El resurgimiento del grabado

El resurgimiento del grabado fue la reaparición y revitalización de esta técnica como forma original de impresión durante el período comprendido aproximadamente entre 1850 y 1930. Los principales centros fueron Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos, pero otros países, como los Países Bajos, también participaron. Se desarrolló un sólido mercado de coleccionistas, donde los artistas más cotizados alcanzaron precios muy elevados. Este fenómeno llegó a un abrupto final tras el crac de Wall Street de 1929, que hundió lo que se había convertido en un mercado muy fuerte entre los coleccionistas, en un momento en que el estilo típico del movimiento, aún basado en las tendencias del siglo XIX, se estaba quedando obsoleto. ^{[ 1 ]}

Según Bamber Gascoigne , la «característica más visible del movimiento... era una obsesión por el tono superficial », creado al no limpiar deliberadamente toda la tinta de la superficie de la plancha de impresión, de modo que partes de la imagen presentaban un tono claro debido a la película de tinta restante. Esta y otras características reflejaban la influencia de Rembrandt , cuya reputación había alcanzado por entonces su máximo apogeo. ^{[ 2 ]}

Aunque algunos artistas poseían sus propias imprentas, el movimiento creó la nueva figura del impresor estrella, quien trabajaba en estrecha colaboración con los artistas para explotar todas las posibilidades de la técnica del grabado, con entintado variable, tono de superficie y retroimpresión , y el uso de diferentes papeles. Las sociedades y revistas también fueron importantes, publicando álbumes de grabados originales variados de diferentes artistas en ediciones fijas. ^{[ 3 ]}

Los temas más comunes eran paisajes y vistas urbanas, retratos y escenas de género de gente común. Los temas mitológicos e históricos, aún muy prominentes en la pintura contemporánea, rara vez aparecen. El aguafuerte era la técnica dominante, pero muchas planchas lo combinaban con la punta seca en particular; la acción básica de crear las líneas en la plancha para estas era esencialmente la misma que en el dibujo , y bastante fácil de aprender para un artista entrenado. A veces se utilizaban otras técnicas de grabado en hueco : grabado , mezzotinta y aguatinta , todas las cuales utilizaban acciones más especializadas en la plancha. Los artistas entonces tenían que aprender los misterios de "morder" la plancha con ácido; ^{[ 4 ]} esto no era necesario con la punta seca pura, que era uno de sus atractivos.

Durante el siglo posterior a la muerte de Rembrandt, las técnicas de aguafuerte y punta seca, llevadas a su máximo esplendor por él, declinaron gradualmente. A finales del siglo XVIII, con brillantes excepciones como Piranesi , Tiepolo y Goya, la mayoría de los aguafuertes eran reproductivos o ilustrativos. ^{[ 5 ]} En Inglaterra, la situación era algo mejor, con Samuel Palmer , John Sell Cotman , John Crome y otros que produjeron excelentes aguafuertes originales, principalmente de paisajes, en las primeras décadas del siglo XIX. El Etching Club , fundado en 1838, continuó manteniendo la técnica, publicando, entre otras cosas, pequeñas ediciones de obras clásicas de la literatura inglesa ilustradas con aguafuertes originales de grupos de sus miembros. ^{[ 6 ]}

A medida que avanzaba el siglo, los nuevos avances técnicos, especialmente la litografía , que gradualmente logró imprimir con éxito en color , redujeron aún más el uso del grabado. El estilo típico del renacimiento del grabado comienza realmente en Francia con los grabados de la Escuela de Barbizon en las décadas de 1840 y 1850. Varios artistas, principalmente pintores, produjeron grabados de paisajes que parecían recuperar parte del espíritu del grabado de los antiguos maestros . Charles-François Daubigny , Millet y, especialmente, Charles Jacque produjeron grabados que se diferenciaban de las planchas de reproducción muy trabajadas del siglo anterior. ^{[ 7 ]} Los paisajes urbanos oscuros, grandiosos y a menudo de formato vertical de Charles Meryon , también en su mayoría de la década de 1850, proporcionaron modelos para un tipo de tema y estilo muy diferente que se mantendría en uso hasta el final del renacimiento, aunque más en Gran Bretaña que en Francia. ^{[ 8 ]}

