exequias podía imaginarlas como dioses y, por lo tanto, darnos un anticipo del arte clásico». ^{[ 36 ]}

Reconociendo que los pintores de vasos en la antigua Grecia eran considerados artesanos más que artistas, Exequias es considerado por los historiadores del arte actuales como un artista consumado cuya obra puede compararse con pinturas "importantes" ( murales y pinturas sobre tabla) de ese período. ^{[ 37 ]} Sus contemporáneos aparentemente también lo reconocieron. La Colección de Antigüedades Clásicas de Berlín en el Altes Museum contiene los restos de una serie de sus tablillas votivas. La serie completa probablemente tenía 16 paneles individuales. Hacer tal encargo a un alfarero y pintor de vasos es probablemente único en la antigüedad y es evidencia de la alta reputación de este artista. Las tablillas muestran el duelo por una mujer ateniense muerta, así como su cuerpo yacente y su transporte a un cementerio. Exequias transmite tanto el dolor como la dignidad de las figuras. Una característica especial, por ejemplo, es que el líder de la procesión fúnebre gira su rostro para mirar directamente al espectador, por así decirlo. La representación de los caballos también es única; Tienen temperamentos individuales y no se reducen a su función como animales nobles, como suele ser habitual en los jarrones. ^{[ 38 ]}

Durante el período clásico maduro, se produjo una mayor especialización entre los productores de vasijas y copas. Las copas komast y siana de gran volumen evolucionaron a través de las copas gordion ^{[ 39 ]} en elegantes variantes llamadas copas de pequeños maestros debido a su delicada pintura. Los alfareros y pintores de esta forma son, por consiguiente, llamados pequeños maestros . Pintaban principalmente copas con banda y copas con borde . Las copas con borde ^{[ 40 ]} recibieron su nombre por su borde relativamente pronunciado y delineado. El exterior de la copa conservaba gran parte del fondo de arcilla y normalmente solo presentaba unas pocas imágenes pequeñas, a veces solo inscripciones, o en algunos casos la copa entera estaba mínimamente decorada. También en la zona de las asas rara vez hay más que palmetas o inscripciones cerca de los puntos de sujeción. Estas inscripciones pueden ser la firma del alfarero, un brindis del bebedor o simplemente una secuencia de letras sin sentido. Pero el interior de las copas con borde a menudo también está decorado con imágenes.

Las copas con banda ^{[ 41 ]} tienen una transición más suave entre el cuerpo y el borde. La decoración es en forma de una banda que rodea el exterior de la copa y puede ser frecuentemente un friso muy elaborado. En el caso de esta forma, el borde está recubierto con un engobe negro brillante. El interior conserva el color de la arcilla, excepto por un punto negro pintado en el centro. Las variaciones incluyen las copas Droop y las copas Kassel . Las copas Droop ^{[ 42 ]} tienen labios negros cóncavos y una base alta. Al igual que con las copas con banda clásicas, el borde se deja negro, pero el área debajo de él está decorada con ornamentos como hojas, brotes, palmetas, puntos, nimbos o animales en el exterior de la copa. Las copas Kassel ^{[ 43 ]} son ​​una forma pequeña, más ancha que otras copas Little Masters, y todo el exterior está decorado. Al igual que en el caso de las copas Droop, principalmente se pintan ornamentos. Los alfareros más famosos de la época de los Pequeños Maestros son Phrynos, Sokles , Tleson y Ergotele , siendo estos dos últimos hijos del alfarero Nearchos. Hermogenes inventó una variedad de skyphos propia de los Pequeños Maestros ^{[ 44 ],} conocida actualmente como skyphos de Hermogenes. También cabe mencionar aquí al Pintor de Phrynos, al Pintor de Taleides, al Pintor de Xenokles y al Grupo de Rodas 12264.

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  Copa con forma de labio del alfarero Tleson, firmada ("Tleson, hijo de Nearchos, me hizo"), c. 540 a. C. , actualmente en la Colección Estatal de Antigüedades de Múnich.
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  Copa de banda de un artista desconocido que representa a guerreros, c. 540 a. C. , procedente de Vulci, actualmente en el Louvre, París.
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  Copa con forma de gota, de artista desconocido, c. 550/530 a. C., procedente de Grecia, actualmente en el Louvre, París.
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  Copa de Kassel, obra de un artista desconocido, c. 540 a. C. , actualmente en el Museo del Louvre, París.

