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Indie rock

Indie rock is a subgenre of rock music that originated in the United Kingdom, United States and New Zealand in the early to mid-1980s. Although the term was originally used to d...

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Indie rock is a subgenre of rock music that originated in the United Kingdom, United States and New Zealand in the early to mid-1980s. Although the term was originally used to describe rock music released through independent record labels, by the 1990s it became more widely associated with the music such bands produced.

The sound of indie rock has its origins in the UK DIY music of the Buzzcocks, Desperate Bicycles[1] and Television Personalities[2][3] and the New Zealand Dunedin sound of the Chills, Tall Dwarfs,[4]the Clean[5] and the Verlaines, alongside Australia's the Go-Betweens[6] and early 1980s college rock radio stations who would frequently play jangle pop bands like the Smiths and R.E.M. The genre solidified itself during the mid–1980s with NME's C86 cassette in the United Kingdom and the underground success of Sonic Youth, Dinosaur Jr. and Unrest in the United States. During the 1990s, indie rock bands like Sonic Youth, the Pixies and Radiohead all released albums on major labels and subgenres like slowcore, Midwest emo, slacker rock and space rock began. By this time, "indie" had evolved to refer to bands whose music was released on independent record labels, in addition to the record labels themselves. As the decade progressed many individual local scenes developed their own distinct takes on the genre: baggy in Manchester; grebo in Stourbridge and Leicester; and shoegaze in London and the Thames Valley.

During the 1990s, the mainstream success of grunge and Britpop, two movements influenced by indie rock, brought increased attention to the genre and saw record labels use their independent status as a marketing tactic. This led to a split within indie rock: one side conforming to mainstream radio; the other becoming increasingly experimental. By this point, "indie rock" referred to the musical style rather than ties to the independent music scene. In the 2000s, indie rock reentered the mainstream through the garage rock and post-punk revival and the influence of the Strokes, the White Stripes and the Libertines. This success was exacerbated in the middle of the decade by Bloc Party, Arctic Monkeys and the Killers, while indie rock further proliferated into the 2000s blog rock era and the British landfill indie movement, as well as the indie sleaze aesthetic.

Etymology and characteristics

Lately we've been hearing the tag "'90s indie rock" used to describe bands ranging from Waxahatchee to Speedy Ortiz to Yuck, and while our brain immediately turns a switch that associates the phrase with "sounds like Pavement", '90s indie rock was really as eclectic and undefinable as, well, contemporary indie rock.

—Philip Cosores of Complex Networks (September 18, 2013)

The terms "independent record label" or "independent music" were originally used in the 1930s to 1950s for American artists associated with jazz, rhythm and blues and early rock and roll, who were predominantly Black musicians initially sidelined by major labels, therefore relied on independent distribution to release their work.[7]

By the early 1980s, the earliest known use of the term "indie rock" was made in an article of Billboard magazine, titled "Despite Hard Times, Indie Rock Labels Survive" on 15 January 1983 by writer Roman Kozak, in which he used a short-hand for the term "independent rock", to describe a growing trend of successful independent record labels in New York that primarily focused on the emerging alternative rock music scene.[8] Indie rock originally described a style of alternative rock that was associated with small and relatively low-budget independent labels a do-it-yourself attitude. Drawing influences from punk, psychedelia and post-punk.[9] Although record deals were later often struck with major corporate companies, "indie rock" became more closely associated with a specific style of rock music rather than its mode of distribution.[10][11]

Indie, in the beginning, was simply short for "independent" – the term was first applied to a bunch of British bands operating through independent record labels in the 1980s, most notably The Smiths. But indie-coded bands quickly became very, very popular. Defining indie as something commercially niche then made little sense, especially in the 2000s, when indie bands competed with rappers and pop stars for the top chart positions. So what are we left with? A songwriting sensibility that's a little weirder than down-the-line rock. Guitar work that often (but not always) tends towards the sharp and angular. A lot of blazers about too, but indie bands like to break rules.

—Lucy Ford, Daisy Jones and Josiah Gogarty of GQ Magazine (February 12, 2025)

AllMusic identifies indie rock as including a number of "varying musical approaches [not] compatible with mainstream tastes".[12] Linked by an ethos more than a musical approach, the indie rock movement encompassed a wide range of styles, from hard-edged, grunge-influenced bands, through do-it-yourself experimental bands like Pavement, to punk-folk singers such as Ani DiFranco.[13] In his book DIY Style: Fashion, Music and Global Digital Cultures, Brent Luvaas described the genre as rooted in nostalgia, citing the influence of garage rock and psychedelic rock of the 1960s in progenitors the Stone Roses and the Smiths, in addition to a lyrical preoccupation with literature.[14]

In this same vein, Matthew Bannister defined indie rock as "small groups of white men playing guitars, influenced by punks and 1960s white pop/rock, within a broader discourse and practice of (degrees of) independence from mainstream musical values."[15] According to anthropologist Wendy Fonarow, a key element of indie is the dichotomy between a "puritan ethos" and a "romantic one", with the former using austere ethics, and the latter being eccentric. This is best seen in the contrast between the indie music of United States and the United Kingdom in the 1990s, with British acts being flamboyant performers, while American acts used their lack of virtuosity as a mark of authenticity.[16]

Indie rock is noted for having a relatively high proportion of female artists compared with preceding rock genres, a tendency exemplified by the development of the feminist-informed riot grrrl music of acts like Bikini Kill, Bratmobile, 7 Year Bitch, Team Dresch and Huggy Bear.[17] However, Cortney Harding pointed out that this sense of equality is not reflected in the number of women running indie labels.[18]

Influences

1960s–1970s

The Velvet Underground was an influential experimental rock act during the late 1960s.

