Dibujo de figura humana

Un dibujo de figura humana es un dibujo de la forma humana en cualquiera de sus diversas formas y posturas , utilizando cualquier técnica de dibujo . El término también puede referirse al acto de realizar dicho dibujo. El grado de representación puede variar desde representaciones muy detalladas y anatómicamente correctas hasta bocetos sueltos y expresivos. Un dibujo del natural es un dibujo de la figura humana, tradicionalmente desnuda , a partir de la observación de un modelo vivo . La creación de dibujos del natural, o estudios del natural , en una clase de dibujo del natural , ha sido un elemento importante en la formación tradicional de los artistas en el mundo occidental desde el Renacimiento.

Un dibujo de figura puede ser una obra de arte compuesta o un estudio de figura realizado como preparación para una obra más acabada, como una pintura. ^{[ 1 ] : Cap. 8} El dibujo de figura es posiblemente el tema más difícil al que se enfrenta un artista , y existen cursos completos dedicados a él. La figura humana es uno de los temas más perdurables en las artes visuales, y puede ser la base del retrato , la ilustración , la escultura , la ilustración médica y otros campos.

Los artistas emplean diversos enfoques para dibujar la figura humana. Pueden dibujar a partir de modelos vivos o fotografías, ^{[ 2 ]} maniquíes o de la memoria y la imaginación. La mayoría de la instrucción se centra en el uso de modelos en los cursos de "dibujo del natural". El uso de referencias fotográficas —aunque común desde el desarrollo de la fotografía— suele ser criticado o desaconsejado por su tendencia a producir imágenes "planas" que no capturan los aspectos dinámicos del sujeto. El dibujo a partir de la imaginación suele ser elogiado por la expresividad que fomenta, y criticado por las imprecisiones introducidas por la falta de conocimiento o la memoria limitada del artista al visualizar la figura humana; la experiencia del artista con otros métodos influye considerablemente en la eficacia de este enfoque.

Al desarrollar la imagen, algunos artistas se centran en las formas creadas por la interacción de los valores de luz y sombra en las superficies del cuerpo. Otros adoptan un enfoque anatómico, comenzando por aproximar el esqueleto interno de la figura, superponiendo los órganos internos y la musculatura , y cubriendo esas formas con la piel y, finalmente (si corresponde), la ropa; el estudio de la anatomía interna humana suele estar presente en esta técnica. Otro enfoque consiste en construir el cuerpo de forma aproximada a partir de formas geométricas , por ejemplo, una esfera para el cráneo, un cilindro para el torso, etc. Luego, refinan esas formas para que se asemejen más a la forma humana.

Para quienes trabajan sin referencia visual (o como medio para comprobar su trabajo), las proporciones comúnmente recomendadas en el dibujo de figuras son: ^{[ 3 ]}

• Una persona promedio mide generalmente siete cabezas y media de altura (incluida la cabeza). Esto se puede ilustrar a los estudiantes en clase utilizando platos de papel para mostrarles visualmente la longitud de sus cuerpos.
• La figura ideal, utilizada para dar una impresión de nobleza o gracia, se dibuja con una altura de 8 cabezas.
• Una figura heroica utilizada en la representación de dioses y superhéroes mide ocho cabezas y media de altura. La mayor parte de su longitud adicional se debe a un pecho más grande y piernas más largas.

Estas proporciones son más útiles para una modelo de pie. Las poses que introducen un escorzo de varias partes del cuerpo harán que varíen.

En el Salón francés del siglo XIX se recomendaba el uso de lápices Conté , barras de cera, aceite y pigmento, combinadas con papel especialmente formulado. No se permitía borrar; en cambio, se esperaba que el artista esbozara la figura con trazos ligeros antes de realizar marcas más oscuras y visibles.

Una técnica moderna muy popular consiste en usar una barra de carboncillo , elaborada con vides especiales, y un papel de textura más rugosa. El carboncillo se adhiere ligeramente al papel, lo que facilita su borrado, pero el dibujo final se puede conservar con un fijador en aerosol para evitar que se borre. Un carboncillo comprimido más duro permite obtener un efecto más preciso y definido, y se pueden crear tonos degradados difuminando con los dedos o con un difumino cilíndrico .

