Greg Drasler

La obra temprana de Drasler se centró en imágenes de constructores de casas y manitas que funcionaban como una alegoría de la autoconstrucción. ^{[ 20 ]} Después de mudarse a Nueva York, comenzó a pintar objetos que servían como sustitutos humanos y figuras solitarias, a menudo con accesorios inesperados, en paisajes desolados. ^{[ 33 ] [ 16 ] [ 20 ]} Los críticos las describieron como oscilando entre la memoria y el sueño, señalando en obras figurativas, como Headlights (1986), Laocoonte (1987) o Mercury Rising (1990), una sensación de aislamiento y pretensión visual que a veces aludía a lo milagroso o mitológico. ^{[ 8 ] [ 3 ] [ 27 ]}

Sus "Pinturas de equipaje" (1987-90) representan lujosos artículos de época en estados aparentemente aleatorios pero cuidadosamente compuestos: apilados ( Sansón y Dalila ), rebuscados ( Aduanas ), agrupados ( Depuesto o Recogida de equipaje ) que implican alegorías de identidad, lujo y privacidad, y juegan con las convenciones de la literatura y la representación, como la naturaleza muerta , el paisaje y el minimalismo . ^{[ 8 ] [ 3 ] [ 27 ]} Críticos como Robert Berlind los describen como meticulosamente detallados con "pinceladas virtuosas y fluidas" que enfatizan el juego de luz y color reflejados y un estilo lúdico que adormece a los espectadores en una "alegre complicidad" a menudo socavada por elementos más oscuros. ^{[ 3 ] [ 8 ]} Con Samsonite (1990) —una maleta completamente abierta y vacía con un forro de tela como sábanas arrugadas, que implica un componente privado y sexual— Drasler señaló su cambio en las dos décadas siguientes hacia los interiores como lugares para explorar la subjetividad. ^{[ 27 ]}

Las obras de Drasler de la serie "Pinturas rupestres" ^{[ 34 ]} representan interiores intrincadamente construidos y ornamentados que sirven como metáforas de la construcción interior del yo y la relación humana con el espacio personal y doméstico. ^{[ 1 ] [ 11 ] [ 31 ]} Combinan sus intereses en la teoría psicoanalítica contemporánea ^{[ 35 ]} y el diseño de interiores —arquitectura, ornamentación, papel tapiz y tela— en escenas teatrales, similares a decorados cinematográficos, caracterizadas por la ausencia humana, enigmas visuales y ofuscación de trampantojo . ^{[ 36 ] [ 11 ] [ 14 ]} En términos formales, los críticos destacan la facilidad técnica de la obra, la perspectiva ilusionista y la eficaz mezcla de períodos y motivos, señalando vínculos con los espacios confinados de Vuillard , las idealizaciones de la naturaleza del siglo XVIII y el Barroco ; ^{[ 36 ] [ 14 ] [ 31 ]} En términos psicológicos, sugieren que atrae a los espectadores de forma voyeurista, a través de una presencia onírica y vagamente inquietante y signos furtivos que implican las huellas dejadas en habitaciones vacías o secretos celosamente guardados. ^{[ 11 ] [ 31 ]}

Drasler creó enigmáticos rompecabezas formales y psicológicos, al estilo de Magritte, en pinturas como Changing Room (1994), cuyas sábanas drapeadas surrealistas en trampantojo , reflejos en espejos y mural de paisaje pintado camuflan tanto la arquitectura como el propósito. ^{[ 36 ] [ 1 ]} Robert G. Edelman sugiere que estas pinturas revelan lentamente "secretos irónicos y portentosos" como Las Meninas de Velázquez o las plazas de De Chirico , que de manera similar se resisten a la resolución. ^{[ 36 ]} En otras pinturas, como Restless Bedroom (1992), Drasler transmite un espíritu más animado con franjas envolventes de tela o motivos de la naturaleza que difuminan los límites entre lo orgánico y lo artificial, el interior y el exterior, y la figura y el fondo. ^{[ 14 ] [ 1 ] [ 11 ]} También introdujo objetos comunes suspendidos (un alfiletero de tomate en Green Room , 1995; perchas unidas en Mobile , 2001) y patrones simbólicos de papel tapiz en su obra (un pájaro azul y una jaula, una colmena y una bola y cadena en Facts of Life , 1995) que aluden a dramas psicosexuales que desentrañar. ^{[ 14 ] [ 37 ]}

