Mónica Bonvicini

La obra de arte, titulada I Believe the Skin of Things as in That of Women , obtuvo el León de Oro en la Bienal de Venecia de 1999, bajo la curaduría de Harald Szeemann . ^{[ 6 ]} La instalación constituye un espacio arquitectónico, construido con paneles de yeso dañados y montantes de aluminio, que contiene citas de arquitectos masculinos famosos, como Auguste Perret y Adolf Loos . ^{[ 16 ]} Estas citas se combinan con dibujos a grafito de figuras de estilo caricaturesco, algunas de las cuales realizan diversos actos sexuales. Los bocetos evocan los dibujos que aparecen en el ensayo fundamental de Charles Eames , «¿Qué es una casa?» (1944), destinado a ilustrar las posibles actividades de ocio dentro de una residencia, emblemática de una nueva vivienda doméstica moderna y más adaptable. ^{[ 18 ]}

I Believe the Skin of Things as in That of Women examina la “fenomenología del espacio arquitectónico de género”, ^{[ 19 ]} centrándose en los ideales predominantes de la arquitectura modernista, a menudo moldeados por sus practicantes y teóricos mayoritariamente masculinos. ^{[ 16 ]} El título de la obra hace referencia a la famosa cita de Le Corbusier que evoca un debate entre él y Auguste Perret. ^{[ 20 ]} Donde Le Corbusier abogaba por ventanas horizontales, mientras que Perret las comparaba con un hombre, afirmando que las ventanas debían ser verticales. ^{[ 21 ]}

La historiadora del arte Elena Zanchelli ha señalado que I Believe in the Skin of Things as in that of Women hace referencia al canon de la historia de la arquitectura de tres maneras significativas, lo que efectivamente exige una reevaluación de esta narrativa histórica: “primero, a través de la alusión a tratados sobre arquitectura basados ​​en ciertos métodos de división del espacio, incluyendo lo “público” y lo “privado”, así como en el rol que se “asigna” a las mujeres en ellos; segundo, los muros frágiles y temporales de las instalaciones socavan la autoridad de este tipo de puntos de vista; y tercero, Bonvicini también parodia a los grandes de la historia de la arquitectura moderna simplemente citando sus propias declaraciones, sacando de su letargo la fijación de la arquitectura en el género femenino” ^{[ 22 ].}

En 2005, Bonvicini recibió el Premio de la Nationalgalerie (Premio de la National Gallery para Jóvenes Artistas) por su obra Never Again (2005). ^{[ 3 ]} Una exposición de las cuatro obras de los artistas preseleccionados Monica Bonvicini, John Bock, Angela Bulloch y Anri Sala se presentó en el Hamburger Bahnhof de Berlín del 1 de septiembre al 16 de octubre de 2005. ^{[ 23 ]}

Never Again (2005) es una estructura tridimensional a gran escala de andamios de acero, de la que cuelgan doce eslingas de cuero negro mediante gruesas cadenas. Se invitaba a los espectadores a sentarse en las eslingas, que funcionaban como columpios, cuyo movimiento generaba un intenso sonido de traqueteo.

"Normalmente un objeto sexual asociado a la cultura del fetichismo del cuero y el placer violento, las múltiples correas resultan inofensivas en este contexto museístico. Aun así, las cadenas y los cinturones de cuero de Bonvicini tienen una dimensión sensual, considerando las marcas que podrían dejar en la piel desnuda. Titulada 'Nunca más', la obra sugiere la intersección de la sexualidad y el poder de una manera teatral y posiblemente (desafortunadamente) repetitiva." ^{[ 24 ]}

La obra se exhibió nuevamente en 2008 en la Galería Nacional de Islandia en Art Against Architecture ^{[ 25 ]} y en 2023 en Art Basel, Suiza, como parte de su programa Unlimited. ^{[ 26 ]}

La instalación permanente, titulada She Lies , se inauguró públicamente el 11 de mayo de 2010. ^{[ 27 ]} Encargada por Public Art Norway, la obra se ubica en el fiordo de Oslo , frente a la Ópera de Oslo . Construida con acero inoxidable, paneles de vidrio reflectante y fragmentos de vidrio, se asienta sobre un pontón de poliestireno expandido y hormigón equipado con un sistema de anclaje. La escultura no es fija, sino que responde a la fuerza de las mareas y el viento, girando sobre su eje y desplazándose en un radio de 50 metros. ^{[ 27 ]}