The Velvet Underground and the Kinks have been cited as early musical influences on indie rock, with David Lowery of the band Cracker stating: "The Kinks were like the first indie rock band, in a weird way".[19] Furthermore, Pitchfork cited the Beach Boys,[20] as well as the Byrds as pivotal influences, noting that "without the Byrds, the entirety of college rock—and, from it, indie rock—wouldn't exist".[21] Other influences include Syd Barrett of Pink Floyd and Alex Chilton's[22]Big Star, with the Guardian noting that Barrett's "influence became built into the music we now know as indie rock",[23] and describing Big Star as the "ur-band" for "emotionally acute indie-rock".[24] Alongside, ex-Roxy Music member, Brian Eno's debut and sophomore albums.[25]

In New York's CBGB scene, Patti Smith[26] became the first punk artist to self-release a single with her 1974 cover of "Hey Joe", featuring "Piss Factory" as the B-side. This was later followed by Television's "Little Johnny Jewel" in October 1975, their melodic guitar interplay on Marquee Moon proved influential to the early indie scene.[27]Pere Ubu also self-released their debut single in December 1975.[28] Other influences included proto-punk artists the Stooges[29] and the Modern Lovers.[30]

Late 1970s

Sex Pistols at Manchester's Lesser Free Trade Hall on 4 June and 20 July 1976 inspired the formation of Joy Division, the Fall, the Smiths, Simply Red, Magazine, Buzzcocks, Factory and Creation Records

During the advent of punk rock in the late 1970s, bands began to embrace and popularize a DIY ethic that encouraged anyone, regardless of skill or musical background,[31] to form a band. On June 4 and July 20, 1976, the Sex Pistols, performed at the Lesser Free Trade Hall in Manchester, which inspired the formation of influential groups like the Smiths, Buzzcocks, the Fall and Joy Division as well as the launch of influential independent record labels such as Factory and Creation Records, as Tony Wilson and Alan McGee cited the performance as inspiring their interest in British alternative music.[32]

Furthermore, independent record labels became integral to the early years of punk rock musical distribution, as seen with Beserkley Records in the US, who put out the debut album of The Modern Lovers which was recorded years earlier. In the UK, indie label Stiff Records released the first UK punk single "New Rose" by the Damned. In Australia, Brisbane band the Saints had their first punk release outside the US, "(I'm) Stranded", on their own "Fatal Records" label. This was followed by the Go-Betweens releasing "Lee Remick" a few months later.[33]

By the late 1970s, the post-punk scene emerged in the UK, encapsulating bands that while retaining the DIY ethos of punk, began to push its boundaries. Artists such as the Cure, the Monochrome Set,[34]Felt, the Raincoats and Young Marble Giants who were mostly signed to independent labels like Rough Trade, Factory Records and Cherry Red, served as a foundational influence on indie rock and later alternative music. Additionally, art punk band Wire influenced later acts such as Guided by Voices and Hüsker Dü.[35][36] Likewise, the Soft Boys, became cult favorites in the US where bands like R.E.M. and the Replacements "memorized every lick".[37]

Scottish post-punk bands, Orange Juice, Josef K and later the Vaselines also proved to be influential.[38]

American groups like the Feelies,[39]Mission of Burma,[40]Talking Heads[41] and the Embarrassment[42]—the latter an influence on R.E.M.[43] were also important to the development of indie rock.

Background

Before punk rock and the independent music boom of the late 1970s to early 1980s, independent music already had a rich history of promoting developments in popular music, particularly in genres overlooked by major labels. Prior to the late 1970s, major record companies held so much power that independent labels struggled to establish themselves, as they often failed commercially or were eventually absorbed by major labels. However, this dynamic began to change in 1979 when Rough Trade released the album Inflammable Material by Stiff Little Fingers which went on to be the first independently-released album to sell over 100,000 copies and enter the UK Top 20. This success sparked major record companies' interest in independent music and by the end of the decade, the establishment of the UK indie charts signaled the growing popularity of the movement.[44] The BBC documentary "Do it Yourself: The Story of Rough Trade"[45] stated that:

"[...] when Rough Trade began in 1976 there were about a dozen independent labels in Britain, by the end of the decade there were over 800."

