guitarra clásica

Si bien hoy en día el término "guitarra clásica" se asocia principalmente con el diseño moderno de la guitarra clásica, existe un creciente interés por las guitarras antiguas y por comprender la relación entre el repertorio histórico y la guitarra de época específica que se utilizó originalmente para interpretar dicho repertorio. El musicólogo y autor Graham Wade escribe:

Actualmente es habitual interpretar este repertorio con reproducciones de instrumentos modelados de forma auténtica según conceptos de investigación musicológica, con los ajustes apropiados en las técnicas y la interpretación general. Así, en las últimas décadas nos hemos acostumbrado a encontrar artistas especializados con experiencia en el arte de la vihuela (un tipo de guitarra del siglo XVI popular en España), el laúd, la guitarra barroca, la guitarra del siglo XIX, etc. ^{[ 5 ]}

Los distintos tipos de guitarras tienen diferentes estéticas sonoras, por ejemplo, diferentes características del espectro de color (la forma en que la energía sonora se distribuye en la frecuencia fundamental y los armónicos ), diferente respuesta, etc. Estas diferencias se deben a diferencias en la construcción; por ejemplo, las guitarras clásicas modernas suelen utilizar un sistema de refuerzo diferente (refuerzo en abanico) al utilizado en las guitarras anteriores (que tenían refuerzo en escalera); y el luthier utilizaba una sonoridad diferente.

Existe un paralelismo histórico entre los estilos musicales (barroco, clásico, romántico, flamenco, jazz) y el estilo de la "estética sonora" de los instrumentos musicales utilizados. Por ejemplo, Robert de Visée tocaba una guitarra barroca con una estética sonora muy diferente a la de las guitarras utilizadas por Mauro Giuliani y Luigi Legnani , quienes usaban guitarras del siglo XIX. Estas guitarras, a su vez, suenan diferentes a los modelos Torres utilizados por Segovia, adecuados para interpretaciones de obras romántico-modernas como Moreno Torroba .

Al considerar la guitarra desde una perspectiva histórica, el instrumento musical utilizado es tan importante como el lenguaje y el estilo musical de la época en cuestión. Por ejemplo: es imposible interpretar una pieza históricamente informada de De Visee o Corbetta (guitarristas y compositores barrocos) en una guitarra clásica moderna. Esto se debe a que la guitarra barroca utilizaba pares de cuerdas muy juntas (al unísono) que se pulsaban simultáneamente. Esto le confiere a las guitarras barrocas un sonido característico y una textura tonal inconfundibles, parte integral de la interpretación. Además, la estética sonora de la guitarra barroca (con su marcada presencia de armónicos) es muy diferente a la de las guitarras clásicas modernas, como se muestra a continuación.

El uso actual de guitarras tipo Torres y post-Torres para repertorio de todos los periodos a veces se ve con recelo: las guitarras modernas estilo Torres y post-Torres (con su diseño y refuerzo en abanico) tienen un tono grueso y potente, muy adecuado para el repertorio de la era moderna. Sin embargo, se considera que enfatizan demasiado la fundamental (a expensas de los armónicos) para el repertorio anterior (Clásico/Romántico: Carulli, Sor, Giuliani, Mertz,  ...; Barroco: de Visee,  ...; etc.). "Andrés Segovia presentó la guitarra española como un modelo versátil para todos los estilos de interpretación" ^{[ 6 ]} hasta tal punto que, aún hoy, "muchos guitarristas tienen una visión limitada del mundo de la guitarra, provenientes de la tradición moderna de Segovia". ^{[ 7 ]}

Si bien los instrumentos modernos clásicos Torres y post-Torres con refuerzo en abanico coexistieron con las guitarras tradicionales con refuerzo en escalera a principios del siglo XX, las formas más antiguas acabaron desapareciendo. Algunos atribuyen esto a la popularidad de Segovia , considerándolo "el catalizador del cambio hacia el diseño español y la llamada escuela 'moderna' en la década de 1920 y posteriores". ^{[ 6 ]} Los estilos musicales interpretados con guitarras con refuerzo en escalera estaban pasando de moda y, por ejemplo, en Alemania, más músicos se inclinaban hacia la música folclórica (música Schrammel y la contraguitarra ). Esto se localizó en Alemania y Austria y volvió a caer en desuso. Por otro lado, Segovia ofrecía conciertos por todo el mundo, popularizando la guitarra clásica moderna y, en la década de 1920, el estilo romántico-moderno español con obras para guitarra de Moreno Torroba, de Falla, etc.

