Ellen Harvey

La obra figurativa temprana de Harvey exploró los límites de la representación, las relaciones entre el artista y el público, la memoria y el papel o la obsolescencia de la pintura en una era tecnológica. A menudo contrastaba las propiedades de la pintura (como laboriosa, falible, humana, perdurable) y la fotografía (como inmediata, indexical, hecha a máquina, efímera, barata). ^{[ 38 ] [ 16 ] [ 46 ]} ID Card Project (1998) fue una colección diarística de 25 pequeños autorretratos pintados copiados de tarjetas de identificación de entre 14 y 31 años. ^{[ 45 ]} Para I See Myself in You (2001), Harvey vistió y posó a amigos adultos para imitar fotografías teatrales de su infancia, luego tomó Polaroids y pintó retratos a partir de ellas, dos por cada imagen original. ^{[ 38 ] [ 36 ] [ 31 ]}

100 Free Portraits y I Am a Bad Camera (ambas de 2001) fueron exploraciones irónicas de la relación artista/modelo. ^{[ 44 ] [ 47 ]} En la primera, Harvey se hizo pasar por retratista callejera, ofreciendo retratos a lápiz de 15 minutos a cambio de evaluaciones escritas de las imágenes; la segunda fue un video de 30 minutos de su mano dibujando un retrato, proyectado en un bloc de papel y acompañado por la voz en off del modelo quejándose cortésmente del parecido. ^{[ 10 ] [ 44 ] [ 47 ]} Retomó estas ideas en su performance 100 Visitors to the Biennial Immortalized y sus diversos "Autorretratos invisibles" (2008, abajo), en los que pintó su imagen en espejos, oscurecida por un flash fotográfico. ^{[ 48 ] [ 49 ] [ 5 ]}

Harvey ha creado a menudo copias, retraducciones y colecciones de obras de arte o materiales culturales con un tono inexpresivo para comentar sobre la política de selección, exhibición, significado y legitimidad en el arte. ^{[ 10 ] [ 35 ] [ 5 ]} Para A Whitney for the Whitney at Philip Morris (2003), creó un simulacro de museo transitable : 394 reproducciones del tamaño de una postal de la colección de arte permanente del museo, copiadas de su catálogo y pintadas al estilo de un salón directamente en las paredes que rodean la galería de la sucursal del museo, enmarcada a su vez en oro. ^{[ 10 ] [ 35 ]} Entre sus copias, Harvey cortó ranuras de tamaño similar en las paredes, que revelaban obras de arte reales, recién adquiridas y bien iluminadas, que el crítico Ken Johnson escribió que flotaban con una "vivacidad alucinatoria", creando un "juego mágico con diferentes dimensiones de la experiencia visual". ^{[ 10 ] [ 45 ]} La presentación rutinaria de Harvey —alfabética, con reducción de todo a pequeñas pinturas de pinceladas— representó lo que los críticos describieron como una nivelación humorística pero agresiva de las jerarquías de calidad y valor y el estatus presunto de los museos. ^{[ 10 ] [ 44 ] [ 45 ]}

Harvey varió estas estrategias en dos instalaciones encargadas. El Museo Nudista ( Bass Museum of Art, 2010–2) examinó las obsesiones históricas y contemporáneas con el cuerpo a través de un grupo compacto de 54 reproducciones copiadas selectivamente, enmarcadas en dorado, de cada desnudo en la colección Bass que se colgaron al estilo de un salón sobre una pared con collages de desnudos de revistas pornográficas, de moda y de fitness. ^{[ 50 ] [ 8 ] [ 51 ] [ 52 ]} Las instalaciones posteriores del Museo Nudista incluyeron una exhibición de postales y la Tienda de Regalos del Museo Nudista , que presentaba retratos de objetos kitsch formados a partir de desnudos o partes del cuerpo. ^{[ 8 ] [ 53 ] [ 54 ] [ 55 ]} Pintura sobre Metal (2015) ^{[ 56 ]} fue encargada como complemento de una exposición histórica sobre trabajos en metal en la Fundación Barnes . Consistió en 887 retratos de siluetas al óleo sobre tabla, con impasto , de cada pieza de trabajo en metal en la colección. ^{[ 9 ] [ 13 ] [ 57 ] [ 58 ]} Montados magnéticamente al estilo de un salón en una disposición móvil y entrelazada, reflejaban la curaduría idiosincrásica del fundador del museo de objetos funcionales junto con pinturas neoimpresionistas y modernistas tempranas . ^{[ 13 ] [ 9 ] [ 59 ]}