Other notable early indie labels include Mute, 4AD, Factory, Beggars Banquet and Creation Records.[31]

Early UK DIY movement

Dan Treacy's Television Personalities, one of the leading bands of the UK DIY wave and forerunners to indie pop

The BBC documentary Music for Misfits: The Story of Indie remarks that the self-publication of the Spiral Scratch EP by Manchester punk rock band the Buzzcocks, on their independent record label New Hormones on 29 January 1977, was a pivotal moment in the development of indie rock, as well as the wider English independent music scene.[46][47] Writer Kevin Dunn's Global Punk highlights how the Buzzcocks' debut EP inspired a wave of independent DIY releases across the United Kingdom: "...the EP literally showed how one could make a record, with the details of the recording process (e.g., number of takes and over-dubs) and pressing costs printed right on the record cover."[48]

Similarly, the earliest releases by the Desperate Bicycles[1] showed listeners how to produce and distribute their own records independently at very low cost, with the sole objective of undermining the monopoly that major record labels held over the wider music industry. Both the Buzzcocks and Desperate Bicycles helped inspire a wave of DIY punk bands like 'O' Level, Television Personalities, Swell Maps, and others—who followed suit in producing and distributing their own records.[49][50] Distribution was further improved with the establishment of 'The Cartel', an association of companies like Red Rhino and Rough Trade Records who would take the releases from these small labels and get them into record shops nationwide.[51]Stephen Malkmus later cited the British DIY era as a foundational influence on Pavement.[52]

Dunedin sound

The Chills performing at Indietracks in rural Derbyshire in 2014

The city of Dunedin, New Zealand, produced many of the bands that formed the cornerstone of the independent record label Flying Nun Records. These artists defined the Dunedin sound, which would be particularly influential on the development of indie rock's sound.[53][54][55] According to Audioculture, one of the earliest Dunedin Sound band was Chris Knox's band the Enemy, which emerged as a post-punk group, whose members also included Alec Bathgate. Although the group was only around for a short time, their shows impressed the teenage musicians that came to see them, including a young Shayne Carter, who went on to form Bored Games, the DoubleHappys and Straitjacket Fits. Knox later formed another short-lived punk band called Toy Love, and after it broke up, he went on to start the influential band Tall Dwarfs, who were an integral influence on the emergence of home-recorded lo-fi indie.[56] The punk-inspired aspects of the scene were often inspired by opposition to Robert Muldoon and his government, which prompted satire or outright criticism.[57] The scene saw bands take influence from punk rock, but strip away its aggression for a reverb heavy, pop–influenced sound. Marked by the Clean's 1981 debut single "Tally-Ho!" and 1982's Dunedin Double EP featuring the Chills, Sneaky Feelings, the Verlaines and the Stones, its guitars were often jangly and droning and vocals indistinct.[58] The following years, the Dunedin sound spread to other New Zealand cities such as Christchurch or Auckland.[59][55][60][54]

History

Origins

British band the Jesus and Mary Chain performing in California in 2007

Entre principios y mediados de la década de 1980, las emisoras de radio universitarias , principalmente en Estados Unidos, comenzaron a popularizarse y a emitir música de artistas independientes de diversos géneros, como rock alternativo , new wave , post-hardcore y post-punk . Los fans apodaron a las bandas que sonaban en estas emisoras como " rock universitario ", un término que carecía de connotaciones estilísticas. Entre las bandas más destacadas del rock universitario se encontraban los grupos de jangle pop REM , de Estados Unidos, y The Smiths , del Reino Unido, a quienes Matthew Bannister considera los primeros grupos de indie rock. [ 61 ] La influencia de estas bandas se hizo patente rápidamente en la formación de Let's Active , The Housemartins y The La's . [ 62 ] Para entonces, el término "indie rock" ya se utilizaba para describir a las bandas que producían música en sellos discográficos independientes, en lugar de a los propios sellos. Esto lo convirtió en el único género de la época definido por los métodos de distribución de la música, en lugar de por su sonido. [ 9 ]

El periodista Steve Taylor también citó a las bandas involucradas en la escena Paisley Underground como los primeros grupos indie. [ 63 ] En los años siguientes, bandas de Jesus and Mary Chain y Flying Nun Records como Jean-Paul Sartre Experience transformaron el género en un estilo más lento, oscuro e hipnótico. [ 61 ] El número de estaciones de radio universitarias en los EE. UU. disminuyó significativamente después de que NPR presionara contra las estaciones no comerciales durante la década de 1980. A su vez, el nombre "college rock" cayó en desuso, siendo pronto reemplazado por "indie". [ 64 ]

Desarrollo

My Bloody Valentine fue pionera del subgénero de rock independiente conocido como shoegaze .

In the United Kingdom, NME released the C86 compilation cassette, which consisted of tracks by groups including Primal Scream, the Pastels and the Wedding Present. Intended to showcase the UK's current independent music scene, the album was made up of groups combining elements of jangle pop, post-punk and Phil Spector indebted Walls of Sound. In 2006, Bob Stanley called it "the beginning of indie music".[65] C86 became a descriptor in its own right, describing not only the bands on the tape but also bands who it influenced, often used alongside terms like "anorak pop" and "shambling".[66] Some C86 bands found significant commercial success: the Soup Dragons went on to sell out Madison Square Garden; Primal Scream were critically acclaimed, receiving the first ever Mercury Prize in 1992; the Wedding Present charted eighteen times in the Top 40; however many bands in its twenty-two track runtime also fell into obscurity.[67]

In the United States, the popularity of R.E.M. allowed those disliking of hardcore punk's aggression and militancy to become a part of the underground music scene. This empowered an array of musicians, particularly those in what would become the post-hardcore scene as led by the Minutemen[68] who in the hardcore scene were often met with hostility, with Pitchfork[69] citing "the first time they opened for Black Flag, the Minutemen were showered with spit from the crowd", further stating that "they just weren't that hardcore". Despite this, they've been credited with providing "the life blood of indie rock for decades".[68][70][71] Similarly, Wipers, who with their melodic riffs and emphasis on guitar leads and solos, also stood out in the hardcore scene, influencing emerging indie artists such as J Mascis of Dinosaur Jr, helping re-introduce guitar virtuosity back into alternative music.[72][73]

