Risas enlatadas

Antes de la llegada de la radio y la televisión, el público disfrutaba de espectáculos cómicos en vivo en presencia de otros espectadores. Los productores de radio y de los primeros programas de televisión utilizaban grabaciones de actuaciones en directo, y posteriormente, los programas grabados en estudio intentaron recrear esta atmósfera incorporando risas u otras reacciones del público a la banda sonora.

Jack Dadswell, antiguo propietario de WWJB en Florida, creó el primer "disco de risas". ^{[ 1 ]}

En 1946, Jack Mullin trajo de Radio Frankfurt una grabadora de cinta magnética Magnetophon , junto con 50 carretes de cinta; la grabadora era una de las grabadoras de cinta magnética que BASF y AEG habían fabricado en Alemania desde 1935. La cinta de 6,5 mm podía grabar 20 minutos por carrete de sonido analógico de  alta calidad ; Alexander M. Poniatoff ordenó entonces a su empresa Ampex que fabricara una versión mejorada de la Magnetophon para su uso en la producción radiofónica. ^{[ 2 ]} Bing Crosby finalmente adoptó la tecnología para pregrabar su programa de radio, que se emitía a una hora determinada cada semana, para evitar tener que realizarlo en directo, así como tener que realizarlo una segunda vez para el público de la Costa Oeste.

Con la introducción de este método de grabación, fue posible añadir sonidos durante la postproducción . El veterano ingeniero y pionero de la grabación, Jack Mullin, explicó cómo se inventó la pista de risas en el programa de Crosby:

El cómico rural Bob Burns estuvo en el programa una vez y contó algunas de sus historias campestres, entonces extremadamente subidas de tono y de mal gusto. Las grabamos en directo y provocaron carcajadas enormes, que no paraban de sonar, pero no pudimos usar los chistes. Hoy en día, esas historias parecerían inofensivas en comparación, pero las cosas eran diferentes en la radio entonces, así que el guionista Bill Morrow nos pidió que guardáramos las risas. Un par de semanas después, tuvo un programa que no fue muy gracioso e insistió en que incluyéramos las risas rescatadas. Así nació la pista de risas. ^{[ 3 ]}

En los inicios de la televisión, la mayoría de los programas que no se transmitían en vivo utilizaban la técnica de filmación con una sola cámara , en la que un programa se creaba filmando cada escena varias veces desde diferentes ángulos de cámara . ^{[ 3 ]} Si bien se podían controlar las actuaciones de los actores y el equipo, no se podía confiar en que el público en vivo se riera en los momentos "correctos"; en otras ocasiones, se consideraba que el público se reía demasiado fuerte o durante demasiado tiempo. ^{[ 3 ]}

El ingeniero de sonido de CBS, Charley Douglass, notó estas inconsistencias y decidió remediar la situación. ^{[ 4 ]} Si un chiste no provocaba la risa deseada, Douglass insertaba risas adicionales; si el público en vivo se reía demasiado, Douglass atenuaba gradualmente las carcajadas. Esta técnica de edición se conoció como " dulce" , en la que se utiliza la risa grabada para aumentar la respuesta del público real en el estudio si no reaccionaba con la intensidad deseada. ^{[ 4 ]} Por el contrario, el proceso podía utilizarse para "desdulzar" las reacciones del público, atenuando las risas fuertes no deseadas o eliminando los aplausos inapropiados, logrando así que la risa se ajustara mejor al método narrativo preferido del productor. ^{[ 5 ]}

Mientras aún trabajaba para CBS, Douglass construyó un prototipo de máquina de risas que consistía en una gran rueda de madera de 28 pulgadas de diámetro con una bobina de cinta pegada en el borde exterior que contenía grabaciones de risas suaves. La máquina se operaba con una llave que tocaba hasta que tocaba otro tope en la rueda, reproduciendo así una risa completa. Como se construyó en horario laboral, CBS exigió la posesión de la máquina cuando Douglass decidió terminar su relación laboral con ellos. El prototipo se desintegró a los pocos meses de uso. ^{[ 6 ]} Douglass desarrolló una expansión de su técnica en 1953 cuando comenzó a extraer risas y aplausos de bandas sonoras grabadas en vivo (principalmente de los segmentos de pantomima de The Red Skelton Show ), y luego colocó los sonidos grabados en una enorme máquina de cinta.

Estas risas grabadas podían añadirse a programas filmados con una sola cámara. El primer programa de televisión estadounidense en incorporar risas grabadas fue la comedia de situación The Hank McCune Show en 1950. Otros programas filmados con una sola cámara, como The Pride of the Family (ABC, 1953–1954), pronto siguieron el ejemplo, ^{[ 7 ]} aunque varios, como The Trouble with Father ( ABC , 1950–1955), The Beulah Show (ABC, 1950–1952) y The Goldbergs (varias cadenas, 1949–1956), no contaban con público ni risas grabadas. Four Star Playhouse , una serie antológica, no utilizó risas grabadas ni público en sus episodios cómicos ocasionales, y el coproductor David Niven calificó las risas grabadas como "una alegría salvaje e indiscriminada" y declaró que "vetaré la idea si alguna vez surge. No es que vaya a suceder. Seguiremos adelante sin trucos mecánicos". ^{[ 8 ]}

A medida que el medio evolucionaba, los costos de producción asociados con la transmisión de televisión en vivo aumentaron. Grabar en un estudio con público, como lo hicieron I Love Lucy o The Ed Sullivan Show , también tenía sus limitaciones: la mitad del público no podía ver el programa desde donde estaba sentado. Se contrató a Douglass para simular reacciones desde cero durante todo el programa. ^{[ 10 ]} Los productores pronto se dieron cuenta de lo mucho más sencillo que era grabar un programa sin público presente y adaptar las reacciones durante la posproducción. Inicialmente, los directores no dejaban espacio para insertar reacciones, lo que dificultaba la edición y provocaba que el diálogo quedara ahogado. Las tarjetas de respuesta del público repetidamente decían que la risa parecía forzada o artificial. ^{[ 10 ]} Los guionistas gradualmente se volvieron más conscientes del espacio requerido para la pista de risas y comenzaron a ajustar sus guiones en función de ella. Los directores gradualmente dejaron espacio para reacciones del público aún no escuchadas; los productores presupuestaron la posproducción para que Douglass pudiera editar con mayor facilidad. ^{[ 5 ]}

La mayoría de las comedias de situación televisivas producidas durante las décadas de 1950 y 1960 utilizaban la técnica de una sola cámara, con risas grabadas que simulaban la ausencia del público. ^{[ 7 ]} Los productores se desencantaron con el formato multicámara; el consenso en ese momento era que el público en vivo estaba tenso, nervioso y rara vez reía cuando se le pedía. ^{[ 11 ]}

Los héroes de Hogan

Las investigaciones de la cadena indicaron que la inclusión de risas grabadas se consideraba esencial para clasificar un programa grabado con una sola cámara como comedia. Esta hipótesis se puso a prueba en 1965 cuando CBS realizó un experimento con su nueva comedia de situación grabada con una sola cámara, Hogan's Heroes (1965-1971), presentando dos versiones del episodio piloto a la audiencia: una con risas grabadas y otra sin ellas. La versión sin risas grabadas, debido en parte al humor más intelectual del programa, tuvo un desempeño deficiente, mientras que la versión con risas grabadas obtuvo una recepción más favorable. En consecuencia, Hogan's Heroes se emitió con risas grabadas, y CBS posteriormente las incorporó a toda su programación cómica. ^{[ 3 ]}

