Virgen (arte)

En el arte cristiano, una Virgen María ( en italiano: [ maˈdɔnna ] ) es una representación religiosa de la Santísima Virgen María en singular o, a veces, acompañada por el Niño Jesús . Estas imágenes son iconos centrales tanto para las iglesias católicas como para las ortodoxas , y también se encuentran en varias iglesias evangélicas luteranas . ^{[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]} La palabra proviene del italiano ma donna ' mi señora ' (arcaico). El tipo de la Virgen con el Niño es muy frecuente en la iconografía cristiana , dividido en muchos subtipos tradicionales, especialmente en la iconografía ortodoxa oriental , a menudo conocidos por la ubicación de un icono notable del tipo, como la Theotokos de Vladimir , Agiosoritissa , Blachernitissa , etc., o descriptivos de la postura representada, como en Hodegetria , Eleusa , etc. 

El término Madonna, en el sentido de «imagen o estatua de la Virgen María», se incorporó al inglés en el siglo XVII, principalmente en referencia a obras del Renacimiento italiano . En el contexto ortodoxo oriental, estas imágenes se conocen generalmente como Theotokos . «Madonna» puede usarse generalmente para representaciones de María, con o sin el Niño Jesús, donde ella es la figura central de la imagen, posiblemente flanqueada o rodeada de ángeles o santos. Otros tipos de imágenes marianas con un contexto narrativo, que representan escenas de la Vida de la Virgen , como la Anunciación a María , no suelen denominarse «Madonna».

La iconografía clásica de la "Madonna" o "Theotokos" se desarrolla a partir del siglo V, cuando la devoción mariana alcanzó gran importancia después de que el Concilio de Éfeso afirmara formalmente su estatus como " Madre de Dios " o Theotokos ("Portadora de Dios") en 431. ^{[ 4 ]} La iconografía de la Theotokos , tal como se desarrolló entre los siglos VI y VIII, alcanzó gran importancia en el período de la Alta Edad Media (siglos XII al XIV) tanto en las esferas ortodoxas orientales como en las latinas.

Según una tradición que se remonta al siglo VIII y que aún perdura en la Iglesia Oriental, la iconografía de la Virgen María se remonta a un retrato del natural pintado por Lucas el Evangelista , y se afirma que varios iconos (como la Panagia Portaitissa ) representan este icono original o son una copia directa del mismo. En la tradición occidental, las representaciones de la Virgen fueron ampliamente diversificadas por maestros del Renacimiento como Duccio , Leonardo da Vinci , Miguel Ángel , Rafael , Giovanni Bellini , Caravaggio y Rubens (y posteriormente por ciertos modernistas como Salvador Dalí y Henry Moore ), mientras que la iconografía ortodoxa oriental se adhiere más fielmente a los tipos tradicionales heredados.

La liturgia que representa a María como poderosa intercesora (como el Akatistos ) fue incorporada de la tradición griega a la latina en el siglo VIII. El título griego de Δεσποινα ( Despoina ) fue adoptado como el latín Domina, «Señora». El italiano medieval Ma Donna , pronunciado [ maˈdɔnna ] («Mi Señora»), refleja Mea Domina , mientras que Nostra Domina (δεσποινίς ἡμῶν) fue adoptado en francés como Nostre Dame , «Nuestra Señora». ^{[ 5 ]}

Estos nombres señalan tanto la creciente importancia del culto a la Virgen como la prominencia del arte al servicio de la devoción mariana durante el período bajomedieval. Durante el siglo XIII, especialmente, con la creciente influencia de la caballería y la cultura aristocrática en la poesía, la canción y las artes visuales, la Virgen es representada como la reina del Cielo, a menudo entronizada, ^{[ 6 ] [ 7 ]} como la Virgen de Ognissanti . La Virgen tenía como propósito recordar a la gente el concepto teológico que otorgaba un valor tan alto a la pureza o virginidad. Esto también se representa mediante el color de su vestimenta. El color azul simbolizaba pureza, virginidad y realeza. ^{[ 8 ] [ 9 ]} El azul ultramar generalmente se reservaba solo para los encargos más importantes, como las túnicas azules de la Virgen María en la Virgen con el Niño y Santas de Gerard David .