El lápiz de grafito también se usa comúnmente para dibujar figuras. Para ello, se venden lápices de artista en diversas durezas, desde 9B (muy blando) hasta 1B (medio blando), y desde 1H (medio duro) hasta 9H (muy duro). Al igual que el carboncillo, se puede borrar y manipular con un difumino.

La tinta es otro medio popular. El artista suele comenzar con un lápiz de grafito para esbozar o delinear el dibujo, luego realiza el trazo final con pluma o pincel y, finalmente, aplica tinta permanente. La tinta se puede diluir con agua para crear gradaciones, una técnica conocida como aguada. Las marcas de lápiz se pueden borrar después de aplicar la tinta o dejarse debajo de ella.

Algunos artistas dibujan directamente con tinta sin la preparación de un boceto a lápiz, prefiriendo la espontaneidad de este método a pesar de que limita la posibilidad de corregir errores. Matisse es un artista conocido por haber trabajado de esta manera.

Un método predilecto de Watteau y otros artistas de los siglos XVII y XVIII de las épocas barroca y rococó consistía en comenzar con un fondo de color de un tono intermedio entre el blanco y el negro, y añadir sombras en negro y luces en blanco, utilizando pluma y tinta o "lápiz de cera".

La figura humana ha sido objeto de dibujos desde tiempos prehistóricos. Si bien las prácticas de taller de los artistas de la antigüedad son en gran medida una cuestión de conjetura, la sofisticación anatómica de sus obras sugiere que a menudo dibujaban y modelaban a partir de modelos desnudos. Una anécdota relatada por Plinio describe cómo Zeuxis examinó a las jóvenes de Agrigento desnudas antes de seleccionar a cinco cuyos rasgos combinaría para pintar una imagen ideal. ^{[ 4 ]} El uso de modelos desnudos en el taller del artista medieval está implícito en los escritos de Cennino Cennini , y un manuscrito de Villard de Honnecourt confirma que el dibujo del natural era una práctica establecida en el siglo XIII. ^{[ 4 ]} Los Carracci , que abrieron su Accademia degli Incamminati en Bolonia en la década de 1580, sentaron las bases para las escuelas de arte posteriores al hacer del dibujo del natural la disciplina central. ^{[ 5 ]} El curso de formación comenzó con la copia de grabados, luego se procedió al dibujo a partir de moldes de yeso, después de lo cual los estudiantes fueron entrenados en el dibujo a partir de un modelo vivo.

A finales del siglo XVIII, los alumnos del taller de Jacques-Louis David seguían un riguroso programa de enseñanza. El dominio del dibujo se consideraba un requisito indispensable para la pintura. Durante unas seis horas diarias, los alumnos dibujaban a partir de un modelo que permanecía en la misma pose durante una semana. ^{[ 6 ]} "Los dibujos del siglo XVIII, como el atribuido a Jacques-Louis David, se realizaban generalmente sobre papel tintado con tiza roja o negra, con reflejos blancos y un fondo oscuro. Las poses de los modelos tendían a ser dinámicas: las figuras de pie parecen a punto de moverse e incluso las sentadas gesticulan dramáticamente. La observación minuciosa del cuerpo del modelo era secundaria a la representación de su gesto, y muchos dibujos —en consonancia con la teoría académica— parecen presentar una figura representativa en lugar de un cuerpo o rostro específico. En comparación, las academias producidas en el siglo XIX [...] se realizaban típicamente con tiza negra o carboncillo sobre papel blanco y son representaciones meticulosas de las particularidades e idiosincrasias del cuerpo del modelo vivo. La huella de la mano del artista se minimiza y, aunque las poses reclinadas o sentadas son raras, incluso las de pie son comparativamente estáticas..." ^{[ 7 ]} Antes de finales del siglo XIX, las mujeres generalmente no eran admitidas en las clases de dibujo de figura. ^{[ 8 ] [ 9 ]}