Las risas enlatadas de las comedias de situación variaban según el estilo del programa. Cuanto más extravagante era el programa, más intrusivas eran las risas enlatadas. Series como Embrujada , Los Munsters , Mi bella genio y Los Beverly Hillbillies dependían en gran medida de las risas enlatadas, mientras que programas más sobrios, como El show de Andy Griffith , La tribu de los Brady y Mis tres hijos , tenían risas más moduladas. Ciertas series, como Superagente 86 , presentaban risas enlatadas que se volvían más intrusivas a medida que avanzaba la serie, mientras que series como M*A*S*H atenuaban las risas a medida que la serie se volvía más dramática; estaban completamente ausentes durante las escenas de quirófano . ^{[ 10 ]}

A mediados de la década de 1960, casi todas las comedias de situación estadounidenses se grababan con una sola cámara y se les añadía una pista de risas. Solo unos pocos programas, como The Joey Bishop Show , The Dick Van Dyke Show y The Lucy Show, utilizaban público en el estudio, pero aumentaban las risas reales mediante efectos de sonido. ^{[ 5 ]}

Desde finales de la década de 1950 hasta principios de la de 1970, Douglass tuvo el monopolio del costoso y laborioso negocio de las risas. ^{[ 12 ]} Para 1960, casi todos los programas de horario estelar en los EE. UU. contaban con la participación de Douglass. Cuando llegaba el momento de "añadir las risas", el productor le indicaba a Douglass dónde y cuándo insertar el tipo de risa solicitada. ^{[ 13 ]} Inevitablemente, surgían desacuerdos entre Douglass y el productor, pero este último tenía la última palabra. ^{[ 13 ]} Después de recibir sus instrucciones, Douglass se ponía a trabajar en la creación del público, fuera de la vista del productor o de cualquier otra persona presente en el estudio. ^{[ 13 ]}

El crítico Dick Hobson comentó en un artículo de TV Guide de julio de 1966 que la familia Douglass era "el único grupo de humor de la ciudad". ^{[ 13 ]} Muy pocos en la industria presenciaron a Douglass usar su invento, ya que era notoriamente reservado sobre su trabajo, ^{[ 14 ]} y era uno de los hombres más comentados en la industria de la televisión. ^{[ 11 ]}

Douglass fundó Northridge Electronics en agosto de 1960, nombre que recibió del suburbio de Los Ángeles en el Valle de San Fernando donde la familia Douglass residía y operaba su negocio en un garaje cerrado con candado. ^{[ 13 ]} Cuando se necesitaban sus servicios, llevaban el dispositivo a la sala de edición, lo enchufaban y se ponían a trabajar. ^{[ 13 ]} Los estudios de producción se acostumbraron a ver a Douglass yendo de un estudio a otro para mezclar sus risas artificiales durante la posproducción. ^{[ 12 ]}

Los avances tecnológicos impulsados ​​por Douglass se asemejaban mucho a los que se encuentran en instrumentos musicales como el Chamberlain Music Master y el Mellotron . ^{[ 15 ]} Su sofisticado y único dispositivo  , conocido cariñosamente en la industria como la "caja de risas"  , estaba firmemente asegurado con candados, medía más de dos pies de altura y funcionaba como un órgano. ^{[ 13 ]} Douglass usaba un teclado similar al de una máquina de escribir para seleccionar el estilo, el género y la edad correspondientes de la risa, así como un pedal para cronometrar la duración de la reacción. Dentro de la máquina había una amplia gama de risas grabadas, carcajadas y risas a carcajadas: 320 risas en 32 bucles de cinta , diez por bucle. Cada bucle contenía hasta diez risas individuales del público empalmadas de extremo a extremo, girando simultáneamente esperando ser seleccionadas. ^{[ 13 ]} Como las cintas estaban en bucle, las risas se reproducían repetidamente en el mismo orden. Los ingenieros de sonido podían ver comedias de situación y sabían exactamente qué carcajadas recurrentes venían después, incluso si estaban viendo un episodio por primera vez. Douglass frecuentemente combinaba diferentes risas, ya fueran largas o cortas. Los espectadores atentos podían notar cuándo decidía mezclar risitas para dar el efecto de una audiencia más diversa. ^{[ 11 ]} En lugar de ser simples grabaciones de una audiencia riendo, las risas de Douglass eran cuidadosamente generadas y mezcladas, dando a algunas risas identidades detalladas como "el tipo que entiende el chiste pronto" y "las risitas de ama de casa" y "el que no entendió el chiste pero se ríe de todos modos", todo mezclado y superpuesto para crear la ilusión de una audiencia real reaccionando al programa en cuestión. La risa profunda de un hombre se cambiaba por la risa de una mujer nueva, o la risita aguda de una mujer se reemplazaba por la risita de un hombre. ^{[ 11 ]} Un productor notó la risa recurrente de una mujer a la que llamaba "la dama de la jungla" debido a su chillido agudo. Después de quejarse repetidamente con Douglass, la risa fue eliminada de la programación habitual. ^{[ 13 ]}

También había una pista de 30 segundos de "risitas" en bucle, que consistía en personas individuales riendo en voz baja. Esta pista de "risitas" se usaba para atenuar una risa y siempre se reproducía de fondo. Cuando Douglass insertaba una risa sonora, aumentaba el volumen de la pista de risitas para suavizar la mezcla final. Esta pista de risitas se amplió a 45 segundos en 1967, luego a 60 segundos en 1970, y se revisó en 1964, 1967, 1970 y 1976. Douglass mantenía las grabaciones frescas, haciendo pequeños cambios cada pocos meses, creyendo que la audiencia evolucionaba con el tiempo. ^{[ 13 ]} Douglass también tenía una variedad de aplausos de la audiencia, "oohs" y "ahhhs", así como personas moviéndose en sus asientos (que muchos productores insistían en que fueran constantemente audibles). ^{[ 13 ]}

Solo los miembros más cercanos de la familia sabían cómo era el interior del dispositivo ^{[ 13 ]} (en un momento dado, la "caja de risas" fue llamada "la caja más buscada pero mejor escondida del mundo"). ^{[ 11 ]} Más de un miembro de la familia Douglass participó en el proceso de edición, y cada uno reaccionó a un chiste de manera diferente. Charley Douglass era el más conservador de todos, por lo que los productores a menudo hacían ofertas por el hijo de Charley, Bob, quien era más liberal en su elección de risas. ^{[ 13 ]} Los cambios sutiles en la textura podían tener enormes consecuencias para la situación ética sugerida por una pista de risas. ^{[ 16 ]} Douglass conocía bien su material, ya que lo había compilado él mismo. Tenía docenas de reacciones y sabía dónde encontrar cada una. Douglass aceleraba ligeramente las risas con regularidad para intensificar el efecto. Su trabajo fue muy apreciado por muchos en la industria televisiva. ^{[ 14 ]} Con los años, Douglass agregó nuevas grabaciones y revivió antiguas que habían sido retiradas, y luego retiró las pistas más nuevas. Las risas que se oían en las comedias de situación de principios de la década de 1960 resurgieron años después, a finales de la década de 1970. Especialmente a partir de la década de 1970, Douglass comenzó a alternar la pista de risas actualizada con una pista de risas antigua e incluso a veces las combinaba. ^{[ 14 ]} Se podían combinar y superponer hasta 40 clips de risa diferentes a la vez, creando el efecto de una reacción más grande y fuerte cuando, de hecho, las mismas risas se oían luego individualmente. ^{[ 17 ]} A medida que el movimiento por los derechos civiles cobraba impulso, Douglass también comenzó a diversificar su pista de risas, incluyendo ejemplos de risas de personas de otras culturas, cuyos sonidos eran notablemente diferentes a los de los estadounidenses blancos. ^{[ 17 ]}

La "caja de la risa" de Douglass fue comprada, sin ser vista, en una subasta en 2010 cuando su dueño no pagó el alquiler del trastero donde se guardaba. Posteriormente se habló de ella y se mostró en un episodio de junio de 2010 del programa Antiques Roadshow desde San Diego, California, donde su valor se estimó en 10.000 dólares ( equivalente a 15.000 dólares en 2025 ). ^{[ 18 ]}

La integración de las risas grabadas se extendió más allá de la programación con actores reales e incluyó algunas series animadas de horario estelar a mediados del siglo XX. Esta tendencia comenzó notablemente con The Rocky and Bullwinkle Show (ABC, 1959–61; NBC, 1961–64), aunque se limitó a los cuatro primeros episodios de la serie. Tras esta iniciativa pionera, Hanna-Barbera adoptó un enfoque similar, incorporando risas grabadas completas en sus producciones animadas de horario estelar hasta aproximadamente 1970.