El recubrimiento de planchas con acero fue un desarrollo técnico patentado en 1857 que «revolucionó de inmediato el negocio de la imprenta». ^{[ 9 ]} Permitió añadir una capa muy fina de hierro a una plancha de cobre mediante galvanoplastia . Esto hizo que las líneas en las planchas fueran mucho más duraderas, y en particular la frágil «rebaba» producida por el proceso de punta seca duraba mucho más que con el cobre solo, por lo que se podía producir un mayor (aunque todavía pequeño) número de impresiones ricas y con rebabas. Francis Seymour Haden y su cuñado, el estadounidense James McNeill Whistler, fueron de los primeros en explotar esta técnica, y la punta seca se convirtió en una técnica más popular de lo que había sido desde el siglo XV, todavía combinada a menudo con el aguafuerte convencional. Sin embargo, el recubrimiento con acero podía conllevar una pérdida de calidad. ^{[ 10 ]} No debe confundirse con el grabado en acero sobre planchas totalmente de hierro, popular en el mismo período pero casi siempre para mezzotintas e impresión comercial. ^{[ 11 ]}

Varias personas fueron de especial importancia para el renacimiento del grabado francés. El editor Alfred Cadart , el impresor Auguste Delâtre y Maxime Lalanne , grabador que escribió un popular manual de grabado en 1866, establecieron los contornos generales del movimiento. Cadart fundó la Société des Aquafortistes en 1862, reavivando el aprecio por el grabado bello y original entre los coleccionistas. ^{[ 12 ]} Charles Meryon fue una de las primeras inspiraciones y un estrecho colaborador de Delâtre, exponiendo las diversas técnicas posibles del grabado moderno y produciendo obras que se equipararían a las de Rembrandt y Durero . ^{[ 13 ]}

Para Hamerton y otros, el padre del renacimiento del grabado británico fue Francis Seymour Haden, el cirujano grabador, quien, junto con su cuñado, el estadounidense James McNeill Whistler, produjo una obra que comenzó alrededor de 1860 y que aún se erige como uno de los puntos culminantes de la historia del grabado. ^{[ 14 ]} Haden era coleccionista y autoridad en los grabados de Rembrandt y no sorprende que, cuando Whistler, el más joven, comenzó a mostrar signos de alejarse del modelo del siglo XVII, Haden y él se separaron. Figuras de otros países incluyeron a Edvard Munch en Noruega, ^{[ 15 ]} Anders Zorn en Suecia y Käthe Kollwitz en Alemania. ^{[ 16 ]}

Fue Whistler quien convenció al artista Alphonse Legros , uno de los miembros del Renacimiento francés, de venir a Londres en 1863; más tarde fue profesor en la Slade School of Fine Art . ^{[ 14 ]} Esta vinculación del arte de ambos países, aunque efímera, contribuyó en gran medida a validar el grabado como forma de arte. Muy pronto, el grabado francés mostraría los mismos rasgos modernistas que el arte francés en general, mientras que el grabado inglés y estadounidense se mantuvo fiel al tipo de destreza técnica y temática que los artistas veneraban en Rembrandt. Un aspecto distintivo del renacimiento, en contraste con el período de los Antiguos Maestros, fue el interés por otorgar cualidades únicas a cada impresión de un grabado. ^{[ 17 ]}

Los artistas que se dedicaban exclusivamente o principalmente al grabado, y generalmente al dibujo, eran pocos. Meryon, que era daltónico y, por lo tanto, prácticamente no podía pintar, ^{[ 18 ]} es probablemente el más significativo. Haden, que estrictamente hablando era un aficionado, es otro ejemplo. La mayoría de los artistas continuaron trabajando con pintura, pero mientras que algunos son recordados principalmente por sus grabados ( Félix Bracquemond , Bone y Cameron, por ejemplo), otros alcanzaron la fama en el medio más prestigioso de la pintura, y tiende a olvidarse que también fueron grabadores. Degas , Manet y Picasso son ejemplos de esto; Whistler quizás sigue siendo conocido por ambas disciplinas. ^{[ 19 ]}