Hasta finales de siglo, la calidad de la producción de vasos de figuras negras se mantuvo prácticamente intacta. Sin embargo, tras el desarrollo del estilo de figuras rojas alrededor del 530 a. C., presumiblemente por el Pintor de Andokides , cada vez más pintores adoptaron este estilo, que ofrecía muchas más posibilidades para añadir detalles a los contornos de las figuras. El nuevo estilo también permitió realizar experimentos más prometedores con el escorzo, las perspectivas y nuevos diseños de composición. El contenido de las escenas, como siempre, reflejaba las tendencias del gusto y el espíritu de la época, pero el estilo de figuras rojas creó mejores condiciones para presentar escenas más elaboradas, aprovechando las nuevas posibilidades de composición.

Pero mientras tanto, algunos artesanos innovadores aún podían dar nuevos impulsos a la producción de jarrones de figuras negras. El alfarero más imaginativo de la época, también un talentoso hombre de negocios, fue Nikosthenes . Más de 120 jarrones llevan su firma, lo que indica que fueron hechos por él o en su taller. Parece haberse especializado particularmente en la producción de jarrones para la exportación a Etruria. En su taller se producían las habituales ánforas de cuello, los Pequeños Maestros, las copas de gota y las copas de ojo, pero también un tipo de ánfora que recuerda a la cerámica bucchero etrusca , llamada ánfora nicosténica en honor a su creador. Estas piezas se encontraron particularmente en Caere , mientras que los otros tipos de jarrones se encontraron generalmente en Cerveteri y Vulci. Las numerosas invenciones en su taller no se limitaron a las formas. En el taller de Nikosthenes se desarrolló la conocida técnica de los Seis , en la que las figuras se pintaban en marrón rojizo o blanco sobre un engobe negro brillante. No está claro si Nikosthenes también pintaba vasos, en cuyo caso se suele presumir que es el mismo que el Pintor N. ^{[ 45 ]} El Pintor BMN y el Pintor de figuras rojas de Nikosthenes también reciben su nombre de Nikosthenes. En su taller empleó a muchos pintores de vasos famosos, entre ellos los ancianos Lydos, Oltos y Epiktetos . La tradición del taller fue continuada por el sucesor de Nikosthenes, Pamphaios . ^{[ 46 ]}

Dos pintores de vasos de figuras negras son considerados manieristas (540-520 a. C.). El pintor Codos Extendidos decoraba principalmente copas de Pequeños Maestros. Los codos extendidos de sus figuras son llamativos, una característica que da origen a su nombre pragmático. Rara vez representaba escenas mitológicas; las escenas eróticas son mucho más comunes. También decoró una forma de vaso poco común conocida como lydion . El más importante de los dos pintores fue El Afectador , cuyo nombre proviene de la impresión exageradamente artificial que dan sus figuras. Estas figuras de cabezas pequeñas no parecen actuar, sino posar. Su obra temprana muestra escenas de la vida cotidiana; más tarde se dedicó a escenas decorativas en las que las figuras y los atributos son reconocibles, pero apenas representan acciones. Si sus figuras están vestidas, parecen estar rellenas; si están desnudas, son muy angulosas. El Afectador era alfarero y pintor; se conservan más de 130 de sus vasos. ^{[ 47 ]}

El Pintor de Antimenes (530-500 a. C.) solía decorar hidrias con frisos de animales en la predela, y especialmente las ánforas de cuello. Dos hidrias que se le atribuyen están decoradas en la región del cuello con una técnica de fondo blanco . Fue el primero en pintar ánforas con el rostro de Dioniso como una máscara. El más famoso de sus más de 200 vasos conservados muestra una cosecha de aceitunas en el reverso. Sus dibujos rara vez son realmente precisos, pero tampoco son excesivamente descuidados. ^{[ 48 ]} Estilísticamente, el pintor Psiax está estrechamente relacionado con el Pintor de Antimenes, aunque el primero también utilizó la técnica de figuras rojas. Como maestro de los pintores Eufronio y Phintias , Psiax tuvo una gran influencia en el desarrollo temprano del estilo de figuras rojas. Con frecuencia representa escenas de caballos y carros, así como arqueros. ^{[ 49 ]}

El último grupo importante de pintores fue el Grupo Leagros (520-500 a. C.), llamado así por la inscripción kalos que usaban con frecuencia, Leagros. Las ánforas e hidrias, estas últimas a menudo con palmetas en la predela, son las vasijas que se pintan con mayor frecuencia. El campo de la imagen suele llenarse por completo, pero la calidad de las imágenes se mantiene muy alta. Muchos de los más de 200 vasos de este grupo estaban decorados con escenas de la Guerra de Troya y la vida de Heracles ^{[ 50 ].} Pintores como el ingenioso Pintor de Acheloos, el convencional Pintor de Chiusi y el Pintor del Amanecer, con su fiel detalle, pertenecen al Grupo Leagros. ^{[ 51 ]}

