Florine Stettheimer

Florine Stettheimer (19 de agosto de 1871 - 11 de mayo de 1944) fue una pintora modernista estadounidense , feminista , diseñadora teatral, poeta y anfitriona de salones literarios .

Stettheimer desarrolló un estilo pictórico femenino y teatral que representaba a sus amigos, familiares y experiencias en la ciudad de Nueva York . Realizó el primer autorretrato feminista desnudo y pinturas que representaban controversias sobre raza y sexualidad. Ella y sus hermanas organizaban un salón que atraía a miembros de la vanguardia. ^{[ 1 ]} A mediados de la década de 1930, Stettheimer creó los diseños escénicos y el vestuario para la ópera vanguardista de Gertrude Stein y Virgil Thomson , Cuatro santos en tres actos . Es más conocida por sus cuatro obras monumentales que ilustran lo que ella consideraba las "catedrales" de la ciudad de Nueva York: Broadway , Wall Street , la Quinta Avenida y los tres principales museos de arte de Nueva York.

Durante su vida, Stettheimer expuso sus pinturas en más de 40 exposiciones y salones de museos en Nueva York y París . En 1938, cuando el Museo de Arte Moderno envió la primera exposición de arte estadounidense a Europa, Stettheimer y Georgia O'Keeffe fueron las únicas mujeres cuyas obras se incluyeron. ^{[ 2 ]} Tras su muerte en 1944, su amigo Marcel Duchamp comisarió una exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno en 1946. Fue la primera exposición retrospectiva del museo dedicada a la obra de una artista mujer. Después de su muerte, las pinturas de Stettheimer fueron donadas a museos de todo Estados Unidos. Además de sus numerosas pinturas y diseños de vestuario y escenografía, Stettheimer diseñó marcos a medida para sus pinturas y muebles a juego, y escribió poesía humorística, a menudo mordaz. Un libro de su poesía, Crystal Flowers , fue publicado de forma privada y póstuma por su hermana Ettie Stettheimer en 1949. ^{[ 3 ]}

Florine Stettheimer nació en Rochester, Nueva York , el 19 de agosto de 1871. ^{[ 4 ] [ 5 ]} Su madre, Rosetta Walter, era una de las nueve hijas de una familia judía alemana adinerada de Nueva York. ^{[ 6 ]} El padre de Stettheimer, Joseph, tuvo cinco hijos con Rosetta Walter, pero abandonó a su familia para irse a Australia . Stettheimer creció entre la ciudad de Nueva York y Europa , en una familia matriarcal. Para cuando Stettheimer tenía diez años, Rosetta y sus cinco hijos pasaban parte de cada año en Europa. ^{[ 7 ]} A principios de la década de 1890, dos de los hijos de Rosetta, Stella y Walter, se habían casado y se habían ido de casa. Caroline (Carrie), la siguiente mayor, Florine, y Henrietta (Ettie), la menor, formaron un vínculo estrecho con su madre hasta que ella murió en 1935.

Stettheimer demostró talento artístico desde niña. De 1881 a 1886, cuando tenía entre diez y quince años, asistió al Priesersches Institut de Stuttgart , un internado femenino. Recibió clases particulares de arte de la directora, Sophie von Prieser. Los Stettheimer vivieron en Berlín de 1887 a 1889, donde Stettheimer continuó tomando clases particulares de dibujo. ^{[ 7 ]} Viajando con frecuencia por Europa con su madre, Carrie, y Ettie, Stettheimer aprendió historia del arte de forma autodidacta visitando museos y galerías de arte en Italia , Francia , España y Alemania . Estudió a los grandes maestros y criticó su obra en sus diarios, y continuó tomando clases particulares de arte en técnicas como la caseína . ^{[ 8 ] [ 9 ]}