Aunque los teóricos del movimiento tendían a concentrarse en grabados monocromáticos con las técnicas tradicionales de aguafuerte, punta seca y algunos grabados a media tinta, y el término «renacimiento del aguafuerte» (y por lo tanto este artículo) se refiere principalmente a obras realizadas con estas técnicas, muchos artistas también utilizaron otras, especialmente fuera de Gran Bretaña. Los franceses, y más tarde los estadounidenses, mostraron gran interés en la realización de litografías , y a la larga esta técnica se consolidó como la dominante en el grabado artístico, especialmente en el siglo siguiente, tras la notable mejora de las posibilidades de uso del color. ^{[ 20 ]} Los mismos artistas de la escuela de Barbizon que utilizaban el aguafuerte fueron los principales usuarios de la técnica semifotográfica del cliché verre , similar al aguafuerte, entre las décadas de 1850 y 1870. ^{[ 21 ]}

La moda del japonismo a partir de la década de 1870 impulsó particularmente el movimiento hacia el color, ya que las coloridas xilografías japonesas ukiyo-e comenzaron a verse y admirarse en Europa. La situación era inversa en Japón en comparación con Europa, con grabados multicolores pero una tradición aún fuerte de pinturas monocromáticas con tinta y aguada , pocas de las cuales se veían en Europa. Muchos grabadores intentaron sus propios métodos para lograr efectos similares, ^{[ 22 ]} siendo los grabados muy complejos de Mary Cassatt , incluyendo el entintado à la poupée , algunos de los más efectivos. ^{[ 23 ]} Los grabadores japoneses usaban múltiples bloques de madera, uno para cada color, y hubo una especie de renacimiento en el grabado en madera , ^{[ 24 ]} en el que casi ningún artista serio había trabajado desde el siglo XVI. ^{[ 25 ]}

Aunque los estilos y técnicas típicos del renacimiento artístico cayeron en desuso después de 1930, el interés por el grabado artístico ha perdurado, y artistas importantes aún producen grabados con frecuencia, generalmente utilizando la presentación de edición limitada firmada que el renacimiento popularizó. Si bien las litografías son generalmente más comunes, una serie excepcional que utiliza el aguafuerte tradicional es la Suite Vollard de 100 aguafuertes de Pablo Picasso , "sin duda el mayor grabador del siglo XX", producida entre 1930 y 1937 y nombrada en honor a Ambroise Vollard (1866-1939), el marchante de arte que los encargó. ^{[ 26 ]}

Artistas posteriores

En Francia, la década de 1890 vio otra ola de productividad en el grabado, con una gran diversidad de técnicas, temas y estilos. La revista-álbum L'Estampe originale (que no debe confundirse con la similar L'Estampe Moderne de 1897-1899, que era exclusivamente litografías y se inclinaba más hacia el Art Nouveau ) publicó nueve números trimestrales entre 1893 y 1895, que contenían un total de 95 grabados originales de un distinguido grupo de 74 artistas. De estos grabados, 60 eran litografías, 26 en las diversas técnicas de intaglio (un tercio de ellas en color), 7 xilografías, un grabado en madera y un gypsógrafo . ^{[ 27 ]}

Los temas presentan un número notablemente elevado de figuras en comparación con décadas anteriores, y entre los artistas figuran Whistler, Toulouse-Lautrec , Gauguin , Renoir , Pissarro , Paul Signac , Odilon Redon , Rodin , Henri Fantin-Latour , Félicien Rops y Puvis de Chavannes . Casi todos los miembros de Les Nabis contribuyeron: Pierre Bonnard , Maurice Denis , Paul Ranson , Édouard Vuillard , Ker-Xavier Roussel , Félix Vallotton y Paul Sérusier . Entre los artistas británicos figuraban William Nicholson , Charles Ricketts , Walter Crane y William Rothenstein , y además de Whistler, Joseph Pennell era estadounidense. ^{[ 28 ]}

En Gran Bretaña, una generación posterior incluyó a tres artistas que trabajaron principalmente en el grabado y que fueron nombrados caballeros. Estos fueron los "sumos sacerdotes" del movimiento inglés: Muirhead Bone , David Young Cameron (ambos nacidos y formados en Glasgow ) y Frank Short . Al igual que otros, "trataron una gama limitada de temas con una seriedad austera", según Antony Griffiths . ^{[ 14 ]} Myra Kathleen Hughes ^{[ 29 ]} y William Strang fueron otras figuras destacadas. Muchos artistas se dedicaron a ilustrar libros, generalmente con litografías. En Estados Unidos, Stephen Parrish , Otto Bacher , Henry Farrer y Robert Swain Gifford podrían considerarse las figuras importantes de principios de siglo, aunque en general no se dedicaron exclusivamente al grabado como los artistas ingleses. El New York Etching Club fue la principal organización profesional de grabado.