La escultura monumental, que mide 12 x 17 x 16 metros, es una interpretación de la pintura de Caspar David Friedrich de 1824, Das Eismeer . ^{[ 28 ]} Bonvicini reutiliza la imaginería de las masas de hielo que se ven en la pintura de Friedrich para establecer conexiones con temas de ruina dentro del marco de los ideales románticos; centrales para este vínculo son conceptos intrínsecos al Romanticismo , incluyendo la reverencia por la naturaleza y la búsqueda de la investigación científica. ^{[ 29 ]} Bonvicini describe la obra como: “la síntesis de estructura/piel/ornamento explora la interfaz entre naturaleza y cultura, o la de un artefacto cultural. Al reconstruir una famosa pintura romántica, la obra representa de manera visualmente impactante la forma de un iceberg, como si uno, debido a las circunstancias del calentamiento global, hubiera terminado en el fiordo frente a la ópera. Una ruina construida al mejor estilo modernista, la escultura sobre el agua representará un estado permanente de erección/construcción”. ^{[ 27 ]}

RUN es una instalación permanente en el Parque Olímpico Queen Elizabeth de Londres, instalada para los Juegos Olímpicos de Verano de 2012. La obra de Bonvicini se encuentra en la plaza del Copper Box Arena y es la obra de arte independiente más grande dentro del Parque Olímpico. ^{[ 30 ]} El título de la obra se inspira en los aspectos líricos y lingüísticos de la música popular , con especial referencia a « Run, Run, Run » de The Velvet Underground , ^{[ 31 ]} «Running Dry» de Neil Young y « Born to Run » de Bruce Springsteen . ^{[ 32 ]}

La obra, compuesta por tres letras de nueve metros de altura que forman la palabra "run" (correr), está construida con acero y vidrio reflectante, y cada pieza pesa diez toneladas. Durante el día, la instalación refleja su entorno a través de su superficie pulida y espejada. Por la noche, la obra se ilumina con un efecto de espejo infinito, gracias a 8000 luces LED de alta potencia que definen los contornos interiores de las letras. El uso de vidrio espejado tanto en el interior de la estructura como en el panel exterior revestido crea una doble reflexión, dotando a la obra de una ilusión de profundidad. ^{[ 33 ]}

"As Walls Keep Shifting" es una obra de arte a gran escala, concebida específicamente para el lugar, que representa la reconstrucción de una casa adosada, realizada a partir de una estructura de madera sin paredes ni ventanas, a escala 1:1.

La obra de arte es una réplica de una Villa Marcolini, un arquetipo arquitectónico común en las regiones del norte de Italia, así como en Suiza y Francia, diseñada a finales de la década de 1960 para servir como el “hogar familiar ideal”. El diseño buscaba establecer condiciones de vida estandarizadas y, al mismo tiempo, hacer realidad el sueño de la vivienda propia para las personas de ingresos medios. ^{[ 34 ]} En esta obra, Bonvicini también se inspira en su serie fotográfica titulada Italian Homes (2019), caracterizada por un estilo fotográfico arquitectónico sobrio. Esta serie captura la fachada de estas villas arquitectónicamente idénticas, que se distinguen únicamente por las modificaciones personalizadas realizadas por sus respectivos propietarios. ^{[ 35 ]}

La obra se exhibió por primera vez en la OGR de Turín en 2019, presentando la arquitectura escultórica en su forma completa, con todos los niveles de la casa ensamblados con precisión. Posteriormente, para la Bienal de Busan de 2020, la escultura fue reconstruida, aunque en esta versión era completamente accesible. En la exposición de Bonvicini de 2022, I don't Like You Very Much en Kunsthaus Granz , la escultura fue reconstruida, diseccionándose y fragmentándose, con el piso superior fusionándose con la planta baja y el techo apoyándose contra las paredes de la Kunsthaus. ^{[ 36 ]}