En 1892, Stettheimer se matriculó en un programa de cuatro años en la Art Students League de Nueva York, una escuela inspirada en las escuelas de arte privadas de París. ^{[ 10 ]} Durante su estancia en Alemania, aprendió el estilo de la pintura académica alemana. En la Art Students League, estudió con profesores como Kenyon Cox , Harry Siddons Mowbray y James Carroll Beckwith , quienes habían estudiado pintura académica francesa en París. ^{[ 9 ] [ 11 ]} Al graduarse, dominaba la pintura de retratos y desnudos realistas, tradicionales y académicos en ambos estilos europeos principales. ^{[ 12 ]}

De regreso a Europa, Stettheimer visitó colecciones de museos, exposiciones de arte contemporáneo y estudios de artistas. Vio la obra de los cubistas , Cézanne , Manet , van Gogh , Morisot y Matisse años antes del Armory Show , la primera gran exposición de arte moderno en Estados Unidos. Con resultados diversos, experimentó con distintos medios y estilos, desde el simbolismo y el fauvismo hasta el puntillismo , dando como resultado una serie de obras que recuerdan a Luxe, Calme et Volupté de Matisse . ^{[ 13 ] [ 14 ]}

Las representaciones de los Ballets Rusos de Serge Diaghilev en París en 1912 fueron una influencia clave en la pintura de Stettheimer. ^{[ 15 ]} Cautivada por la puesta en escena y la coreografía de los Ballets Rusos, creó el libreto , el vestuario y la escenografía para una ópera propia: Orphée des Quat'z Arts . Basó el libreto en el Bal des Quat'z'Arts, el baile anual de estudiantes de arte . Las maquetas resultantes , con sus personajes vestidos con intrincados materiales cosidos y bordados, exhiben movimientos teatrales, activos y danzantes, así como personalidades individualizadas que prefiguran sus pinturas de madurez que surgieron en 1917. Mientras trabajaba en Orphée , seguía pintando paisajes y retratos convencionales. ^{[ 16 ]}

Muchas de las figuras femeninas de Orphée vestían un material transparente de reciente invención: el celofán . El uso del celofán se convirtió en el sello distintivo de su diseño de interiores y, dos décadas después, de la escenografía de la ópera Cuatro santos en tres actos . ^{[ 17 ]} Orphée des Quat'z Arts nunca se ha representado. El libreto se publicó íntegramente en The Life and Art of Florine Stettheimer de la biógrafa Barbara Bloemink y en la reedición de Crystal Flowers de 2010. ^{[ 18 ] [ 19 ]}

En 1914, las Stettheimer quedaron varadas en Berna, Suiza , debido al estallido de la Primera Guerra Mundial , y finalmente embarcaron rumbo a Nueva York. Al regresar al puerto neoyorquino, Stettheimer decidió rechazar su formación académica tradicional y crear un nuevo estilo pictórico, capturando las emociones inmediatas y expresivas que sentía al contemplar las imágenes, los sonidos y la gente de la ciudad de Nueva York del siglo XX. ^{[ 20 ]} Las cuatro mujeres Stettheimer se mudaron a un apartamento en la calle 76 Oeste de Manhattan, donde comenzaron a organizar tertulias , invitando a artistas expatriados recientes como Marcel Duchamp, Albert Gleizes y Francis Picabia , así como a miembros del círculo de Alfred Stieglitz , como Marsden Hartley y Georgia O'Keeffe, y otros músicos, escritores, poetas, bailarines y miembros de la vanguardia neoyorquina. ^{[ 21 ]}