Si bien el término italiano Madonna era paralelo al inglés Our Lady en la devoción mariana de finales de la Edad Media, se importó como término de historia del arte al inglés en la década de 1640, designando específicamente el arte mariano del Renacimiento italiano . En este sentido, "una Madonna" o "una Madonna con el Niño" se usa para referirse a obras de arte específicas, históricamente sobre todo a obras italianas. A una "Madonna" también se la puede llamar "Virgen" o "Nuestra Señora", pero "Madonna" no se aplica típicamente a obras orientales; por ejemplo, a la Theotokos de Vladimir se la puede llamar en inglés "Our Lady of Vladimir", mientras que es menos común, pero no inaudito, referirse a ella como la "Madonna de Vladimir". ^{[ 10 ]}

Existen varios tipos distintos de representación de la Virgen María.

• Un tipo de Virgen María la muestra sola (sin el niño Jesús), de pie, generalmente glorificada y con un gesto de oración, bendición o profecía. Este tipo de imagen aparece en varios mosaicos absidales antiguos .
• Las imágenes de la Virgen María de cuerpo entero suelen incluir al Niño Jesús, que se vuelve hacia el espectador o levanta la mano en señal de bendición. La imagen bizantina más famosa, la Hodegetria, era originalmente de este tipo, aunque la mayoría de las copias son de medio cuerpo. Este tipo de imagen aparece con frecuencia en la escultura y se puede encontrar en delicadas tallas de marfil, en piedra caliza en los pilares centrales de las puertas de muchas catedrales y en moldes de madera o yeso policromados en casi todas las iglesias católicas. Existen varias pinturas famosas que representan a la Virgen de esta manera, en particular la Virgen Sixtina de Rafael .
• La "Virgen entronizada" es un tipo de imagen que data del período bizantino y fue ampliamente utilizada en la Edad Media y el Renacimiento. Estas representaciones de la Virgen con el Niño suelen adoptar la forma de grandes retablos. También aparecen como frescos y mosaicos absidales. En los ejemplos medievales, la Virgen suele estar acompañada por ángeles que sostienen el trono o por filas de santos. En la pintura renacentista, particularmente en la del Alto Renacimiento, los santos pueden agruparse informalmente en un tipo de composición conocida como Sacra conversazione .
• La Virgen de la humildad se refiere a las representaciones en las que la Virgen está sentada en el suelo o sobre un cojín bajo. Puede que sostenga al Niño Jesús en su regazo. ^{[ 11 ]} Este estilo fue producto de la piedad franciscana , ^{[ 12 ] [ 13 ]} y quizás debido a Simone Martini . Se extendió rápidamente por Italia y hacia 1375 comenzaron a aparecer ejemplos en España, Francia y Alemania. Fue el más popular entre los estilos del primer período artístico del Trecento . ^{[ 14 ]}
• Las representaciones de la Virgen con el Niño de medio cuerpo son la forma más frecuente en los iconos pintados de la Iglesia Ortodoxa Oriental, donde el tema está muy elaborado, de modo que cada pintura expresa un atributo particular de la "Madre de Dios". Las pinturas de medio cuerpo de la Virgen con el Niño también son comunes en la pintura del Renacimiento italiano , especialmente en Venecia .
• La imagen de la Virgen con el Niño sentada es un estilo que se popularizó especialmente durante el siglo XV en Florencia y que fue imitado en otros lugares. Estas representaciones suelen ser de pequeño tamaño, adecuadas para un altar pequeño o para uso doméstico. Generalmente muestran a María sosteniendo al Niño Jesús de forma sencilla y maternal. Estas pinturas suelen incluir referencias simbólicas a la Pasión de Cristo .
• La Virgen María en adoración es un tipo de imagen popular durante el Renacimiento. Estas imágenes, generalmente pequeñas y destinadas a la devoción personal, muestran a María arrodillada en adoración al Niño Jesús. Muchas de estas imágenes se realizaron en terracota vidriada y también pintadas. Algunos ejemplos son la Virgen María adorando al Niño Jesús dormido y la Virgen María adorando al Niño con cinco ángeles (Botticelli) .
• La Virgen Lactante , Virgo Lactans o Madonna Lactans, es una iconografía de la Virgen con el Niño en la que se muestra a la Virgen María amamantando al niño Jesús. Un ejemplo es la Madonna Litta de Leonardo da Vinci .
• La iconografía de la Mujer del Apocalipsis se aplica al retrato mariano de diversas maneras a lo largo del tiempo, dependiendo de la interpretación del pasaje bíblico correspondiente. ^{[ 15 ]}
• La Hodegetria , o Virgen Hodegetria, es una representación iconográfica de la Theotokos (Virgen María) sosteniendo al Niño Jesús a su lado y señalándolo como la fuente de salvación para la humanidad. En la Iglesia Occidental, este tipo de icono a veces se denomina Nuestra Señora del Camino .
• El icono de Eleusa ( o Eleousa ; griego : Ἐλεούσα – ternura o misericordia ) es un tipo de representación de la Virgen María en los iconos en la que el Niño Jesús está acurrucado contra su mejilla. En la Iglesia occidental, este tipo se conoce a menudo como la Virgen de la Ternura .
• El Descanso en la Huida a Egipto es un tema recurrente en el arte cristiano que representa a María, José y el Niño Jesús descansando durante su huida a Egipto. La Sagrada Familia suele representarse en un paisaje. Algunos ejemplos son El Descanso en la Huida a Egipto (Caravaggio) y, a menudo, la Virgen María (Virgo Lactans ).
• El término Virgen Negra suele referirse a estatuas o pinturas de la Santísima Virgen María y el Niño Jesús en la cristiandad occidental, donde ambas figuras aparecen representadas de color negro. La Virgen Negra se encuentra tanto en países católicos como ortodoxos, y puede o no estar relacionada con la teología de la liberación .
• María en el Islam , como Maryam (María) es una de las figuras más veneradas en la teología islámica, está exenta de aniconismo en el Islam .
• La iconografía de la niñez de María representa a la Virgen María de niña, a menudo aprendiendo a bordar. Algunos ejemplos son La niñez de la Virgen María , del artista Dante Gabriel Rossetti , en la que cabe destacar que María es la figura central.
• La Anunciación a la Santísima Virgen María es una iconografía que muestra el anuncio del ángel Gabriel a María de que concebiría y daría a luz un hijo mediante un parto virginal. Un ejemplo es el cuadro de Dante Gabriel Rossetti de 1850 , Ecce Ancilla Domini !.
• Muerte de la Virgen , Asunción de la Virgen María en el arte , Coronación de la Virgen. Si bien la doctrina evita afirmar si María estaba viva o muerta cuando fue llevada al Cielo, en el arte se la suele representar viva. Representar la Coronación de María como Reina de los Cielos por su hijo Jesucristo, a veces combinada con la Asunción de María, es una tradición conocida desde el siglo XII. A menudo se representan aves, como una imagen apropiada de Dios como Espíritu Santo.
• La Sagrada Familia es una iconografía que representa a María, José y Jesús. El ejemplo de la Sagrada Familia con Santa Ana y San Juan Bautista (Mantegna) muestra la Presentación de Jesús en el Templo e incluye a otros santos en la imagen.
• La aparición mariana de Nuestra Señora de Guadalupe es el santuario católico más visitado del mundo, y el venerado icono tiene un resplandor de rayos dorados rectos y ondulados que se alternan mientras se proyectan detrás de la Virgen y están encerrados dentro de una mandorla .

