Manierismo nórdico

El Manierismo nórdico es la forma de Manierismo que se encuentra en las artes visuales al norte de los Alpes en los siglos XVI y principios del XVII. ^{[ 1 ]} Estilos derivados en gran medida del Manierismo italiano se encontraron en los Países Bajos y otros lugares a partir de mediados de siglo, especialmente el ornamento manierista en la arquitectura; este artículo se centra en aquellos tiempos y lugares donde el Manierismo nórdico generó su obra más original y distintiva.

Los tres principales centros del estilo se ubicaron en Francia, especialmente entre 1530 y 1550; en Praga, a partir de 1576; y en los Países Bajos, desde la década de 1580; las dos primeras fases estuvieron marcadas por el mecenazgo real . En los últimos quince años del siglo, el estilo, que ya se consideraba obsoleto en Italia, se extendió por el norte de Europa , difundiéndose en gran medida a través de grabados. En la pintura, tendió a retroceder rápidamente en el nuevo siglo, bajo la nueva influencia de Caravaggio y el Barroco temprano , pero en la arquitectura y las artes decorativas, su influencia fue más duradera. ^{[ 2 ]}

El arte sofisticado del Manierismo italiano comienza durante el Alto Renacimiento de la década de 1520 como un desarrollo, una reacción contra y un intento de superar los triunfos serenos y equilibrados de ese estilo. Como explica el historiador de arte Henri Zerner: «El concepto de Manierismo —tan importante para la crítica moderna y, en particular, para el renovado gusto por el arte de Fontainebleau— designa un estilo opuesto al clasicismo del Renacimiento italiano, encarnado sobre todo por Andrea del Sarto en Florencia y Rafael en Roma». ^{[ 3 ]}

El Alto Renacimiento fue un fenómeno puramente italiano, y el Manierismo italiano requería tanto artistas como un público altamente capacitado en los estilos renacentistas precedentes, cuyas convenciones a menudo se desafiaban con conocimiento de causa. Sin embargo, en el norte de Europa, tales artistas y tal público eran difíciles de encontrar. El estilo predominante seguía siendo el gótico , y diferentes síntesis de este y los estilos italianos se realizaron en las primeras décadas del siglo XVI por artistas con mayor conciencia internacional como Albrecht Dürer , Hans Burgkmair y otros en Alemania, y la escuela engañosamente llamada Manierismo de Amberes , de hecho sin relación con el Manierismo italiano y anterior a este. ^{[ 4 ]} El Romanismo estuvo más profundamente influenciado por el arte italiano del Alto Renacimiento y por aspectos del Manierismo, y muchos de sus principales exponentes habían viajado a Italia. La pintura neerlandesa había sido generalmente la más avanzada del norte de Europa desde antes de 1400, y los mejores artistas neerlandeses fueron más capaces que los de otras regiones de mantenerse al día con los desarrollos italianos, aunque a cierta distancia.

Para cada generación sucesiva de artistas, el problema se agudizó, ya que gran parte del trabajo del norte continuó asimilando gradualmente aspectos del estilo renacentista, mientras que el arte italiano más avanzado había caído en una atmósfera de sofisticación y complejidad autoconscientes que debió parecer un mundo aparte para los mecenas y artistas del norte, pero que gozaba de una reputación y un prestigio que no podían ignorarse. ^{[ 5 ]}

Francia recibió una inyección directa del estilo italiano en forma de la primera Escuela de Fontainebleau , donde a partir de 1530 se contrató a varios artistas florentinos de calidad para decorar el Palacio Real de Fontainebleau , con la incorporación de algunos ayudantes franceses. Entre los artistas más destacados se encontraban Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo di Gaspare, 1494–1540), Francesco Primaticcio ( c. 1505–1570 ) y Niccolò dell'Abbate ( c. 1509–1571 ), quienes permanecieron en Francia hasta su muerte. Esta confluencia logró generar un estilo francés propio con fuertes elementos manieristas, que posteriormente pudo desarrollarse en gran medida de forma independiente. Jean Cousin el Viejo , por ejemplo, produjo pinturas como Eva Prima Pandora y Caridad , que, con sus desnudos sinuosos y alargados, se inspiraban claramente en los principios artísticos de la escuela de Fontainebleau. ^{[ 6 ]}

Jean el Joven , hijo de Cousin , cuya obra en su mayoría no ha sobrevivido, y Antoine Caron siguieron esta tradición, produciendo una versión agitada de la estética manierista en el contexto de las Guerras de Religión francesas . La iconografía de las obras figurativas era mayoritariamente mitológica, con un fuerte énfasis en Diana , diosa de la caza que fue la función original de Fontainebleau, y homónima de Diana de Poitiers , amante y musa de Enrique II , y ávida cazadora ella misma. Su figura esbelta, de piernas largas y atlética «quedó fijada en el imaginario erótico». ^{[ 7 ]}

Otras partes del norte de Europa no tuvieron la ventaja de un contacto tan intenso con los artistas italianos, pero el estilo manierista se hizo sentir a través de grabados y libros ilustrados, las compras de obras italianas por parte de gobernantes y otros, ^{[ 8 ]} los viajes de artistas a Italia y el ejemplo de artistas italianos individuales que trabajaban en el norte.