Un aspecto único del salón Stettheimer era que sus numerosos amigos y conocidos homosexuales, bisexuales y lesbianas no necesitaban ocultar su orientación sexual en las reuniones, como ocurría en otros salones (como el Salón Arensberg ), a pesar de que las relaciones no heterosexuales eran ilegales en Nueva York en aquel entonces. ^{[ 22 ]} Stettheimer solía mostrar sus pinturas más recientes a sus amigos en sus salones, como en su cuadro Soirée (1917-19), antes de enviarlas a exposiciones. La hermana mayor de Stettheimer, Carrie, preparaba cócteles y platos especiales, como sopa de plumas, para los salones. ^{[ 23 ]} Durante los veranos, los Stettheimer solían organizar fiestas de un día entero, al estilo de un salón, para amigos en casas de verano alquiladas. Stettheimer pintó varias de estas reuniones de familiares y amigos disfrutando de festividades al aire libre, incluyendo Sunday Afternoon in the Country (1917). ^{[ 24 ]}

Durante su vida, Stettheimer tuvo solo una exposición individual, en Knoedler en 1916. ^{[ 25 ]} Fue organizada por la esposa del pintor Albert Sterner , Marie Sterner, una de las primeras mujeres galeristas en Estados Unidos, ^{[ 26 ]} quien trabajaba en Knoedler y actuó como intermediaria entre la artista y la galería. ^{[ 27 ]} La muestra consistió en varias de las primeras obras de la artista derivadas de Matisse, pintadas con colores brillantes y puros, empaste grueso y contornos marcados. ^{[ a ] ​​[ 28 ]} Cuando no vendió nada, se sintió, como señaló su amigo el crítico de arte Henry McBride , "vagamente insatisfecha". ^{[ 29 ]} En el año siguiente, el estilo de Stettheimer evolucionó hacia un lenguaje visual idiosincrásico, rechazando tanto el formalismo tradicional como la abstracción modernista. ^{[ 30 ]} Stettheimer transformó su estilo pictórico al retomar la influencia miniaturizada, teatral y colorida de sus diseños para Orphee des Quat'z Arts . En la obra madura de Stettheimer, cada lienzo está dispuesto como un escenario, lleno de familiares, amigos y conocidos fácilmente identificables. Su uso de lo que Duchamp denominó multiplicación virtuosa ( narrativa continua) fue sumamente sofisticado, con raíces en los Ballets Rusos y las ideas de Henri Bergson y Marcel Proust sobre el tiempo y la memoria. ^{[ 31 ]}

En todas sus pinturas, excepto en los retratos, Stettheimer llenó sus lienzos con colores primarios brillantes, a menudo puros, sobre un fondo blanco liso, utilizando frecuentemente diversas técnicas. Muchas contienen numerosos detalles sutiles y humorísticos. Entre los rasgos distintivos de sus pinturas se encuentra el humor mordaz que se evidencia en los pequeños detalles narrativos de muchas composiciones, como el pequeño monaguillo que intenta espiar bajo el vestido de la novia en Catedrales de la Quinta Avenida (1931). Stettheimer también llenó sus composiciones con representaciones visuales de figuras individualmente reconocibles, dispuestas alrededor de lugares emblemáticos reales y arquitectura conocida, detallada y fielmente representada.

Los años veinte

La década de 1920 fue el período más prolífico de Stettheimer. Pintó numerosos retratos individuales de amigos, de sí misma y de su familia. Al igual que sus contemporáneos literarios Proust y Gertrude Stein , en lugar de intentar reproducir la apariencia del retratado, los retratos de Stettheimer revelan la personalidad de este al ilustrar una mezcla de sus hábitos, vocaciones, logros y contextos. En su Retrato de Marcel Duchamp y Rrose Sélavy , por ejemplo, incluyó imágenes de varios de sus " ready-mades ", así como de su alter ego femenino, Rrose Sélavy . Barbara Bloemink ha propuesto que Duchamp basó su personaje de Rrose Sélavy en la conocida fotografía de Man Ray de 1920-21 en Stettheimer. ^{[ 32 ]} La artista también pintó retratos individuales de sus hermanas y su madre, y un autorretrato en el que lleva una boina de artista, una vaina transparente envuelta en celofán y una capa con alas rojas, y flota hacia el sol. ^{[ 33 ]}