La enseñanza del dibujo de figura humana es un elemento fundamental en la mayoría de los programas de bellas artes e ilustración . Por ejemplo, las academias de bellas artes en Italia cuentan con una scuola libera del nudo [escuela libre del desnudo] que forma parte del programa de estudios, pero que también está abierta a estudiantes externos. ^{[ 13 ]} En un aula típica de estudio de dibujo de figura humana, los estudiantes se sientan alrededor de un modelo, ya sea en semicírculo o en círculo completo. Ningún estudiante tiene exactamente la misma perspectiva, por lo que su dibujo reflejará la visión desde la posición única del artista con respecto al modelo. El modelo suele posar sobre un soporte para que los estudiantes puedan encontrar más fácilmente una vista despejada. Dependiendo del tipo de pose, se pueden utilizar muebles y/o accesorios. Estos se incluyen normalmente en el dibujo, en la medida en que son visibles para el artista. Sin embargo, los fondos suelen omitirse a menos que el objetivo sea aprender sobre la ubicación de las figuras en un entorno. Lo más común es utilizar modelos individuales, pero en clases más avanzadas se pueden utilizar varios. Muchos estudios están equipados para permitir una variedad de configuraciones de iluminación.

En las clases de dibujo de figura humana a nivel universitario, los modelos suelen estar desnudos (aunque no siempre). Al posar, se les pide que permanezcan completamente inmóviles. Debido a la dificultad de mantener esta postura durante un tiempo prolongado, en las sesiones más largas y para las poses más difíciles se suelen incluir pausas para que el modelo descanse o se estire.

Al inicio de una sesión de dibujo de figura humana, a menudo se le pide al modelo que realice una serie de poses breves y rápidas. Estas se denominan poses gestuales y suelen durar entre uno y tres minutos cada una. El dibujo gestual es un ejercicio de calentamiento para muchos artistas, aunque algunos lo esbozan como primer paso en cada dibujo de figura. Estos trazos amplios no se realizan simplemente con un movimiento rápido de la muñeca, sino utilizando todo el brazo para capturar el movimiento del modelo. También ayuda a que el artista se concentre en el modelo en lugar de en el papel. Dado que los pequeños errores de proporción en las representaciones del cuerpo humano se notan fácilmente, los artistas suelen dedicar una cantidad considerable de tiempo a practicar esta disciplina.

Los artistas modernos y contemporáneos pueden optar por exagerar o distorsionar las proporciones para enfatizar el gesto o el estado de ánimo percibido en la pose de los modelos. El resultado puede considerarse una obra de arte terminada, que expresa tanto el sujeto como la respuesta observacional, emocional y gráfica derivada de la experiencia del artista en el dibujo de figuras.

La anatomía es solo el primer nivel de interés en las clases de dibujo del natural. También se consideran las relaciones figura-fondo y otros aspectos de la composición. El equilibrio de una composición se vuelve más crucial y, por lo tanto, se comprende mejor a través del dibujo del natural. La respuesta cinestésica del artista a la pose y cómo se transmite mediante la elección de los medios artísticos es un tema más avanzado. Dado que el propósito de las clases de dibujo de figura es aprender a dibujar seres humanos de todo tipo, se suelen buscar modelos masculinos y femeninos de todas las edades, formas y etnias, en lugar de seleccionar solo modelos bellos o con figuras "ideales" . Algunos instructores buscan específicamente evitar el tipo de modelos preferidos por los fotógrafos de moda, buscando ejemplos más "realistas" y evitando cualquier implicación de objetivación sexual. Los instructores también pueden favorecer a modelos con tipos de cuerpo particulares en función de los contornos o texturas superficiales únicos que proporcionan. La variedad de modelos contratados puede verse limitada por la necesidad de que mantengan una pose durante períodos prolongados (excluyendo a niños inquietos y personas mayores frágiles), y por preocupaciones de modestia y legalidad cuando los modelos posan desnudos (restringiendo el uso de menores).

• Cánones artísticos de proporciones corporales : criterios utilizados en el arte figurativo formal. 
• Croquis – Boceto rápido de un modelo en vivo 
• Representaciones de la desnudez : representaciones visuales de la forma humana desnuda. 
  • Historia del desnudo en el arte
  • Fotografía de desnudos (arte) – Fotografía artística del cuerpo humano desnudo Páginas que muestran breves descripciones de destinos de redirección 
• Pintura figurativa – Género pictórico que representa la forma humana 
• Modelo (arte) – Persona que posa para un artista visual. 

• Dibujos del natural en el Museo de Arte de la Universidad de Michigan.
• "Klimt y el dibujo del natural" del Museo J. Paul Getty