La última generación del renacimiento es demasiado numerosa para nombrarla aquí, pero podrían incluir nombres como Frederick Griggs , Malcolm Osborne , James McBey , Ian Strang (hijo de William) y Edmund Blampied en Gran Bretaña, John Sloan , Martin Lewis , Joseph Pennell y John Taylor Arms en los Estados Unidos. El alumno de Griggs , Joseph Webb, solo comenzó a grabar en los últimos años antes del estallido de la burbuja de precios, y persistió en grabar "paisajes pastorales románticos" hasta finales de la década de 1940. ^{[ 30 ]} William Walcot , anteriormente arquitecto en Rusia, grabó temas arquitectónicos, incluidas recreaciones de grandes edificios de la antigüedad.

El resurgimiento atrajo algunas críticas hostiles. John Ruskin (a pesar de haberlo practicado para ilustrar algunos de sus libros) describió el grabado en 1872 como "un arte indolente y torpe", objetando tanto la dependencia de procesos químicos y de impresores mayoritariamente hábiles para lograr la imagen final, como la aparente facilidad del papel del artista en su creación. ^{[ 31 ]} En Francia, el poeta Charles Baudelaire apoyó mucho a Meryon y a otros profesionales franceses específicos, y admiró a Haden y Whistler. Pero en 1862, al escribir, se mostró hostil, por razones similares a las de Ruskin, hacia lo que consideraba el fenómeno inglés de la moda del grabado entre aficionados (como Haden) e incluso damas, esperando que nunca alcanzara en Francia «la misma popularidad que tuvo en Londres en el apogeo del Club del Grabado , cuando incluso las damas más bellas se enorgullecían de su habilidad para pasar una aguja inexperta sobre la plancha barnizada. Una moda típicamente británica, una manía pasajera que nos auguraría un mal futuro». ^{[ 32 ]}

Para contrarrestar tales críticas, los miembros del movimiento escribieron no solo para explicar los refinamientos de los procesos técnicos, sino también para exaltar los grabados originales (en lugar de las meras reproducciones) como obras creativas, con sus propias disciplinas y exigencias artísticas. La obra de Haden, * Sobre el grabado* (1866), fue un importante trabajo inicial que promovía una visión particular del grabado, especialmente aplicable a los paisajes, como una extensión efectiva del dibujo, con sus posibilidades de espontaneidad y la capacidad de revelar los procesos creativos del artista de una manera que se perdía en una pintura al óleo altamente acabada y retocada . ^{[ 33 ]}

La pintura al óleo pronto presentaría avances (en particular el impresionismo ) para superar estas limitaciones, pero la retórica de Haden fue eficaz e influyente. Abogaba por un estilo de «omisión erudita», según el cual cuantas menos líneas hubiera en una plancha, «mayor sería el pensamiento y la creatividad que residirían en cada una». ^{[ 33 ]} De acuerdo con esto, a Haden (al igual que a Meryon) no le gustaba la adición de tono superficial durante la impresión, y se enemistó con Whistler por este y otros temas similares. Haden escribió: «Insisto en una ejecución rápida, que presta poca atención al detalle», y pensaba que idealmente la plancha debería dibujarse en un solo día de trabajo y grabarse frente al sujeto, o al menos lo suficientemente pronto después de verlo para conservar un buen recuerdo visual. Haden había ideado su propia técnica novedosa en la que el grabado se dibujaba en la plancha mientras estaba sumergida en un baño de ácido débil, de modo que las primeras líneas se grababan con mayor profundidad; normalmente, el dibujo y el grabado se realizaban en etapas diferentes. ^{[ 34 ]}