En su Museo del Fracaso en dos partes (2007–8, Bienal de Whitney), ^{[ 60 ]} Harvey catalogó la naturaleza tensa de la coherencia y la comunicación artísticas. ^{[ 14 ] [ 6 ] [ 5 ]} La Colección de Sujetos Imposibles presentaba una pared de espejo retroiluminada, grabada a mano con una colección de estilo salón de rectángulos lijados brillantes y ornamentados; visible a través de una abertura estaba Autorretrato Invisible en Mi Estudio , una gran pintura trampantojo que representaba fragmentos de estudio y autorretratos idénticos, enmarcados y representados, basados ​​en fotografías que Harvey tomó en un espejo, con flashes de cámara que ocultaban su rostro. ^{[ 6 ] [ 14 ] [ 5 ]} El crítico de Art in America , Gregory Volk, la describió como una deconstrucción "visualmente impactante" del proceso de creación y exhibición que evocaba cosas invisibles, incomprensibles o no representadas en los museos. ^{[ 6 ]}

Harvey recurre frecuentemente a la idealización de ruinas y fragmentos propia de la tradición romántica , reformulando los ciclos de producción cultural para explorar falacias y fallos relacionados con la representación, la comunicación, la permanencia y la ideología. ^{[ 61 ] [ 1 ] [ 62 ] [ 12 ] [ 63 ]} Para el encargo de arte público Repeat (2013, Bossuit, Bélgica), «des-restauró» una iglesia de pueblo desacralizada tras la Primera Guerra Mundial que había caído en desuso y deterioro, retirando el tejado, los pilares interiores y el mobiliario ritual y transformándola en una plaza pública multiusos-ruina artificial; un nuevo suelo de terrazo incorporó trazas esquemáticas de los elementos retirados y un patrón gris que evoca las sombras de la iglesia anterior, en ruinas tras su bombardeo. ^{[ 64 ] [ 65 ] [ 66 ] [ 12 ]}

En varias instalaciones de espejos, Harvey reimaginó sus sitios en estados ruinosos, elegíacos y de ciencia ficción. ^{[ 62 ] [ 12 ]} Mirror (2005, Academia de Bellas Artes de Pensilvania ) recreó una gran escalera neogótica como una ruina pintoresca en cuatro paneles de espejo fantasmales, retroiluminados y grabados a mano en una rotonda oscura. ^{[ 61 ] [ 62 ]} Estaban acompañados de proyecciones de video que documentaban a Harvey grabando las imágenes en los espejos o dibujando los edificios anteriores de la academia; al completarse, se rompían o estallaban en llamas simultáneamente. ^{[ 61 ] [ 29 ] [ 7 ]} Para Ruins Are More Beautiful (2009, Centro de Arte Contemporáneo, Castillo Ujazdowski), cubrió las ventanas y puertas de un espacio de exhibición renovado con grabados en espejos que representaban el castillo circundante reducido a un páramo boscoso. ^{[ 12 ] [ 19 ]} Reforestación (2013) superpuso un grabado reflejado de ruinas de la era posdigital repletas de equipos electrónicos sobre la imagen reflejada de una oficina real del Servicio de Impuestos Internos ; en el exterior, Harvey instaló Fósiles (2013), esculturas talladas en mármol blanco que presentan vestigios fosilizados de la misma tecnología. ^{[ 1 ]}

La exposición absurda de Harvey, The Alien's Guide to the Ruins of Washington, DC (2013, Corcoran Gallery), invocaba una Tierra futura excavada por extraterrestres que debían reconstruir la cultura perdida basándose únicamente en su arquitectura. ^{[ 11 ] [ 67 ] [ 68 ]} Basándose en las ruinas clásicas y neoclásicas que encuentran en todo el mundo —expuestas en The Pillar-Builder Archive (2013), una sala con 4000 postales clasificadas como extraterrestres de tales estructuras—, malinterpretan enormemente a la humanidad como una especie acuática, igualitaria y trisexual unificada por la construcción de pilares. ^{[ 11 ] [ 67 ] [ 69 ]} George Pendle de Frieze describió la exposición —que incluía un puesto de recuerdos alienígenas pintado a mano y de tamaño natural , una guía turística de lugares reales de DC y una nave espacial alienígena inspirada en pilares— como un examen "menos sombríamente distópico que felizmente perturbador" de la ubicuidad de lo clásico en los vocabularios mundiales de poder y las construcciones de la memoria cultural. ^{[ 11 ] [ 67 ] [ 70 ]}

Harvey ha empleado motivos paisajísticos y cartográficos en New York Beautification Project , instalaciones multifacéticas y mosaicos públicos. ^{[ 39 ]} Observations Concerning the Picturesque (2009, SMAK ) y Rooms of Sublime Wallpaper (I & II, 2008) examinaron nociones privilegiadas del paisaje pintoresco; la primera incluía una guía de pastiche supuestamente escrita por el artista paisajista William Gilpin , un archivo inventado de sus obras y letreros y recorridos relacionados en un parque real. ^{[ 33 ]}

