Lohner Carlson

Lohner Carlson fue el dúo formado por Henning Lohner y Van Carlson , cuya colaboración creativa comenzó en 1989. Tras la muerte de Carlson en 2011, Lohner continuó su labor. Son conocidos por su serie Active Images , que tiende un puente entre la fotografía y el cine narrativo, así como por difuminar la línea entre imagen y vídeo. ^{[ 1 ]}

La colaboración de Lohner con el director de fotografía y fotógrafo Van Carlson, ganador del premio Emmy , comenzó en 1989 con la película biográfica Peefeeyatko , un retrato musical íntimo del compositor estadounidense Frank Zappa . ^{[ 2 ]} Fue la primera vez que Zappa permitió que un equipo de filmación lo estudiara durante el proceso de composición, filmando los primeros momentos de un nuevo proceso creativo. ^{[ 3 ] [ 4 ]} La película se describe como una mirada muy singular a Frank Zappa y su obra. ^{[ 5 ]}

Su encuentro y posterior colaboración con el compositor John Cage fue sumamente influyente en la larga relación artística entre Lohner y Carlson. Esta colaboración incluye la película de arte en blanco y negro One ¹¹ and 103 de 1992, dirigida por Lohner y fotografiada por Carlson. ^{[ 6 ]} One ¹¹ es la única producción cinematográfica de larga duración en la que Cage participó. ^{[ 7 ]} No tiene argumento y consiste en imágenes en blanco y negro que representan un juego de luz eléctrica compuesto y determinado por el azar, acompañado por la pieza orquestal 103 de Cage . ^{[ 7 ]} Descrita como un "estudio abstracto de luz y sombra", ^{[ 8 ]} se completó en 1992, poco antes de la muerte de Cage. ^{[ 9 ]}

One ¹¹ recibió críticas positivas de críticos de cine y música, y el cineasta Louis Malle, ganador de la Palma de Oro, la calificó de "muy fuerte, muy audaz y, finalmente, completamente fascinante". ^{[ 10 ] [ 11 ]} La revista Gramophone afirmó que la producción fue "un espléndido proyecto llevado a cabo con dedicación por todos los involucrados" y destacó la "notable calidad de estas imágenes visuales singularmente puras, estudios de luz que van del negro total al blanco total", ^{[ 9 ]} mientras que The Wire comentó: "qué extraordinario lanzamiento de dados de despedida". ^{[ 7 ]} La película se emitió originalmente en la televisión alemana y se ha presentado en varios teatros y exposiciones desde su estreno en septiembre de 1992. ^{[ 11 ]}

Después de la muerte de Cage en agosto de 1992, Lohner y Carlson rindieron homenaje al músico con la película meticulosamente "compuesta" The Revenge of the Dead Indians , que presenta a artistas como Dennis Hopper , Matt Groening y Yoko Ono . ^{[ 12 ] [ 13 ]} La producción es un tributo a Cage, sus pensamientos, su música y su influencia, y ha sido descrita como "una combinación inesperada y fascinante de pensamiento intelectual, puntos de vista y opiniones". ^{[ 14 ]}

En 1995, la composición audiovisual de Lohner y Carlson, Raw Material, Vol. 1–11, se mostró por primera vez. ^{[ 15 ] [ 16 ]} Esta instalación se exhibió en toda Europa, particularmente en La Haya, Roma y Berlín. ^{[ 17 ]} Compuesta a partir de su archivo de cientos de horas de metraje, la instalación mostraba entrevistas y paisajes en once monitores, con igual énfasis en el habla, las imágenes y los sonidos. ^{[ 18 ]}

Active Images de Lohner y Carlson se desarrolló y se mostró por primera vez en la Galerie Springer Berlin en 2006, con el título Raw Material – Portraits and Landscapes . ^{[ 17 ]} Según Lohner, la idea "surgió de nuestro amor por la videofotografía y de nuestra posterior desesperación por la pérdida de estas imágenes al convertirlas en una película [editada]". ^{[ 19 ]} Presentadas en pantallas planas, las obras cierran la brecha reconocible entre la fotografía y el cine narrativo y, por lo tanto, "desdibujan la línea entre imagen y video". ^{[ 1 ]} Según Photography Now , en sus obras de video Lohner y Carlson "representan temas pictóricos emblemáticos, que subyacen a un movimiento pictórico sutil e incontrolado. Al hacerlo, los artistas presentan una imagen de video de fotograma fijo solo para liberar un breve momento de acción causal". ^{[ 16 ]}

Lohner dijo que él y Carlson estaban intrigados por "la cultura de lo cotidiano, para mostrar cosas que, por así decirlo, están 'ocultas justo delante de nuestros ojos'". "Nos interesa lo inusual en lo común, lo extraordinario en lo ordinario. Nos interesan las peculiaridades de la carretera que pasan rápidamente desapercibidas porque uno viaja en un coche concentrado en llegar a otro lugar. Intentamos prestar atención a las cosas que se encuentran al borde del camino, cosas que se pasan por alto". ^{[ 19 ]}