Gran parte de la obra más importante de Fontainebleau consistía en relieves de estuco , a menudo ejecutados por artistas franceses a partir de dibujos de italianos (y luego reproducidos en grabados), y el estilo de Fontainebleau influyó más en la escultura francesa que en la pintura francesa. Los enormes marcos de estuco que dominan sus pinturas incrustadas con audaces motivos de cintas en alto relieve , guirnaldas de frutas y abundantes figuras de ninfas desnudas, tuvieron una gran influencia en el vocabulario del ornamento manierista en toda Europa, difundido por libros de ornamentación y grabados de Androuet du Cerceau y otros; Rosso parece haber sido el creador del estilo.

Varias disciplinas de las artes decorativas se sumaron a este estilo, especialmente aquellas con clientes de la corte. Los muebles de nogal de alta gama, fabricados en centros metropolitanos como París y Dijon, empleaban marcos con entramados y soportes escultóricos en aparadores y bufetes . La misteriosa y sofisticada cerámica de Saint-Porchaire , de la que solo se conservan unas sesenta piezas, introdujo una estética similar en la alfarería, y gran parte de ella luce monogramas reales. A esto le siguió la cerámica "rústica" de Bernard Palissy , con vasijas decoradas con elaborados relieves de animales y plantas. El esmalte pintado de Limoges adoptó el estilo con entusiasmo alrededor de 1540, y muchos talleres produjeron pinturas de gran detalle hasta aproximadamente la década de 1580.

Además del propio Palacio de Fontainebleau, otros edificios importantes decorados en este estilo fueron el Castillo de Anet (1547-1552) para Diana de Poitiers y partes del Palacio del Louvre . El mecenazgo de Catalina de Médici en las artes impulsó el estilo manierista, excepto en el retrato, y sus festividades cortesanas fueron las únicas regulares del norte que rivalizaban con los intermedios y las entradas de la corte de los Médici en Florencia; todas ellas con una fuerte presencia de las artes visuales. Tras un periodo de interrupción en el que se abandonaron las obras de Fontainebleau durante el apogeo de las Guerras de Religión francesas, en la década de 1590 se formó una «Segunda Escuela de Fontainebleau» con artistas locales.

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  Monumento que contiene el corazón de Enrique II de Francia , Germain Pilon.
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  Escudo de Enrique II de Francia, acero damasquinado en plata y oro, diseño atribuido a Etienne Delaune.
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  "Diseño para una embarcación presentada a Enrique II", Jean Cousin el Viejo , 1549
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  Detalle de un plato de esmalte de Limoges , mediados del siglo XVI, atribuido a Jean de Court.
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  Cerámica de Saint-Porchaire , salero triangular, ¿década de 1540?, 17,5  cm de alto, con un (?) sátiro y (?) Venus a la derecha.

Maximiliano II, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico (1564-1576), con sede en Viena , poseía inclinaciones humanistas y artísticas, y fue mecenas de numerosos artistas, entre los que destacan Giambologna y Giuseppe Arcimboldo , cuyos retratos fantásticos, compuestos de objetos, resultaban algo más serios en el contexto de la filosofía del Renacimiento tardío de lo que parecen hoy en día. Al final de su reinado, concibió un proyecto para un nuevo palacio y, poco antes de su muerte, el joven pintor flamenco Bartolomé Spranger fue llamado desde Roma, donde había desarrollado una exitosa carrera. El hijo de Maximiliano, Rodolfo II, también emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, resultó ser un mecenas aún mejor que su padre, y Spranger permaneció a su servicio durante toda su vida. La corte pronto se trasladó a Praga , más segura de las frecuentes invasiones turcas, y durante su reinado de 1576 a 1612, Rodolfo se convirtió en un coleccionista obsesivo de arte antiguo y nuevo, y sus artistas se mezclaron con los astrónomos, relojeros, botánicos y "magos, alquimistas y cabalistas" que Rodolfo también reunió a su alrededor. ^{[ 9 ]}

Las preferencias artísticas de Rodolfo se inclinaban hacia las escenas mitológicas con desnudos, así como hacia piezas de propaganda alegórica que ensalzaban sus virtudes como gobernante. Una obra que combina elementos de erotismo y propaganda es Minerva triunfa sobre la Ignorancia ( Museo de Historia del Arte ), que muestra a Minerva (la diosa romana de la guerra, la sabiduría, las artes y el comercio) con los pechos al descubierto y un casco pisoteando la Ignorancia, simbolizada por un hombre con orejas de asno. Belona , ​​otra diosa romana de la guerra, y las nueve Musas rodean a Minerva. El mensaje propagandístico es que el imperio está a salvo con Rodolfo al mando, de modo que las artes y el comercio pueden florecer. ^{[ 11 ] : 68–69} El escultor flamenco Hans Mont también trabajó para Rodolfo y diseñó el arco triunfal para la entrada formal de Rodolfo II en Viena en 1576. ^{[ 12 ]}

