Imagistas de Chicago

Los Chicago Imagists son un grupo de artistas figurativos asociados a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago que expusieron en el Centro de Arte de Hyde Park a finales de la década de 1960.

Su obra se caracterizó por lo grotesco, el surrealismo y una total indiferencia hacia las tendencias del mundo artístico neoyorquino . El crítico Ken Johnson se refirió al Imagismo de Chicago como «la tradición de la posguerra de creación artística basada en la fantasía». ^{[ 1 ]} La editora sénior de la revista Chicago , Christine Newman, afirmó: «Incluso con los Beatles y la guerra de Vietnam en primer plano, los artistas se abrieron camino por sí mismos, marcando su época, su lugar y su obra como un acontecimiento inolvidable en la historia del arte». ^{[ 2 ]}

Los Imagistas contaban con una proporción inusualmente alta de artistas femeninas. Fuera de Chicago, existen tres grupos distintos que se agrupan indiscriminadamente bajo el término Imagistas: Monster Roster , Hairy Who y The Chicago Imagists.

El Monster Roster fue un grupo de artistas de Chicago, varios de los cuales sirvieron en la Segunda Guerra Mundial y pudieron asistir a la escuela de arte gracias a la Ley de Reajuste para Veteranos (GI Bill) . Recibieron su nombre en 1959 del crítico y miembro del Monster Roster, Franz Schulze. ^{[ 3 ]} El nombre se basó en su obra figurativa existencialista, a veces macabra y semimística. ^{[ 4 ]} Muchos de ellos fueron mentorizados por Vera Berdich , una influyente grabadora surrealista que impartió clases en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago . ^{[ 5 ]} El grupo fue reconocido en una importante exposición en el Museo de Arte Smart de la Universidad de Chicago , que examinó su historia y su impacto en el desarrollo del arte estadounidense. ^{[ 6 ]} El Monster Roster incluía:

"Ni un movimiento ni un estilo, Hairy Who fue simplemente el nombre que seis artistas de Chicago eligieron cuando decidieron unir fuerzas y exponer juntos a mediados de la década de 1960." ^{[ 8 ]}

The Hairy Who fue un "grupo" formado por seis graduados de la Escuela del Instituto de Arte , apadrinados por Ray Yoshida ^{[ 9 ]} y Whitney Halstead .: ^{[ 2 ]} Jim Falconer, Art Green , Gladys Nilsson , Jim Nutt , Karl Wirsum , y Suellen Rocca . Desarrollaron un enfoque vibrante y vulgar de la creación artística, y después de solo seis exposiciones juntos: tres en el Hyde Park Art Center (en '66, '67 y '68), y tres fuera de la ciudad, en el Instituto de Arte de San Francisco ('68), la Escuela de Artes Visuales de Nueva York ('69) y la Galería de Arte Corcoran en DC ('69), decidieron separarse y continuaron trabajando en sus propias prácticas individuales, y/o se unieron a otros grupos.

En 1964, Jim Nutt , Gladys Nilsson y Jim Falconer se acercaron al director de exposiciones del Hyde Park Art Center , Don Baum (una figura clave en el éxito de Hairy Who), con la idea de una exposición colectiva que los incluyera a ellos tres, junto con Art Green y Suellen Rocca . Baum aceptó y también sugirió que incluyeran a Karl Wirsum . ^{[ 2 ]} Los seis artistas realizaron exposiciones en el Hyde Park Art Center en 1966, 1967 y 1968. Llamaron a las exposiciones "Hairy Who?", pero nunca tuvieron la intención de organizarse como un grupo unificado. ^{[ 4 ]}

Las pinturas de Hairy Who no solo se inspiraron en la cultura comercial (anuncios, cómics, carteles y catálogos de ventas) presente en las calles de Chicago, sino que, como muchos estadounidenses de su época, su obra surgió durante un momento de conflicto radical: la guerra de Vietnam , las protestas estudiantiles, la contracultura, las turbulentas relaciones de género y raciales, y la rápida expansión de la economía de consumo capitalista. Colores extremadamente ácidos delineados con gruesos contornos negros, patrones jazzísticos y psicodélicos con un humor adolescente impregnan las pinturas, dibujos y esculturas de Hairy Who. A lo largo del espectro de cada estilo individual, era imposible no distinguir a cada artista de otro, aunque se complementan entre sí. Lo que los une es la prevalencia de la figuración y un tratamiento del rostro y la forma humana que a menudo roza lo grotesco o lo caricaturesco.