En Francia, las ideas de Haden reflejaban un debate que llevaba décadas gestándose sobre las ventajas comparativas de las obras de ejecución rápida, como el boceto al óleo , frente al proceso mucho más prolongado de realizar una pintura terminada. El crítico Philippe Burty , en general partidario tanto de Haden como del grabado en general, criticó, no obstante, su postura sobre la primacía de las obras de ejecución rápida, señalando que la cantidad de estados en los propios grabados de Haden demostraba que este no seguía al pie de la letra sus propios preceptos. A mediados de la década de 1860, Haden argumentó en contra de las objeciones, a veces vehementes, de Ruskin al grabado; lo que Haden consideraba la fuerza del grabado, la facilidad para transmitir el pensamiento del artista, era precisamente lo que Ruskin deploraba: «en la aguja del grabado existe una tentación casi irresistible de una velocidad desenfrenada». ^{[ 34 ]}

Philip Gilbert Hamerton se convirtió en un entusiasta promotor del grabado en Gran Bretaña. Se había formado como pintor, pero se dedicó a la crítica de arte profesional y al grabado por afición. Su obra Etching and Etchers (1868) era más una historia del arte que un texto técnico, pero contribuyó en gran medida a popularizar el arte y a algunos de sus practicantes modernos. Sus ideas tenían mucho en común con las de Haden, favoreciendo un estilo sobrio donde lo omitido era tan importante como lo incluido, un tema central en la obra de Haden. ^{[ 34 ]} El libro tuvo numerosas ediciones hasta el siglo XX. En la década de 1870, Hamerton también publicaba una influyente revista, titulada The Portfolio , que publicaba grabados en ediciones de 1000 ejemplares. El tratado francés A Treatise on Etching de Lalanne fue traducido por S. R. Koehler y publicado en Estados Unidos en 1880. Desempeñó un papel significativo en el resurgimiento del grabado en América.

El resurgimiento del grabado se basó en un mercado artístico bien desarrollado , con galerías, marchantes, clubes y casas de subastas de primer nivel. Este mercado ya estaba establecido en 1850 en Londres, París y otros centros importantes, y continuó expandiéndose enormemente en Europa y América. Los grabados contaban con la opción adicional y única del "álbum" de revista; esto resultaba aún más útil para las litografías , que podían imprimirse de forma fiable en grandes cantidades, pero también muy útil para las técnicas monocromáticas tradicionales, una vez que se empezaron a utilizar planchas de acero. Este mercado artístico abastecía tanto al mercado tradicional de coleccionistas adinerados, que guardaban la mayoría de sus grabados en carpetas, como a un mercado de clase media más amplio y en rápida expansión, que principalmente deseaba un cierto número de imágenes para enmarcar y exhibir en sus hogares, y que ahora buscaba obras originales en lugar de, o además de, reproducciones (mientras tanto, la reproducción de grabados disfrutaba de un enorme auge al expandir su mercado a los grupos de clase media baja y clase trabajadora). ^{[ 33 ]}

A principios del siglo XX, y especialmente en la década posterior al final de la Primera Guerra Mundial, un grupo muy numeroso de coleccionistas adinerados provocó un enorme auge en los precios de los grabados contemporáneos de los artistas más prestigiosos, a veces llamados los "supergrabadores", ^{[ 35 ]} que a menudo superaban los de las buenas impresiones de grabados de Rembrandt y Durero, por no hablar de otros grandes maestros. Este auge fue explotado de forma algo cínica por muchos artistas, que produjeron grabados en un número excesivo de estados, a menudo descritos como "estados de prueba", incentivando así a los coleccionistas a comprar múltiples copias. Se cree que Muirhead Bone ostenta el récord, con 28 estados para un solo grabado. ^{[ 36 ]} El tono de la superficie también individualizaba las impresiones.

Más útil aún, la arraigada costumbre de numerar y firmar grabados como ediciones limitadas comenzó en este período. ^{[ 14 ]} Esto certifica la autenticidad y refleja el número limitado de impresiones de alta calidad que se pueden obtener de una plancha de grabado antes de que comience a mostrar desgaste. Hoy en día se utiliza con fines de marketing incluso para grabados como las litografías , donde tal límite apenas se aplica. Whistler comenzó a cobrar el doble por las impresiones firmadas que por las no firmadas; esto ocurrió con una serie de litografías en 1887. ^{[ 37 ]}