Stettheimer también pintó varias obras monumentales que abordan temas controvertidos, como Asbury Park South , que muestra a afroamericanos disfrutando de una conocida playa segregada de Nueva Jersey . La pintura es notable porque se encuentra entre las primeras obras de un artista estadounidense blanco en pintar figuras negras con los mismos rasgos no caricaturescos que las figuras caucásicas. En Lake Placid (1919), ^{[ 34 ]} Stettheimer se pintó a sí misma y a amigos de diversas religiones (incluidos judíos y católicos) disfrutando de un día en Lake Placid , un lugar conocido por su antisemitismo institucionalizado. ^{[ 35 ]} Recordando el estreno de una controvertida función de los Ballets Rusos que Stettheimer vio en París en 1912, en Music , Stettheimer se pintó a sí misma dormida, soñando con el bailarín Nijinsky , en puntas , con el cuerpo de un hombre y una mujer. ^{[ 22 ]}

Durante sus veinte y treinta años, Stettheimer mantuvo coqueteos y relaciones románticas, y sus pinturas, diarios y poemas revelan su admiración por la anatomía masculina. Sin embargo, también demuestran su firme oposición al matrimonio, pues, al igual que muchas feministas, creía que este restringía la libertad de las mujeres e interfería con su creatividad. Esta idea se evidencia claramente en su poesía y en las entradas de su diario. ^{[ 3 ]}

Llevaba pantalones blancos, que en aquella época solo usaban las feministas y las sufragistas, y que además le permitían trabajar con mayor libertad en lienzos de mayor tamaño. Durante sus años en Europa, Stettheimer y sus hermanas buscaron producciones teatrales con temática feminista y artistas femeninas. ^{[ 22 ]} Entre los folletos de los álbumes de recortes familiares se encuentra una copia de las actas del Primer Congreso Feminista Internacional celebrado en París en 1896. ^{[ 42 ]}

En 1915, a la edad de 45 años, Stettheimer pintó un autorretrato desnudo, de tamaño mayor que el natural, Una modelo (Autorretrato desnudo) . Combinando elementos de desnudos controvertidos del pasado, incluyendo la pintura de la prostituta Olympia de Manet y el Desnudo Maja de Goya , el Autorretrato desnudo de Stettheimer es uno de los primeros autorretratos desnudos de una mujer en la historia del arte occidental. Sosteniendo un ramo de flores sobre su vello púbico pintado descaradamente, la expresión humorística y burlona de Stettheimer en el retrato contrasta marcadamente con las pinturas tradicionales de desnudos, lo que lo convierte hasta la fecha en el autorretrato desnudo abiertamente feminista más antiguo conocido de una mujer. ^{[ 43 ]} Pintó varias obras de contextos inusuales y orientados a la mujer, como su monumental obra de 1921 Venta de primavera en Bendel's , en la que capturó humorísticamente a mujeres ricas de diferentes formas corporales probándose ropa en una costosa tienda departamental; o Natatorium Undine , que representa a mujeres desnudas montadas en flotadores o nadando en medias conchas de ostra. A la derecha, en una inversión sexual de la temática tradicional, un grupo de mujeres baila alrededor de un apuesto instructor de ejercicios al que admiran por su apariencia física. ^{[ 1 ]}

Stettheimer escribió sus poemas en pequeños trozos de papel. Su hermana Ettie los recopiló y publicó de forma privada. Algunos de sus poemas están escritos en un estilo infantil, otros ofrecen ingeniosas críticas sociales y otros presentan retratos satíricos de otros modernistas, como Gertrude Stein («Gertie») y Marcel Duchamp («Duche»). Sus poemas muestran una conciencia de la cultura de consumo contemporánea y ofrecen una mordaz crítica del matrimonio, como en su poema dedicado a Marie Sterner, una galerista neoyorquina que comisarió su exposición en Knoedler's: «que pretendía ser música, pero Albert se casó con ella». ^{[ 44 ]} Los poemas de Stettheimer se recopilaron póstumamente en Crystal Flowers , editados por su hermana Ettie y publicados de forma privada en una edición limitada en 1949 que Ettie envió a su familia y amigos. ^{[ 45 ]}

