Kenzo Okada

Okada nació el 28 de septiembre de 1902 en Yokohama, Japón. Su padre, un acaudalado industrial, no apoyaba el deseo de su hijo de ser artista. Tras la muerte de su padre, Okada ingresó en el departamento de pintura occidental de la Escuela de Bellas Artes de Tokio (actual Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio ). ^{[ 1 ]} Entre sus compañeros de clase se encontraban Gen'ichirō Inokuma , Takeo Yamaguchi y Ryōhei Koiso . ^{[ 9 ]} En 1924, Okada abandonó la Escuela de Bellas Artes de Tokio y se marchó a París , donde estudió con su compatriota japonés expatriado Tsuguharu Foujita , pintando temas urbanos. En 1927, expuso su obra en el Salón de Otoño .

En 1927, Okada regresó a Japón y, al cabo de un año, realizó su primera exposición individual en los grandes almacenes Mitsukoshi de Tokio. En 1929, sus obras fueron seleccionadas para la decimosexta Exposición de la Segunda Sección ( Nika-ten二科展), un salón anual organizado por la asociación de artistas modernistas Sociedad de la Segunda Sección ( Nika-kai二科会). A partir de entonces, las obras de Okada se exhibieron anualmente en la Exposición de la Segunda Sección. Okada se hizo popular en la Sociedad de la Segunda Sección por sus exuberantes retratos de mujeres y paisajes urbanos franceses. En 1937, la Sociedad de la Segunda Sección admitió a Okada como miembro de pleno derecho (junto con Tamiji Kitagawa , Keiji Shimazaki , Kōnosuke Tamura , entre otros). ^{[ 8 ] : 175–176} A lo largo de la década de 1930, el estilo de Okada cambió gradualmente de los tonos cálidos que recuerdan a Marie Laurencin y Henri Matisse inmediatamente después de su regreso a Japón a la superficie distintiva en color frío, que se creaban aplicando capas de color, y motivos que recuerdan al centro de París, como chicas y vendedoras de flores. ^{[ 8 ] : 17} El éxito de Okada continuó y fue galardonado con el Premio Showa de Estímulo a la Pintura Occidental (昭和洋画奨励賞) en 1939. Ese mismo año también fue invitado a enseñar pintura al óleo en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Nihon con Kinosuke Ebihara y otros pintores al óleo. ^{[ 8 ] : 176} Más tarde, Okada fue evacuado a la prefectura de Miyagi .

Después de la guerra, Okada regresó rápidamente a la reconstruida Sociedad de la Segunda Sección y comenzó a trabajar de nuevo en los grupos figurativos de mujeres desnudas/vestidas en los que había trabajado antes de la guerra. En 1947, recibió el primer Premio al Esfuerzo de Membresía de Grupo (会員努力賞) de la Sociedad de la Segunda Sección y atrajo la atención por su estilo refinado y lírico. A partir de ese año, comenzó a enseñar pintura al óleo en la Universidad de Arte de Musashino y en la Universidad de Arte de Tama , y ​​a formar a artistas más jóvenes. ^{[ 1 ] [ 8 ] : 177} A medida que la reputación de Okada en el mundo del arte crecía de nuevo, estaba cada vez más ocupado con ilustraciones y pinturas de portadas para periódicos y revistas. En estas circunstancias, su estilo cambió gradualmente. A partir de 1947, las formas de las figuras y los objetos que componen sus cuadros se volvieron gradualmente más simples. El propio Okada sugirió más tarde que la razón detrás de este cambio estilístico fue una sensación de impotencia y desconfianza en sus propias habilidades y técnicas, que había desarrollado hasta ese momento. ^{[ 8 ] : 45} Okada se percató del estancamiento en su propia creación y buscó un cambio de entorno, lo que lo llevó a los Estados Unidos en 1950. ^{[ 8 ] : 45}