Ejemplos notables del uso de risas enlatadas por parte de Hanna-Barbera incluyen series aclamadas como Los Picapiedra (ABC, 1960–1966), Don Gato (ABC, 1961–62) y Los Supersónicos (ABC, 1962–63). Además, producciones complementarias como la comedia de situación de Hanna-Barbera de mediados de verano, ¿ Dónde está Huddles? (CBS, 1970), y Calvin y el Coronel de Krayo Creston y MCA (ABC, 1961–62), presentaron un uso análogo de risas enlatadas. La incorporación de risas enlatadas se extendió aún más a la programación de mediodía, ejemplificada por La Hora de Aventuras de Banana Splits (NBC, 1968–1970), alineándose gradualmente con las prácticas predominantes de la industria.

Desde finales de la década de 1960 hasta principios de la de 1980, una proporción considerable de dibujos animados cómicos dirigidos al género de los sábados por la mañana incorporaron risas enlatadas. Esta tendencia se inició con el estreno de The Archie Show de Filmation en 1968, y posteriormente fue imitada por empresas consolidadas como Rankin-Bass, DePatie-Freleng Enterprises (DFE) y Hanna-Barbera. Sin embargo, a medida que la proliferación de risas enlatadas se generalizó, disminuyendo su novedad y eficacia, los estudios de animación fueron abandonando gradualmente este recurso sonoro a principios de la década de 1980. El punto culminante de esta era fue la conclusión de Gilligan's Planet de Filmation (CBS, 1982-83), que se erige como la última serie animada de los sábados por la mañana en incluir risas enlatadas.

Dado su horario de mediodía, The Banana Splits sirvió como precursor de la utilización por parte de Hanna-Barbera de la tecnología de risas enlatadas de Charles Douglass en la programación animada emitida durante las horas de la mañana del sábado. Esta transición comenzó con el estreno de Scooby-Doo, Where Are You! (CBS, 1969–70) en 1969, marcando la incorporación inaugural de las risas enlatadas de Douglass en la programación matutina de los sábados de Hanna-Barbera. Animada por la favorable acogida de esta innovación, Hanna-Barbera procedió a integrar las risas enlatadas en la mayoría de sus producciones para la temporada 1970–71. Esta expansión del uso de las risas enlatadas abarcó un amplio espectro de las ofertas animadas de Hanna-Barbera, incluyendo series como Harlem Globetrotters (CBS, 1970–71) y Josie and the Pussycats (CBS, 1970–71). Este despliegue estratégico de la tecnología de Douglass reflejaba el compromiso de Hanna-Barbera de mejorar el atractivo cómico y la participación de los espectadores de su contenido animado durante el crucial bloque de programación de los sábados por la mañana.

El Show de la Pantera Rosa (NBC, 1969–1978; ABC, 1978–1980) fue una especie de anomalía entre sus pares. Compuesto por una recopilación de estrenos cinematográficos anteriores, el programa adoptó un formato de segmentos de media hora, que fusionaba varios cortos de cine de DFE como El Inspector , La Hormiga y el Oso Hormiguero y Los Sapos de Tijuana (renombrado como Los Sapos de Texas para las transmisiones televisivas debido a supuestas sensibilidades culturales). Cabe destacar que las versiones cinematográficas originales de estos cortos no incluían risas enlatadas. Sin embargo, NBC exigió la inclusión de dichos elementos de audio para la transmisión televisiva. En consecuencia, se añadieron risas enlatadas para adaptar el contenido a la transmisión, una decisión impulsada por las preferencias de la cadena y las expectativas percibidas de la audiencia. Posteriormente, en 1982, cuando el paquete cinematográfico de DFE comenzó a emitirse en sindicación, se emprendieron esfuerzos para restaurar las bandas sonoras a su estado original, en consonancia con la integridad artística del material original. Con el tiempo, la reedición de estos cortos ha dado lugar a la disponibilidad de versiones tanto para cine como para televisión, preservando las diversas experiencias auditivas asociadas a cada versión. Entre las excepciones a esta tendencia se encuentran Misterjaw y Crazylegs Crane , que se produjeron exclusivamente para televisión y nunca se estrenaron en cines, lo que dio como resultado versiones caracterizadas únicamente por la presencia de risas grabadas. ^{[ 19 ]}

Siguiendo el precedente establecido por Filmation, los productores Sid y Marty Krofft adoptaron la tecnología de risas enlatadas de Douglass para sus producciones televisivas. El momento clave se produjo con el inicio de la producción de HR Pufnstuf en 1969, cuando el productor ejecutivo Si Rose abogó por la inclusión de risas enlatadas, considerando que cualquier comedia que careciera de este recurso era inherentemente inferior. Esta persuasión llevó a la incorporación de las risas enlatadas de Douglass en HR Pufnstuf, sentando las bases para su integración en las posteriores producciones de Krofft, diseñadas para la televisión de los sábados por la mañana.

Posteriormente, los Krofft contrataron los servicios de Douglass para todos sus proyectos televisivos de los sábados por la mañana, a excepción de la serie más dramática Land of the Lost . Esta colaboración se extendió a una variedad de producciones, incluyendo The Bugaloos , Lidsville , Sigmund and the Sea Monsters , The Lost Saucer y Far Out Space Nuts . Al pasar de la programación infantil de alto concepto a los programas de variedades en vivo, los Krofft continuaron su colaboración con Douglass para mejorar el audio. Entre los programas de variedades notables que se beneficiaron de la experiencia de Douglass se incluyen Donny and Marie , The Brady Bunch Variety Hour , The Krofft Supershow , The Krofft Superstar Hour , Pink Lady and Jeff , Barbara Mandrell and the Mandrell Sisters , Pryor's Place , así como su comedia de situación sindicada de 1987 DC Follies .

A medida que la práctica de incorporar risas enlatadas en la programación televisiva de los sábados por la mañana ganaba popularidad, Douglass amplió su repertorio para incluir una variedad de risas infantiles. Conocidas como "risas infantiles", estas adiciones a su biblioteca de sonidos se utilizaron por primera vez para mejorar el audio en el especial de televisión sindicado de 1973, The World of Sid and Marty Krofft at the Hollywood Bowl , pero para 1974, se escuchaban en la mayoría de los programas infantiles de los sábados por la mañana, como Uncle Croc's Block , Sigmund and the Sea Monsters , The Pink Panther Show , The Lost Saucer y Far Out Space Nuts . ^{[ 3 ]}

Las comedias de situación actuales producidas por Disney Channel y las pistas de risas creadas en el estudio se graban principalmente frente a público en vivo. ^{[ 20 ]} Nickelodeon , el principal competidor de Disney, utiliza una pista de risas para programas como iCarly y Victorious desde que cerró las instalaciones de estudio originales equipadas para asientos de público en vivo.