Furthermore, major labels began to pursue underground bands, with both Hüsker Dü and the Replacements releasing albums on majors in the middle of the decade. While these albums did not see the same success as R.E.M., and major labels soon lost interest in the scene, they did have a large impact on younger bands. Some groups like Camper Van Beethoven,[74]the Dead Milkmen[75] and Violent Femmes[76] infused the scene with sardonic humor and irony. In the following years, Sonic Youth, Dinosaur Jr. and Unrest began to release music on independent labels indebted to these bands, and soon too picked up the categorisation of indie rock.[77] As the 1980s closed, both Sonic Youth and the Pixies signed to major labels.[78]

In the late 1980s, the indie rock subgenre shoegaze emerged, as a continuation of the wall of sound production being used by groups like the Jesus and Mary Chain. The genre merged this with influences from Dinosaur Jr. and the Cocteau Twins, to create a dark and droning style so cacophonous that instruments were often indistinguishable. The genre was pioneered by My Bloody Valentine on their early EPs and debut album Isn't Anything.[79] The band's style influenced a wave of bands in London and the Thames Valley area including Chapterhouse, Moose and Lush. This scene was collectively termed "the Scene That Celebrates Itself" by Melody Maker'sSteve Sutherland in 1990.[80]

The Stone Roses' 1990 Spike Island concert was the highest attendance performance by an independent artist of its time.

Madchester was another style and scene that originated in the late 1980s. Defined by its merger of C86 indie rock, dance music and Hedonist rave culture, particularly its emphasis on the use of psychedelic drugs, the scene was centred in Manchester.[81][82] The scene was based around the Haçienda nightclub, which opened in May 1982 as an initiative of Factory Records. For the first few years of its life, the club played predominantly club-oriented pop music and hosted performances by artists including New Order, Cabaret Voltaire, Culture Club, Thompson Twins and the Smiths.[83] The Madchester movement burgeoned by 1989, with the success of the Happy Mondays second album Bummed and the Stone Roses' self-titled debut, which became the most influential work in the scene. In the following years, addition high profile acts included the Charlatans, 808 State and the Inspiral Carpets.[84]

The Madchester scene's distinct combination of indie rock and dance music became termed indie dance by critics, or more specifically the subgenre baggy.[85] Madchester and baggy's most infamous moment was the 27 May 1990 Spike Island concert headlined by the Stone Roses. With an attendance of around 28,000 and lasting twelve hours, it was the first event of its size and kind to be hosted by an independent act.[86]

En Stourbridge surgió una escena de bandas indie influenciadas por la música electrónica , el punk, el folk y el hip-hop , apodada " grebo " por la crítica. Lideradas por Pop Will Eat Itself , The Wonder Stuff y Ned's Atomic Dustbin , el término "grebo" se definía de forma amplia y se utilizaba más como nombre para la escena de Stourbridge que como etiqueta de género. Sin embargo, las bandas no tardaron en llamar la atención: los sencillos de Pop Will Eat Itself de 1989, " Wise Up! Sucker " y " Can U Dig It? ", entraron en el Top 40 del Reino Unido y Stourbridge se convirtió brevemente en una atracción turística para los jóvenes aficionados al rock indie. Los álbumes más importantes de la escena se publicaron entre 1989 y 1993: Hup y Never Loved Elvis de The Wonder Stuff; God Fodder y Are You Normal? de Ned's Atomic Dustbin ; y This Is the Day...This Is the Hour...This Is This! y The Looks or the Lifestyle? de Pop Will Eat Itself. En este período, las bandas de la escena se convirtieron en habituales, a veces cabezas de cartel, del Festival de Reading , vendieron millones de álbumes y aparecieron con frecuencia en las portadas de revistas como NME y Melody Maker . [ 87 ] Las bandas de Grebo se distinguieron de los grupos de indie rock anteriores no solo por sus amplias influencias, sino también por su subversión de la cursilería o los estados de ánimo melancólicos de la mayoría de las demás bandas del género, y su búsqueda de un sonido y una estética más pesados. La escena llegó a incluir a bandas estilísticamente similares de la cercana Leicester: The Bomb Party , Gaye Bykers on Acid , Crazyhead , The Hunters Club y Scum Pups . [ 88 ]

Separación entre la música comercial y la underground: década de 1990

El éxito del grunge permitió a Sonic Youth irrumpir en el mercado general. [ 89 ]

A principios de la década de 1990, la escena grunge de Seattle, y sus grupos más destacados, Nirvana , Pearl Jam , Soundgarden y Alice in Chains , irrumpieron en la escena musical dominante. [ 90 ] El éxito monumental de estas bandas, en particular Nirvana, atrajo mayor atención a la escena del rock independiente, lo que inició un cambio en el que el término «rock independiente» fue reemplazado por « rock alternativo» . [ 89 ] Como resultado, el término «alternativo» perdió su significado contracultural original y comenzó a referirse a la nueva forma de música, más comercialmente accesible, que ahora alcanzaba el éxito comercial. El escritor de la revista New York, Carl Swanson, argumentó que incluso el término «vendido» perdió su significado, ya que el grunge permitió que un movimiento de nicho, por muy radical que fuera, fuera cooptado por la corriente principal, consolidando la formación de una cultura individualista y fragmentada. [ 91 ]