En 1950, Okada se mudó a la ciudad de Nueva York . Allí le esperaba el expresionismo abstracto , que por entonces estaba arrasando en el mundo del arte estadounidense. Más tarde, Okada recordó que al principio no podía entender el expresionismo abstracto en absoluto. ^{[ 8 ] : 53} Okada estaba bastante confundido por las obras que veía y pasó casi tres años después de su llegada a los EE. UU. en un estado de incertidumbre. Después de un período de ensayo y error, Okada desarrolló una técnica de limpiar la pintura y aplicar una capa de pintura ligeramente disuelta sobre la superficie del cuadro para crear una pintura abstracta con una textura única y una cualidad poética y lírica. ^{[ 8 ] : 53} La marchante de arte Betty Parsons , que promovía a pintores expresionistas abstractos como Jackson Pollock , Mark Rothko y Barnett Newman , visitó el estudio de Okada en 1952, reconoció su talento y lo apoyó durante los siguientes 30 años. En 1953, Parsons organizó la primera exposición individual de Okada en Nueva York, en su galería Betty Parsons . Las obras de Okada expuestas en la galería Betty Parsons atrajeron mucha atención y pronto se incorporaron a las colecciones de importantes museos de Nueva York, como el Museo Metropolitano de Arte , el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Solomon R. Guggenheim , consolidando así la reputación de Okada en la escena artística neoyorquina. Además, a través de Parsons , Okada tuvo acceso al círculo íntimo del expresionismo abstracto . ^{[ 10 ]} Okada entabló amistad con Rothko , Newman y muchos otros expresionistas abstractos. La artista estadounidense Michelle Stuart escribió: «Cuando Okada llegó a Estados Unidos, ya era un pintor maduro, muy respetado en su Japón natal. A la abstracción estadounidense, Okada aportó una sobriedad refinada, una elegancia en el uso de los recursos y un don excepcional para la transmutación poética de las formas naturales». ^{[ 11 ]}

En la 29.ª Bienal de Venecia de 1958, la obra de Okada se exhibió en el Pabellón de Japón (representante: Shūzō Takiguchi ; comisarios asistentes: Ichirō Fukuzawa y Yoshiaki Tōno) junto con la de otros cinco artistas japoneses ( Ichirō Fukuzawa , Kawabata Ryūshi , Seison Maeda , Yoshi Kinouchi , Shindō Tsuji ), y Okada ganó el Premio Astorre Meyer y el Premio UNESCO. ^{[ 2 ]} Después de la 29.ª Bienal de Venecia , Okada pasó cada vez más tiempo en Japón.

El estilo y los colores de Okada, que evocan la estética del arte tradicional japonés, se popularizaron bajo el nombre de Yugenismo (ユーゲニズム; 幽玄主義), y alcanzó un gran éxito comercial y de crítica como artista japonés-estadounidense en Nueva York. ^{[ 9 ]} Okada comentó: "Cuando vivía en Japón, solo pensaba en Occidente, y ahora que estoy aquí solo sueño con Japón". ^{[ 12 ] : 27} Sus pinturas de las décadas de 1950 y 1960 revelan cambios sutiles en el mundo natural a través del uso de imágenes construidas con delicadas y sensibles tonalidades de color, que flotan dentro del espacio compositivo. Turn de 1962, en la colección del Museo de Arte de Honolulu , y Hagoromo de 1966, en la Colección de Arte Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza , son ejemplos de las abstracciones tonales del artista. ^{[ 10 ] [ 13 ]} Durante la década de 1970 pintó numerosas obras que tomaron como punto de partida la reinterpretación de los efectos decorativos de la pintura tradicional japonesa . Okada evoca el aura del paisaje mediante el uso de colores tierra, patrones abstractos que insinúan rocas y flores, y una bruma general que hace que sus escenas parezcan sumergidas en agua. Al traer las tradiciones del arte japonés a la Escuela de abstracción de Nueva York, Okada destila la esencia de la naturaleza en su pintura, haciéndola parecer elemental y por lo tanto sublime. Su estilo sensible y personal de expresionismo abstracto, con elementos inspirados en el arte japonés, se relaciona directamente tanto con la pintura de campos de color como con la abstracción lírica . El historiador de arte Bert Winther-Tamaki señala que «La pintura que realizó en Japón antes de 1950 era figurativa y guardaba un gran parecido con los estilos de la École de Paris . Pero tras su traslado a Nueva York, su pintura se volvió abstracta y adquirió lo que la gente percibía como una apariencia japonesa, debido a su estilo "yugenismo", reforzado por algún título japonés ocasional o el vestigio de algún motivo como la forma de un abanico o una división vertical que recuerda la costura de un biombo». ^{[ 12 ] : 27} Además, Winther-Tamaki observa que «la afirmación de la identidad nacional proporcionó a Okada un estatus en un contexto artístico internacional que resistiría la comparación con los artistas estadounidenses». ^{[ 12 ] : 31}