Las primeras representaciones de María datan del arte paleocristiano de los siglos II al III, halladas en las catacumbas de Roma . ^{[ 16 ]} Estas se encuentran en un contexto narrativo. La representación más antigua podría ser la pintura mural de la catacumba de Priscila (siglo II), en la que la Virgen sentada amamanta al Niño, quien gira la cabeza para mirar al espectador. ^{[ 17 ]}

Las primeras representaciones consistentes de la Madre y el Niño se desarrollaron en el Imperio Bizantino , donde, a pesar de una corriente iconoclasta en la cultura que rechazaba las representaciones físicas, considerándolas idolatría , se respetaba un rango limitado de tipos de imágenes religiosas altamente convencionalizadas o iconos (del griego eikōn (εἰκών) que significa "imagen", "semejanza" o "retrato"). Esta tradición de la Iglesia Cristiana Oriental fue tan importante que, durante una visita a Constantinopla en 536, el Papa Agapeto I fue acusado de oponerse a la veneración de la Theotokos y a la representación de su imagen en las iglesias. ^{[ 18 ]} Las representaciones de la Iglesia Cristiana Oriental muestran a la Virgen entronizada, incluso con la corona bizantina cerrada incrustada de perlas con colgantes, con el Niño Jesús en su regazo. ^{[ 19 ]}

En Occidente, las representaciones bizantinas formalizadas de la Virgen y el Niño fueron seguidas de cerca durante la Alta Edad Media. A partir del siglo XV, los pintores florentinos comenzaron a humanizarla y a hacerla parecer más real. La representación de la Virgen y el Niño puede ser plenamente consciente, levantando su mano para ofrecer su bendición.