Otros pintores de vasos conocidos de la época son el Pintor del Doliente del Vaticano , el Pintor de Princeton , el Pintor de Múnich 1410 y el Pintor del Columpio (540-520 a. C.), a quien se le atribuyen muchos vasos. No se le considera un artista muy bueno, pero sus figuras son involuntariamente humorísticas debido a las figuras con sus grandes cabezas, narices extrañas y puños frecuentemente cerrados. ^{[ 52 ]} La obra del Pintor de Rycroft guarda semejanza con la pintura de vasos de figuras rojas y las nuevas formas de expresión. Le gustaba representar escenas dionisíacas, caballos y carros, y las aventuras de Heracles. A menudo utiliza dibujos de contorno. Los aproximadamente 50 vasos, generalmente de gran tamaño, que se le atribuyen están elegantemente pintados. ^{[ 53 ]} La Clase de CM 218 decoraba principalmente variaciones de las ánforas nicosténicas. La clase Hypobibazon trabajó con un nuevo tipo de ánfora de vientre con asas y pies redondeados, cuya decoración se caracteriza por un meandro clave sobre los campos de imágenes. Una variante más pequeña de ánfora de cuello fue decorada por el Grupo de las Tres Líneas . El Grupo Perizoma adoptó alrededor del 520 a. C. la forma recién introducida del stamnos . Hacia finales de siglo, el Pintor de Eufiletos , el Pintor de Madrid y el imaginativo Pintor de Príamo seguían produciendo obras de alta calidad .

En particular, pintores de copas como Oltos, Epiktetos, Pheidippos y Skythes pintaron jarrones tanto en estilo de figuras rojas como de figuras negras ( cerámica bilingüe ), principalmente copas con forma de ojo. El interior solía estar decorado en estilo de figuras negras, y el exterior en estilo de figuras rojas. Existen varios casos de ánforas cuyos anversos y reversos están decorados en ambos estilos. Las más famosas son las obras del Pintor de Andokides , cuyas escenas de figuras negras se atribuyen al Pintor de Lysippides . Los estudiosos discrepan sobre si estos pintores son la misma persona. Solo unos pocos pintores, como el Pintor de Nicoxenos y el Pintor de Atenea , produjeron grandes cantidades de jarrones utilizando ambas técnicas. Aunque la cerámica bilingüe fue bastante popular durante un breve período, el estilo pasó de moda hacia finales de siglo. ^{[ 54 ]}

Desde principios del siglo V a. C. hasta, como muy tarde, el 480 a. C., todos los pintores de renombre utilizaban el estilo de figuras rojas. Sin embargo, la producción de vasos de figuras negras continuó durante unos 50 años más, aunque su calidad fue disminuyendo progresivamente. Los últimos pintores que produjeron imágenes de calidad aceptable en vasos grandes fueron el Pintor de Eucárides y el Pintor de Cleofrades. Solo los talleres que producían formas más pequeñas, como olpes, enochoes, skyphos, ánforas de cuello pequeño y lekythos particulares, comenzaron a utilizar el estilo antiguo. El Pintor de Fanilis empleó la técnica de los Seis, entre otros métodos, y tanto el Pintor de Edimburgo como el Pintor de Gela decoraron los primeros lekythos cilíndricos. El primero produjo principalmente escenas sencillas, claras y naturales utilizando un estilo de figuras negras sobre fondo blanco. El fondo blanco de los vasos era bastante grueso y ya no se pintaba directamente sobre la base de arcilla, una técnica que se convirtió en el estándar para todos los vasos de fondo blanco. El Pintor de Safo se especializó en lekythos funerarios. El taller del Pintor de Haimon fue especialmente productivo; se conservan más de 600 de sus vasijas. El Pintor de Atenea (quien quizás sea idéntico al Pintor de Bowdoin, de figuras rojas) y el Pintor de Perseo continuaron decorando grandes lecitos estándar. Las escenas del Pintor de Atenea aún irradian parte de la dignidad inherente a la obra del Grupo Leagros. El Pintor de Maratón es conocido principalmente por el lecito funerario hallado en el túmulo de los atenienses que murieron en la Batalla de Maratón en el 490 a. C. El último pintor de lecitos importante, el Pintor de Beldam, trabajó desde alrededor del 470 a. C. hasta el 450 a. C. Excepto por las ánforas premiadas de las Panateneas, el estilo de figuras negras llegó a su fin en el Ática en esta época. ^{[ 55 ]}