En su libro Popular Music: The Key Concepts , el académico de medios Roy Shuker afirma que "el grunge representó la popularización de la ética y el estilo del indie rock norteamericano de la década de 1980", y continúa explicando que el estatus de una banda como independiente se convirtió en "un recurso de marketing, al igual que [el indie rock y el rock alternativo eran] un 'sonido' identificable". [ 92 ] A raíz de esta mayor atención, el indie rock experimentó una división: bandas accesibles que se adaptaban a la ahora popular radio de rock alternativo; y bandas que continuaron experimentando, avanzando en el underground. [ 62 ] Según AllMusic , fue durante esta división que "indie rock" se consolidó como un término para el estilo de música interpretado por estos artistas underground, mientras que las bandas influenciadas por el indie rock mainstream pasaron a denominarse rock alternativo. [ 11 ]

El slowcore se desarrolló en Estados Unidos como contrapunto directo al rápido crecimiento del grunge. [ 93 ] Aunque está vagamente definido, el slowcore generalmente incluye tempos lentos, instrumentales minimalistas y letras tristes. [ 94 ] Galaxie 500 , particularmente su segundo álbum On Fire (1989), fueron grandes influencias en el género, [ 95 ] [ 96 ] y el escritor de Bandcamp Daily , Robert Rubsam, los llamó la "fuente de todo lo que vendría". [ 97 ] La primera ola de bandas en el género incluyó a Red House Painters , Codeine , Bedhead , Ida y Low . El género se originó en todo Estados Unidos, sin un enfoque geográfico y con muy poca interacción entre sus artistas. [ 97 ]

Un subconjunto más joven de bandas grebo surgió alrededor de 1991, que a su vez fueron etiquetadas como bandas "fraggle". [ 98 ] Durante este movimiento, el sonido dominante fue un estilo de indie rock que estaba fuertemente influenciado por el punk y el álbum Bleach de Nirvana , aunque también hacía uso ocasional de cajas de ritmos . [ 99 ] El escritor de Gigwise, Steven Kline, describió el estilo como "guitarras sucias, cabello aún más sucio y camisetas que solo una madre lavaría". Entre los grupos fraggle más destacados se encontraban Senseless Things , Mega City Four y Carter the Unstoppable Sex Machine . [ 99 ]

Stephen Malkmus , cantante y guitarrista de Pavement

El escritor de Spin, Charles Aaron, describió a Pavement y Guided by Voices como "las dos bandas que llegaron a ejemplificar el indie rock en este período, y que aún definen el término en la mente de muchas personas". Ambas bandas utilizaron un estilo de producción lo-fi que romantizaba su ética DIY. [ 100 ] El álbum de Pavement de 1992, Slanted and Enchanted , fue uno de los álbumes definitorios del subgénero slacker rock . [ 101 ] Rolling Stone llamó al álbum "el álbum de indie rock por excelencia", colocándolo en la lista de la revista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . [ 102 ]

En el Triángulo de Investigación de Carolina del Norte , una escena de rock independiente estaba siendo liderada por grupos apadrinados por Merge Records como Superchunk , Archers of Loaf y Polvo , describiendo una escena creciente de bandas de rock independiente influenciadas por el hardcore punk y el post-punk. [ 103 ] En ese momento, publicaciones como Entertainment Weekly comenzaron a llamar a la ciudad universitaria de Chapel Hill "el próximo Seattle". [ 104 ] [ 105 ] El sencillo de Superchunk " Slack Motherfucker " también ha sido reconocido por la revista Columbia por popularizar el estereotipo del " holgazán " y como un himno definitorio del rock independiente de los 90. [ 106 ]

Con el auge del Britpop , muchas de las primeras bandas de rock indie británicas cayeron en el olvido. [ 107 ] Lideradas por Blur , Oasis , Pulp y Suede , [ 108 ] las bandas del movimiento se anunciaban como artistas underground, como una forma de competir comercialmente con la escena grunge de Estados Unidos. [ 109 ] Si bien el Britpop estaba estilísticamente en deuda con el rock indie y comenzó como una rama del mismo, las bandas de Britpop abandonaron la política antisistema inicial del género y, en cambio, la llevaron al mainstream, con bandas como Blur y Pulp incluso firmando con grandes sellos discográficos. En su ensayo ¿ Labouring the Point? En "New Britain" , la política y académica Rupa Huq afirma que el Britpop "comenzó como una ramificación de la escena musical independiente británica, pero posiblemente terminó matándola, ya que se produjo una convergencia entre lo indie y lo mainstream, eliminando el elemento distintivo de 'protesta' de la música independiente con sede en Gran Bretaña" [ 15 ]. El periodista musical John Harris ha sugerido que el Britpop comenzó cuando el cuarto sencillo de Blur, " Popscene ", y el debut de Suede, " The Drowners ", se lanzaron casi al mismo tiempo en la primavera de 1992. Afirmó: "[S]i el Britpop comenzó en algún lugar, fue el diluvio de elogios que recibieron los primeros discos de Suede: todos ellos audaces, exitosos y muy, muy británicos". [ 110 ] Suede fue la primera de la nueva generación de bandas orientadas a la guitarra en ser adoptada por los medios musicales del Reino Unido como la respuesta de Gran Bretaña al sonido grunge de Seattle. Su álbum debut Suede , lanzado el 29 de marzo de 1993, se convirtió en el álbum debut de venta más rápida en la historia de la música británica hasta ese momento. [ 111 ]

