Violín

La colocación de la mano izquierda en el diapasón se caracteriza por "posiciones". La primera posición, donde la mayoría de los principiantes comienzan (aunque algunos métodos comienzan en la tercera posición), es la posición más utilizada en la música de cuerdas. La música compuesta para orquestas juveniles principiantes suele estar mayormente en primera posición. La nota más baja disponible en esta posición en afinación estándar es un G3 abierto; la nota más alta en primera posición se toca con el cuarto dedo en la cuerda E, sonando un B5. Al mover la mano hacia arriba del mástil, el primer dedo toma el lugar del segundo dedo, llevando al intérprete a la segunda posición . Dejar que el primer dedo tome el lugar de la primera posición del tercer dedo lleva al intérprete a la tercera posición , y así sucesivamente. Un cambio de posición, con su movimiento asociado de la mano, se denomina cambio, y el cambio efectivo manteniendo una entonación precisa y un sonido legato (conectado) suave es un elemento clave de la técnica en todos los niveles. A menudo se utiliza un "dedo guía"; El último dedo que toca una nota en la posición anterior toca suavemente la cuerda de forma continua durante el cambio para terminar en su lugar correcto en la nueva posición. En los ejercicios básicos de cambio de posición, el "dedo guía" suele emitir un sonido mientras se desliza hacia arriba o hacia abajo de la cuerda, para que el intérprete pueda establecer la colocación correcta de oído. Fuera de estos ejercicios, rara vez debería ser audible (a menos que el intérprete esté aplicando conscientemente un efecto de portamento por razones expresivas).

Al cambiar de posición en las notas graves, el pulgar de la mano izquierda se mueve hacia arriba o hacia abajo del mástil del instrumento para mantener la misma posición relativa a los dedos (aunque el movimiento del pulgar puede ocurrir ligeramente antes o después del de los dedos). En estas posiciones, el pulgar suele considerarse un «anclaje» cuya ubicación define la posición del intérprete. En las posiciones más agudas, el pulgar no puede moverse con los dedos debido a la resistencia del cuerpo del instrumento. En cambio, el pulgar se desplaza alrededor del mástil hasta situarse en el punto donde este se une al aro derecho del cuerpo, y permanece allí mientras los dedos se mueven entre las posiciones agudas.

Una nota tocada fuera del rango normal de una posición, sin ningún cambio de posición, se denomina extensión . Por ejemplo, en tercera posición en la cuerda de La, la mano se sitúa naturalmente con el dedo índice en Re ♮ y el anular en Sol ♮ o Sol♯ . Estirar el dedo índice hacia abajo hasta un Do♯ , o el anular hacia arriba hasta un La ♮ , forma una extensión. Las extensiones se utilizan comúnmente cuando una o dos notas están ligeramente fuera de una posición que de otro modo sería sólida, y ofrecen la ventaja de ser menos intrusivas que un cambio de posición o un cambio de cuerda. La posición más baja en el violín se denomina "media posición". En esta posición, el dedo índice está en una nota de "primera posición baja", por ejemplo, Si ♭ en la cuerda de La, y el anular está en una extensión hacia abajo desde su posición habitual, por ejemplo, Re ♮ en la cuerda de La, con los otros dos dedos colocados entre ellos según sea necesario. Dado que la posición del pulgar suele ser la misma en la "media posición" que en la primera posición, es mejor considerarla como una extensión hacia atrás de toda la mano que como una posición propiamente dicha.

El límite superior del registro del violín está determinado en gran medida por la habilidad del intérprete, quien puede tocar fácilmente más de dos octavas en una sola cuerda y cuatro octavas en el instrumento en su conjunto. Los nombres de las posiciones se utilizan principalmente para las posiciones más bajas y en libros de métodos y estudios; por esta razón, es poco común escuchar referencias a posiciones más altas que la séptima. La posición más alta, en la práctica, es la decimotercera. Las posiciones muy altas representan un desafío técnico particular por dos razones. En primer lugar, la diferencia en la ubicación de las distintas notas se vuelve mucho más estrecha en las posiciones altas, lo que dificulta localizarlas y, en algunos casos, distinguirlas de oído. En segundo lugar, la longitud sonora mucho más corta de la cuerda en las posiciones muy altas supone un desafío para el brazo derecho y el arco a la hora de hacer sonar el instrumento con eficacia. Cuanto más fino (y caro) sea un instrumento, mejor será su capacidad para mantener un buen tono hasta la parte superior del diapasón, en las notas más agudas de la cuerda de mi.