El guitarrista clásico del siglo XIX, Francisco Tárrega, fue quien popularizó el diseño de Torres como instrumento solista clásico. Sin embargo, algunos sostienen que la influencia de Segovia propició su predominio sobre otros diseños. Fábricas de todo el mundo comenzaron a producirlos en grandes cantidades.

Entre los compositores del Renacimiento que escribieron para guitarra de cuatro órdenes se encuentran Alonso Mudarra , Miguel de Fuenllana , Adrian Le Roy , Grégoire Brayssing , Guillaume de Morlaye y Simon Gorlier .

Instrumento

Guitarra de cuatro cuerdas

Algunos compositores conocidos de guitarra barroca fueron Gaspar Sanz , Robert de Visée , Francesco Corbetta y Santiago de Murcia .

Ejemplos de instrumentos

• Guitarra barroca de Nicolas Alexandre Voboam II : Este instrumento francés tiene el diseño típico de la época, con cinco pares de cuerdas dobles y una tapa trasera plana. ^{[ 9 ]}
• Guitarra barroca atribuida a Matteo Sellas  : Este instrumento italiano tiene cinco órdenes y una caja de resonancia redondeada. ^{[ 10 ]}

Desde aproximadamente 1780 hasta 1850, la guitarra tuvo numerosos compositores e intérpretes, entre ellos:

• Filippo Gragnani (1767–1820)
• Antonio de Lhoyer (1768–1852)
• Fernando Carulli (1770–1841)
• Wenzel Tomás Matiegka (1773–1830)
• Francisco Molino (1774–1847)
• Fernando Sor (1778–1839)
• Luigi Moretti( c. 1780 – 1850)
• Mauro Giuliani (1781–1829)
• Nicolás Paganini (1782-1840)
• Dionisio Aguado (1784–1849)
• Luigi Legnani (1790–1877)
• Matteo Carcassi (1792–1853)
• Napoleón Coste (1805–1883)
• Johann Kaspar Mertz (1806–1856)
• Giulio Regondi (1822–1872)

Hector Berlioz estudió guitarra en su adolescencia; ^{[ 11 ]} Franz Schubert poseyó al menos dos y compuso para este instrumento; ^{[ 12 ]} y Ludwig van Beethoven , tras escuchar a Giuliani tocar, comentó que el instrumento era "una orquesta en miniatura en sí mismo". ^{[ 13 ]} Niccolò Paganini también fue un virtuoso de la guitarra y compositor. En una ocasión escribió: "Amo la guitarra por su armonía; es mi compañera constante en todos mis viajes". También dijo, en otra ocasión: "No me gusta este instrumento, sino que lo considero simplemente una forma de ayudarme a pensar". ^{[ 14 ]}

El guitarrista y compositor Francisco Tárrega (21 de noviembre de 1852 - 15 de diciembre de 1909) fue uno de los grandes virtuosos y maestros de la guitarra, y es considerado el padre de la guitarra clásica moderna. Como profesor de guitarra en los conservatorios de Madrid y Barcelona, ​​definió muchos elementos de la técnica clásica moderna y elevó la importancia de la guitarra en la tradición musical clásica.

A principios de la década de 1920, Andrés Segovia popularizó la guitarra con giras y las primeras grabaciones fonográficas. Segovia colaboró ​​con los compositores Federico Moreno Torroba y Joaquín Turina con el objetivo de ampliar el repertorio de guitarra con música nueva. ^{[ 15 ]} La gira de Segovia por Sudamérica revitalizó el interés del público por la guitarra y ayudó a que la música para guitarra de Manuel Ponce y Heitor Villa-Lobos llegara a un público más amplio. ^{[ 16 ]} Segovia encargó a los compositores Alexandre Tansman y Mario Castelnuovo-Tedesco que escribieran nuevas piezas para guitarra. ^{[ 17 ]} Luiz Bonfá popularizó estilos musicales brasileños como la recién creada Bossa Nova, que fue bien recibida por el público en los Estados Unidos.