En su serie "Tattoo Parlor", Drasler continuó explorando patrones de papel tapiz (en lienzo y como entorno de instalación), utilizando iconografía familiar y jugando con la idea de la huella que los lugares dejan en sus ocupantes. ^{[ 38 ]} Su "Jesus Wallpaper" consistía en imágenes icónicas de Jesús, directas y representadas libremente, que aparecían como fondos en una serie de pinturas de habitaciones (1995–7) de objetos colgantes variados (cables de arranque en Jumping Jesus , una billetera en Profit , un lápiz en 2B Jesus ). ^{[ 38 ]} "Tattoo Parlor" se realizó por completo —con las pinturas colgadas en paredes pintadas a mano con patrones de Jesus Wallpaper— durante su residencia en la Fundación Djerassi (1996) y en instalaciones en PS1 (la exposición colectiva "Get Busy", 1997) y la Universidad Estatal de California en Fullerton (exposición individual, 2005). ^{[ 38 ]} Drasler también empleó patrones en sus "Pinturas de sombreros" (1988–2012), acercándose a la abstracción en lienzos llenos de borde a borde con mares de hombres anónimos con fedoras sutilmente sombreadas, sus rostros vueltos o escondidos bajo los sombreros. ^{[ 1 ] [ 14 ] [ 37 ]}

En la década de 2000, las investigaciones de Drasler sobre espacios interiores y liminales se ampliaron para incluir el ilusionismo de Hollywood, los interiores de automóviles y el viaje por carretera estadounidense . ^{[ 39 ] [ 4 ] [ 2 ]} Una visita a los antiguos estudios Metro-Goldwyn-Mayer llamó su atención sobre los utilería de automóviles seccionados que se usaban para filmar, los cuales observó que existen como espacios interiores y exteriores y como ventanas al mundo. ^{[ 39 ]} Los empleó en pinturas visualmente enigmáticas como Green Screen (2006), Road Trip (2006) e Internal Combustion (2010), ambientadas en fondos o pantallas verdes ; los fondos, que representan el potencial de ubicaciones inagotables y por determinar, extendieron metáforas sobre la libertad y la capacidad imaginativa que ofrece el automóvil. ^{[ 39 ]}

Con la exposición "On the Lam" (2011), Drasler examinó los interiores de los automóviles como lugares de independencia, aislamiento, fantasía y una proyección de la experiencia similar a la del cine. ^{[ 4 ] [ 2 ] [ 18 ]} Llenó los marcos pictóricos (incluidos los parabrisas representados) de obras como On the Lam con objetos, patrones decorativos y nativos americanos ( Rain Dance ) y referencias a viajes estadounidenses . ^{[ 4 ] [ 22 ]} Los críticos han descrito estas pinturas como obras bulliciosas de ingenio visual y emotividad, ^{[ 4 ]} evocaciones nostálgicas de los viajes interestatales de la década de 1950, postales antiguas coloreadas a mano y carteles de conciertos de la década de 1960, ^{[ 2 ] [ 18 ]} y ensamblajes fantásticos e inexplicables que recuerdan simultáneamente elementos de la obra de Roger Brown , el movimiento Pattern and Decoration y Philip Pearlstein . ^{[ 22 ]}

Drasler utilizó su beca Guggenheim de 2014 para recorrer el país en coche, recopilando ideas que surgirían en sus obras de la serie "Road Trip". Se inspiró en las amplias vistas de cielos inmensos del Medio Oeste y en la arquitectura vernácula de las posadas de carretera estadounidenses . ^{[ 2 ] [ 18 ]} Reconfiguró estas inspiraciones en lienzos con patrones de patchwork que sugerían tanto la vasta extensión del paisaje como su división artificial en propiedades. ^{[ 2 ] [ 18 ]} Una obra clave fue la Stratocaster Suite (2016) , de seis paneles y 400 pulgadas , que se exhibió en una sala estrecha para que se desplegara ante los espectadores en el tiempo como un paisaje de viaje por carretera o una secuencia de stop-motion de Muybridge . ^{[ 2 ] [ 18 ] [ 23 ]}