Entre los jarrones áticos de figuras negras, las ánforas de los Juegos Panatenaicos ocupan un lugar especial. Después del 566 a. C., cuando se introdujeron o reorganizaron las celebraciones panatenaicas, se convirtieron en el premio para los ganadores de las competiciones deportivas y se llenaban de aceite de oliva, uno de los principales productos de exportación de la ciudad. En el anverso solían llevar la imagen de la diosa Atenea de pie entre dos pilares sobre los que se posaban gallos ; en el reverso, una escena deportiva. La forma siempre fue la misma y solo se modificó ligeramente a lo largo del extenso periodo de su producción. La ánfora de vientre, como su nombre indica, era originalmente especialmente bulbosa, con un cuello corto y una base larga y estrecha. Alrededor del 530 a. C., los cuellos se acortaron y el cuerpo se estrechó un poco. Hacia el 400 a. C., los hombros del jarrón se redujeron considerablemente y la curva del cuerpo parecía constreñida. Después del 366 a. C., los jarrones volvieron a ser más elegantes y se estrecharon aún más.

Estos jarrones se producían principalmente en los talleres más importantes del distrito de Kerameikos. Parece ser un honor o un logro particularmente lucrativo recibir un encargo para su producción. Esto también explica la existencia de numerosas ánforas premiadas, obra de excelentes pintores de jarrones. Además de pintores de figuras negras de gran talento como el Pintor de Eufiletos, Exequias, Hiperides y el Grupo de Leagros, muchos maestros artesanos de figuras rojas son conocidos por crear ánforas premiadas. Entre ellos se encuentran el Pintor de Eucárides, el Pintor de Cleofrades, el Pintor de Berlín, el Pintor de Aquiles y Sófilo, el único que firmó uno de los jarrones que se conservan. El primer jarrón conocido fue producido por el Grupo de Burgon y se conoce como el jarrón de Burgon. Dado que el nombre del funcionario gobernante ( Arcón ) aparece ocasionalmente en el jarrón después del siglo IV a. C., algunos de ellos pueden datarse con precisión. Dado que las Panateneas eran festivales religiosos, el estilo y el tipo de decoración no cambiaron ni durante el período de figuras rojas ni después de que los vasos figurados dejaran de comercializarse en Atenas. Las ánforas de premio se produjeron hasta el siglo II a. C., y se conservan alrededor de 1000 de ellas. Dado que se conoce el número de ánforas otorgadas a un ganador en algunas fechas, es posible deducir que se conserva aproximadamente el uno por ciento de la producción total de vasos atenienses. Otras proyecciones llevan a la conclusión de que en Atenas se produjeron alrededor de siete millones de vasos con figuras pintadas. ^{[ 56 ]} Además de las ánforas de premio, también se fabricaron formas imitativas conocidas como ánforas de premio pseudo-panatenaicas. ^{[ 57 ]}

La «hidria de Caere» es el nombre que recibe un estilo particularmente vistoso de pintura de jarrones de figuras negras. El origen de estos jarrones es objeto de debate en la literatura. Tras un análisis de la pintura, se consideró durante mucho tiempo que los jarrones eran etruscos o corintios, pero en los últimos años predomina la opinión de que sus creadores fueron dos pintores de cerámica que emigraron del este de Grecia a Caere (la actual Cerveteri), en Etruria. Las inscripciones en griego jónico respaldan la teoría de la emigración. El taller existió durante una sola generación. Hoy en día se conocen unos 40 jarrones producidos por estos dos maestros artesanos en este estilo. Todos son hidrias, excepto un alabastrón . No se encontraron fuera de Etruria; la mayoría procedían de Caere, de ahí su nombre. Los jarrones se datan aproximadamente entre el 530 y el 510/500 a. C. A la hidria de Caere le siguen estilísticamente las ánforas de cuello decoradas con rayas.