Los orígenes de la guitarra moderna no se conocen con certeza. Algunos creen que es originaria de Europa, mientras que otros piensan que es un instrumento importado. ^{[ 33 ]} Instrumentos similares a la guitarra aparecen en tallas y estatuas antiguas recuperadas de las civilizaciones egipcia, sumeria y babilónica. ^{[ 34 ]} Esto significa que los instrumentos iraníes contemporáneos, como el tanbur y el setar, están lejanamente relacionados con la guitarra europea, ya que todos derivan en última instancia de los mismos orígenes antiguos, pero por rutas e influencias históricas muy diferentes. Las cuerdas llamadas "guitarras" ya se usaban desde el siglo XIII, pero su construcción y afinación eran diferentes a las de las guitarras modernas. El período en el que se realizaron más cambios en la guitarra fue entre los siglos XVI y XIX. ^{[ 35 ]}

Gittern (1450)

Vihuela (libro de vihuela de Luis Milán, 1536 ^{[ 36 ]} )

Guitarra barroca ^{[ 37 ]} con fondo redondeado (grabado de Etienne Picart, 1680)

El libro Tres Libros de Música de Alonso de Mudarra , publicado en España en 1546, contiene las primeras piezas escritas conocidas para guitarra de cuatro cuerdas. Esta "guitarra" de cuatro cuerdas fue popular en Francia, España e Italia. En Francia, este instrumento ganó popularidad entre la aristocracia. Un volumen considerable de música se publicó en París desde la década de 1550 hasta la de 1570: Le Troysième Livre... mis en tablature de Guiterne de Simon Gorlier se publicó en 1551. Ese mismo año, Adrian Le Roy también publicó su Premier Livre de Tablature de Guiterne, y en el mismo año publicó Briefve et facile instruction pour apprendre la tablature a bien accorder, conduire, et disposer la main sur la Guiterne. Robert Ballard, Grégoire Brayssing de Augsburgo y Guillaume Morlaye ( c. 1510 – c. 1558 ) contribuyeron significativamente a su repertorio. El libro de Morlaye, Le Premier Livre de Chansons, Gaillardes, Pavannes, Bransles, Almandes, Fantasies, que tiene un instrumento de cuatro cuerdas ilustrado en su portada, fue publicado en colaboración con Michel Fedenzat, y entre otras obras musicales, publicaron seis libros de tablaturas del laudista Albert de Rippe (quien muy probablemente fue el maestro de Guillaume).

La historia escrita de la guitarra clásica se remonta a principios del siglo XVI con el desarrollo de la vihuela en España. Si bien el laúd se estaba popularizando en otras partes de Europa, los españoles no lo adoptaron con agrado debido a su asociación con los moros. ^{[ 38 ]} En su lugar, surgió la vihuela, un instrumento similar al laúd con dos cuerdas más que le otorgaban mayor rango y complejidad. En su forma más desarrollada, la vihuela era un instrumento parecido a la guitarra con seis cuerdas dobles de tripa, afinadas como una guitarra clásica moderna, con la excepción de la tercera cuerda, que se afinaba medio tono más bajo. Posee un sonido agudo y es bastante grande para sostener. Se conservan pocos ejemplares y la mayor parte de lo que se conoce hoy en día proviene de diagramas y pinturas.

Guitarra barroca en El guitarrista ( c. 1672 ), de Johannes Vermeer.

Guitarra romántica temprana de Jean-Nicolas Grobert (1830)

Se cree que la guitarra de seis cuerdas más antigua que se conserva fue construida en 1779 por Gaetano Vinaccia (1759 – después de 1831) en Nápoles , Italia ; sin embargo, la fecha en la etiqueta es algo ambigua. ^{[ 39 ] [ 40 ] [ 41 ]} La familia de luthiers Vinaccia es conocida por desarrollar la mandolina . Esta guitarra ha sido examinada y no muestra signos reveladores de modificaciones de una guitarra de doble orden. ^{[ 42 ]} La autenticidad de las guitarras supuestamente producidas antes de la década de 1790 a menudo se cuestiona. Esto también coincide con la aparición del método de 6 cuerdas de Moretti, en 1792.

Guitarra española de Antonio de Torres Jurado (1862)

Smallman, interpretado por John Williams en 2008.

La guitarra clásica moderna fue desarrollada en el siglo XIX por Antonio de Torres Jurado , Ignacio Fleta , Hermann Hauser Sr. y Robert Bouchet. El luthier y músico español Antonio de Torres le dio a la guitarra clásica moderna su forma definitiva, con un cuerpo más ancho, una curva de cintura más pronunciada, una tapa más delgada y un refuerzo interno mejorado. ^{[ 43 ]} La guitarra clásica moderna reemplazó una forma más antigua para el acompañamiento de canto y baile llamada flamenco , y se creó una versión modificada, conocida como guitarra flamenca .