En 2010, Gammel y Zelazo reeditaron los poemas de Stettheimer y su primer libreto de ballet, afirmando que en las manos y en la lengua de Stettheimer, la superficie es profundidad. ^{[ 46 ]} Continúan: «Una mirada atenta a los poemas revela superficies igualmente brillantes y barnizadas protectoras» que pueden encontrarse en las pinturas. Gammel y Zelazo ven en la obra de Stettheimer una «gramática del artificio... diseñada para cultivar una aguda percepción de la perspectiva estética en el lector», así como una «estética del celofán», un material decididamente moderno que ella utilizaba para decorar sus escenarios y su dormitorio, mezclándolo ocasionalmente con encajes anticuados. ^{[ 47 ]}

El 11 de mayo de 1944, Stettheimer falleció de cáncer en el Hospital de Nueva York . Sus hermanas Ettie y Carrie (esta última falleció inesperadamente unas semanas después) y su abogado Joseph Solomon la atendieron diariamente. A diferencia de los demás miembros de su familia, que fueron enterrados en la parcela familiar, Stettheimer pidió ser incinerada y, varios años después, sus cenizas fueron esparcidas durante un paseo en barco por el río Hudson por Ettie y Solomon. Durante muchos años, Stettheimer había expresado su deseo de que toda su obra fuera donada, como colección, a un museo. Sin embargo, al darse cuenta de que podría resultar demasiado difícil encontrar un museo que aceptara la colección completa, modificó su testamento, pidiendo a sus hermanas que "siguieran sus deseos" de que sus obras no se vendieran, sino que se donaran a museos de todo el país. Ettie dejó esta tarea a Solomon y a los amigos de Stettheimer, quienes donaron las pinturas de Stettheimer a la mayoría de los principales museos de arte de Estados Unidos, incluyendo las pinturas de la Catedral al Museo Metropolitano de Arte. ^{[ 48 ]}

Al enterarse de su muerte, Duchamp le escribió a Ettie desde Francia y le preguntó si podía organizar una retrospectiva de las pinturas de Stettheimer. La exposición, la primera retrospectiva completa de una artista mujer organizada por el Museo de Arte Moderno, incluyó un ensayo en el catálogo escrito por el amigo de Stettheimer, el crítico de arte Henry McBride. ^{[ 49 ]} Tras su paso por Nueva York, la retrospectiva de Stettheimer viajó al Museo Legion of Honor de San Francisco y al Arts Club de Chicago . ^{[ 50 ]}

A lo largo de su vida, galeristas de Nueva York, como Julien Levy y Alfred Stieglitz , le pidieron a Stettheimer que se uniera a sus galerías. Aunque expuso en varias galerías comerciales y a menudo le pedían que vendiera su obra, ella fijaba el precio de cada cuadro en el equivalente a cientos de miles de dólares, por lo que nadie podía permitírselos. Como señaló McBride: «Solía ​​sonreír y decir que le gustaban sus cuadros y que prefería conservarlos. Al mismo tiempo, prestaba obras para exposiciones públicas». ^{[ 29 ]} La reticencia de Stettheimer a vender sus pinturas y su decisión de ponerles precios inalcanzables para el mercado reflejaban su deseo de independencia artística en un mundo del arte dominado por hombres. Su estilo único, que combina fantasía y crítica social, ha sido reconocido desde entonces como adelantado a su tiempo y precursor de movimientos artísticos feministas y queer posteriores . ^{[ 51 ]}