Las obras de Rodolfo en Praga eran de gran calidad y refinamiento, y la mayoría de los cuadros eran relativamente pequeños. Se mantuvo la elongación de las figuras y las poses sorprendentemente complejas de la primera ola del Manierismo italiano, y la elegante distancia de las figuras de Bronzino se vio atenuada por las obras del ausente Giambologna, quien representaba el ideal del estilo.

Los grabados fueron esenciales para difundir el estilo por Europa, Alemania y los Países Bajos en particular, y algunos grabadores, como el más grande de la época, Hendrik Goltzius , trabajaron a partir de dibujos enviados desde Praga, mientras que otros, como Aegidius Sadeler , que vivía en la casa de Spranger, se habían sentido atraídos por la propia ciudad. Rodolfo también encargó obras a Italia, sobre todo a Giambologna, a quien los Médici no permitieron abandonar Florencia, y Paolo Veronese envió cuatro grandes alegorías mitológicas . ^{[ 13 ]} La influencia del emperador afectó al arte en otras cortes alemanas, especialmente en Múnich y Dresde , donde residía el orfebre y artista Johann Kellerthaler .

Rodolfo II no estaba muy interesado en la religión, y «en la Praga de Rodolfo II se produjo una explosión de imágenes mitológicas que no se había visto desde Fontainebleau». ^{[ 14 ]} Las diosas solían estar desnudas, o casi, y prevalece una atmósfera de erotismo más explícita que la que se encuentra en la mayoría de las obras mitológicas del Renacimiento, lo que evidentemente refleja los «intereses especiales» de Rodolfo II. ^{[ 15 ]}

La figura dominante era Hércules , identificado con el emperador, como ya lo había sido con los monarcas Habsburgo y Valois . ^{[ 16 ]} Pero los demás dioses no fueron olvidados; sus conjunciones y transformaciones tenían importancia en el neoplatonismo y el hermetismo renacentistas , que se tomaban más en serio en la Praga de Rodolfo que en cualquier otra corte renacentista. ^{[ 17 ]} Sin embargo, parece que las alegorías pintadas de Praga no contienen ni significados complejos muy específicos ni recetas ocultas de alquimia. Giambologna frecuentemente elegía, o dejaba que otros eligieran, un título para sus esculturas después de su finalización; para él, solo importaban las formas. ^{[ 18 ]}

Mientras que a los artistas de Fontainebleau y Praga se les proporcionó en su mayoría un hogar tan agradable, tanto intelectual como físicamente, que permanecieron allí hasta el final de sus vidas, para los artistas de la última fase neerlandesa del movimiento, el Manierismo fue muy a menudo una fase transitoria antes de pasar a un estilo influenciado por Caravaggio .

Para Hendrik Goltzius , el mayor grabador de la época, su fase más manierista bajo la influencia de Spranger duró solo cinco años, desde 1585, cuando grabó su primer grabado a partir de uno de los dibujos de Spranger traídos de Praga por Karel van Mander , hasta su viaje a Roma en 1590, del que «regresó transformado como artista. A partir de entonces, dejó de hacer grabados basados ​​en las extravagancias de Spranger. Los monstruosos hombres musculosos y los desnudos femeninos sobrealargados con cabezas diminutas... fueron reemplazados por figuras con proporciones y movimientos más normales». ^{[ 20 ]} La obra de Spranger «tuvo un efecto amplio e inmediato en los Países Bajos septentrionales», ^{[ 20 ]} y el grupo conocido como los «manieristas de Haarlem», principalmente Goltzius, van Mander y Cornelis van Haarlem, fue igualado por artistas de otras ciudades.

En parte porque la mayoría de sus seguidores neerlandeses solo habían visto la obra de Spranger a través de grabados y sus dibujos, en su mayoría muy libres, no adoptaron su técnica pictórica más elaborada, y conservaron la técnica más precisa y realista en la que se habían formado. Muchos pintores manieristas neerlandeses podían cambiar de estilo según el tema o el encargo, y continuaron produciendo retratos y escenas de género en estilos basados ​​en las tradiciones locales al mismo tiempo que trabajaban en pinturas marcadamente manieristas. Tras su regreso de Italia, Goltzius se inclinó hacia un clasicismo protobarroco más sobrio, y su obra en ese estilo influyó en muchos.