Con la creciente importancia del culto a la Virgen en los siglos XII y XIII, se desarrolló una amplia variedad de representaciones para satisfacer una oleada de formas de piedad más intensamente personales. En las fórmulas góticas y renacentistas habituales, la Virgen María aparece sentada con el Niño Jesús en su regazo o en brazos. En la admirada Madonna della Seggiolsa (Silla), pintada por Rafael entre 1532 y 1534, se la ve como una persona real, pero al mismo tiempo, Rafael transmite magistralmente su pureza y santidad.

Las esculturas del gótico tardío de la Virgen y el Niño pueden mostrar a una virgen de pie con el niño en brazos. La iconografía varía entre imágenes públicas e imágenes privadas de menor escala destinadas a la devoción personal en la cámara: la Virgen amamantando al Niño (como la Madonna Litta ) es una imagen que se limita en gran medida a los iconos devocionales privados.

Primeras imágenes

Tras el Concilio de Éfeso de 431, se produjo una gran expansión del culto a María, al confirmarse su condición de Theotokos ("Madre de Dios"). Hasta entonces, este hecho había sido objeto de cierta controversia, principalmente debido a debates sobre la naturaleza de Cristo . En los mosaicos de Santa Maria Maggiore en Roma, que datan de 432 a 440, justo después del concilio, aún no se la representa con aureola , ni tampoco aparece en los belenes de la época, aunque sí en la Adoración de los Magos .

Para el siglo siguiente, la representación icónica de la Virgen entronizada con el Niño Jesús en brazos se había consolidado, como en el ejemplo del único grupo de iconos que se conserva de este período, en el Monasterio de Santa Catalina en Egipto . Este tipo de representación, con sutiles variaciones de énfasis, ha permanecido como el pilar de las representaciones de María hasta nuestros días. La imagen del Monte Sinaí logra combinar dos aspectos de María descritos en el Magníficat : su humildad y su exaltación por encima de los demás seres humanos, y muestra la Mano de Dios en lo alto, hacia la cual miran los arcángeles. Un icono primitivo de la Virgen como reina se encuentra en la iglesia de Santa María en Trastevere , en Roma, datable entre 705 y 707 por la figura arrodillada del Papa Juan VII , un notable promotor del culto a la Virgen, a quien el Niño Jesús extiende la mano. Este tipo de icono estuvo confinado durante mucho tiempo a Roma. La media docena de iconos variados de la Virgen y el Niño en Roma, que datan de los siglos VI al VIII, constituyen la mayoría de las representaciones que se conservan de este período; «las imágenes aisladas de la Virgen y el Niño... son tan comunes... hasta nuestros días en la tradición católica y ortodoxa, que resulta difícil recuperar la sensación de la novedad de tales imágenes a principios de la Edad Media, al menos en Europa occidental». ^{[ 20 ]}

En este periodo, la iconografía de la Natividad, centrada en María, adquirió la forma que ha conservado hasta nuestros días en la Iglesia Ortodoxa Oriental , y en la que se basaron las representaciones occidentales hasta la Alta Edad Media . Se estaban desarrollando otras escenas narrativas para los ciclos bizantinos sobre la Vida de la Virgen , que recurrían a fuentes apócifales para completar su vida antes de la Anunciación a María . Para entonces, el colapso político y económico del Imperio Romano de Occidente hizo que la Iglesia Occidental, con sede en Roma, no pudiera competir en el desarrollo de una iconografía tan sofisticada , y dependiera en gran medida de los avances bizantinos.

La imagen más antigua que se conserva de la Virgen con el Niño en un manuscrito iluminado occidental proviene del Libro de Kells, de alrededor del año 800 d. C. ^{[ 21 ]} (hay una imagen tallada similar en la tapa del sarcófago de San Cuthbert , de 698) y, aunque magníficamente decorada al estilo del arte insular , el dibujo de las figuras solo puede describirse como bastante tosco en comparación con la obra bizantina de la época. De hecho, esta fue una inclusión inusual en un libro de los Evangelios , y las imágenes de la Virgen tardaron en aparecer en gran número en el arte manuscrito hasta que se creó el Libro de Horas en el siglo XIII.