Todas las notas (excepto las que están por debajo del Re al aire) pueden tocarse en más de una cuerda. Esta es una característica estándar de los instrumentos de cuerda; sin embargo, difiere del piano, que tiene una sola ubicación para cada una de sus 88 notas. Por ejemplo, la nota La al aire en el violín puede tocarse como el La al aire, o en la cuerda Re (de la primera a la cuarta posición) o incluso en la cuerda Sol (muy aguda, de la sexta a la novena posición). Cada cuerda tiene una calidad de sonido diferente , debido a los distintos grosores de las cuerdas y a las resonancias de otras cuerdas al aire. Por ejemplo, la cuerda Sol suele considerarse que tiene un sonido muy pleno y sonoro, particularmente apropiado para la música del Romanticismo tardío. Esto se suele indicar en la partitura con la marca, por ejemplo, sul G o IV (un número romano que indica que se debe tocar en la cuarta cuerda; por convención, las cuerdas se numeran desde la más delgada y aguda (I) hasta la más grave (IV)). Incluso sin instrucciones explícitas en la partitura, un violinista avanzado utilizará su criterio y sensibilidad artística para seleccionar qué cuerda tocar en determinadas notas o pasajes.

Si una cuerda se frota o se pulsa sin que ningún dedo la detenga, se dice que es una cuerda al aire . Esto produce un sonido diferente al de una cuerda pisada, ya que la cuerda vibra con mayor libertad en la cejuela que bajo un dedo. Además, es imposible usar el vibrato completamente en una cuerda al aire (aunque se puede lograr un efecto parcial pisando una nota una octava más arriba en una cuerda adyacente y haciéndola vibrar, lo que introduce un elemento de vibrato en los armónicos). En la tradición clásica, los violinistas suelen usar un cambio de cuerda o de posición para evitar el cambio de timbre que introduce una cuerda al aire, a menos que el compositor lo indique. Esto es particularmente cierto para el Mi al aire, que a menudo se considera que tiene un sonido áspero. Sin embargo, también hay situaciones en las que una cuerda al aire puede elegirse específicamente por un efecto artístico. Esto se observa en la música clásica que imita el zumbido de un órgano (JS Bach, en su Partita en Mi para violín solo, lo logró), en la música tradicional (por ejemplo, en el Hoedown ) o donde evitar la cuerda al aire resulta musicalmente inapropiado (por ejemplo, en la música barroca, donde el cambio de posición era menos común). En pasajes rápidos de escalas o arpegios, la cuerda Mi al aire puede usarse simplemente por conveniencia si la nota no tiene tiempo de resonar y desarrollar un timbre áspero. En la música folclórica, la música tradicional y otros géneros musicales , las cuerdas al aire se utilizan comúnmente por su timbre resonante.

Al tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota apagada en una cuerda adyacente, se produce un zumbido similar al de una gaita , a menudo utilizado por compositores para imitar la música folclórica . A veces, las dos notas son idénticas (por ejemplo, tocar un La con los dedos en la cuerda Re contra la cuerda La al aire), lo que produce un sonido resonante, como de violín. Tocar una cuerda al aire simultáneamente con una nota apagada idéntica también puede ser necesario cuando se requiere mayor volumen, especialmente en la interpretación orquestal. Algunas partes de violín clásico tienen notas para las que el compositor pide al violinista que toque una cuerda al aire, debido a la sonoridad particular que esta crea.