La música para guitarra clásica estadounidense representa una evolución singular dentro de la tradición guitarrística en Estados Unidos. Combina técnicas clásicas europeas con elementos del folk, el blues y otros estilos musicales locales estadounidenses. Figuras pioneras como Justin Holland y William Foden sentaron las bases, mientras que innovadores posteriores como Aaron Shearer, Christopher Parkening y Jason Vieaux han influido significativamente en las prácticas interpretativas, la pedagogía y el repertorio en Estados Unidos. Para obtener información más detallada sobre esta evolución estadounidense, consulte el artículo sobre la música para guitarra clásica estadounidense .

La técnica de fingerstyle se utiliza con frecuencia en la guitarra clásica moderna. Tradicionalmente, el pulgar pulsa la nota fundamental , mientras que los dedos tocan la melodía y sus acompañamientos. A menudo, la técnica de guitarra clásica implica el uso de las uñas de la mano derecha para pulsar las notas. Algunos guitarristas destacados fueron: Francisco Tárrega , Emilio Pujol , Andrés Segovia , Julián Bream , Agustín Barrios y John Williams .

Al igual que con otros instrumentos de cuerda pulsada (como el laúd), el músico toca directamente las cuerdas (generalmente punteándolas) para producir el sonido. Esto tiene consecuencias importantes: se pueden obtener distintos tonos/ timbres (de una misma nota) pulsando la cuerda de diferentes maneras ( apoyando o tirando ) y en diferentes posiciones (por ejemplo, más cerca o más lejos del puente de la guitarra). Por ejemplo, pulsar una cuerda al aire sonará más brillante que tocar la misma nota en una posición pisada (lo que produciría un tono más cálido).

La versatilidad del instrumento permite crear una variedad de tonos, pero este estilo de punteo con los dedos también dificulta su aprendizaje en comparación con la técnica de rasgueo de una guitarra acústica estándar. ^{[ 46 ]}

En las partituras de guitarra , los cinco dedos de la mano derecha (que pulsan las cuerdas) se designan con la primera letra de sus nombres en español, a saber: p = pulgar ( pulgar ), i = índice ( índice ), m = medio ( mayor ), a = anular ( anular ), c = meñique ( meñique/chiquito ) ^{[ 47 ].}

Los cuatro dedos de la mano izquierda (que pisan las cuerdas) se designan como: 1 = índice, 2 = mayor, 3 = anular, 4 = meñique. El 0 designa una cuerda al aire, es decir, una cuerda que no está presionada por un dedo y cuya longitud total vibra al ser pulsada. Es raro usar el pulgar de la mano izquierda al tocar, ya que el mástil de una guitarra clásica es demasiado ancho para mayor comodidad, y la técnica habitual mantiene el pulgar detrás del mástil. Sin embargo, Johann Kaspar Mertz, por ejemplo, es conocido por especificar que el pulgar pisara las notas graves en la sexta cuerda, indicadas con una flecha hacia arriba (⌃). ^{[ 48 ]}

Las partituras (a diferencia de las tablaturas ) no indican sistemáticamente qué cuerda pulsar (aunque la elección suele ser obvia). Cuando resulta útil indicar la cuerda, la partitura utiliza los números del 1 al 6 dentro de círculos (de la cuerda más aguda a la más grave).

Las partituras no indican sistemáticamente las posiciones del diapasón (dónde colocar el primer dedo de la mano que pisa las cuerdas), pero cuando resulta útil (sobre todo con acordes de cejilla), la partitura indica las posiciones con números romanos desde la primera posición I (dedo índice en el primer traste: FB bemol-E bemol-A bemol-CF) hasta la duodécima posición XII (dedo índice en el duodécimo traste: EADGBE. El duodécimo traste es donde comienza el cuerpo) o incluso más arriba, hasta la posición XIX (la guitarra clásica suele tener 19 trastes, y el decimonoveno suele estar dividido y no se puede usar para pisar la tercera y la cuarta cuerda).

Para lograr efectos de trémolo y pasajes de escalas rápidos y fluidos, el intérprete debe practicar la alternancia, es decir, nunca pulsar una cuerda con el mismo dedo dos veces seguidas. Usando p para indicar el pulgar, i el índice, m el dedo medio y a el anular, los patrones de alternancia comunes incluyen:

• imim  : Línea melódica básica en las cuerdas agudas. Da la impresión de "caminar sobre las cuerdas". Se usa frecuentemente para tocar pasajes de escalas musicales .
• pimaima  : Ejemplo de patrón de arpegio. Sin embargo, existen muchos patrones de arpegio incorporados al repertorio de guitarra clásica.
• pamipami  : Patrón de trémolo de guitarra clásica.
• pmpm  : Una forma de tocar una línea melódica en las cuerdas más graves.