Arcade/Arcadia (2011–7) fue encargada para la inauguración de Turner Contemporary en Margate . Examinaba lo sublime, lo efímero y la pérdida, yuxtaponiendo el estatus idílico que alguna vez tuvo la ciudad costera como balneario y refugio para JMW Turner y su declive socioeconómico contemporáneo. ^{[ 71 ] [ 72 ] [ 73 ] [ 74 ]} Harvey construyó una versión esquelética de la galería londinense de Turner, colgada con 34 espejos retroiluminados y grabados a mano que imitaban la exposición en el momento de su muerte, la cual mostraba una vista panorámica del Margate contemporáneo, más decadente. ^{[ 17 ] [ 71 ] [ 75 ] [ 74 ]} Los críticos la describieron como "ingeniosa y conmovedora", ^{[ 17 ]} y "una combinación de casa de la risa y casa encantada... más espiritual que secular". ^{[ 65 ]} El proyecto posterior de Harvey, The Disappointed Tourist (2019– ), revisó estos temas a través de un archivo pintado de lugares que ya no existen —desde parques de atracciones hasta monumentos clásicos y restaurantes temáticos recordados de la infancia— que los encuestados enviaron en línea como lugares que desearían poder volver a visitar. ^{[ 76 ] [ 77 ]} La instalación del proyecto en Turner Contemporary (2021) consistió en más de 220 pinturas colgadas en una cuadrícula enorme y colocadas en diálogo con obras de Turner (bocetos de ruinas romanas y vistas costeras de Margate). Frieze describió su efecto como "algo bastante triste, como una pared de rostros de personas desaparecidas después de un desastre". ^{[ 76 ] [ 78 ]} La instalación del proyecto en el Museum der Moderne Salzburg (2021) fue descrita como un intento de "localizar recuerdos existenciales", mapeando un espectro que abarcaba desde experiencias traumáticas (guerra, racismo y desastre ecológico) hasta pérdidas más mundanas causadas por el cambio tecnológico o la gentrificación. ^{[ 77 ]}

En The Unloved (2015, Museo Groeninge, Brujas) Harvey mapeó representaciones en competencia del puerto de Brujas en una instalación de cinco salas que se desplegaba histórica y geográficamente. ^{[ 12 ] [ 46 ] [ 21 ]} Un lado presentaba las grandes pinturas en escala de grises de Harvey de vistas satelitales contemporáneas de la ciudad, incrustadas con espejos; frente a ellas, grandes paredes espejadas perforadas con aberturas rectangulares revelaban paredes ocultas que contenían pinturas históricas de Brujas instaladas cronológicamente que ella "rescató" del depósito de almacenamiento del museo. ^{[ 21 ] [ 46 ] [ 12 ]} Para Atlantis (2019, Miami Beach), ^{[ 79 ]} Harvey instaló una pared de espejo soplado a boca de 10 por 100 pies grabada con su pintura de una vista satelital que mapeaba una franja diagonal de Florida desde el Golfo de México a través de los Everglades hasta Miami Beach y el Océano Atlántico; Al reflejar a los visitantes, la imagen parece flotar en respuesta a las cambiantes condiciones de luz, aludiendo a la relación íntima e incómoda de Florida con su nivel freático. ^{[ 3 ] [ 21 ] [ 18 ] [ 80 ]} Ella reelaboró ​​el diseño para Atlantis en una pintura de 10 x 100 pies, Mermaid: Two Incompatible Systems Intimately Linked (2019), que contrasta más directamente lo natural con el paisaje hecho por el hombre. ^{[ 18 ]} En la obra pública You Are Here (2013, con Jan Baracz, Aeropuerto Internacional de Filadelfia), Harvey y Baracz diagramaron la aproximación del vuelo al aeropuerto en un gran banco de ventanas arenadas y aerografiadas; Network (2019) traza la red de transporte de Boston en mosaico, con sirenas casi invisibles que representan las contribuciones de las ingenieras de transporte. ^{[ 81 ] [ 21 ] [ 19 ]}

Los mosaicos públicos de Harvey , Look Up Not Down (2005, estación de metro Queens Plaza) y Home of the Stars (2009, estación Metro-North del Yankee Stadium), emplearon vistas a nivel del suelo, respectivamente, de los horizontes de Manhattan y Queens y el cielo del Bronx en una progresión de 11 paneles desde la luz del día llena de nubes hasta la noche estrellada. ^{[ 82 ] [ 21 ] [ 83 ]} Los mosaicos Green Map (2019, San Francisco) y Mathematical Star (2013, Brooklyn, Marcy Plaza) emplearon estrategias más metafóricas, invirtiendo la cartografía tradicional para resaltar solo los espacios naturales protegidos locales en el primero, y representando el barrio de Bedford-Stuyvesant en un patrón de colcha de diseños de diamantes basados ​​en fotografías de dieciocho lugares emblemáticos del barrio seleccionados por la junta comunitaria local en el segundo. ^{[ 21 ] [ 3 ] [ 84 ]}