Diversificación

Sunny Day Real Estate's debut album, Diary (1994), began a new wave of the emo genre, by incorporating elements of it into their indie rock sound.[112] Sunny Day Real Estate and other second wave emo bands, including Piebald, the Promise Ring and Cap'n Jazz distanced emo from its hardcore roots and allowed the genre to develop a much more realised scene than its first wave.[113] This style of emo broke into mainstream culture in the early 2000s, with the platinum-selling success of Jimmy Eat World's Bleed American (2001) and Dashboard Confessional's The Places You Have Come to Fear the Most (2001).[114] One particularly notable scene during this wave was the Midwest emo bands of the latter half of the decade, who incorporated the jangly guitar tones of earlier indie rock and elements of math rock to create the distinctive style of groups like American Football.[113] The popularity of emo, also allowed a number of "not-quite-indie-not-quite-emo" bands like Death Cab For Cutie, Modest Mouse and Karate to gain significant attention.[115]

The loosely defined Elephant 6 collective – which included the Apples in Stereo, Beulah, Circulatory System, Elf Power, the Minders, Neutral Milk Hotel, of Montreal and the Olivia Tremor Control – merged indie rock with psychedelic pop. Gimme Indie Rock author Andrew Earles stated that the collective, namely Neutral Milk Hotel on On Avery Island (1996), "helped keep the genre artistically relevant while other bands defected and other underground styles rose to prominence".[116][117]

Indie electronic or indietronica[118] covers rock-based artists who share an affinity for electronic music, using samplers, synthesizers, drum machines, and computer programs.[119] Less a style and more a categorization, it describes an early 1990s trend of acts who followed in the traditions of early electronic music (composers of the BBC Radiophonic Workshop), krautrock and synth-pop.[119] Progenitors of the genre were English bands Disco Inferno, Stereolab, and Space.[119] Most musicians in the genre can be found on independent labels like Warp, Morr Music, Sub Pop or Ghostly International.[119]

Space rock took the psychedelic rock, ambient music influence of Pink Floyd and Hawkwind and incorporated them into an indie rock context. The style began with Spacemen 3 in the 1980s, with later groups including Spiritualized, Flying Saucer Attack, Godspeed You! Black Emperor and Quickspace.[120]

A medida que el Britpop declinaba hacia finales de la década, el post-Britpop se afianzó en la escena del rock indie del Reino Unido. [ 121 ] Desde aproximadamente 1997, a medida que crecía la insatisfacción con el concepto de Cool Britannia y el Britpop como movimiento comenzaba a disolverse, las bandas emergentes comenzaron a evitar la etiqueta Britpop aunque seguían produciendo música derivada de ella. [ 122 ] [ 123 ] Después del declive del Britpop comenzaron a ganar más atención de la crítica y del público. [ 122 ] El álbum Urban Hymns (1997) de The Verve fue un éxito mundial y su punto álgido comercial antes de que se separaran en 1999, mientras que Radiohead , aunque había logrado un reconocimiento moderado con The Bends en 1995 , logró una aclamación casi universal de la crítica con su tercer álbum experimental OK Computer (1997) y sus sucesores Kid A (2000) y Amnesiac (2001). [ 124 ] Stereophonics , usó elementos de post-grunge y hardcore en sus álbumes revelación Word Gets Around (1997) y Performance and Cocktails (1999), antes de pasar a un territorio más melódico con Just Enough Education to Perform (2001) y álbumes posteriores. [ 125 ] [ 126 ] Feeder , quienes inicialmente estuvieron más influenciados por el post-grunge estadounidense, produjeron un sonido hard rock que llevó a su sencillo revelación " Buck Rogers " y al álbum Echo Park (2001). [ 127 ] Después de la muerte de su baterista Jon Lee , pasaron a un modo más reflexivo e introspectivo en Comfort in Sound (2002), su álbum más exitoso comercialmente hasta ese momento, que generó una serie de sencillos exitosos. [ 128 ] La banda más exitosa comercialmente en el milenio fue Coldplay , cuyos dos primeros álbumes Parachutes (2000) y A Rush of Blood to the Head (2002) alcanzaron el estatus de multiplatino , consolidándolos como uno de los grupos más populares del mundo para cuando lanzaron su tercer álbum X&Y (2005). [ 129 ] [ 130 ] " Chasing Cars " de Snow Patrol (de su álbum Eyes Open de 2006)  ) es la canción más reproducida del siglo XXI en la radio del Reino Unido. [ 131 ]

Éxito en el mercado general: década de 2000

El resurgimiento del post-punk y el garage rock

The Strokes es una de las bandas más influyentes del indie rock en la década de 2000.