El uso de risas enlatadas alcanzó su punto máximo en la década de 1960. Sin embargo, algunos productores se sentían incómodos manejando una comedia de situación que no estaba diseñada para ser filmada frente a una audiencia en vivo. Un ejemplo de ello fue Desi Arnaz , veterano de Lucy y exmarido de Lucille Ball , quien estaba más familiarizado con las comedias de situación en vivo, ya que anteriormente había coproducido I Love Lucy . Al imitar el exitoso regreso de Ball en The Lucy Show y The Dick Van Dyke Show , Arnaz produjo The Mothers-in-Law ( NBC , 1967-69), que se grabó frente a una audiencia en vivo en los estudios Desilu, pero aun así contrató a Douglass para mejorar una pista endulzada en la postproducción. ^{[ 26 ]} Un año después, The Good Guys (CBS, 1968-70) intentó seguir el mismo formato. Aunque los primeros episodios se filmaron en vivo, los cambios en la producción y la ubicación obligaron al equipo a dejar de usar múltiples cámaras para el resto de la primera temporada, usando solo una pista de risas. Esto continuó durante la segunda temporada hasta que los bajos índices de audiencia llevaron a su cancelación en 1970. ^{[ 27 ]}

Otro programa que comenzó a grabarse parcialmente frente a una audiencia en vivo fue la comedia de sketches de George Schlatter , Rowan & Martin's Laugh-In (NBC, 1968–73), así como su rival Hee-Haw (CBS, 1969–71, sindicación, 1971–93). Laugh-In se convirtió en un enigma entre otros programas de comedia de la época en cuanto a sus métodos de producción; el piloto de 1967 y los primeros episodios de la primera temporada presentaban a una audiencia en el estudio que reaccionaba a las rutinas cómicas del elenco en el escenario, mientras que las tomas pregrabadas usaban principalmente la pista de risas de Douglass. Finalmente, a medida que las maratónicas sesiones de grabación del programa se volvieron cada vez más costosas, Schlatter ya no requería que el público asistiera a las grabaciones. En cambio, los familiares del elenco, el equipo, las personas que aún optaban por asistir y los propios actores conformaban la audiencia en el estudio, y el programa dependió más de la pista de risas de Douglass. Douglass incluso simulaba las reacciones del público y diversificaba estas risas con la pista de audio. Continuó utilizando este efecto hasta el final del programa en 1973, y también en temporadas anteriores de Hee-Haw . ^{[ 28 ]}

Otros programas que continuaron desafiando la tendencia contra el método de una sola cámara fueron la siguiente comedia de situación de Lucille's Ball, Here's Lucy (CBS, 1968–74). ^{[ 29 ]} A diferencia de otras comedias de situación de la época, Here's Lucy se convirtió en una de las primeras en adoptar el espíritu social y cultural de finales de la década de 1960, presentando estrellas invitadas que iban desde la vieja guardia de Hollywood hasta músicos de pop y rock y atletas (por ejemplo, Joe Namath , Donny Osmond y Petula Clark ). Al centrarse más en episodios que giraban en torno a un entorno más urbano, marcó el comienzo de lo que CBS había buscado hacer a principios de la década de 1970. ^{[ 30 ]}

La década de 1970 comenzó con el declive de los programas ambientados en zonas rurales (como The Beverly Hillbillies , Green Acres y Mayberry RFD ) y el auge de la programación con conciencia social (como All in the Family , M*A*S*H y Maude ). Lo que impulsó a CBS a renovar su imagen fue el éxito de la comedia Here's Lucy y su nuevo éxito emergente, The Mary Tyler Moore Show (CBS, 1970-77). El episodio piloto de la serie, "Love is All Around", se filmó inicialmente con una sola cámara. Los resultados no fueron satisfactorios para Moore ni para los productores, quienes decidieron entonces cambiar a varias cámaras. Dado que los primeros episodios se grabaron a finales del verano, la primera grabación del piloto no tuvo buena acogida debido al mal aislamiento y al audio deficiente. Sin embargo, la segunda grabación contó con mejor aire acondicionado y un sistema de sonido de mayor calidad en el plató. La recepción de la crítica mejoró, y el programa adoptó el formato multicámara a partir de entonces, convirtiéndose en un gran éxito durante sus siete años de emisión. ^{[ 31 ]}

El resurgimiento del público en vivo comenzó a afianzarse gradualmente. Cada vez más comedias de situación se alejaban del formato de cámara única, al estilo cinematográfico, volviendo al formato multicámara con público en vivo en el estudio que proporcionaba risas reales, lo que a los productores les resultaba más satisfactorio porque tenía un mejor ritmo cómico y les ayudaba a escribir mejores chistes. La serie All in the Family (CBS, 1971-1979) , del creador Norman Lear, siguió esta tendencia en 1971. Grabada en vivo, Lear era más espontáneo; quería que el público en el estudio actuara como el intérprete, con la esperanza de que ambos desarrollaran una buena relación. Lear no era partidario de las grabaciones de público, por lo que no se utilizó pista de risas, ni siquiera durante la posproducción, cuando Lear podría haberse dado el lujo de mejorar cualquier chiste fallido (Lear cedió un poco en temporadas posteriores y permitió que Douglass insertara alguna risa ocasional). ^{[ 11 ]} La decisión de Lear resultó en un gran éxito para el programa y marcó el regreso del público en vivo a las comedias de situación estadounidenses. Para dejar claro su punto, un anuncio proclamaba cada semana durante los créditos finales que " All in the Family se grabó en cinta ante un público en vivo" o, durante las últimas temporadas del programa, cuando el público en vivo ya no asistía a las grabaciones, " All in the Family se emitía ante un público en el estudio para recibir reacciones en vivo". ^{[ 11 ]}

Jack Klugman y Tony Randall expresaron su descontento durante la primera temporada de The Odd Couple (ABC, 1970-75), que utilizaba risas grabadas sin público en directo. El cocreador y productor ejecutivo Garry Marshall también se oponía al uso de risas grabadas, y Randall, veterano del teatro , en particular, se molestaba por tener que esperar varios segundos entre los chistes para poder insertar las risas grabadas. El equipo de producción experimentó con la eliminación total de las risas grabadas en el episodio "Oscar's New Life"; el episodio se emitió sin ellas (posteriormente se añadieron risas para su reemisión con el fin de mantener la continuidad). ABC cedió en la segunda temporada, y The Odd Couple se filmó con tres cámaras (en lugar de una sola, como en la temporada anterior) y se representó como una obra de teatro ante un público en directo. Este cambio también requirió la construcción de un nuevo decorado, más grande, dentro de un teatro. ^{[ 32 ]} Con público en vivo, Randall y Klugman disfrutaron de la espontaneidad que esto conllevaba; cualquier línea omitida o mal dicha pasaba desapercibida (siempre se podían volver a filmar durante la posproducción). Además, le dio al programa un toque especial que se echaba de menos en la primera temporada, aunque los actores tenían que decir sus líneas más alto, ya que estaban en un plató más grande en lugar de un estudio silencioso con un equipo mínimo. ^{[ 33 ]} Klugman comentó más tarde: «Pasamos tres días ensayando el programa. El primer día nos sentamos alrededor de una mesa. Desmenuzamos el guion. Quitamos todos los chistes y pusimos personajes. La única razón por la que dejamos algunos chistes es por las risas enlatadas. Lo odié. Veo los programas en casa, veo entrar a Oscar y dice: "Hola", y ahí están las risas. "Oye", pienso, "¿qué demonios he hecho?". Lo odio; es un insulto para el público». ^{[ 34 ]}

La comedia de situación Happy Days (ABC, 1974–84) también reflejó el escenario de The Odd Couple . Sus dos primeras temporadas solo utilizaron risas enlatadas, y en la tercera temporada, pasó a tener público en vivo. ^{[ 11 ]}

Sin embargo, los programas no eran completamente en vivo. Con la excepción de All in the Family , el retoque de risas seguía siendo necesario durante la posproducción para compensar cualquier falta de reacción del público. El historiador de la televisión y las risas enlatadas, Ben Glenn II, observó la grabación de la comedia Alice (CBS, 1976-1985) y notó la necesidad de retocar las risas: "Los actores se equivocaban constantemente en sus diálogos. Claro, a la tercera o cuarta toma, el chiste ya no tenía gracia. Se insertó una risa de Douglass en la versión final para compensar". ^{[ 14 ]}