La Virgen de la Humildad de Domenico di Bartolo , 1433, es considerada una de las imágenes devocionales más innovadoras del primer Renacimiento . ^{[ 22 ]}

La influencia bizantina en Occidente

Se conservan muy pocas imágenes antiguas de la Virgen María, aunque su representación tiene sus raíces en antiguas tradiciones pictóricas y escultóricas que influyeron en las primeras comunidades cristianas de Europa, el norte de África y Oriente Medio. Los iconos bizantinos son importantes para la tradición italiana , especialmente los creados en Constantinopla (Estambul), la capital de la civilización medieval más longeva y duradera, cuyos iconos participaban en la vida cívica y eran venerados por sus propiedades milagrosas. Bizancio (324-1453) se consideraba la verdadera Roma , un imperio cristiano de habla griega con colonias de italianos que vivían entre sus ciudadanos, participaban en las Cruzadas en las fronteras de su territorio y, en última instancia, saqueaban sus iglesias, palacios y monasterios, llevándose muchos de sus tesoros. Más adelante, en la Edad Media , la escuela cretense fue la principal fuente de iconos para Occidente, y sus artistas podían adaptar su estilo a la iconografía occidental cuando era necesario.

Si bien el robo fue una de las maneras en que las imágenes bizantinas llegaron a Occidente, concretamente a Italia, la relación entre los iconos bizantinos y las imágenes italianas de la Virgen es mucho más rica y compleja. El arte bizantino desempeñó un papel fundamental durante mucho tiempo en Europa Occidental, especialmente cuando los territorios bizantinos abarcaban partes de Europa del Este, Grecia y gran parte de la propia Italia. Manuscritos, marfiles, oro, plata y lujosos textiles bizantinos se distribuyeron por todo Occidente. En Bizancio, el título habitual de María era Theotokos o Madre de Dios, en lugar de la Virgen María, y se creía que la salvación se otorgaba a los fieles en el momento de la encarnación de Dios . Este concepto teológico se plasma en la imagen de María sosteniendo a su hijo pequeño.

Sin embargo, lo más relevante para la herencia bizantina de la Virgen María es doble. Primero, las imágenes independientes más antiguas que se conservan de la Virgen María se encuentran en Roma, centro del cristianismo en el Occidente medieval. Una es una valiosa posesión de Santa Maria in Trastevere , una de las muchas iglesias romanas dedicadas a la Virgen María. Otra, un vestigio fragmentado y repintado de lo que fue, se venera en el Panteón , esa gran maravilla arquitectónica del Imperio Romano , que fue rededicada a María como expresión del triunfo de la Iglesia. Ambas evocan la tradición bizantina en cuanto a su técnica y materiales, ya que originalmente fueron pintadas al temple (yema de huevo y pigmentos molidos) sobre paneles de madera. En este sentido, comparten la herencia romana antigua de los iconos bizantinos. Segundo, comparten iconografía , o temática. Cada imagen enfatiza el papel maternal que desempeña María, representándola en relación con su hijo pequeño. Resulta difícil determinar las fechas de este conjunto de imágenes más antiguas; sin embargo, parecen ser principalmente obras de los siglos VII y VIII.

Período medieval tardío

No fue hasta el resurgimiento de la pintura monumental sobre tabla en Italia durante los siglos XII y XIII que la imagen de la Virgen María cobró protagonismo fuera de Roma, especialmente en toda la Toscana . Si bien los miembros de las órdenes mendicantes franciscanas y dominicanas fueron algunos de los primeros en encargar paneles con esta temática, estas obras pronto se popularizaron en monasterios, iglesias parroquiales y hogares. La omnipresencia de la devoción mariana se debía a que se la consideraba una intermediaria de la misericordia de Cristo.

Algunas imágenes de la Virgen fueron financiadas por organizaciones laicas llamadas cofradías, cuyos miembros se reunían para cantar alabanzas a la Virgen en capillas ubicadas dentro de las iglesias recién reconstruidas y espaciosas, algunas de las cuales estaban dedicadas a ella. Financiar una obra de este tipo también podría considerarse una forma de devoción. Su elevado costo se debe al uso de materiales muy caros. El más costoso era el pan de oro , finas láminas de oro aplicadas en todas las partes del panel que no estaban cubiertas con pintura, un análogo visual no solo de las costosas vainas que los orfebres medievales usaban para decorar altares, sino también un medio para rodear la imagen de la Virgen con la luz de lámparas de aceite y velas.

Aún más valioso es el manto azul brillante coloreado con lapislázuli ; su costo por peso solo es superado por el oro. ^{[ 23 ]} Pero debido a que la lámina de oro es muy delgada, por peso, se requería más pintura de lapislázuli que de oro para cubrir grandes áreas. El pigmento de lapislázuli se elaboraba a partir de la piedra preciosa del mismo nombre, que en aquel entonces solo se encontraba en minas de Afganistán de muy difícil acceso. Además, el proceso para obtener el pigmento puro requiere un trabajo laborioso. Cuando un cliente deseaba que se utilizara este pigmento, lo especificaba explícitamente en el contrato de encargo.