Su sentido del humor abrazaba la idiosincrasia y la espontaneidad con juegos de palabras, chistes y referencias internas que a menudo desmentían la transgresión de su temática. Ambiguo, provocador, pero también estratégico, su obra transmitía ideas progresistas que desafiaban las nociones predominantes de género y sexualidad, las costumbres sociales y los cánones de belleza, así como la nostalgia y la obsolescencia. El galerista neoyorquino Derek Eller, quien representa a Wirsum desde 2010, afirma que Wirsum prácticamente no tenía presencia en la ciudad antes de ese momento: su impresión es que «los Imagistas siempre estuvieron desfasados ​​con el gusto y el estilo neoyorquinos». En las décadas de 1960 y 1970, esto se traducía en las formas severamente reduccionistas del Minimalismo o el Conceptualismo; cuando la figuración se introdujo en la corriente principal de Nueva York, a través del Pop Art, fue mediante el filtro mediador de los medios de comunicación de masas contemporáneos.

En cambio, The Hairy Who exploraban una variedad de formas narrativas y vernáculas, como los dibujos animados, los tatuajes, el arte marginal (incluidos los dibujos del autodidacta Joseph Yoakum, que trabajaba en Chicago), así como las pinturas y manuscritos del Quattrocento, la pintura del Renacimiento nórdico y las artes tradicionales de África, Oceanía y la América precolombina. Gracias a su amplio alcance geográfico e histórico, se distanciaron de la vanguardia artística (y sus seguidores), que tendía a centrarse exclusivamente en su momento social y artístico contemporáneo.

Para la primera exposición colaboraron en un impactante cartel que mostraba la espalda de un hombre cubierta de tatuajes, cada uno diseñado por un miembro diferente del grupo. En lugar de un catálogo, crearon un cómic colaborativo, ¡The Portable Hairy Who!, que se vendió en la exposición a 50 centavos el ejemplar. Esto dio lugar inmediatamente a una segunda exposición al año siguiente, y a otra en 1968. La primera exposición recibió una reseña entusiasta (con ilustraciones) en la influyente revista Artforum por parte del profesor Whitney Halstead de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC), cumpliendo así la ambición de los artistas de dar a conocer su obra a un público más amplio. Como resultado, en 1968 Philip Linhares, curador del Instituto de Arte de San Francisco, les ofreció su primera exposición fuera de Chicago. Al año siguiente, Walter Hopps, fundador de la Galería Ferus en Los Ángeles y curador de la Galería de Arte Corcoran en Washington D.C., los invitó a realizar una exposición.

El origen del nombre de la exposición se explicó en una entrevista realizada por Dan Nadel al artista Jim Nutt :

"En aquel entonces, los nombres de las exposiciones de arte eran muy modernos, cuanto menos decían sobre la obra, mejor. Había habido varias exposiciones en el MoMA ... tituladas "Dieciséis americanos" o "Trece americanos"... Todos estábamos decididos a no imitar esa sofisticación, pero no teníamos ni idea de qué funcionaría. En nuestra primera reunión para hablar de la exposición, no llegábamos a ninguna parte con este problema. Esta también fue nuestra primera vez conociendo a Karl en persona. A medida que aumentaba la frustración por no resolver el dilema, la discusión grupal se desintegró en grupos más pequeños, cuando se oyó a Karl decir lastimeramente: "¿Harry quién?". ¿Quién es este tipo? En ese momento, algunos de nosotros nos mostramos histéricamente incrédulos de que no conociera a Harry Bouras, el artista excepcionalmente engreído que era crítico de arte de WFMT , la emisora ​​cultural de radio FM de Chicago. A todos nos pareció muy gracioso, incluido Karl, y mientras bromeábamos sobre variaciones de la situación, nos dimos cuenta del potencial del nombre, especialmente si cambiábamos Harry por Hairy. ^{[ 10 ]}