Okada murió en Tokio el 24 de julio de 1982. ^{[ 1 ]} La viuda del artista, Okada Kimi, donó 95 de las pinturas del artista a la ciudad de Akita en junio de 1989. ^{[ 14 ] [ 15 ]} En noviembre de 1989, el Museo de Arte Akita Senshu inauguró el Memorial Kenzo Okada (岡田謙三記念館), la sala de exposiciones especial que muestra la obra de Okada de forma permanente. ^{[ 15 ]} En 1997, Okada Kimi donó 152 pinturas al Instituto Kitasato de Tokio, que ahora exhibe las obras de Okada regularmente en el Salón Conmemorativo Ōmura del Centro Médico de la Universidad de Kitasato (北里大学メディカルセンター 大村記念館) en Saitama . ^{[ 16 ]}

Las obras de Okada fueron presentadas en la trascendental exposición itinerante mundial de 1997, Asian Traditions/Modern Expressions , que realizó contribuciones pioneras al conocimiento sobre la historia del arte asiático-americano. ^{[ 17 ]} Posteriormente, sus obras fueron analizadas en el volumen colectivo Asian American Art: A History, 1850-1970 (2008), que fue el primer estudio exhaustivo sobre la historia del arte asiático-americano. ^{[ 18 ]} Finalmente, en 2022, el Capitolio del Estado de Nueva York organizó la exposición Isamu Noguchi & Kenzo Okada para celebrar el Mes de la Herencia Asiático-Americana e Isleña del Pacífico . ^{[ 19 ]} La exposición "resaltó cómo su herencia de Asia Oriental ayudó a dar forma al arte estadounidense de la posguerra". ^{[ 19 ]}

• Galería Betty Parsons , Nueva York, 1953

• 1955 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1956 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1958 Grandes almacenes Nihonbashi Takashimaya , Tokio
• 1959 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1962 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1963 Nueva Galería, Biblioteca Hayden, Instituto Tecnológico de Massachusetts
• 1964 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1965 Kenzo Okada Pinturas, 1931–1965 , Galería de Arte Albright-Knox , Academia de Bellas Artes de Buffalo, Buffalo ^{[ 3 ]}
• 1966 Grandes almacenes Nihonbashi Takashimaya , Tokio
• 1966–1967 Kenzo Okada Pinturas, 1952–1965 , el Museo Nacional de Arte Moderno, Kioto , la Academia de Artes de Honolulu , el Museo Conmemorativo MH de Young , San Francisco, y el Museo de Arte de la Universidad, Universidad de Texas , Austin ^{[ 4 ]}
• 1967 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1969 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1971 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1973 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1976 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1978 Galería Betty Parsons, Nueva York
• 1982 Kenzo Okada (岡田謙三展： ニューヨークに花開く幽玄の美), Museo de Arte de Seibu , Tokio y Museo de Arte de Fukuoka ^{[ 5 ]}
• 1989 Kenzo Okada (岡田謙三展), el Museo de Arte Moderno de Toyama , el Museo de Arte de Meguro , Tokio, el Museo de Arte Moderno de la Prefectura de Gunma , el Museo de Arte de Ohara , Kurashiki, el Museo de Arte de la Prefectura de Mie , el Museo de Arte Municipal de Kure y el Museo de Arte de la Ciudad de Akita ^{[ 6 ]}
• 2000 Kenzo Okada: Una retrospectiva de los años estadounidenses 1950–1982 , Museo de Arte de la Universidad de Iowa , Iowa ^{[ 7 ]}
• 2003 Kenzo Okada: Una retrospectiva (生誕100年記念・没後20年: 岡田謙三展), Museo de Arte de Yokohama , Museo de Arte Akita Senshu , Museo de Arte Conmemorativo Koiso de la ciudad de Kobe y Museo de Arte Joshibi, Universidad de Arte y Diseño Joshibi , Sagamihara ^{[ 8 ]}

• 1954 Jóvenes pintores estadounidenses , Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York
• 1955, 3.ª Bienal de São Paulo
• 1958, XXIX Bienal de Venecia
• 1979 Okada, Shinoda y Tsutaka : Tres pioneros de la pintura abstracta en el Japón del siglo XX , The Phillips Collection , Washington, DC ^{[ 20 ]}

• 1994-1995 Arte japonés después de 1945: Grito contra el cielo , Museo de Arte de Yokohama , Museo Guggenheim SoHo y Museo de Arte Moderno de San Francisco.