El uso combinado de pan de oro y pintura azul lapislázuli se aprecia en una de las obras más famosas, innovadoras y monumentales que Duccio realizó para los Laudesi en Santa Maria Novella, Florencia, conocida como la Virgen de Rucellai (c. 1285). Esta pintura monumental se alza imponente sobre el espectador, ofreciendo un punto de referencia visual para que los miembros de la cofradía de los Laudesi se reunieran ante ella mientras cantaban alabanzas a la imagen. Duccio realizó una imagen aún más grandiosa de la Virgen entronizada para el altar mayor de la catedral de Siena, su ciudad natal. Conocida como la Maestà (1308-1311), la imagen representa a la pareja como el centro de un patio densamente poblado en la parte central de una obra de carpintería compleja que eleva el patio sobre una predela (pedestal del retablo) con escenas narrativas y figuras de profetas y santos de pie. Por su parte, en la National Gallery de Londres se encuentra una imagen de tamaño modesto de la Virgen María, representada de medio cuerpo sosteniendo a su hijo en una escena de memorable intimidad. Esta obra fue creada, sin duda, para la devoción privada de un cristiano lo suficientemente adinerado como para contratar a uno de los artistas italianos más importantes de su época.

El propietario privilegiado no necesitaba ir a la iglesia a rezar ni a implorar la salvación; bastaba con que abriera las puertas del tabernáculo en un acto de revelación privada. Duccio y sus contemporáneos heredaron las primeras convenciones pictóricas, que se mantuvieron, en parte, para vincular sus propias obras a la autoridad de la tradición.

A pesar de todas las innovaciones de los pintores de la Virgen María durante los siglos XIII y XIV, suele reconocerse a María por su vestimenta. Tradicionalmente, cuando se la representa como una joven madre de su hijo recién nacido, lleva un manto azul intenso sobre una prenda roja. Este manto suele cubrirle la cabeza, donde a veces se puede ver un velo de lino o, más tarde, de seda transparente.

Ella sostiene al Niño Jesús, quien comparte su aureola y su porte majestuoso. A menudo, su mirada se dirige al espectador, actuando como intercesora, canalizando las oraciones que fluyen del cristiano hacia ella y, solo entonces, hacia su hijo. Sin embargo, los artistas italianos de finales de la Edad Media también siguieron las tendencias de la pintura de iconos bizantinos, desarrollando sus propios métodos para representar a la Virgen. En ocasiones, el complejo vínculo de la Virgen con su pequeño hijo se manifiesta en un momento íntimo y tierno, teñido de tristeza, donde solo tiene ojos para él.

Si bien este artículo se centra en la representación de la Virgen en la pintura sobre tabla, su imagen también aparece en la decoración mural, ya sea en mosaicos o frescos, tanto en el exterior como en el interior de edificios sagrados. Se la encuentra en lo alto del ábside, o extremo oriental de la iglesia, donde se celebra la liturgia en Occidente. También se la encuentra en forma escultórica, desde pequeñas figuras de marfil para la devoción privada hasta grandes relieves y esculturas exentas. Como participante en el drama sagrado, su imagen inspira uno de los ciclos de frescos más importantes de la pintura italiana: el ciclo narrativo de Giotto en la Capilla de la Arena, junto al palacio de la familia Scrovegni en Padua. Este programa data de la primera década del siglo XIV.

Los artistas italianos del siglo XV en adelante se basan en las tradiciones establecidas en los siglos XIII y XIV para representar a la Virgen María.

• 
  Descanso en La huida a Egipto , c. 1510, ^{[ 24 ]} de Gerard David , representa un momento cercano e íntimo de ternura donde ella solo tiene ojos para el Niño.
• 
  Lorenzo Monaco , Florencia , c. 1410

Se dice que el primer encuentro importante entre el Islam y la imagen de la Virgen María tuvo lugar durante la conquista de La Meca por el profeta Mahoma . En la culminación de su misión, en el año 629 d. C., Mahoma conquistó La Meca con un ejército musulmán, siendo su primera acción la "limpieza" o "purificación" de la Kaaba , en la que retiró todas las imágenes e ídolos paganos preislámicos del interior del templo. Según los relatos recopilados por Ibn Ishaq y al-Azraqi , Mahoma, sin embargo, protegió con su mano una pintura de María y Jesús , y un fresco de Abraham para evitar que fueran borrados. ^{[ 34 ] [ 35 ]} En palabras del historiador Barnaby Rogerson : "Mahoma alzó su mano para proteger un icono de la Virgen y el Niño y una pintura de Abraham, pero por lo demás, sus compañeros limpiaron el interior de su desorden de tesoros votivos, objetos de culto, estatuillas y amuletos colgantes". ^{[ 36 ]}