A partir de 1919, Stettheimer presentó o fue invitada a exponer pinturas en casi todas las exposiciones importantes de arte contemporáneo. Estas incluyeron la primera Bienal del Whitney , varias de las primeras exposiciones colectivas y el Museo de Arte Moderno, las exposiciones internacionales de Carnegie y el Salón de Otoño de París. En total, expuso en más de cuarenta y seis exposiciones, y sus obras de gran formato y colorido solían ser elogiadas por la crítica de arte. En la década de 1930, era la segunda artista más conocida de Nueva York, después de Georgia O'Keeffe . En un artículo de Harper's Bazaar publicado tras su muerte, el escritor Carl Van Vechten afirmó que Stettheimer "fue a la vez la historiadora y la crítica de su época, y contribuye en gran medida a contarnos cómo vivía parte de Nueva York en aquellos extraños años posteriores a la Primera Guerra Mundial, contándonoslo con colores brillantes y diseños seguros, con una pintura que tiene pocos rivales en su época o en la nuestra". ^{[ 52 ]}

Tras su muerte a finales de la década de 1940, cuando las obras de Stettheimer fueron donadas a museos de arte, el gusto artístico se había inclinado hacia el expresionismo abstracto , y sus pinturas frecuentemente no se exhibían. Además, debido a que sus pinturas no se vendían en galerías de arte ni en subastas, no recibieron publicidad y, por lo tanto, su nombre y obra no eran tan conocidos. La biografía de la autora Parker Tyler , Florine Stettheimer: A Life in Art , se publicó en 1963. ^{[ 53 ] [ 22 ]} En la década de 1970, la obra de Stettheimer fue revivida por historiadoras de arte feministas, entre las que destaca Linda Nochlin . ^{[ 30 ]} Stettheimer experimentó otro renacimiento en 1995 con una exposición retrospectiva de su obra en el Museo Whitney de Arte Estadounidense ^{[ 50 ]} y la publicación de otra biografía, The Life and Art of Florine Stettheimer de Barbara Bloemink . ^{[ 54 ] [ 55 ]} A partir de este momento, su obra influyó en varias mujeres y artistas homosexuales contemporáneos, atraídos por su mirada femenina y su estilo decorativo y teatral.

A partir de 2015, con la primera retrospectiva de la obra de Stettheimer en Europa en la Lenbachhaus de Múnich , su obra ha sido incluida en numerosas exposiciones en Estados Unidos, y su importancia como artista feminista pionera y su amplia influencia en los artistas contemporáneos se reconocen cada vez más. Andrew Russeth, editor ejecutivo de ARTnews , afirmó que las pinturas de Stettheimer «demuestran con elegancia que es una de las más grandes artistas del siglo XX y podría servir como un modelo útil para las del siglo XXI». ^{[ 51 ]}

Durante su vida, la obra de Stettheimer fue mencionada y citada favorablemente por los críticos que reseñaron las numerosas exposiciones en las que se mostró, así como por el escritor y fotógrafo Carl Van Vechten y el pintor Marsden Hartley . Van Vechten, contrastando su obra con la de Charles Demuth , escribió que la obra de Stettheimer poseía una cualidad muy moderna: «A riesgo de ser malinterpretado, debo llamar a esta cualidad jazz». ^{[ 56 ]} Hartley elogió su «sátira delicada y su ingenio iridiscente». ^{[ 57 ]} En su ensayo «Envuelto en celofán: la poética visual de Florine Stettheimer», Irene Gammel y Suzanne Zelazo revisan las diversas posturas expresadas por académicos y biógrafos con respecto a la singular sensibilidad modernista de Stettheimer, cuyo capricho parece muy diferente al de los modernistas convencionales. Escriben:

Descaradamente doméstica y ultrafemenina, la obra de Stettheimer ha sido descrita de diversas maneras: como «falsa ingenuidad», deleitándose en formas simplificadas y colores fauvistas (Tatham); como «rococó subversiva», abrazando una sensibilidad camp (Nochlin); y como «modernismo temporal», influenciado por los conceptos bergsonianos del tiempo como duración heterogénea, lo que sitúa a Stettheimer junto a Marcel Proust y otros modernistas literarios ( Bloemink ). ^{[ 47 ]}