La técnica de doble cuerda consiste en presionar dos cuerdas separadas simultáneamente con los dedos y el arco, produciendo dos tonos continuos (los intervalos típicos incluyen terceras, cuartas, quintas, sextas y octavas). Las dobles cuerdas pueden indicarse en cualquier posición, aunque el intervalo más amplio que se puede tocar con doble cuerda de forma natural en una posición es una octava (con el dedo índice en la cuerda inferior y el meñique en la cuerda superior). No obstante, en el repertorio avanzado a veces se requiere tocar con doble cuerda intervalos de décimas o incluso mayores, lo que resulta en una posición de la mano izquierda estirada con los dedos extendidos. El término "doble cuerda" también se usa a menudo para referirse a tocar una cuerda al aire junto con una nota digitada, aunque solo un dedo presione la cuerda.

Cuando se indican tres o cuatro notas simultáneas, el violinista suele dividir el acorde, eligiendo tocar primero la nota más grave o las dos más graves antes de continuar inmediatamente con la nota más aguda o las dos más agudas, con la resonancia natural del instrumento produciendo un efecto similar al de si las cuatro notas se hubieran tocado simultáneamente. En algunos casos, es posible un "triple acorde", donde se pueden tocar tres notas en tres cuerdas simultáneamente. El arco no golpea naturalmente las tres cuerdas a la vez, pero si hay suficiente velocidad y presión del arco cuando el violinista "rompe" (hace sonar) un acorde de tres notas, las cerdas del arco se pueden doblar temporalmente sobre las tres cuerdas, permitiendo que cada una suene simultáneamente. Esto se logra con un golpe fuerte, generalmente cerca del talón, y produce un tono fuerte y agresivo. Los acordes dobles en la orquesta a veces se marcan como divisi y se dividen entre los músicos, con una división de los músicos tocando la nota más grave y otra división tocando la nota más aguda. Los acordes dobles (y divisi) son comunes en el repertorio orquestal cuando los violines tocan el acompañamiento y otro instrumento o sección toca la melodía.

En algunos géneros de interpretación históricamente informada (generalmente de música barroca y anteriores), ni los acordes divididos ni los acordes de triple cuerda se consideran apropiados; algunos violinistas arpegian todos los acordes (incluidas las dobles cuerdas regulares), tocando todas o la mayoría de las notas individualmente como si estuvieran escritas como una figura ligada. Sin embargo, con el desarrollo de los violines modernos, la triple cuerda se ha vuelto más natural debido a que el puente es menos curvado. En algunos estilos musicales, se puede tocar un bordón sostenido de cuerda al aire durante un pasaje escrito principalmente en una cuerda adyacente, para proporcionar un acompañamiento básico. Esto se observa con más frecuencia en las tradiciones folclóricas que en la música clásica.

El vibrato es una técnica de la mano y el brazo izquierdos en la que el tono de una nota varía sutilmente en un ritmo pulsante. Si bien varias partes de la mano o el brazo pueden participar en el movimiento, el resultado es un movimiento de la yema del dedo que produce un ligero cambio en la longitud vibrante de la cuerda, lo que causa una ondulación en el tono. La mayoría de los violinistas oscilan por debajo de la nota, o en un tono más bajo que la nota real cuando usan vibrato, ya que se cree que la percepción favorece el tono más alto en un sonido variable. ^{[ 34 ]} El vibrato hace poco o nada para disimular una nota desafinada; en otras palabras, un vibrato mal aplicado es un mal sustituto de una buena entonación. Las escalas y otros ejercicios destinados a trabajar la entonación generalmente se tocan sin vibrato para que el trabajo sea más fácil y efectivo. A los estudiantes de música a menudo se les enseña que, a menos que se indique lo contrario en la partitura, se asume el vibrato. Sin embargo, esto es solo una tendencia; no hay nada en la partitura que obligue a los violinistas a agregar vibrato. Esto puede suponer un obstáculo para un violinista de formación clásica que desee tocar en un estilo que utilice poco o ningún vibrato, como la música barroca interpretada al estilo de la época y muchos estilos tradicionales de violín.