Joachim Wtewael , quien se estableció en Utrecht tras regresar de Italia en 1590, recibió más influencia de los manieristas italianos que de los praguenses, y continuó pintando escenas de cocina y retratos junto con sus deidades desnudas. A diferencia de muchos, en particular de su paisano de Utrecht, Abraham Bloemaert , una vez que Wtewael consolidó su repertorio de estilos, no lo modificó hasta su muerte en 1631. ^{[ 21 ]}

Para los pintores de los Países Bajos, también existía la alternativa de los estilos realistas nórdicos tradicionales, que habían seguido desarrollándose a través de Pieter Bruegel el Viejo (fallecido en 1567) y otros artistas, y que en el siglo siguiente dominarían la pintura de la Edad de Oro holandesa . A pesar de su visita a Italia, Brughel ciertamente no puede ser considerado un manierista, pero así como sus pinturas fueron ávidamente coleccionadas por Rudolf, los artistas manieristas, incluidos Gillis van Coninxloo y el hijo de Bruegel, Jan, siguieron su ejemplo al desarrollar el paisaje como tema.

La pintura de paisajes fue reconocida como una especialidad neerlandesa en Italia, donde se establecieron varios paisajistas nórdicos, como Matthijs y Paul Bril , y los alemanes Hans Rottenhammer y Adam Elsheimer , este último una figura importante del Barroco temprano. La mayoría aún pintaba panoramas neerlandeses desde un punto de vista elevado, con pequeñas figuras que formaban un tema específico, pero Gillis van Coninxloo siguió a la anterior Escuela del Danubio y a Albrecht Altdorfer al desarrollar el paisaje forestal puro y "en primer plano" en sus obras a partir de 1600, que fue retomado por su alumno Roelandt Savery y otros. ^{[ 22 ]} Bloemaert pintó muchos paisajes que conciliaban estos tipos al combinar árboles en primer plano, con figuras, y una pequeña vista lejana desde arriba hacia un lado (ejemplo a continuación). ^{[ 23 ]} Los primeros paisajes de Paul Brill eran claramente manieristas por su artificialidad y sus efectos decorativos recargados, pero después de la muerte de su hermano, desarrolló gradualmente un estilo más económico y realista, quizás influenciado por Annibale Carracci . ^{[ 24 ]}

La pintura de bodegones , generalmente de flores e insectos, también surgió como género durante este período, retomando la tradición heredada de los bordes en miniatura de los Países Bajos tardíos ; Jan Brueghel el Viejo también pintó este tipo de obras. Estos temas atraían tanto a los mecenas aristocráticos como al mercado burgués, que era mucho mayor en los Países Bajos. Esto fue especialmente cierto en el norte protestante, tras el éxodo de la población durante la Revuelta, donde la demanda de obras religiosas era prácticamente inexistente. ^{[ 25 ]}

Joris Hoefnagel , pintor de la corte de Rodolfo II, desempeñó un papel importante en el desarrollo del bodegón como género independiente, y en particular de los bodegones de flores. Una obra floral sin fecha, ejecutada por Hoefnagel en forma de miniatura, es el primer bodegón independiente conocido. Hoefnagel animó sus bodegones de flores con insectos y una atención al detalle típica de sus estudios de la naturaleza. Esto se puede apreciar en su obra Amoris Monumentum Matri Chariss(imae) de 1589 (ex-Nicolaas Teeuwisse 2008). ^{[ 26 ]}

Karel van Mander es recordado hoy principalmente como escritor de arte más que como artista. Si bien apoyó la jerarquía italiana de géneros , con la pintura histórica en la cima, estaba más dispuesto que Vasari y otros teóricos italianos (sobre todo Miguel Ángel , quien era bruscamente desdeñoso de las formas de arte "inferiores") a aceptar el valor de otros géneros artísticos especializados y a aceptar que muchos artistas deberían especializarse en ellos, si ahí radicaba su talento. ^{[ 27 ]} La especialización de muchos artistas en los diversos géneros estaba muy avanzada a finales de siglo, tanto en los Países Bajos como en Praga, ejemplificada por los dos hijos de Bruegel, Jan y Pieter , aunque también era típico de la época que ambos tuvieran más de una especialidad durante sus carreras. Aunque los paisajes, las escenas de la vida campesina, las marinas y los bodegones podían ser adquiridos por los comerciantes para su inventario, y los buenos retratos siempre tenían demanda, la demanda de pintura histórica no era igual a la oferta potencial, y muchos artistas, como Cornelius Ketel , se vieron obligados a especializarse en el retrato; "los artistas transitan por este camino sin deleite", según van Mander. ^{[ 28 ]}