La atención del público general que el indie rock obtuvo en la década de 2000 comenzó con The Strokes y su álbum debut de 2001, Is This It . Tocando un estilo deudor de bandas de los años 60 y 70 como The Velvet Underground y The Ramones , la intención musical de la banda era sonar como "una banda del pasado que hizo un viaje en el tiempo al futuro para hacer su disco". [ 132 ] El álbum alcanzó el puesto número treinta y tres en Estados Unidos, permaneciendo en las listas durante dos años más y debutando en el número dos en la lista de álbumes del Reino Unido . [ 132 ] [ 133 ] Cuando The Strokes hicieron su debut comercial, la percepción pública de la "música rock" se basaba en el post-grunge , el nu metal y el rap rock , poniendo su estilo retro de garage rock como un marcado contraste con el público general. La influencia inmediata de la banda permitió que otras bandas neoyorquinas influenciadas por el rock clásico como Yeah Yeah Yeahs , Interpol y TV on the Radio obtuvieran atención del público general. [ 134 ] The Strokes estuvieron acompañados en este éxito comercial por The White Stripes , The Vines y The Hives . Estos grupos fueron bautizados por parte de los medios como las bandas "The" y apodados "los salvadores del rock 'n' roll", [ 135 ] lo que llevó a la revista Rolling Stone a declarar en su portada de septiembre de 2002: "¡El rock ha vuelto!" [ 136 ]

AllMusic describió a The Libertines como "uno de los grupos más influyentes del Reino Unido en el siglo XXI".

El éxito de The Strokes revitalizó la escena underground post-Britpop, entonces moribunda, en el Reino Unido con grupos que tomaron la influencia de la banda y experimentaron con su sonido. Esta primera ola de grupos británicos incluyó a Franz Ferdinand , Kasabian , Maxïmo Park , The Cribs , Bloc Party , Kaiser Chiefs y The Others . [ 137 ] Sin embargo, The Libertines , que se formaron en 1997, se erigieron como el contrapunto británico a The Strokes, siendo descritos por AllMusic como "uno de los grupos británicos más influyentes del siglo XXI" [ 138 ] y The Independent afirmando que "The Libertines querían ser una banda importante, pero no podían haber predicho el impacto que tendrían". [ 139 ] Influenciados por The Clash , The Kinks , The Smiths y The Jam , [ 138 ] el estilo de la banda, con partes de guitarra metálicas, de registro alto, a veces acústicas, coronadas por letras sobre placeres provincianos británicos en los auténticos acentos ingleses de los vocalistas, se volvió ampliamente imitado. [ 139 ] The Fratellis , The Kooks y The View fueron tres de esos grupos que lograron un éxito comercial significativo, aunque la banda post-Libertines más prominente fue Arctic Monkeys de Sheffield . [ 139 ] Uno de los primeros grupos que debieron su éxito comercial inicial al uso de las redes sociales de Internet , [ 140 ] Arctic Monkeys tuvo dos sencillos número 1, y su álbum Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006) se convirtió en el álbum debut de venta más rápida en la historia de las listas británicas. [ 141 ]

En este éxito, bandas indie legendarias pronto entraron en el mainstream, [ 142 ] incluyendo a Modest Mouse (cuyo álbum de 2004 Good News for People Who Love Bad News alcanzó el top 40 de EE. UU. y fue nominado a un premio Grammy ), Bright Eyes (que en 2004 tuvo dos sencillos en la cima de la lista Hot 100 Single Sales de la revista Billboard ) [ 143 ] y Death Cab for Cutie (cuyo álbum de 2005 Plans debutó en el número cuatro en EE. UU., permaneciendo en las listas de Billboard durante casi un año y alcanzando el estatus de platino y una nominación al Grammy). [ 144 ] Este nuevo avance comercial y el uso generalizado del término indie para otras formas de cultura popular, llevó a varios comentaristas a sugerir que el rock indie había dejado de ser un término significativo. [ 145 ] [ 146 ]

Además, surgió una segunda ola de bandas en Estados Unidos que lograron reconocimiento internacional como resultado del movimiento, entre ellas The Black Keys , Kings of Leon , The Shins , The Bravery , Spoon , The Hold Steady y The National . [ 114 ] La banda más exitosa comercialmente de esta ola fue The Killers de Las Vegas . Formada en 2001, después de escuchar Is This It , la banda descartó la mayor parte de su material anterior para reescribirlo bajo la influencia de The Strokes. [ 147 ] El sencillo debut de la banda, " Mr. Brightside ", pasó 260 semanas no consecutivas, o cinco años, en la lista de sencillos del Reino Unido hasta abril de 2021, la mayor cantidad para cualquier canción, [ 148 ] [ 149 ] y a partir de 2017, había figurado en la lista de sencillos del Reino Unido en 11 de los últimos 13 años, [ 150 ] incluyendo una racha de 35 semanas alcanzando el puesto número 49 en 2016–2017. [ 151 ] Además, fue la canción más reproducida en streaming en el Reino Unido antes de 2010, hasta que fue superada a finales de 2018, [ 152 ] y continuó siendo comprada para descarga cientos de veces por semana en 2017. [ 153 ] En marzo de 2018, la canción alcanzó el hito de permanecer en el Top 100 de la lista de sencillos del Reino Unido durante 200 semanas. [ 153 ]

Vertedero independiente

Arctic Monkeys are one of the most commercially successful bands to emerge out of the landfill indie movement.