El vibrato se puede producir mediante una combinación adecuada de movimientos de dedos, muñeca y brazo. Un método, llamado vibrato de mano (o vibrato de muñeca ), consiste en balancear la mano hacia atrás desde la muñeca para lograr la oscilación. En contraste, otro método, el vibrato de brazo , modula el tono mediante el movimiento del codo. Una combinación de estas técnicas permite al intérprete producir una gran variedad de efectos tonales. El "cuándo", el "para qué" y el "cuánto" vibrato del violín son cuestiones artísticas de estilo y gusto, ya que diferentes profesores, escuelas de música y estilos musicales favorecen distintos estilos de vibrato. Por ejemplo, un vibrato excesivo puede resultar una distracción. En términos acústicos, el interés que el vibrato añade al sonido tiene que ver con la forma en que la mezcla de armónicos ^{[ 35 ]} (o color del tono, o timbre) y el patrón direccional de proyección del sonido cambian con los cambios de tono. Al dirigir el sonido rítmicamente hacia diferentes puntos de la sala ^{[ 36 ] [ 37 ]} , el vibrato añade un brillo o vivacidad al sonido de un violín bien construido. El vibrato, en gran medida, queda a discreción del violinista. Los distintos tipos de vibrato aportan diferentes matices a la pieza, y los diversos grados y estilos de vibrato suelen ser características distintivas de violinistas reconocidos.

A veces se puede usar un movimiento similar al vibrato para crear un efecto de trino rápido . Para lograr este efecto, el dedo que está encima del que detiene la nota se coloca ligeramente separado de la cuerda (presionado firmemente contra el dedo que la detiene) y se realiza un vibrato. El segundo dedo tocará ligeramente la cuerda por encima del dedo inferior con cada oscilación, lo que provoca que el tono oscile de una manera que suena como una mezcla entre un vibrato amplio y un trino muy rápido. Esto produce una transición menos definida entre la nota más aguda y la más grave, y generalmente se implementa por elección interpretativa. Esta técnica de trino solo funciona bien para trinos semitonales o trinos en posiciones altas (donde la distancia entre notas es menor), ya que requiere que el dedo que realiza el trino y el dedo que está debajo estén en contacto, lo que limita la distancia que se puede trinar. En posiciones muy altas, donde la distancia del trino es menor que el ancho del dedo, un trino vibrato puede ser la única opción para obtener efectos de trino.

Al tocar ligeramente una cuerda con la yema del dedo en un nodo armónico , pero sin presionarla completamente, y luego pulsarla o frotarla con un arco, se crean armónicos . En lugar del tono normal, suena una nota más aguda. Cada nodo se encuentra en una división entera de la cuerda, por ejemplo, a la mitad o a un tercio de su longitud. Un instrumento sensible producirá numerosos nodos armónicos posibles a lo largo de la cuerda. Los armónicos se marcan en la música con un pequeño círculo sobre la nota que determina su altura, o con cabezas de nota en forma de diamante. Existen dos tipos de armónicos: armónicos naturales y armónicos artificiales (también conocidos como falsos armónicos ).

Los armónicos naturales se tocan en una cuerda al aire. El tono de la cuerda al aire cuando se pulsa o se frota con un arco se llama frecuencia fundamental. Los armónicos también se denominan sobretonos o parciales . Se producen en múltiplos enteros de la fundamental, que se llama primer armónico. El segundo armónico es el primer sobretono (la octava por encima de la cuerda al aire), el tercer armónico es el segundo sobretono, y así sucesivamente. El segundo armónico se encuentra en el centro de la cuerda y suena una octava más alta que el tono de la cuerda. El tercer armónico divide la cuerda en terceras y suena una octava y una quinta por encima de la fundamental, y el cuarto armónico divide la cuerda en cuartos que suenan dos octavas por encima del primero. El sonido del segundo armónico es el más claro de todos, porque es un nodo común con todos los armónicos pares siguientes (cuarto, sexto, etc.). El tercer armónico impar y los siguientes son más difíciles de tocar porque dividen la cuerda en un número impar de partes vibrantes y no comparten tantos nodos con otros armónicos.