Los pintores manieristas de las provincias meridionales de Flandes de los Habsburgo , ahora permanentemente separadas , recibieron menos influencia de Praga que los de las Provincias Unidas . Tenían un acceso más fácil a Italia, donde Denis Calvaert vivió desde los veinte años en Bolonia , aunque vendió gran parte de su obra a Flandes. Tanto Marten de Vos como Otto van Veen habían viajado allí; Van Veen, que había trabajado en la Praga de Rodolfo II, fue el fundador del Gremio de Romanistas , un club de Amberes para artistas que habían visitado Roma. Estaban más al tanto de las tendencias recientes del arte italiano y del surgimiento del estilo barroco , que, en manos del discípulo de Van Veen entre 1594 y 1598, Rubens , pronto se extendería por todo el arte flamenco. ^{[ 29 ]} En las obras religiosas, los artistas flamencos también estuvieron sujetos a los decretos del Concilio de Trento , lo que provocó una reacción contra los virtuosismos más extremos del Manierismo y un estilo más claro y monumental, similar a la maniera grande italiana . ^{[ 30 ]} En los retablos de De Vos, por ejemplo, «un Manierismo moderado se combina con una preferencia por la narrativa más acorde con la tradición neerlandesa». ^{[ 30 ]}

En Flandes, aunque no en las Provincias Unidas, las exhibiciones, en su mayoría temporales, para las entradas reales brindaron oportunidades ocasionales para fastuosas exhibiciones públicas de estilo manierista. Los libros de festivales registraron las entradas en Amberes de príncipes franceses y archiduques de los Habsburgo. ^{[ 31 ]}

El manierismo fue dominante en Polonia-Lituania entre 1550 y 1650, cuando finalmente fue reemplazado por el barroco. ^{[ 33 ]} El estilo incluye varias tradiciones manieristas, ^{[ 33 ]} que están estrechamente relacionadas con la diversidad étnica y religiosa del país, así como con su situación económica y política en ese momento. ^{[ 34 ] [ 35 ]} El período entre 1550 y 1650 fue una Edad de Oro de la Mancomunidad Polaco-Lituana (creada en 1569) y una Edad de Oro de Polonia. ^{[ 36 ]} La primera mitad del siglo XVII está marcada por la fuerte actividad de los jesuitas y la Contrarreforma , que llevó al destierro de los arrianos progresistas ( Hermanos Polacos ) en 1658. Véase más abajo el pintor germano-silesiano Bartholomeus Strobel , artista de la corte polaca desde 1639.

Ya se ha mencionado la importancia de los grabados como medio para difundir el estilo manierista; el manierismo nórdico "era un estilo que se prestaba admirablemente al grabado e inspiró la producción de una sucesión de obras maestras del arte del grabador". ^{[ 37 ]} Goltzius ya era el grabador más célebre de los Países Bajos cuando llegó el virus manierista, y a pesar de las interrupciones de la guerra, él y otros grabadores neerlandeses estaban conectados con la bien engrasada maquinaria de distribución por toda Europa que se había construido durante los cincuenta años anteriores, originalmente centrada en Amberes .

No fue así con la producción de grabados en Fontainebleau, y los grabados allí realizados (algo inusual para la época, todos en aguafuerte ) eran técnicamente bastante toscos, se produjeron en menor cantidad y tuvieron influencia principalmente en Francia. Se realizaron durante un período de intensa actividad, aproximadamente entre 1542 y 1548. ^{[ 38 ]} Los realizados en París eran grabados y de mayor calidad; producidos entre 1540 y 1580 aproximadamente, tuvieron una distribución más amplia. ^{[ 39 ]}

Muchas de las estampas de Fontainebleau se realizaron aparentemente a partir de diseños dibujados para la decoración del palacio, y consistían en gran parte o en su totalidad en marcos ornamentales o cartelas , aunque, dada la magnitud de Fontainebleau, estos podían contener varias figuras de cuerpo entero. Variaciones en los elaborados marcos, como si estuvieran hechos de pergamino cortado, perforado y enrollado, se manifestaron en esquemas de enmarcado decorativo, portadas grabadas y muebles tallados e incrustados hasta el siglo XVII. ^{[ 40 ]}

La ornamentación manierista impresa, en un sentido algo más amplio de la palabra, era mucho más fácil de producir que la arriesgada aplicación de un estilo manierista extremo a composiciones de figuras grandes, y se había extendido por Europa mucho antes que la pintura en forma de marcos para grabados de retratos, frontispicios de libros , tan parecidos a las elaboradas puertas y chimeneas de la arquitectura manierista, ^{[ 41 ]} libros ornamentados para artistas y artesanos, y libros de emblemas . A partir de estos y de obras en su propio medio, orfebres, fabricantes de marcos y muebles, y trabajadores de muchos otros oficios desarrollaron el vocabulario de la ornamentación manierista.

Las ilustraciones de patrones que aparecen en el libro Architectura de Wendel Dietterlin , de 1593-94, producido en la relativamente remota Estrasburgo , fueron algunas de las aplicaciones más extremas del estilo al ornamento arquitectónico. ^{[ 37 ]} El estilo manierista del norte fue especialmente influyente en las mansiones prodigiosas construidas en Inglaterra por los cortesanos isabelinos.

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  Cristo y María Magdalena en el jardín . Grabado de Sadeler basado en un dibujo de Bartholomeus Spranger.
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  Jan Saenredam , Venus y Cupido , según Hendrick Goltzius
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  Ícaro de Goltzius
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  Columnas de orden compuesto de la obra Architectura de Wendel Dietterlin (1593-94).