Algunos productores, como James Komack , sin embargo, siguieron el enfoque de Lear. Komack, quien participó en la efímera comedia de situación Hennesey protagonizada por Jackie Cooper , fue un crítico acérrimo de las risas enlatadas de Douglass, pues creía que eran demasiado predecibles y podían perjudicar el efecto del humor de la comedia. ^{[ 35 ]} En su lugar, Komack empleó música para contrarrestar las risas edulcoradas. Experimentó con esta técnica en The Courtship of Eddie's Father (ABC, 1969–72), que presentaba una pista de risas atenuada. Los programas multicámara producidos por Komack, como Chico and the Man (NBC, 1974–78) y Welcome Back, Kotter (ABC, 1975–79), utilizaron música de fondo durante las transiciones de escena (lugares obvios para endulzar) y se aseguraron de que las risas enlatadas de Douglass se usaran con poca frecuencia durante la posproducción. Komack comentó más tarde: «Si alguna vez intentas hacer un programa sin risas grabadas, verás una gran diferencia... [P]ierde toda gracia. La única forma de prescindir de las risas grabadas es usar música, que puede indicar cuándo algo es gracioso». Sobre el uso de rellenos, continuó: «Entonces, depende del gusto de los productores, de la moral de los productores... [P]ara un tiempo, te das cuenta de que no tiene valor. En los extremos, la gente lo oirá y dirá: "¿Por qué se ríen?", y apagará el programa». ^{[ 35 ]}

Además de The Odd Couple , The Mary Tyler Moore Show y Happy Days , otras comedias de situación en vivo que fueron endulzadas por Douglass (muchas de las cuales también fueron endulzadas por Pratt a finales de la década de 1970) fueron The Paul Lynde Show (ABC, 1972–73), The Bob Newhart Show (CBS, 1972–78), Maude (CBS, 1972–78), Rhoda (CBS, 1974–78), Barney Miller (ABC, 1975–82), Laverne and Shirley (ABC, 1976–83), Soap (ABC, 1977–81), The Comedy Shop (Sindicación, 1978–81), Mork & Mindy (ABC, 1978–82), Taxi (ABC, 1978–82; NBC, 1982–83), Cheers (NBC, 1982–93) y su spin-off Frasier (NBC, 1993–2004). ^{[ 11 ]}

Los programas de variedades que se hicieron prominentes durante la década de 1970, como The Carol Burnett Show , The Flip Wilson Show y The Dean Martin Show (así como The Dean Martin Celebrity Roast que le sucedió después), también continuaron utilizando el endulzamiento de Douglass para cualquier chiste menos atractivo realizado durante los sketches. ^{[ 36 ]}

Los concursos de televisión se suavizaron durante los años 70 y principios de los 80, a menudo reproduciéndose cuando un concursante o el presentador decía algo considerado gracioso y la reacción del público en vivo era mínima. La risa grabada de Douglass se escuchaba especialmente en los concursos de Chuck Barris (por ejemplo, The Gong Show y The Newlywed Game ^{[ 37 ]} ), cuyos programas estaban diseñados principalmente para entretener a la audiencia; los "premios" solían ser rudimentarios o irónicos. ^{[ 38 ]} Los concursos producidos en CBS Television City y NBC Studios Burbank también se suavizaron, a menudo para intensificar las reacciones del público, incluyendo programas como Press Your Luck (utilizado durante los segmentos "Whammy"). Durante los créditos finales de un concurso típico, el programa utilizaba vítores y aplausos grabados para suavizar los aplausos del público en vivo que los espectadores no escuchaban durante los créditos. Esto era común en los concursos diurnos de CBS y NBC, así como en algunos concursos sindicados desde la década de 1970 hasta la de 1990. Los concursos grabados en los estudios de NBC en Burbank utilizaban tres pistas de aplausos diferentes para animar el programa: una con un público pequeño, otra con un público mediano y otra con un público numeroso con un espectador masculino animado de fondo. Sin embargo, muchos concursos infantiles, la mayoría de los concursos de ABC y la mayoría de las producciones de Mark Goodson y Bill Todman , como The Price Is Right , Match Game y Family Feud , se grababan con público en directo, aunque en raras ocasiones se utilizaban pistas de aplausos.

Todavía había algunos productores que o bien no confiaban en el público en vivo, o producían un programa demasiado complejo para que el público estuviera presente, preferían el método de una sola cámara o no podían permitirse proyectarlo en vivo para que el público reaccionara. En estos casos, Douglass orquestaba las risas grabadas desde cero. Sitcoms como The Brady Bunch , The Partridge Family y M*A*S*H utilizaron el método de una sola cámara durante toda su emisión. ^{[ 11 ]} Varias comedias dramáticas de una hora de duración, como The Love Boat y Eight Is Enough , solo usaban risas grabadas. ^{[ 11 ]}

En los años intermedios, comenzando con películas en vivo, progresando a través de cintas de video y producciones filmadas en estudio sin público en vivo, para luego volver a las grabaciones en vivo, Douglass pasó de simplemente mejorar o retocar una banda sonora, a personalizar literalmente las reacciones de todo el público a cada actuación y, de nuevo, a mejorar y retocar actuaciones grabadas con público en vivo. ^{[ 11 ]}

Durante el apogeo de la década de 1970 en la televisión estadounidense, el dominio de Charles Douglass en el ámbito de las risas enlatadas se enfrentó a un desafío notable en 1977, cuando nuevos competidores comenzaron a ofrecer alternativas a las secuencias de risa características de Douglass. Entre estos competidores destacaba Carroll Pratt , protegido de Douglass y consumado ingeniero de sonido por derecho propio, quien se embarcó en la creación de su empresa, Sound One. ^{[ 39 ]}

Tras haber sido aprendiz de Douglass desde principios de la década de 1960, Pratt y su hermano se percataron de que las metodologías de Douglass estaban desfasadas con respecto a los avances tecnológicos, con una degradación perceptible en la calidad de las pistas de risas de Douglass. Pratt notó un deterioro audible en la calidad del sonido atribuible al desgaste de la biblioteca de cintas de Douglass, agravado por la evolución de la sensibilidad del público hacia el humor de las comedias de situación, lo que requería un enfoque más matizado y moderado para la amplificación de las risas. ^{[ 6 ]}

Consciente de esta dinámica cambiante, Pratt optó por desviarse del paradigma de Douglass, diseñando una "caja de risas" más fácil de usar y técnicamente avanzada que utilizaba tecnología de cinta de casete , en contraste con el aparato de bobina abierta, algo anticuado, de Douglass . Además, la adopción pionera de grabaciones estéreo por parte de Pratt, sincronizada con el surgimiento de las transmisiones de televisión estereofónicas, proporcionó una mejora perceptible en la fidelidad del audio, particularmente en comparación con los esfuerzos de Douglass por adaptar grabaciones mono a formato estéreo. ^{[ 6 ]}

Las innovaciones de Pratt en las pistas de risa supusieron un cambio respecto a las secuencias de risa características de Douglass, ofreciendo una paleta sonora más diversa y naturalista. Si bien conservaban elementos de risa reconocibles, las composiciones de Pratt exhibían una mayor sutileza y contención, evitando la familiaridad manifiesta asociada a las omnipresentes pistas de risa de Douglass. Este cambio tuvo eco en ciertas producciones de comedias de situación, como M*A*S*H y The Love Boat , que se inclinaron por las propuestas de Pratt, especialmente dada su compatibilidad tonal con narrativas más dramáticas. ^{[ 6 ] [ 14 ] [ 39 ]}