Estas hidrias, técnicamente bastante inferiores, miden entre 40 y 45  cm de altura. Los cuerpos de estos vasos tienen cuellos altos y muy prominentes, hombros anchos y pies anulares bajos en forma de cálices invertidos. Muchas de las hidrias están deformadas o presentan defectos de cocción. Las imágenes pintadas se dividen en cuatro zonas: una zona de hombros, una zona central con figuras y otra con ornamentos, y una sección inferior. Todas, excepto la zona central con figuras, están decoradas con ornamentos. Solo hay un caso en el que ambos frisos centrales presentan figuras. Sus múltiples colores las distinguen de todos los demás estilos de figuras negras. El estilo recuerda a la pintura de vasos jónicos y a las tablillas de madera pintadas multicolores encontradas en Egipto. Los hombres se representan con piel roja, negra o blanca. Las mujeres casi siempre se representan con un color blanco opaco. Los contornos, así como los detalles, están incisos, como es típico del estilo de figuras negras. Las superficies de engobe negro brillante a menudo se cubren con un engobe de color adicional, de modo que el engobe negro que se hace visible donde hay incisiones proporciona a las diversas formas detalles internos. En el anverso, las imágenes siempre están llenas de acción; en el reverso, son comunes los diseños heráldicos. Los ornamentos son un componente importante de las hidrias; no son secundarios a otros motivos. Se usaban plantillas para pintar los ornamentos; no estaban grabados.

Se mencionan como pintores al Pintor de Busiris y al Pintor del Águila. Este último es considerado el principal representante de este estilo. Estaban particularmente interesados ​​en temas mitológicos que generalmente revelaban una influencia oriental. En el jarrón del nombre del Pintor de Busiris, Heracles está pisoteando al mítico faraón egipcio Busiris . Heracles también aparece frecuentemente representado en otros jarrones, y existen escenas de la vida cotidiana. También hay escenas poco comunes, como Cetus acompañado de un sello blanco. ^{[ 68 ]}

Los vasos pónticos también guardan una estrecha relación estilística con la pintura de la cerámica jónica. En este caso, se supone que fueron producidos en talleres etruscos por artesanos que emigraron de Jonia. Los vasos recibieron su nombre, a menudo engañoso, de la representación en un vaso de arqueros que se cree que eran escitas, habitantes del Mar Negro (Ponto). La mayoría de los vasos se encontraron en tumbas de Vulci, y un número significativo también en Cerveteri. La forma más común era una ánfora de cuello estrecho, de forma particularmente esbelta, muy parecida a las ánforas tirrenas. Otras formas incluían enochoes con asas en espiral, dinos, kyathos , platos, vasos con bases altas y, con menos frecuencia, kantharos y otras formas. La ornamentación de los vasos pónticos es siempre similar. Generalmente, presentan una decoración ornamental en el cuello, figuras en el hombro, seguida de otra banda de ornamentos, un friso de animales y, finalmente, un anillo de rayos. La base, el cuello y las asas son de color negro. La importancia de los ornamentos es notable, aunque a menudo están elaborados con cierta negligencia; algunos jarrones están decorados únicamente con ornamentos. La arcilla de estos jarrones es de color rojo amarillento; el engobe que los recubre es negro o rojo parduzco, de alta calidad y con brillo metálico. Se utilizan generosamente colores opacos rojos y blancos para las figuras y los ornamentos. Los animales suelen estar decorados con una franja blanca en el vientre. Los estudiosos han identificado hasta la fecha seis talleres. El más antiguo y mejor se considera el del Pintor de París. Representa figuras mitológicas, incluyendo un Heracles imberbe, como era costumbre en la Grecia oriental. Ocasionalmente aparecen escenas que no forman parte de la mitología griega, como Heracles luchando contra Juno Sospita («la Salvadora») del Pintor de París, o un demonio lobo del Pintor de Ticio. También hay escenas de la vida cotidiana, escenas de komos y jinetes. Los jarrones se datan entre el 550 y el 500 a. C., y se conocen alrededor de 200. ^{[ 69 ]}

Los jarrones etruscos de producción local probablemente datan del siglo VII a. C. Inicialmente, se asemejan a los modelos de figuras negras de Corinto y Grecia oriental. Se supone que en la fase inicial los productores fueron principalmente inmigrantes griegos. El primer estilo importante fue la pintura de cerámica póntica. Posteriormente, en el período comprendido entre el 530 y el 500 a. C., le siguieron el Pintor de Micali y su taller. En esta época, los artistas etruscos tendían a seguir los modelos áticos y producían principalmente ánforas, hidrias y jarras. Generalmente presentaban escenas de komos y simposios, así como frisos de animales. Las escenas mitológicas son menos comunes, pero están elaboradas con gran esmero. El estilo de figuras negras terminó alrededor del 480 a. C. Hacia el final se desarrolló un estilo manierista, y a veces una técnica de silueta bastante descuidada. ^{[ 70 ]}

La pintura de vasos calcídicos recibió su nombre de las inscripciones mitológicas que a veces aparecían en escritura calcídica. Por esta razón, inicialmente se sospechó que el origen de la cerámica era Eubea. Actualmente se supone que la cerámica se produjo en Regio , quizás también en Caeri, pero la cuestión aún no se ha resuelto definitivamente. ^{[ 71 ]} La pintura de vasos calcídicos estuvo influenciada por la pintura ática, corintia y, especialmente, jónica. Los vasos se encontraron principalmente en yacimientos italianos como Caeri, Vulci y Regio, pero también en otros lugares del Mediterráneo occidental.