El ingenio visual y la sofisticación del Manierismo en manos del norte, que lo convirtieron en un estilo cortesano por excelencia , encontraron vehículos naturales en el trabajo de los orfebres, ^{[ 42 ]} realzados por gemas y esmaltes de colores, en los que las perlas deformes que llamamos " barrocas " podían formar torsos humanos y animales, tanto como joyas para el adorno personal como en objetos hechos para la Wunderkammer . Jarras y vasijas adoptaron formas fantásticas, al igual que las copas de pie con cuencos de ónix o ágata, y elaborados saleros como la Saliera de Benvenuto Cellini , la cúspide de la orfebrería manierista, terminada en 1543 para Francisco I y posteriormente regalada al tío de Rodolfo , otro gran coleccionista . Wenzel Jamnitzer y su hijo Hans, orfebres de una sucesión de emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, incluido Rodolfo, fueron insuperables en el norte. ^{[ 43 ]} Los plateros fabricaban copas con tapa y jarras y platos ricamente labrados, exclusivamente para exhibición, incorporando quizás las grandes conchas marinas que ahora se traían de los trópicos, las cuales eran "apreciadas como arte producido por la naturaleza". ^{[ 44 ]} En los Países Bajos, la familia de plateros van Vianen desarrolló un estilo auricular anamórfico único , que empleaba motivos cartilaginosos sinuosos y antiarquitectónicos. ^{[ 45 ]}

Aunque los escultores manieristas produjeron bronces de tamaño natural, la mayor parte de su producción consistió en ediciones de pequeños bronces, a menudo versiones reducidas de las grandes composiciones, que estaban destinadas a ser apreciadas al sostenerlas y girarlas en las manos, cuando las mejores "proporcionan un estímulo estético de ese tipo involuntario que a veces proviene de escuchar música". ^{[ 46 ]} Las plaquetas , pequeños paneles de bronce en bajorrelieve , a menudo dorados, se utilizaron en diversos contextos, como en la corona de Rodolfo. ^{[ 47 ]}

Esfinges femeninas con cuellos extravagantemente alargados y pechos prominentes sostienen un gabinete borgoñón de nogal en la Colección Frick , Nueva York; pronto Amberes se especializó en gabinetes ricamente tallados y chapados con incrustaciones de carey, ébano, ^{[ 48 ]} y marfil, con interiores arquitectónicos, espejados para multiplicar reflejos en espacios simulados. En Inglaterra, los excesos manieristas del mobiliario jacobino se expresaron en patas extremas torneadas para imitar copas apiladas con tapa, y una proliferación de entrelazados de correas cubría superficies planas. ^{[ 49 ]} Tras el éxito de los tapices de Bruselas tejidos a partir de los cartones de Rafael , pintores manieristas como Bernard van Orley y Perino del Vaga fueron llamados a diseñar cartones al estilo manierista para los talleres de tapicería de Bruselas y Fontainebleau. Composiciones pictóricas de gusto manierista también aparecieron en los esmaltes de Limoges , adaptando sus composiciones y bordes ornamentados de grabados. Los motivos moriscos , guirnaldas y festones de frutas inspirados en la ornamentación grotesca de la Antigua Roma , redescubierta y expuesta por primera vez en las Estancias Vaticanas de la escuela de Rafael , se difundieron a través de grabados ornamentales . Este vocabulario ornamental se expresó en el norte menos en frescos y más en tapices y bordes de manuscritos iluminados .

En Francia, la cerámica de Saint-Porchaire, con sus formas y decoración manieristas, se produjo en cantidades limitadas para una clientela selecta y preocupada por la moda desde la década de 1520 hasta la de 1540, mientras que las composiciones densas y desconcertantemente realistas de serpientes y sapos caracterizan los platos de loza pintada manieristas de Bernard Palissy . Al igual que los Jamnitzer en ocasiones, ^{[ 50 ]} Palissy hizo moldes de pequeños animales y plantas reales para aplicarlos a sus creaciones.

El norte de Europa en el siglo XVI, y especialmente aquellas áreas donde el Manierismo alcanzó su máximo apogeo, se vio afectado por grandes convulsiones, como la Reforma Protestante , la Contrarreforma , las Guerras de Religión francesas y la Revuelta holandesa . La relación entre el Manierismo, la religión y la política era muy compleja. Si bien se produjeron obras religiosas, el arte manierista del norte restó importancia a los temas religiosos, y cuando los abordó, generalmente se opuso tanto al intento de la Contrarreforma de controlar el arte católico como a las concepciones protestantes sobre la imaginería religiosa. ^{[ 51 ]}