The impact of the Strokes, the Libertines and Bloc Party led to significant major label interest in indie rock artists, which was then exacerbated by the success of the Arctic Monkeys. In the years following Whatever People Say I Am, That's What I'm Not there was a proliferation of bands such as the Rifles, the Pigeon Detectives and Milburn, who created a more formulaic derivative of the earlier acts.[154][137] By the end of the decade, critics had taken to referring to this wave of acts as "landfill indie",[155][156][157] a description coined by Andrew Harrison of the Word magazine.[158] A 2020 Vice article cited Johnny Borrell, vocalist of Razorlight, as the "one man who defined, embodied and lived Landfill Indie" due to his forming of a "spectacularly middle-of-the-road" band despite his close proximity to the Libertines' "desperate kinetic energy, mythologised love-hate dynamic and vision of a dilapidated Britain animated by romance and narcotics".[154] In a 2009 article for the Guardian, journalist Peter Robinson cited the landfill indie movement as dead, blaming the Wombats, Scouting For Girls, and Joe Lean & the Jing Jang Jong by stating "If landfill indie had been a game of Buckaroo, those three sent the whole donkey's arse of radio-friendly mainstream guitar band monotony flying high into the air, legs flailing."[159]

Continued success: 2010s–present

En la década de 2010 continuaron los éxitos comerciales: The Suburbs de Arcade Fire (2010), Turn Blue de The Black Keys (2014), Walls de Kings of Leon (2016), Wonderful Wonderful de The Killers (2017), que alcanzó el número uno en las listas de Billboard en Estados Unidos y en la lista oficial del Reino Unido, con el álbum de Arcade Fire ganando un Grammy al Álbum del Año en 2011. [ 160 ] Otros grupos de rock indie como Florence and the Machine , The Decemberists y LCD Soundsystem consiguieron sencillos número uno en Estados Unidos durante la década, y Vampire Weekend , Florence and the Machine, Arctic Monkeys, Bon Iver , The Killers y The Postal Service consiguieron discos de platino. [ 161 ] El tercer álbum de estudio de Vampire Weekend, Modern Vampires of the City (2013), recibió el premio Grammy al Mejor Álbum de Música Alternativa en 2014, y el escritor de Consequence , Tyler Clark, afirmó que en 2019 seguía siendo "un referente del rock independiente en el mundo de la música". [ 161 ] El quinto álbum de Arctic Monkeys, AM (2013), fue uno de los álbumes de rock independiente más importantes de la década, alcanzando el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido , habiendo vendido 157.329 copias, convirtiéndose así en el segundo álbum más vendido del año. [ 162 ] Con el debut de AM en la lista, Arctic Monkeys también rompió un récord, convirtiéndose en la primera banda de sello independiente en debutar en el número uno en el Reino Unido con sus primeros cinco álbumes. [ 163 ] A junio de 2019, AM había pasado 300 semanas en el top 100 de la lista de álbumes del Reino Unido . [ 164 ] El álbum también alcanzó el número uno en Australia, Bélgica (Flandes), Croacia, Eslovenia, Dinamarca, Irlanda, Países Bajos, Nueva Zelanda y Portugal, y llegó a los primeros diez puestos en varios otros países. En Estados Unidos, el álbum vendió 42.000 copias en su primera semana y debutó en el número seis de la lista Billboard 200, convirtiéndose en el álbum de la banda con la posición más alta en las listas de Estados Unidos. [ 165 ] En agosto de 2017, AM fue certificado platino por la RIAA por ventas combinadas y unidades equivalentes a álbumes. over of a million units in the United States.[166] As of the 14th of April 2023 every track from the album was certified silver or higher by the BPI with "Mad Sounds" being the last to be certified.[167]

When the 1975's merger of indie rock and mainstream pop began gaining commercial attraction in the early 2010s, it was controversial; they received the award for "Worst Band" at the 2014 NME Awards, but by 2017 received "Best Live Band" at the same award show.[168]Alternative Press writer Yasmine Summan stated that "If you could summarize 2013 and 2014 in one album for indie and alternative fans, it would be the 1975's self-titled release".[169] In an article for the Guardian accrediting the 1975 as the band to "usher indie into the mainstream", writer Mark Beaumont compared vocalist Matty Healy's influence on the genre to that of Libertines vocalist Pete Doherty,[170] and Pitchfork listed them as one of the most influential artists in music since 1995.[171] In the 1975's wake, a number of other indie pop artists gained popularity. Some critics termed this phenomenon "Healywave", which notably included: Pale Waves, the Aces, Joan, Fickle Friends and No Rome.[172] Of this group, Pale Waves were particularly commercially prominent, with their debut album My Mind Makes Noises peaking at number eight on the UK albums chart, Who Am I? (2021) at number three and Unwanted (2022) at number four.[173] At around the same time Wolf Alice became a prominent force in the scene, with their second album Visions of a Life (2017) winning the Mercury Prize in 2018 and third album Blue Weekend (2021) being nominated.[174] Writer Martin Young stated in a 2021 article for Dork that "It's impossible to truly state just how important Wolf Alice are. They are the catalyst for almost all the amazing bands you've read about in Dork over the last 5 years."[175]

See also

References

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