La producción de vasos calcídicos comenzó repentinamente alrededor del 560 a. C. Hasta la fecha, no se han identificado precursores. Después de 50 años, alrededor del 510 a. C., la producción ya había cesado. Se conservan unos 600 vasos y se han identificado hasta ahora 15 pintores o grupos de pintores. Estos vasos se caracterizan por una cerámica de alta calidad. El engobe brillante que los recubre suele ser de un negro intenso después de la cocción. La arcilla tiene un color naranja. Se utilizaron generosamente colores opacos rojos y blancos en la pintura, así como incisiones para crear detalles interiores. La forma más común es la ánfora de cuello, que representa una cuarta parte de todos los vasos conocidos, pero también existen copas oculares, oinochoes e hidrias; otros tipos de vasos son menos comunes. Los lekanis y las copas de estilo etrusco son excepciones. Los vasos son económicos y de construcción rigurosa. El «pie de copa calcídico» es una característica típica. A veces se copia en vasos áticos de figuras negras, con menos frecuencia en vasos de figuras rojas.

El más importante de los artistas conocidos de la generación anterior es el Pintor de Inscripciones, y entre los representantes más jóvenes, el Pintor de Fineo. Se presume que el primero fue el creador del estilo; unos 170 de los jarrones que se conservan se atribuyen al prolífico taller del segundo. Probablemente sea también el último representante de este estilo. Las imágenes suelen ser más decorativas que narrativas. Se representan jinetes, frisos de animales, escenas heráldicas o grupos de personas. Una gran cruz de loto y palmeta forma parte frecuentemente de la pintura. Las escenas mitológicas son poco frecuentes, pero cuando aparecen, suelen ser de una calidad excepcional.

La pintura de vasos pseudocalcídica es la sucesora de la pintura calcídica. Es cercana a la calcídica, pero también presenta fuertes vínculos con la pintura de vasos áticos y corintios. Por ello, los artistas utilizaban el alfabeto jónico en lugar del calcídico para las inscripciones. La estructura de la arcilla también es diferente. Se conocen unos 70 vasos de este tipo, clasificados por primera vez por Andreas Rumpf. Es posible que los artesanos fueran sucesores de los pintores de vasos y alfareros calcídicos que emigraron a Etruria. ^{[ 72 ]}

La pintura de vasos pseudocalcidios se clasifica en dos grupos. El más antiguo es el Grupo de Polifemo , que produjo la mayoría de los vasos que se conservan, principalmente ánforas de cuello y oinocoes. Suelen representarse grupos de animales, y con menos frecuencia escenas mitológicas. Los vasos se encontraron en Etruria, Sicilia, Marsella y Vix . El Grupo de Memnón, más joven y menos productivo, al que actualmente se atribuyen 12 vasos, tuvo una distribución geográfica mucho menor, limitándose a Etruria y Sicilia. Excepto por un oinocoe, solo produjeron ánforas de cuello, que generalmente estaban decoradas con animales y jinetes. ^{[ 73 ]}

Los vasos del Grupo de Northampton eran todos ánforas de cuello pequeño, con la excepción de una única ánfora de cuerpo entero. Son estilísticamente muy similares a la pintura de vasos del norte de Jonia, pero probablemente se produjeron en Italia en lugar de en Jonia, quizás en Etruria alrededor del 540 a. C. Los vasos de este grupo son de muy alta calidad. Presentan ricas decoraciones ornamentales y escenas que han captado el interés de los estudiosos, como un príncipe con caballos y alguien montado en una grulla. Son similares a la obra del Grupo de Campana Dinoi y a la llamada Ánfora de Northampton, cuya arcilla es similar a la de las hidrias de Caere. El Grupo de Northampton recibió su nombre de esta ánfora. Las hidrias redondas de Campana recuerdan a los modelos beocios y eubeos. ^{[ 74 ]}