Los armónicos artificiales son más difíciles de producir que los naturales, ya que implican tanto detener la cuerda como tocar un armónico sobre la nota detenida. Utilizando el marco de octava (la distancia normal entre el primer y el cuarto dedo en cualquier posición), con el cuarto dedo rozando la cuerda una cuarta por encima de la nota detenida, se produce el cuarto armónico, dos octavas por encima de la nota detenida. La colocación y la presión de los dedos, así como la velocidad y la presión del arco y el punto de resonancia, son esenciales para obtener el armónico deseado. Además, para aumentar la dificultad, en pasajes con diferentes notas tocadas como armónicos falsos, la distancia entre el dedo que detiene la cuerda y el dedo que toca el armónico debe cambiar constantemente, ya que el espaciado entre las notas varía a lo largo de la cuerda.

El dedo armónico también puede tocar una tercera mayor por encima de la nota pulsada (el quinto armónico), o una quinta más arriba (un tercer armónico). Estos armónicos se usan con menos frecuencia; en el caso de la tercera mayor, tanto la nota pulsada como la nota tocada deben tocarse ligeramente sostenidas, de lo contrario el armónico no suena con tanta facilidad. En el caso de la quinta, el estiramiento es mayor de lo que resulta cómodo para muchos violinistas. En el repertorio general no se utilizan fracciones menores de una sexta. Sin embargo, a veces se utilizan divisiones de hasta una octava y, con un buen instrumento y un intérprete hábil, son posibles divisiones tan pequeñas como una doceava. Hay algunos libros dedicados exclusivamente al estudio de los armónicos del violín. Dos obras completas son la Teoría de los Armónicos de Henryk Heller, en siete volúmenes , publicada por Simrock en 1928, y la Técnica de los sonidos armónicos de Michelangelo Abbado, en cinco volúmenes, publicada por Ricordi en 1934.

En la literatura para violín virtuoso, especialmente en los siglos XIX y principios del XX, se pueden encontrar elaborados pasajes con armónicos artificiales. Dos ejemplos notables son una sección completa del Csárdás de Vittorio Monti y un pasaje hacia la mitad del tercer movimiento del Concierto para violín de Piotr Ilich Chaikovski . Una sección del tercer movimiento del Concierto para violín n.° 1 de Paganini consiste en terceras con doble cuerda en armónicos.

Cuando las cuerdas están desgastadas, sucias y viejas, los armónicos pueden perder precisión en la afinación. Por esta razón, los violinistas cambian sus cuerdas con regularidad.

La parte más esencial de la técnica de arco es la forma de sujetarlo. Generalmente, el pulgar se dobla en el pequeño espacio entre la nuez y la espiral del arco. Los demás dedos se distribuyen de manera uniforme sobre la parte superior del arco. El meñique se curva con la punta apoyada en la madera junto al tornillo. El violín produce notas más fuertes con mayor velocidad del arco o mayor presión sobre la cuerda. Ambos métodos no son equivalentes, ya que producen timbres diferentes; presionar la cuerda tiende a producir un sonido más áspero e intenso. También se puede lograr un sonido más fuerte colocando el arco más cerca del puente.

El punto de contacto del arco con la cuerda también influye en el timbre (o "color del sonido"). Tocar cerca del puente ( sul ponticello ) produce un sonido más intenso de lo habitual, enfatizando los armónicos superiores; y tocar con el arco sobre el extremo del diapasón ( sul tasto ) crea un sonido delicado y etéreo, enfatizando la frecuencia fundamental . Shinichi Suzuki se refería al punto de contacto como la autopista de Kreisler ; podemos pensar en los diferentes puntos de contacto como carriles en dicha autopista.

Diversos métodos de ataque con el arco producen distintas articulaciones . Existen numerosas técnicas de arco que permiten una amplia gama de estilos de interpretación. Muchos profesores, músicos y orquestas dedican mucho tiempo a desarrollar técnicas y a crear una técnica unificada dentro del grupo. Estas técnicas incluyen el legato (un sonido suave, conectado y sostenido, adecuado para melodías), el collé y una variedad de arcadas que producen notas más cortas, como el ricochet, el sautillé , el martelé , el spiccato y el staccato.