Tras la muerte de Carlson en 2011, Lohner continuó por su cuenta la obra de Lohner Carlson. En una exposición celebrada en 2015, el propio Lohner describió sus obras como " música visual ". ^{[ 20 ]}

El arte multimedia de Lohner Carlson se ha exhibido en diversos lugares, como el Centro Pompidou , el Museo Guggenheim de Nueva York , el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo Calouste Gulbenkian de Lisboa, la Galería Nacional de Artes Visuales de Malasia en Kuala Lumpur y la Colección de Arte Mira en Tokio. ^{[ 16 ] [ 21 ] [ 22 ] [ 23 ] [ 24 ] [ 25 ] [ 26 ] [ 27 ] [ 28 ] [ 29 ]}

Más recientemente, el arte de Lohner Carlson se exhibió en la exposición de Gerhard Richter de la Max Liebermann Haus en la Stiftung Brandenburger Tor en Berlín. ^{[ 30 ]}

El crítico cultural alemán Detlef Wolff ha descrito a Lohner como un «artista de curiosidad insaciable, capaz de observar con atención y de descubrir continuamente lo extraordinario en lo aparentemente ordinario». ^{[ 31 ]} Afirmó que la obra de Lohner Carlson se eleva muy por encima de las profundidades, a menudo tediosas, del videoarte y alcanza su máximo esplendor porque Lohner y Carlson dominan a la perfección el manejo de la cámara. ^{[ 31 ]}

En una reseña de una exposición en la Galería Erik Thomsen en 2012, se señaló que la obra de Lohner y Carlson combinaba «lo mejor de las imágenes en movimiento y los enfoques fotográficos. Las imágenes se muestran en una serie de paneles de vídeo de alta resolución y ofrecen una mirada poética y elegante a escenas aparentemente normales. Sin embargo, logran desmitificar nuestra percepción visual estructurada de la realidad y sacarnos de esa caja de percepción, si observamos con suficiente atención y con paciencia meditativa». ^{[ 32 ]}

La revista ARTnews comentó que Lohner y Carlson eran «capaces de producir escenas extremadamente meditativas, a menudo utilizando los temas más insulsos, como una bandada de gansos u ovejas que deambulan sin rumbo en alta definición y con colores brillantes». ^{[ 33 ]} Añadió que en algunas de las obras, «se percibe un paisaje que cobra vida, ya que los movimientos del cielo y el agua se capturan en pequeños incrementos». La reseña calificó la obra de 1990, Manhattan Yellow Sky with Steam , como «un paisaje urbano fascinante, con volutas amarillentas de vapor danzando entre imponentes chimeneas». Además, comentó que «la más melancólica de todas era Osaka Hotel Room (1991), en la que un ventanal cuadrado, junto a una lámpara brillante, actuaba como una especie de pantalla dentro de la pantalla, con el cielo sobre la ciudad oscureciéndose gradualmente y adquiriendo una vida nocturna y palpitante». ^{[ 33 ]} La reseña concluyó:

"Si alguna vez has deseado que una película se detuviera para poder disfrutar de una secuencia prolongada de puro placer visual, estas imágenes hablan de esos espacios que se engullen o se pierden en aras de un tipo diferente de narración." ^{[ 33 ]}

Al reseñar la exposición de Lohner Carlson de 2013 en la Galerie Springer de Berlín, que mostró una "mirada algo retrospectiva al trabajo del dúo, así como nuevas películas creadas por Lohner desde la muerte de su compañero", ^{[ 1 ]} la publicación de arte Blouin Artinfo escribió:

Presentadas en televisores de pantalla plana enmarcados en madera marrón, muchas de las obras engañan inicialmente al ojo haciéndole creer que son imágenes fijas. [...] Por ejemplo, en «Azoteas de Mineo» (2010), la escena siciliana, la mirada firme de Lohner Carlson logra transmitir con suma facilidad la sensación narrativa del lugar, algo que una imagen fija podría haber pasado por alto en una sola toma o que una película podría haber presentado de forma forzada mediante diálogos o una trama predefinida. [...] «Puente de Estambul» (2012), por otro lado, evoca un mundo cada vez más globalizado y las contingencias geopolíticas propias de la Eurozona. Sin embargo, da la impresión de que ninguna de estas interpretaciones connotativas de las obras es tan importante para Lohner, ni lo fue para Carlson. Mucho más importante es tomarse un momento para detenerse, observar y examinar fuera de un tiempo tan condicionado por una cultura esquizofrénica de imágenes. ^{[ 1 ]}