«Sin embargo, es importante hacer una distinción entre The Chicago Imagist y Hairy Who», afirma Thea Liberty Nichols, investigadora de grabados y dibujos del AIC , quien coorganizó «Hairy Who? 1966-1969» con Mark Pascale, curador de grabados y dibujos, y Ann Goldstein, subdirectora, presidenta y curadora de arte moderno y contemporáneo . «The Hairy Who era un grupo de exposiciones diseñado y nombrado por artistas, mientras que el Chicago Imagism era una etiqueta aplicada a todo un grupo de artistas por un crítico externo», explica Nichols. ^{[ 11 ]}

El grupo de los peludos incluía:

• Arte Verde
• Gladys Nilsson
• Jim Nutt
• Jim Falconer
• Suellen Rocca
• Karl Wirsum

Los Imagistas no eran un grupo formal, sino más bien una descripción de los artistas que participaron en exposiciones comisariadas por Baum a mediados de la década de 1960 y principios de la de 1970. Varios otros artistas, entre ellos Roger Brown , Ed Paschke , Barbara Rossi y Philip Hanson, suelen asociarse erróneamente con las exposiciones de Hairy Who, cuando en realidad expusieron en el Hyde Park Art Center entre 1968 y 1971 en otras muestras, como "Non-Plussed Some", "False Image", "Chicago Antigua" y "Marriage Chicago Style". ^{[ 4 ]} Además de Hairy Who, también participaron:

• Roger Brown
• Ed Paschke
• Christina Ramberg
• Philip Hanson
• Bárbara Rossi
• Ed Flood
• Irving Petlin
• Sarah Canright
• Richard Wetzel
• Ray Yoshida
• Errol Ortiz
• Ronald Markman
• Lynn Duenow

En 1969, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago exhibió a muchos artistas del movimiento Imagista, incluido Yoshida, en una muestra titulada "Don Baum dice: 'Chicago necesita artistas famosos'". ^{[ 9 ]} La galerista Phyllis Kind les dio a Jim Nutt y Gladys Nilsson sus primeras exposiciones individuales en 1970, y a Roger Brown su primera exposición individual en 1971. ^{[ 12 ]}

La marchante de arte privada de Chicago, Karen Lennox, dijo: «The Hairy Who se inspiró en el surrealismo, el art brut y los cómics. El pop art se inspiró en el mundo de la publicidad comercial y la ilustración popular. Uno era muy personal, el otro antipersonal». ^{[ 2 ]}

Fuera de Chicago, a cualquier artista de Chicago cuya obra sea figurativa y peculiar se le suele llamar imagista. Entre los artistas de Chicago que pintan obras extrañas y figurativas, pero que no son imagistas, se incluyen:

• Phyllis Bramson
• Richard Hull
• Pablo Lamantia ^{[ 13 ]}
• Robert Lostutter
• Hollis Sigler
• Eleanor Spiess-Ferris

De hecho, el Imagismo como estilo o escuela es lo suficientemente flexible como para que artistas abstractos de Chicago que trabajaban en un estilo orgánico o influenciado por el surrealismo durante el apogeo del Imagismo, como David Sharpe , Steven Urry y Jordan Davies, hayan sido descritos como "imagistas abstractos". ^{[ 14 ] [ 15 ] [ 16 ]}

El legado de los Imagistas de Chicago se explora notablemente en la película de Pentimenti Production , Hairy Who and the Chicago Imagists , dirigida por la cineasta de Chicago Leslie Buchbinder . ^{[ 17 ]} En 2025, el Tang Teaching Museum publicó 3-D Doings: The Imagist Object in Chicago Art, el catálogo de una exposición celebrada allí en 2018-209. ^{[ 18 ] [ 19 ]} "Sixties Surreal", presentada del 24 de septiembre de 2025 al 19 de enero de 2026 en el Whitney Museum of American Art, y descrita por el museo como "una reevaluación ambiciosa y académica del arte estadounidense de 1958 a 1972", incluyó el trabajo de seis Imagistas de Chicago. ^{[ 18 ] [ 20 ]}

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• Arte ingenuo
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• PentimentiProductions
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• JUMPIN' BACKFLASH: Obras de arte originales del movimiento Imagist, 1966-1969 , reseña de Jurek Polanski
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