Una nota marcada como pizz. (abreviatura de pizzicato ) en la partitura se toca pulsando la cuerda con un dedo de la mano derecha en lugar de con arco. (El dedo índice es el más utilizado). A veces, en partes orquestales o piezas solistas virtuosas donde la mano del arco está ocupada (o para lucirse), el pizzicato con la mano izquierda se indica con un + (signo más) debajo o encima de la nota. En el pizzicato con la mano izquierda, se colocan dos dedos sobre la cuerda; uno (normalmente el índice o el corazón) se coloca sobre la nota correcta, y el otro (normalmente el anular o el meñique) se coloca encima de ella. El dedo superior pulsa la cuerda mientras el inferior permanece sobre ella, produciendo así el tono correcto. Al aumentar la fuerza de la pulsación, se puede aumentar el volumen de la nota. El pizzicato se utiliza en obras orquestales y en piezas solistas de lucimiento. En las partes orquestales, los violinistas a menudo tienen que cambiar rápidamente de arco a pizzicato, y viceversa.

Una indicación de col legno ( en italiano , "con la madera") en la partitura exige golpear la(s) cuerda(s) con la vara del arco, en lugar de deslizar las cerdas del arco sobre las cuerdas. Esta técnica de arco se utiliza con poca frecuencia y produce un sonido percusivo apagado. La cualidad inquietante de una sección de violines tocando col legno se explota en algunas piezas sinfónicas, especialmente en la "Danza de las Brujas" del último movimiento de la Sinfonía Fantástica de Berlioz . El poema sinfónico Danza Macabra de Saint-Saëns incluye a la sección de cuerdas utilizando la técnica col legno para imitar el sonido de esqueletos danzantes. "Marte" de " Los Planetas " de Gustav Holst utiliza col legno para tocar un ritmo repetido en compás de _5/4 ^. La Guía para Jóvenes Orquestales de Benjamin Britten exige su uso en la Variación " Percusión ". Dmitri Shostakovich la utiliza en su Decimocuarta Sinfonía en el movimiento "En la Cárcel de Sante". Sin embargo, algunos violinistas se oponen a este estilo de interpretación, ya que puede dañar el acabado y disminuir el valor de un arco de calidad, pero la mayoría de ellos optan por una solución intermedia utilizando un arco barato al menos durante la duración del pasaje en cuestión.

Un golpe suave y uniforme durante el cual la velocidad y el peso del arco son los mismos desde el principio hasta el final del golpe. ^{[ 38 ]}

Literalmente martillado , un efecto de fuerte acento producido al soltar cada arco con fuerza y ​​brusquedad. El martillado se puede tocar en cualquier parte del arco. A veces se indica en la partitura con una punta de flecha.

El trémolo es la repetición muy rápida (normalmente de una sola nota, aunque a veces de varias), que suele tocarse en la punta del arco. Se indica con tres líneas cortas e inclinadas que cruzan el tallo de la nota. El trémolo se utiliza a menudo como efecto sonoro en la música orquestal, especialmente en el Romanticismo (1800-1910) y en la ópera.

Colocar un pequeño dispositivo de metal, goma, cuero o madera llamado sordina o sordino en el puente del violín produce un tono más suave y melódico, con menos armónicos audibles ; el sonido de toda una sección de cuerdas de una orquesta tocando con sordina tiene una cualidad apagada. La sordina modifica tanto el volumen como el timbre ("color del sonido") del violín. Las indicaciones italianas convencionales para el uso de la sordina son con sord. o con sordino , que significa "con sordina"; senza sord. , que significa "sin sordina"; o via sord. , que significa "sordina quitada".

Existen sordinas de metal, goma o madera de mayor tamaño, conocidas como sordinas de práctica o sordinas de hotel . Estas sordinas generalmente no se utilizan en conciertos, sino para amortiguar el sonido del violín en lugares de práctica como habitaciones de hotel. (Para practicar, también existe el violín sordina , un violín sin caja de resonancia). Algunos compositores han utilizado sordinas de práctica para crear efectos especiales, por ejemplo, al final de la Sequenza VIII para violín solo de Luciano Berio .