El título de la obra, « Mientras las paredes siguen cambiando», proviene de una cita de la novela « La casa de las hojas » de Mark Z. Danielewski , que explora la dinámica del poder dentro del sistema familiar y la periferia socioeconómica. ^{[ 34 ]} El título de la obra sirve como una imagen metafórica de la casa como espacio habitable. La curadora Katia Huemer afirma sobre la versión de la obra en el Kunsthaus Granz: «La escultura finalmente se encontró en un estado de desastre total… una cruda experiencia física que cuestionó de manera impactante la sacralidad del hogar». ^{[ 36 ]}

Además de sus obras escultóricas y bidimensionales, Bonvicini también produce videos e instalaciones multimedia. Estas obras siguen temas centrales de su práctica, que incluyen un examen de la política en torno al cuerpo, el género, el espacio y la arquitectura. ^{[ 37 ]} Algunas de estas obras tienen su origen en performances, como su video “No Head Man”, en el que se representa a cuatro actores masculinos corriendo de cabeza contra las paredes. ^{[ 38 ]} La obra fue concebida inicialmente para la performance del mismo título en la 27.ª Bienal de Arte de São Paulo . ^{[ 39 ]}

Las obras de video de Bonvicini suelen adoptar un enfoque minimalista, inspirándose en la historia del cine de autor europeo de la Nouvelle Vague , el cine neorrealista italiano y artistas de video de vanguardia como Jack Goldstein . Ejemplos de sus obras de video incluyen Hausfrau Swinging, 1997, Hammering Out (an old argument), 1998, Destroy She Said, 1998 y No Head Man, 2009, que forman parte de colecciones institucionales de todo el mundo, como la colección Julia Stoschek, ^{[ 40 ]} Sammlung Hoffmann, FRAC Lorraine ^{[ 41 ]} y Castello di Rivoli . ^{[ 42 ]}

En 2006, Bonvicini comenzó la serie en curso Huracanes y otras catástrofes, caracterizada por dibujos de gran formato realizados con pintura témpera en blanco y negro. Fruto de su participación en Prospect 1. New Orleans, la primera Bienal de Nueva Orleans (2008-2009) ^{[ 43 ]} , donde la artista se vio influenciada por las secuelas del huracán Katrina en 2005, estas obras representan la destrucción y devastación de hogares causadas por desastres naturales como ciclones, tornados e incendios forestales. ^{[ 44 ]} Haciendo referencia tanto a imágenes de los medios de comunicación como a sus propias fotografías tomadas durante su estancia en Nueva Orleans, ^{[ 44 ]} la serie llama la atención sobre las consecuencias políticas y las dislocaciones sociales causadas por el calentamiento global en la era del Antropoceno . ^{[ 45 ] [ 44 ]}

NEVER TIRE , una serie de dibujos en aerosol realizados por Bonvicini a principios de 2020, fue producida en respuesta a los impactos sociopolíticos y emocionales de la pandemia de COVID-19 . Exhibidos por primera vez en la Kunsthalle Bielefeld en la exposición individual Monica Bonvicini: Lover's Material , estos dibujos presentan texto sobre fondos de color rosa suave, gris o negro con tenues líneas de cuadrícula, algunos incorporando imágenes fundidas a partir de cadenas o alambre de púas rociados. ^{[ 46 ]} Christina Végh, directora de la Kunsthalle Bielefeld, describe la serie como una "cartografía de las emociones", que explora varios modos de conexión y tensión dentro de las relaciones. ^{[ 45 ]} Temas como el amor, la agresión, el feminismo y la ira se representan a través de fragmentos de autores notables como Roland Barthes , Judith Butler , Natalie Diaz , Soraya Chemaly y Andrea Dworkin , que han sido remodelados por Bonvicini en nuevas formas sintácticas y semánticas. ^{[ 45 ]} Las frases se cortan, se invierten y se modifican para darles un nuevo significado, a menudo jugando con la estética del grafiti y los letreros de protesta. Las piezas se presentan en paneles verticales de aluminio con bordes metálicos visibles, con la intención de evocar la estética del grafiti y la señalización de protesta. ^{[ 46 ]}