Tras alcanzar su punto álgido en la década de 1920, el mercado de coleccionismo de grabados recientes se desplomó durante la Gran Depresión tras el crac de Wall Street de 1929 , que, después de un periodo de «especulación financiera desenfrenada» en los precios, «lo volvió todo invendible». ^{[ 38 ]} El conservador de grabados del Museo Británico , Campbell Dodgson , coleccionó grabados contemporáneos que posteriormente donó al museo. Comenzó a coleccionar y escribir sobre los grabados de Muirhead Bone cuando Bone expuso por primera vez en Londres en 1902, pagando una o dos guineas al marchante de Bone. En 1918, pagaba precios mucho más altos, hasta 51 y 63 libras. Continuó comprando obras de Bone hasta la década de 1940, momento en el que los precios habían vuelto a los niveles de 1902. Sin embargo, se pagó un precio récord de 250 libras esterlinas por la Prisión de Ayr (1905), "la obra maestra de Bone" (según Dodgson), "tan tarde como en 1933", comprada por Oskar Reinhart en Suiza. ^{[ 39 ]}

Sin un gran grupo de coleccionistas, muchos artistas volvieron a la pintura, aunque en Estados Unidos, a partir de 1935, el Proyecto Federal de Arte , parte del New Deal , invirtió en el grabado. El valor de los aguafuertes cayó drásticamente hasta la década de 1980, cuando comenzó a desarrollarse un nuevo mercado (aunque pequeño) para lo que hoy se considera una rama pequeña pero importante del arte de los siglos XIX y XX.

Además de la Gran Depresión, la tradición monocromática de Haden y Whistler había llegado a un punto muerto, "en gran medida resistente" a "la necesidad de encontrar temas y formas de expresión reconociblemente modernos". ^{[ 40 ]} Una reseña de Edward Hopper de 1926 sobre Fine Prints of the Year, 1925 expresó esto con cierta brutalidad: "Hemos tenido una larga y tediosa familiaridad con estos 'verdaderos grabadores' que pasan sus vidas laboriosas tejiendo agradables líneas alrededor de viejas puertas, palacios venecianos, catedrales góticas y puentes ingleses en el cobre... Uno vaga por este desierto de destreza manual sin mucha esperanza... De trabajo paciente y habilidad hay en abundancia en este libro, y más. De experimentación técnica o visión fuertemente personal y contacto con la vida moderna, hay poco o nada". ^{[ 41 ]} El grabado, de temas urbanos similares a sus pinturas posteriores, había sido importante para establecer la reputación temprana de Hopper, pero alrededor de 1924 decidió concentrarse en la pintura. ^{[ 42 ]}

El grabado había tenido tradicionalmente un estatus mucho más bajo en el mundo del arte, especialmente en las academias notoriamente conservadoras, que los medios "principales" de la pintura y la escultura. Esto había sido durante mucho tiempo motivo de disputa entre la Real Academia de Londres y los grabadores reproductivos, quienes en 1853 finalmente lograron ser elegidos para la categoría inferior de "Grabador Académico" y obtener cierto espacio en las exposiciones importantes de la Academia. Al comienzo del renacimiento, la mayoría de los artistas involucrados también eran pintores, y no les preocupaba especialmente esta disparidad, pero en las últimas décadas del siglo XIX esto cambió, a medida que se hizo más común la presencia de artistas que dedicaban sus principales esfuerzos al grabado. ^{[ 33 ]}

En Inglaterra, Haden fue el principal activista en este frente, comenzando en 1879 con una serie de conferencias sobre grabado en la Royal Institution , y continuando durante los años siguientes con un flujo constante de cartas, artículos y conferencias. Su papel como cofundador y primer presidente de la Society of Painter-Etchers, ahora Royal Society of Painter-Printmakers , formó parte de estos esfuerzos, proporcionando también un nuevo conjunto de exposiciones. Aunque varios artistas como Frank Short y William Strang (ambos elegidos miembros de pleno derecho de la RA en 1906) eran más conocidos por sus grabados que por sus pinturas, y ayudaron a impulsar el cambio desde dentro de la Academia, la distinción entre "grabadores académicos" y "académicos" de pleno derecho no se abolió hasta 1928. ^{[ 33 ]}

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• Documentando la Edad Dorada: Exposiciones en la ciudad de Nueva York a principios del siglo XX . Un proyecto del Consorcio de Recursos Artísticos de Nueva York . Catálogos de exposiciones del resurgimiento del grabado.