El erudito islámico Martin Lings narró el suceso así en su biografía del Profeta : «Los cristianos a veces venían a honrar el Santuario de Abraham, y eran recibidos como todos los demás. Además, a un cristiano se le había permitido, e incluso animado, a pintar un icono de la Virgen María y el Niño Jesús en una pared interior de la Kaaba, donde contrastaba marcadamente con todas las demás pinturas. Pero los Quraysh eran más o menos indiferentes a este contraste: para ellos era simplemente una cuestión de aumentar la multitud de ídolos con dos más; y fue en parte su tolerancia lo que los hizo tan impenetrables... Aparte del icono de la Virgen María y el Niño Jesús, y una pintura de un anciano, que se decía que era Abraham , las paredes interiores estaban cubiertas de imágenes de deidades paganas . Colocando su mano protectoramente sobre el icono, el Profeta le dijo a Uthman que se asegurara de que todas las demás pinturas, excepto la de Abraham, fueran borradas». ^{[ 37 ]}

En el arte indio se encuentran sorprendentes similitudes entre las imágenes de la Virgen y el Niño Jesús, y Yashoda o Devaki y Krishna , ya que tanto las figuras hindúes como cristianas del "niño eterno" ^{[ 38 ]} se muestran acurrucadas cálidamente en el regazo de su madre. ^{[ 39 ]}

También existe un templo en Goa , el Templo Shree Devakikrishna en Marcel, donde al ver la imagen de Krishna-Devaki, los portugueses no diezmaron el templo, pues les recordó a la Virgen María-Jesús. ^{[ 40 ]}

"Una impresionante estatua de Devaki, que lleva al niño dios en su cintura, se encuentra en el santuario interior del templo. La imagen es inusual porque, si bien existen numerosos templos en el país dedicados a Krishna, no hay ninguna imagen de Devaki". ^{[ 39 ] [ 40 ]} El historiador Anant Dhume, en su libro 'La historia cultural de Goa desde el 10.000 a. C. hasta el 1352 d. C.', compara la estatua con la imagen de la Virgen María y el Niño Jesús debido a las similitudes. ^{[ 41 ]}

En el libro, Dhume explica: «Sin embargo, la estatua de Devkikrishna, originaria de la isla de Chodan, taluka de Tiswadi, trasladada durante el período de profanación por los misioneros cristianos a la aldea de Mashela (Marcela en portugués), en el pueblo de Orgaon, taluka de Ponda, es interesante... La historia cuenta que Vasco da Gama, en su vejez, fue nombrado virrey de todas las colonias del Lejano Oriente como gesto de honor. Un día, visitó la isla de Chodan. Al ver esta estatua a través de la puerta principal, inmediatamente la saludó y se arrodilló, considerándola la imagen de la Virgen María con el niño Jesús...» ^{[ 41 ]}

Durante el dominio portugués en Goa, a partir del siglo XVI, las estatuillas de marfil indo-portuguesas reflejaban tales similitudes. ^{[ 42 ]} "Los portugueses se habían establecido con el objetivo de dominar el comercio de especias y difundir su fe cristiana, y estas pequeñas estatuas portátiles de marfil embellecían los altares de las iglesias y los hogares de Goa, y también se transportaban al extranjero para cumplir su proyecto posterior. Estas figurillas fueron talladas por artistas indios bajo la guía de los jesuitas". ^{[ 39 ]} El historiador de arte Gauvin Alexander Bailey señala que los encargos artísticos de los jesuitas "eran... una asociación en la que se alentaban y fomentaban las propias interpretaciones del arte sacro por parte de los artistas". ^{[ 42 ]} Los jesuitas obtenían pequeñas pinturas, grabados y esculturas de Europa para que los escultores indios las usaran como referencia, y los artistas indígenas usaban sus propias tradiciones para dar forma a dichas figuras. Uno de los ejemplos más brillantes de esta forma sincrética es la figura llamada la Rocalla del Buen Pastor (también conocida como el Monte del Buen Pastor o Bom Pastor), que «muestra la confluencia de culturas tanto en su iconografía como en sus rasgos, encapsulando cómo los escultores de Goa crearon imágenes de lo divino que son católicas, europeas y del sur de Asia». ^{[ 39 ] [ 42 ]} La forma infantil de Cristo en esta figura, con rostro redondo y piel tersa, quizás se inspiró en esculturas del niño Krishna. ^{[ 43 ] [ 42 ] [ 39 ]}

Los iconos de Navanita-Krishna o Krishna, el ladrón de mantequilla, que circulaban por el sur de la India en el siglo XVI, como la estatua de aleación de cobre de Tamil Nadu (izquierda) y la estatua de marfil del sur de Karnataka (derecha), ambas actualmente en el LACMA , fueron utilizados por artistas cristianos en Goa, bajo dominio portugués , para producir los iconos del niño Cristo.