Hacia el final de la década, el ascenso de Pratt suplantó la hegemonía de Douglass, evidenciada por la adopción generalizada de las risas enlatadas de Pratt en un amplio espectro de comedias de situación en vivo y de una sola cámara ( Laverne and Shirley , Happy Days , Eight Is Enough , incluyendo producciones de MTM Enterprises ( WKRP in Cincinnati (CBS, 1978–82), Newhart (CBS, 1982–90)). Douglass, obligado a adaptarse al panorama cambiante, emprendió un esfuerzo de revitalización, refinando su biblioteca de risas enlatadas para incorporar composiciones más frescas, a la vez que conservaba vestigios de sus carcajadas características. Sin embargo, la recepción de las ofertas renovadas de Douglass fue mixta, lo que subrayó la hegemonía de Pratt en un mercado cada vez más competitivo. ^{[ 14 ]}

Este cambio trascendental en el uso de risas enlatadas coincidió con transformaciones más amplias en el panorama televisivo, marcadas notablemente por la llegada de las comedias de una sola cámara, impulsadas por entidades como HBO, que prescindieron de las risas enlatadas tradicionales en favor de una estética audiovisual más naturalista. Comedias de una sola cámara como Dream On y The Larry Sanders Show pudieron emitirse sin risas enlatadas y recibieron elogios de la crítica por ello. ^{[ 40 ]} Simultáneamente, las series animadas siguieron el ejemplo, abandonando por completo las risas enlatadas, salvo para usos paródicos ocasionales. Las series animadas que solían emplear risas enlatadas, como Scooby-Doo , las habían descartado por completo en la década de 1990. Sin embargo, las comedias de situación producidas por It's a Laugh Productions , como That's So Raven , utilizan risas enlatadas. ^{[ 41 ]}

La práctica de añadir contenido atractivo a las galas de premios en directo persistió, aunque se sometió a mejoras tecnológicas para garantizar una integración perfecta con las retransmisiones en directo. ^{[ 14 ]}

En el contexto contemporáneo, el resurgimiento de las comedias de situación multicámara como Holliston en plataformas como Fearnet ha propiciado un renacimiento del uso de risas enlatadas, lo que subraya el atractivo perdurable y la resonancia nostálgica de esta venerable tradición televisiva. Sin embargo, la tendencia predominante hacia las producciones monocámara, junto con la evolución de las preferencias de la audiencia, presagia una continua diversificación de las modalidades narrativas audiovisuales en el ámbito televisivo. ^{[ 42 ]}

La práctica de simular la reacción del público fue controvertida desde el principio. ^{[ 43 ]} Una minoría silenciosa de productores despreciaba la idea de una reacción del público pregrabada. ^{[ 11 ]} Douglass era consciente de que su "caja de risas" era vilipendiada por críticos y actores, pero también sabía que el uso de risas enlatadas se convirtió en práctica habitual. ^{[ 43 ]} Los principales expertos de la industria argumentaban que las risas enlatadas eran un mal necesario en la televisión en horario estelar: sin las risas enlatadas, un programa estaba condenado al fracaso. ^{[ 11 ]} Se creía que, en ausencia de cualquier tipo de reacción del público, los espectadores estadounidenses no podían diferenciar entre una comedia y un drama. ^{[ 5 ]} Eso no impidió que varios prescindieran por completo de las risas enlatadas:

• El ex niño actor Jackie Cooper creía que las risas grabadas eran falsas. La comedia dramática de Cooper, Hennesey (CBS, 1959-1962), fue cancelada en 1962 tras tres temporadas. Durante sus dos primeras temporadas, la serie solo utilizó risas grabadas suaves; en la tercera y última temporada, las risas fueron eliminadas por completo. Cooper comentó más tarde: «Estamos creando una reacción a nuestra propia creación, pero nunca sabremos si la gente se ríe de verdad». Cooper concluyó diciendo: «Es una farsa todo el tiempo». ^{[ 5 ]}
• En septiembre de 1964, la comedia dramática Kentucky Jones (NBC, 1964-65), protagonizada por Dennis Weaver , intentó eliminar las risas, tanto simuladas como en vivo. Tras solo cinco episodios y una caída en la audiencia, Douglass fue contratado para añadir las risas grabadas. Kentucky Jones fue cancelada en abril del año siguiente. ^{[ 44 ]}
• Ross Bagdasarian Sr. , creador de la franquicia de Alvin y las Ardillas , se negó rotundamente a utilizar risas enlatadas cuando comenzó la producción de The Alvin Show (CBS, 1961–62) en 1961. El razonamiento de Bagdasarian era que si el programa era gracioso, los espectadores se reirían sin necesidad de que se les incitara. The Alvin Show fue cancelado después de una sola temporada. ^{[ 45 ]}
• El creador de Peanuts, Charles M. Schulz, se negó a utilizar risas grabadas durante la producción del popular especial navideño A Charlie Brown Christmas (CBS, 1965). ^{[ 46 ]} Al igual que Bagdasarian, Schulz sostenía que el público debía poder disfrutar del programa a su propio ritmo, sin que se les indicara cuándo reír. ^{[ 47 ]} Cuando los ejecutivos de CBS vieron el producto final, se horrorizaron y creyeron que el especial sería un fracaso (CBS creó una versión del programa con risas grabadas, por si acaso Schulz cambiaba de opinión; esta versión sigue sin estar disponible).Cuando el especial se emitió por primera vez el 9 de diciembre de 1965, fue un éxito inesperado tanto de crítica como de público. Como resultado de este éxito, todos los especiales posteriores de Peanuts se emitieron sin risas grabadas. ^{[ 48 ]}
• Rocky and His Friends (ABC, 1959–61; NBC, 1961–64 como The Bullwinkle Show ) se emitió originalmente con risas enlatadas, en contra de los deseos de sus creadores, Jay Ward y Bill Scott , quienes se opusieron a su uso por parte de ABC. Dado el ritmo vertiginoso del humor del programa, las risas enlatadas ralentizaban el ritmo y, en ocasiones, interrumpían los diálogos.Tras obtener el apoyo del patrocinador General Mills , Ward y Scott convencieron a ABC, y las risas enlatadas se eliminaron después del cuarto episodio. Si bien las copias sindicadas actuales de estos episodios aún conservan las risas enlatadas, posteriormente se eliminaron de la edición en DVD.
• La comedia musical The Monkees (NBC, 1966–68) incluyó risas enlatadas durante toda su primera temporada y varios episodios de la segunda. A mitad de la segunda temporada, los miembros de la banda The Monkees insistieron en que se eliminara la pista de risas, creyendo que sus espectadores eran lo suficientemente inteligentes como para saber dónde estaban los chistes. NBC , ya molesta por el excesivo control que el grupo de rock quería ejercer sobre su programa, canceló The Monkees tras la conclusión de su segunda temporada, citando la eliminación de las risas enlatadas como un factor importante. ^{[ 11 ]} Peter Tork comentó en 2013 que «no la queríamos desde el principio, pero NBC insistió. Pensé que fue una genialidad cuando la eliminaron en la segunda temporada». ^{[ 49 ]}
• En 2003, al hablar sobre la producción de la comedia de situación Get Smart (NBC, 1965-69; CBS, 1969-70), el productor y guionista Leonard B. Stern se opuso inicialmente al uso de risas enlatadas, dada la naturaleza algo violenta de la serie, calificándolas de "ofensivas". Stern y Mel Brooks cedieron y las primeras temporadas incluyeron una pista de risas más o menos modulada. Las risas enlatadas se volvieron cada vez más intrusivas a medida que la serie se volvía más extravagante en las últimas temporadas. El comediante Don Adams , quien interpretó a Maxwell Smart en Get Smart , supuestamente odiaba las risas enlatadas, y las citaba como motivo para negarse a ver las repeticiones de la serie. En un seminario de reencuentro en honor a la serie en 2003, Adams declaró: "Me ofendió en el episodio piloto, las risas enlatadas. Entraba en una habitación y decía '¡Hola, 99!', ¡y el tipo apretaba el maldito botón! ¿Qué demonios tiene de gracioso '¡Hola!'?" ^{[ 50 ]} En una entrevista de 1995 con Entertainment Weekly al hablar del legado de la serie, Adams afirmó rotundamente que las risas enlatadas eran innecesarias. Por el contrario, en la misma entrevista, la actriz Barbara Feldon , quien interpretó a la Agente 99, fue más indulgente y dijo: «Se necesitan risas enlatadas. La risa inspira risa». ^{[ 51 ]}
• La primera comedia de situación de Bill Cosby , The Bill Cosby Show (NBC, 1969–71), se produjo sin risas enlatadas por insistencia de Cosby. Afirmó que su oposición al deseo de NBC de añadir risas enlatadas provocó la cancelación del programa tras dos temporadas. ^{[ 11 ]}
• Andy Griffith se resistió inicialmente a incluir risas grabadas en The Andy Griffith Show . Su compañero de reparto, Don Knotts, había formado parte del elenco de The Steve Allen Show cuando este pasó de tener público en vivo a usar risas grabadas en su cuarta temporada. Knotts creía que la reacción artificial del público contribuyó al fracaso del programa, una opinión que influyó en la de Griffith. En lugar de risas grabadas, Griffith insistió en proyectar los episodios completos frente a un público, grabar su reacción e insertarla en la banda sonora del programa (una práctica que se volvió más común en las comedias televisivas en los años siguientes). Los primeros episodios incluyen estas reacciones personalizadas del público; sin embargo, el experimento de Griffith resultó demasiado costoso y la cadena insistió en usar risas grabadas de Douglass. Finalmente, Griffith cedió con la condición de que se utilizaran con moderación. ^{[ 52 ]}
• Larry Gelbart , cocreador de M*A*S*H (CBS, 1972–83), inicialmente quería que el programa se emitiera sin risas enlatadas ("Igual que la verdadera Guerra de Corea ", comentó con ironía). Aunque CBS rechazó la idea inicialmente, se llegó a un acuerdo que permitió a Gelbart y al coproductor Gene Reynolds omitir las risas enlatadas durante las escenas de quirófano si así lo deseaban. "Le dijimos a la cadena que bajo ninguna circunstancia permitiríamos risas durante una escena de quirófano mientras los médicos estuvieran trabajando", dijo Gelbart en 1998. "Es difícil imaginar que 300 personas estuvieran ahí riéndose mientras cosían las tripas de alguien". ^{[ 53 ]} Las temporadas 1 a 5 utilizaron las risas enlatadas más intrusivas de Douglass; las risas enlatadas más suaves de Carroll Pratt se emplearon para las temporadas 6 a 11 cuando la serie pasó de comedia de situación a drama cómico con la salida de Gelbart y Reynolds. Varios episodios ("OR", "The Bus", "Quo Vadis, Captain Chandler?", "The Interview", "Point of View" y "Dreams", entre otros) omitieron las risas enlatadas; al igual que casi toda la temporada 11, incluido el final de la serie de 135 minutos, " Goodbye, Farewell and Amen ". ^{[ 11 ]} Las risas enlatadas también se omiten en algunas emisiones internacionales y sindicadas del programa; en una ocasión, durante una emisión en el Reino Unido, las risas enlatadas se dejaron activadas accidentalmente, y los espectadores expresaron su descontento; posteriormente, la cadena emitió una disculpa por la "dificultad técnica". Los lanzamientos en DVD , por su parte, ofrecen al espectador la opción de ver cada episodio con o sin risas enlatadas (aunque las versiones en francés y español no tienen esta opción). Los críticos de DVD del Reino Unido hablan mal de las risas enlatadas, afirmando que "las risas enlatadas son intrusivas en el mejor de los casos, pero con un programa como M*A*S*H , son directamente insoportables". ^{[ 54 ]} "Son una mentira", dijo Gelbart en una entrevista de 1992. "Le estás diciendo a un ingeniero cuándo presionar un botón para producir una risa de personas que no existen. Es tan deshonesto. Los programas más importantes cuando estábamos al aire eran All in the Family y The Mary Tyler Moore Show, ambos grabados con público en vivo en el estudio, donde la risa tenía sentido", continuó Gelbart. "Pero nuestro programa era un programa de cine, supuestamente filmado en medio de Corea . Así que la pregunta que siempre le hacía a la cadena era: '¿Quiénes son estas personas que se ríen? ¿De dónde vienen? ' "Gelbart convenció a CBS para que probara el programa en proyecciones privadas con y sin risas enlatadas. Los resultados no mostraron ninguna diferencia apreciable en el disfrute del público. "¿Sabes lo que dijeron?", dijo Gelbart. "'Como no hay diferencia, ¡dejémoslo así!' Quienes defienden las risas enlatadas no tienen sentido del humor." ^{[ 55 ]} Gelbart resumió la situación diciendo: "Siempre pensé que le restaba valor al programa. La cadena se salió con la suya. Estaban pagando la cena." ^{[ 56 ]}
• La comedia de situación Police Squad!, que parodiaba las series policíacas , no utilizó risas enlatadas en ninguno de sus seis episodios. La decisión de no incorporarlas fue a petición de sus creadores, el trío Zucker-Abrahams-Zucker , ya que la mayor parte del humor del programa provenía de sucesos que ocurrían en primer plano o en segundo plano en diversas escenas. ^{[ 57 ] [ 58 ]}
• Otra comedia satírica policial, Sledge Hammer! (ABC, 1986–88), utilizó risas enlatadas durante los primeros 13 episodios de su primera temporada, algo que su creador, Alan Spencer, no aprobó. Tras meses de disputas con ABC, Spencer logró dejar de añadir risas a partir del episodio 14, " State of Sledge ". ^{[ 59 ]}
• La comedia de situación Dinosaurs (ABC, 1991–94) inicialmente incluía risas enlatadas. Ante la insistencia de los coproductores Brian Henson y Michael Jacobs , finalmente se eliminó a medida que la serie ganaba popularidad.
• Sports Night (ABC, 1998–2000) se estrenó con risas grabadas, en contra de los deseos del creador de la serie, Aaron Sorkin , pero estas se fueron atenuando a medida que avanzaba la temporada y se eliminaron por completo al comienzo de la segunda temporada.En algunos casos, las risas grabadas eran necesarias para mantener la continuidad, ya que partes de cada episodio se filmaban con público en vivo, mientras que el resto se filmaba sin público presente.
• La nueva versión de Saved by the Bell de 2020 es una comedia de situación grabada con una sola cámara que eliminó por completo al público en directo y las risas grabadas, lo que supone una gran diferencia con respecto a la serie original .

Algunas personas, incluyendo creadores de comedias famosas y fanáticos de las comedias de situación estilo documental , critican las risas enlatadas. Sin embargo, siguen siendo habituales en la televisión. Muchas comedias de situación las utilizan; siete comedias de situación multicámara las usan en la televisión abierta, en comparación con cinco comedias de situación monocámara que no las usan. Las risas enlatadas pueden provenir de una audiencia en vivo en el estudio, de la Laff Box (que contiene 320 risas diferentes grabadas en la década de 1950) o de archivos de sonido digitales. Siguen siendo populares porque atraen al público de una manera que fomenta la risa. ^{[ 60 ]}

En la segunda mitad del siglo XX, la mayoría de las comedias de situación en el Reino Unido se grababan con público en directo para obtener risas naturales. Las escenas grabadas al aire libre, tradicionalmente grabadas antes del trabajo en el estudio, se reproducían para el público presente en el estudio, y sus risas se grababan para el episodio emitido (en ocasiones, programas completos se han grabado de esta manera, por ejemplo, las últimas temporadas de Last of the Summer Wine y Keeping Up Appearances ).