Las partes típicas de las guitarras clásicas incluyen: ^{[ 50 ]}

• Clavijero
• Tuerca
• Clavijeros (o clavijas de afinación, llaves de afinación, máquinas de afinación, afinadores)
• Trastes
• Cuello
• Tacón
• Cuerpo
• Puente
• Cubierta inferior
• Mesa de resonancia
• Lados del cuerpo
• Boca de resonancia con incrustación de roseta
• Instrumentos de cuerda
• Cejuela (Tuerca del puente)
• Diapasón

Cuerpo

El cuerpo del instrumento es un factor determinante en la variedad sonora general de las guitarras acústicas. La tapa, o caja de resonancia , es un elemento finamente elaborado y diseñado, a menudo de abeto o cedro rojo . Considerada el factor más importante para determinar la calidad del sonido de una guitarra, esta delgada  pieza de madera (generalmente de 2 o 3 mm de grosor) tiene un grosor uniforme y está reforzada por diferentes tipos de refuerzos internos. El fondo está hecho de palisandro , siendo el palisandro brasileño especialmente apreciado, aunque a veces se utilizan caoba u otras maderas decorativas. ^{[ 52 ]}

La mayor parte del sonido se produce por la vibración de la tapa de la guitarra, ya que la energía de las cuerdas vibrantes se transfiere a ella. A lo largo de los años, los luthiers han utilizado diferentes patrones de refuerzo de madera ( Torres , Hauser , Ramírez , Fleta y CF Martin se encuentran entre los diseñadores más influyentes de su época); no solo para fortalecer la tapa y evitar que se deforme bajo la tremenda tensión ejercida por las cuerdas tensadas, sino también para influir en su resonancia. Algunos fabricantes de guitarras contemporáneos han introducido nuevos conceptos de construcción, como la "doble tapa", que consiste en dos placas de madera extrafinas separadas por Nomex , o un refuerzo de celosía reforzado con fibra de carbono. El fondo y los aros están hechos de una variedad de maderas como la caoba, el arce, el ciprés, el palo de rosa indio y el muy apreciado palo de rosa brasileño ( Dalbergia nigra ). Cada una se elige por su efecto estético y resistencia estructural, y dicha elección también puede influir en el timbre del instrumento . Estas también están reforzadas con refuerzos internos y decoradas con incrustaciones y filetes. Antonio de Torres Jurado demostró que era la tapa, y no el fondo y los aros de la guitarra, lo que le daba al instrumento su sonido; en 1862 construyó una guitarra con fondo y aros de papel maché. (Esta guitarra se encuentra en el Museu de la Música de Barcelona, ​​y antes del año 2000 fue restaurada a su estado de funcionamiento por los hermanos Yagüe, de Barcelona). El cuerpo de una guitarra clásica es una cámara de resonancia que proyecta las vibraciones del cuerpo a través de una boca , lo que permite que la guitarra acústica se escuche sin amplificación. La boca suele ser un único orificio redondo en la tapa de la guitarra (debajo de las cuerdas), aunque algunas tienen diferente ubicación, forma o número de orificios. La cantidad de aire que un instrumento puede mover determina su volumen máximo.

La guitarra clásica moderna de tamaño completo tiene una longitud de escala ^{[ 53 ]} de aproximadamente 650 mm (25,6 pulgadas) , con una longitud total del instrumento de 965–1016 mm (38,0–40,0 pulgadas) . La longitud de escala se ha mantenido bastante constante desde que fue elegida por el creador del instrumento, Antonio de Torres . Esta longitud puede haber sido elegida porque es el doble de la longitud de una cuerda de violín. Como la guitarra se afina una octava por debajo de la del violín, se podría usar el mismo tamaño de cuerda de tripa para las primeras cuerdas de ambos instrumentos.    

Los instrumentos de menor tamaño se fabrican para facilitar el aprendizaje a los niños, ya que la menor escala implica que los trastes estén más juntos, lo que facilita su uso para manos pequeñas. El tamaño de escala para las guitarras más pequeñas suele estar entre 484 y 578 mm (19,1 y 22,8 pulgadas) , con una longitud de instrumento de entre 785 y 915 mm (30,9 y 36,0 pulgadas) . Los instrumentos de tamaño completo a veces se denominan 4/4, mientras que los tamaños más pequeños son 3/4, 1/2, 1/4 e incluso tan pequeños como 1/8 para niños muy pequeños. Sin embargo, no existe un conjunto estandarizado de dimensiones para las guitarras fraccionarias, y su diferencia de tamaño no es lineal con respecto a una guitarra de tamaño completo.