Mientras que, en Bengala, el Chore Bagan Art Studio, el Kansaripara Art Studio y el Calcutta Art Studio produjeron grabados de producción propia hacia la segunda mitad del siglo XIX. Estos artistas se vieron influenciados por las diversas representaciones de Cristo en los grabados europeos que habían invadido el mercado de la época. Y quizás la conexión más estrecha que pudieron establecer fue entre el niño Cristo y Krishna. ^{[ 44 ]} Jyotindra Jain comenta: «...el Chore Bagan Art Studio publicó una imagen popular, titulada El nacimiento de Krishna, que se basaba casi por completo en grabados populares del nacimiento de Jesucristo, hasta el punto de que la presencia de los tres Reyes Magos de Oriente también se imitó literalmente en esta obra». ^{[ 44 ]}

Artistas como Jamini Roy también adoptaron esta imagen, y Jesús y María aparecerían en los lienzos de Tyeb Mehta , Krishnen Khanna , Madhvi Parekh y otros, ofreciendo un comentario y una visión de la escena social india. ^{[ 44 ]} Iglesias en la India, como el Santuario de Nuestra Señora de Vailankanni en Tamil Nadu, que fue declarado basílica por la Iglesia Católica Romana en 1962, albergaban de manera similar ídolos de María vestida con un sari tradicional . ^{[ 44 ]} "Estos siguen siendo ejemplos de cómo en el arte y en las tradiciones de la fe se fusionan, al igual que los símbolos y las imágenes, dando origen a culturas sincréticas que atestiguan los estragos del odio comunitario, las diferencias creadas por el hombre y las interpretaciones ortodoxas". ^{[ 39 ]} Nirendranath Chakraborty , uno de los mejores poetas modernos de Bengala, escribió, retomando esta imaginería de la madre y el niño, un famoso poema titulado "Kolkatar Jishu" (El Jesús de Calcuta). ^{[ 45 ]}

La eterna ternura de la figura madre-hijo, de la maternidad y el vínculo incondicional de amor y calidez que encierra esta relación, "que el Niño Jesús en el regazo de la Virgen significa y se resuena en la imagen de Krishna-Yashoda o Devaki, es quizás lo que marca la cultura del amor", ^{[ 39 ]} y justifica las diversas interpretaciones de este símbolo en el arte y la poesía que se encuentran en todo el subcontinente.

En la categoría «La Virgen María en el arte» y su subcategoría, encontrará numerosos artículos sobre obras individuales de diversa índole. Véase también la lista incompleta de representaciones de la Virgen y el Niño . El término «Madonna» se aplica a menudo a representaciones de María que no fueron creadas por artistas italianos. Algunos ejemplos son:

• La Virgen Dorada de Essen , el primer ejemplo escultórico a gran escala de Europa Occidental y un precedente para las esculturas procesionales de madera policromada de la Francia románica, un tipo conocido como Trono de la Sabiduría.
• Virgen de la humildad , que representa a una Virgen sentada en el suelo o sobre cojines bajos.
• La Virgen con el Niño , una pintura de Duccio di Buoninsegna, de alrededor del año 1300.
• El icono de la Virgen Negra de Częstochowa ( Czarna Madonna o Matka Boska Częstochowska en polaco), que, según la leyenda, fue pintado por San Lucas Evangelista sobre una mesa de ciprés procedente de la casa de la Sagrada Familia.
• La Virgen con el Niño y flores , posiblemente una de las dos obras iniciadas por Leonardo da Vinci.
• La Virgen Eleusa (de la ternura) ha sido representada tanto en las iglesias orientales como en las occidentales.
• La Virgen de las Escaleras , un relieve de Miguel Ángel.
• Madonna della seggiola , de Rafael
• La Virgen del Cuello Largo , de Parmigianino
• La Virgen de Port Lligat , nombre de dos pinturas de Salvador Dalí creadas en 1949 y 1950.

• Museo Metropolitano: La Virgen María en la Edad Media
• La Virgen María en el arte en el Proyecto Gutenberg , porEstelle M. Hurll(Primera edición: 1897)