Representando un estilo internacional de modernismo que integra diversas formas artísticas, las pinturas de Stettheimer, al igual que sus poemas, están cargadas de significado sensorial y sensual. Debido a su negativa a afiliarse a una sola galería de arte reconocida, como el "Grupo" Stieglitz, o a un estilo específico como el dadaísmo o la abstracción, la obra de Stettheimer siempre fue recibida y analizada como singularmente suya. ^{[ 58 ]} Su estilo singular y femenino, junto con su mirada conscientemente femenina, contrapuso su obra directamente a los gustos críticos del expresionismo abstracto y el minimalismo, dominados por hombres , de las décadas de 1960 y 1970. ^{[ 59 ]}

• Asbury Park Sur - Halley K. Harrisburg y Michael Rosenfeld, Nueva York ^{[ 60 ]}
• La Fête A Duchamp - colección privada ^{[ 61 ]}
• West Point - Ettie donó este cuadro a la Academia Militar de West Point tras la muerte de Stettheimer. Se encuentra desaparecido desde la década de 1950. ^{[ 62 ] [ 63 ]}
• La colección más grande, con 65 obras de Stettheimer (principalmente sus primeros trabajos de estudiante, pero también Retrato de mí misma y los retratos de sus dos hermanas), se encuentra en la Biblioteca de Arquitectura y Bellas Artes Avery de la Universidad de Columbia . Columbia también posee las muñecas y maquetas de Cuatro santos en tres actos y Pocahontas , así como los álbumes de recortes de las hermanas Stettheimer con programas de teatro. ^{[ 64 ]}
• La segunda colección más grande, con 56 obras, se encuentra en el Museo de Arte Moderno. Junto con Retrato de familia n.° 2 y Retrato de mi madre , incluye todos sus dibujos y maquetas para su ballet Orfeo y sus dos biombos tridimensionales que aún se conservan. ^{[ 65 ]}
• Museo Metropolitano de Arte - la serie Catedrales : Catedrales de Broadway (1929), ^{[ 66 ]} Catedrales de la Quinta Avenida (1931), ^{[ 67 ]} Catedrales de Wall Street (1939), ^{[ 68 ]} Catedrales del Arte (1942–) ^{[ 48 ]}
• Museo Whitney de Arte Americano - Nueva York/Liberty (1918–19), ^{[ 69 ]} Sun (1931) ^{[ 70 ]}

La mayoría de los museos de arte en las grandes ciudades de Estados Unidos que se establecieron antes de 1950 tienen una sola pintura de Stettheimer en sus colecciones, al igual que algunos museos de arte universitarios, incluidos la Universidad de California en Berkeley y el Museo de Arte de la Universidad de Stanford , ya que estas obras fueron distribuidas después de la muerte de la artista según sus deseos por su abogado Joseph Solomon y sus amigos Carl Van Vechten y Kirk Askew. ^{[ 71 ]}

• Casa de muñecas Stettheimer

• Colección Florine Stettheimer en la Universidad de Columbia
• Guía de consulta de los documentos de Florine Stettheimer en la Universidad de Columbia. Biblioteca de Libros Raros y Manuscritos.
• Triple Dosel , un breve texto sobre la poesía de Stettheimer.
• Florine Stettheimer en el Museo Judío
• Documentos de Florine y Ettie Stettheimer. Colección de Literatura Estadounidense de Yale, Biblioteca Beinecke de Libros Raros y Manuscritos.
• Asbury Park South de Florine Stettheimer: Una nueva exploración en YouTube
• Obras de o sobre Florine Stettheimer en el Archivo de Internet
• Stettheimer, Florine (1871–1944) en Encyclopedia.com