En el caso del arte de Rudolf en Praga y Francia después de mediados de siglo, el arte manierista secular y mitológico parece haber sido en parte un intento deliberado de producir un arte que atrajera a través de las divisiones religiosas y políticas. ^{[ 52 ]} Al mismo tiempo, el manierismo en su forma más extrema solía ser un estilo cortesano, a menudo utilizado para hacer propaganda a favor de la monarquía, ^{[ 53 ]} y corría el riesgo de ser desacreditado por su asociación con gobernantes impopulares. Si bien la genuina tolerancia de Rudolf parece haber evitado esto en Alemania y Bohemia , a finales de siglo el manierismo había sido asociado por los protestantes calvinistas y otros patriotas de Francia y los Países Bajos con sus impopulares gobernantes católicos. ^{[ 54 ]} Pero, al menos antes, muchos de los artistas que producían el estilo manierista extremo eran protestantes, y en Francia calvinistas, por ejemplo Bernard Palissy y una alta proporción de los maestros de los talleres de esmalte de Limoges.

Ciertas obras manieristas parecen reflejar la violencia de la época, pero vestidas con ropas clásicas. Antoine Caron pintó el inusual tema de Masacres bajo el Triunvirato (1562, Louvre), durante las Guerras de Religión, cuando las masacres eran frecuentes, sobre todo en la Masacre del Día de San Bartolomé de 1572, seis años después de la pintura. ^{[ 55 ]} Según el historiador de arte Anthony Blunt , Caron produjo «lo que es quizás el tipo más puro conocido de Manierismo en su forma elegante, apropiado para una sociedad aristocrática exquisita pero neurótica». ^{[ 56 ]} Sus bocetos para los Tapices Valois , que remiten a los triunfalistas tapices de la Historia de Escipión diseñados para Francisco I por Giulio Romano , ^{[ 57 ]} fueron un ejercicio de propaganda en favor de la monarquía Valois, enfatizando su esplendor cortesano en el momento de su amenazada destrucción por la guerra civil. La única pintura que se conserva de Jean Cousin el Joven , El Juicio Final , también comenta la guerra civil, revelando una "inclinación típicamente manierista por la miniaturización". ^{[ 58 ]} Pequeños seres humanos desnudos "pululan sobre la tierra como gusanos", mientras Dios observa desde lo alto en juicio. ^{[ 56 ]}

La obra de Cornelis van Haarlem, La matanza de los inocentes (1590, Rijksmuseum ), más barroca que manierista, podría reflejar sus recuerdos infantiles de las matanzas (en realidad, solo de la guarnición) tras el asedio de Haarlem en 1572-1573, que él mismo vivió. La versión de Brughel, completamente ajena al manierismo, sobre el mismo tema fue adquirida por Rudolf, quien mandó convertir a muchos de los niños masacrados en gansos, terneros, quesos y otros despojos menos perturbadores. ^{[ 59 ]} En general, la pintura manierista enfatiza la paz y la armonía, y elige con menos frecuencia temas bélicos que el Alto Renacimiento o el Barroco.

Otro tema popularizado por Brughel, San Juan predicando en el desierto , fue tratado con un estilo manierista por varios artistas, como un paisaje exuberante. Pero para los protestantes holandeses, el tema evocaba los años previos y durante su revuelta, cuando se vieron obligados a congregarse para los servicios religiosos en el campo abierto, fuera de las ciudades controladas por los españoles. ^{[ 54 ]}

Enrique VIII de Inglaterra, inspirado por Fontainebleau, importó a su propio equipo de artistas italianos y franceses , de menor renombre, para trabajar en su nuevo Palacio Nonsuch , que también se caracterizó por el uso intensivo de estucos y cuya decoración comenzó alrededor de 1541. Sin embargo, Enrique murió antes de su finalización y, una década después, su hija María lo vendió sin que la corte lo utilizara de forma significativa. El palacio fue destruido antes de 1700 y solo se conservan pequeños fragmentos de obras relacionadas con él, así como una leve influencia perceptible en el arte inglés posterior , por ejemplo, en los grandiosos pero sencillos estucos de Hardwick Hall .

Algunas (pero no todas) de las casas más destacadas de la arquitectura isabelina hicieron uso de ornamentos derivados de los libros de Wendel Dietterlin y Hans Vredeman de Vries, dentro de un estilo general distintivo que provenía de muchas fuentes.

El miniaturista retratista Isaac Oliver muestra una influencia tentativa del Manierismo Tardío, ^{[ 60 ]} que también aparece en algunos pintores retratistas inmigrantes, como William Scrots , pero en general Inglaterra fue uno de los países menos afectados por el movimiento, excepto en el área de la ornamentación.

Si bien el manierismo nórdico logró un estilo paisajístico, la pintura de retratos siguió sin tener equivalentes nórdicos de Bronzino o Parmigianino , a menos que se considere como tal el notable pero algo ingenuo retrato de Isabel I.