Una notable excepción al uso de público en vivo fue The Kenny Everett Video Show de Thames Television , cuyas risas grabadas consistían en reacciones espontáneas del equipo de producción a los sketches. Esta técnica se mantuvo durante sus cuatro años de emisión, incluso cuando el programa se trasladó a estudios más grandes y su enfoque pasó de la música a la comedia. Las series posteriores de Everett para la BBC ( The Kenny Everett Television Show ) se grabaron con público en vivo en el estudio.

A principios de la década de 1980, la política de la BBC era que los programas de comedia se emitieran con risas grabadas, aunque los productores no siempre estaban de acuerdo en que esto se ajustara a sus programas. ^{[ 61 ]} Como resultado, se grabó una pista de risas para el primer episodio de La guía del autoestopista galáctico , pero se eliminó antes de la emisión. ^{[ 61 ]} La Liga de los Caballeros se emitió originalmente con risas grabadas, pero se eliminó después de la segunda temporada del programa. ^{[ 62 ]}

El episodio piloto de la serie satírica Spitting Image también se emitió con risas grabadas, aparentemente por insistencia de Central Television . Esta idea se descartó ya que los productores del programa consideraron que funcionaba mejor sin ellas. Algunas ediciones posteriores, en 1992 (Especial de Elecciones) y 1993 (dos episodios), sí utilizaron risas grabadas, ya que se grabaron en directo frente a un público en el estudio e incluyeron una parodia de Question Time . ^{[ 63 ]}

La mayoría de los episodios de Only Fools and Horses cuentan con público en el estudio; las excepciones, que no presentaban risas en absoluto, fueron todos los especiales de Navidad, "To Hull and Back", "A Royal Flush" y la segunda parte de "Miami Twice". Para sus lanzamientos en DVD, "A Royal Flush" (que fue editado para eliminar más de 20 minutos de metraje) incluyó risas grabadas, al igual que la segunda parte de "Miami Twice" (que se fusionó con la primera parte para crear Miami Twice: The Movie ).

A partir de finales de la década de 1990, comedias como The Royle Family y The Office fueron pioneras en un estilo de cine verité sin risas del público. Esta tendencia se mantuvo en gran medida en las comedias de situación del siglo XXI. Si bien Green Wing no incluye risas del público, en parte debido a su naturaleza surrealista, sí utiliza técnicas inusuales de filmación , donde la grabación del episodio se ralentiza inmediatamente después de un chiste. Mrs. Brown's Boys y Still Open All Hours son ejemplos notables de un regreso al formato anterior con público en el estudio.

En el panorama de las comedias televisivas canadienses contemporáneas, la tendencia predominante es evitar la incorporación de risas enlatadas. Sin embargo, existen excepciones notables, como la comedia de situación Maniac Mansion (1990-1993) y el programa infantil The Hilarious House of Frightenstein (1971), que, a pesar de haberse originado en Canadá sin risas enlatadas, incluyó este elemento en sus emisiones estadounidenses.

La evolución del uso de risas enlatadas en la televisión canadiense se ejemplifica aún más con la trayectoria de la serie de comedia infantil You Can't Do That on Television (1979-1990). Inicialmente ausente durante su temporada inaugural como programa de televisión local, la introducción de risas enlatadas coincidió con su transición a la televisión nacional canadiense bajo el título Whatever Turns You On . Estas risas enlatadas, compuestas principalmente por risas infantiles con la inclusión intermitente de reacciones de adultos, resaltaban la singularidad del programa. Sin embargo, la consistencia y efectividad de las risas enlatadas variaron a lo largo de las temporadas.

A lo largo de la serie, se aprecian fluctuaciones notables en la implementación y la calidad de las risas enlatadas. Los episodios de 1981 destacan por su variada selección de risas, lo que contribuye a una experiencia auditiva auténtica. En contraste, la temporada de 1982, que coincidió con el estreno de la serie en el canal de cable estadounidense Nickelodeon , mostró una reducción en la variedad de risas utilizadas. Además, la introducción de las risitas enlatadas de Carroll Pratt, que recuerdan a las risas enlatadas empleadas en populares comedias estadounidenses como Happy Days y What's Happening!! , introdujo un cambio de tono significativo.

Los ajustes posteriores en la composición de las risas grabadas buscaban mitigar los problemas de repetición y mejorar la diversidad auditiva. En particular, la segunda mitad de la temporada de 1982 presentó una mezcla de diferentes muestras de risa, junto con la incorporación de la pista de risitas. Sin embargo, la calidad de las risas grabadas experimentó fluctuaciones, evidentes en las pistas de 1983, que eran notablemente más apagadas y estaban mal editadas.

Los esfuerzos por subsanar estas deficiencias culminaron en mejoras en 1984, con risas grabadas similares a las utilizadas en la temporada de 1982, aunque sin la pista de risitas. Cabe destacar que la introducción de una nueva pista de risas infantiles en 1986, caracterizada por muestras de risa claramente más jóvenes, buscaba conectar con el público objetivo de la serie.

Tras su relanzamiento en 1989, la serie adoptó un enfoque híbrido, utilizando risas enlatadas de las versiones de 1981 y 1986, lo que subraya la continua evolución y adaptación de la estética de las risas enlatadas en el contexto de la producción televisiva canadiense.

I Love My Family , la primera comedia de situación multicámara de China continental , utilizó público en directo en el estudio. Algunas comedias de una sola cámara, como iPartment , utilizaron risas grabadas.

Las risas enlatadas se utilizan habitualmente en programas de variedades para lograr un efecto cómico. Algunos ejemplos son Super Sunday , Kangxi Lai Le , Variety Big Brother y Home Run .

Varios países latinoamericanos, como Argentina, sustituyen las risas grabadas por un grupo de personas fuera de cámara, pagadas específicamente para reír a petición del público cuando la situación cómica lo amerita. Conocidos como reidores , un reidor veterano indica a los demás cuándo reír. En otros países, como México , se declaró abiertamente que las comedias sin reacciones del público no tenían risas grabadas por respeto a su audiencia, especialmente programas de Chespirito como El Chapulín Colorado y El Chavo del Ocho , con el locutor en los créditos iniciales declarando: «Por una cuestión de respeto al público, este programa no contiene risas grabadas». ^{[ 64 ]}

En el ámbito de la comedia televisiva francesa, la convención predominante es evitar el uso de risas enlatadas. Sin embargo, se produjo una notable desviación de esta tendencia en las producciones de AB Productions , dirigida por Jean-Luc Azoulay , ejemplificada especialmente por series como Hélène et les Garçons y sus posteriores spin-offs . Estas series interconectadas, caracterizadas por su adhesión a las convenciones de la sitcom, incluyendo una duración aproximada de veinte minutos y una configuración predominantemente de una sola cámara, prescindieron de la presencia de público en el estudio. La ausencia de participación del público en vivo se debió a las exigencias de la producción, caracterizadas por estrictos plazos de edición y sesiones de rodaje principales truncadas, lo que hacía inviable la integración de risas reales del público.

Las críticas dirigidas a estas producciones se centraron en diversos aspectos, desde deficiencias en la dirección y las interpretaciones hasta la contratación de actores no profesionales. Además, el intento de emular los formatos de las series de televisión estadounidenses, combinando elementos de comedias de situación, telenovelas y dramas juveniles, suscitó considerables críticas, con especial atención al supuesto uso excesivo de risas enlatadas. Esta emulación se consideró una dilución de la autenticidad y la especificidad cultural de la comedia televisiva francesa, favoreciendo en cambio un enfoque formulado fuertemente influenciado por las normas transatlánticas.