Uno de los últimos florecimientos del Manierismo nórdico se dio en Lorena , cuyo pintor de la corte, Jacques Bellange (c. 1575-1616), es conocido hoy solo por sus extraordinarios grabados , aunque también fue pintor. Su estilo deriva del Manierismo neerlandés, si bien su técnica proviene de grabadores italianos, especialmente Barocci y Ventura Salimbeni . ^{[ 61 ]} Curiosamente, sus temas eran principalmente religiosos, y aunque los trajes suelen ser extravagantes, sugieren intensos sentimientos religiosos por su parte.

Más tarde, el pintor germano- silesiano Bartholomeus Strobel , quien había pasado los últimos años del reinado de Rodolfo como joven artista en Praga, continuó con el estilo rodolfino hasta la década de 1640, a pesar de los horrores que la Guerra de los Treinta Años infligió a Silesia , en obras como su enorme El festín de Herodes con la decapitación de San Juan Bautista en el Museo del Prado . Desde 1634 se retiró a la seguridad de Polonia como artista de la corte. ^{[ 62 ]}

Artistas franceses influenciados por la primera Escuela de Fontainebleau:

Jean Cousin el Viejo (1500– c. 1590 )

Jean Goujon ( c. 1510 –después de 1572), escultor y arquitecto.

Juste de Juste ( c. 1505 - c. 1559 ) - escultor y grabador 

Antoine Caron (1521–1599)

La tradición francesa que perdura:

Germain Pilon (c. 1537–1590), escultor

Androuet du Cerceau , familia de arquitectos; Jacques I introdujo el ornamento manierista.

Jean Cousin el Joven (ca. 1522–1595), pintor

Toussaint Dubreuil (c. 1561-1602), segunda escuela de Fontainebleau:

Trabajando para Rudolf:

Giambologna (1529–1608), escultor flamenco afincado en Florencia.

Adriaen de Vries (1556-1626), escultor holandés, alumno de Giambologna, que fue a Praga

Bartholomeus Spranger (1546–1611) – Pintor flamenco, principal pintor de Rodolfo.

Hans von Aachen (1552–1615) – Alemán, temas mitológicos y retratos para Rodolfo

José Heintz el Viejo (1564–1609) – Discípulo suizo de Hans von Aachen

Paul van Vianen , platero y artista holandés

Aegidius Sadeler – principalmente grabador

Wenzel Jamnitzer (1507/8–1585), su hijo Hans II y su nieto Christof, orfebres alemanes.

Joris Hoefnagel , especialmente para miniaturas de historia natural.

Roelant Savery , paisajes con animales y bodegones.

En los Países Bajos:

Herri met de Bles , (1510–1555/60), artista paisajista, anterior a los demás.

Karel van Mander , ahora más conocido como biógrafo de artistas neerlandeses.

Hendrik Goltzius (1558–1617) – el grabador más destacado de la época, y posteriormente pintor en un estilo menos manierista.

Cornelis van Haarlem (1562-1651)

Hubert Gerhard , holandés (c. 1540/1550-1620)

Joaquín Wtewael (1566–1638)

Jan Saenredam – principalmente grabador

Jacob de Gheyn II - principalmente grabador

Abraham Bloemaert (1566–1651), en la primera parte de su carrera

Hans Vredeman de Vries (1527–c. 1607), arquitecto, diseñador de ornamentos, que escribió sobre diseño de jardines.

Flamenco:

Denis Calvaert trabajó principalmente en Italia, en un estilo predominantemente italiano, al igual que

Paul y Matthijs Bril, principalmente pintando paisajes.

Marten de Vos , fundador del Gremio de Romanistas

Otto van Veen (1556–1629), pintor y dibujante activo en Amberes y Bruselas.

Alemán:

Hans von Aachen (1552–1615) – Alemán, temas mitológicos y retratos para Rodolfo II

Wenzel Jamnitzer (1507/8–1585), su hijo Hans II y su nieto Christof, orfebres alemanes.

Hans Rottenhammer (1564–1625), paisajista de Múnich, pasó varios años en Italia.

Wendel Dietterlin (c. 1550–1599), pintor alemán, conocido principalmente por su libro sobre decoración arquitectónica.

Bartholomeus Strobel (1591–c. 1550), retratista de la corte, también de escenas religiosas, en Silesia y luego en Polonia.

En otra parte:

Jacques Bellange (c. 1575–1616), pintor de la corte de Lorena, cuya obra solo se conserva en grabados .

• Renacimiento nórdico
• El humanismo renacentista en el norte de Europa
• Renacimiento en los Países Bajos
• El Renacimiento en Polonia

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• Museo Metropolitano, Cronología de la historia del arte de Praga durante el reinado de Rodolfo II (1583-1612)
• Armas, armaduras y bellas artes : un artículo de Peter Kren con información sobre la decoración manierista.
• Prints & People: A Social History of Printed Pictures , un catálogo de exposición del Museo Metropolitano de Arte (disponible en línea en formato PDF), que contiene material y ejemplos del manierismo nórdico.