Concierto pastoral

El concierto pastoral o Le Concert Champêtre es una pintura al óleo de c. 1509 atribuida al maestro renacentista italiano Tiziano . ^[1] Anteriormente se le atribuyó a su compatriota veneciano y contemporáneo Giorgione . Se encuentra en el Museo del Louvre en París . ^[2]

Esta pintura fue creada entre 1509 y 1510 aproximadamente; se desconoce la fecha exacta de su creación. ^[3] Este período también representa un período turbulento de la historia de Venecia, específicamente la Guerra de la Liga de Cambrai en 1509. ^[4] El historiador de arte Jonathan Unglaub sugiere que esta pintura fue pintada en respuesta a la guerra, proporcionando un "refugio idílico de los estragos de la historia". ^[4]

El término "Concert Champêtre" fue utilizado por primera vez en 1754 por Nicolas Bernard Lépicié para describir esta pintura. Pero cuando ingresó al Louvre en 1792 se le dio el título de Fête champêtre , un género posiblemente basado en esta pintura. Se cree que muestra la admiración renacentista por la poesía clásica, un valor esencial del humanismo. ^[5] Esta pintura también se considera el origen de un género de pinturas pastorales , debido a su conexión con la poesía pastoral, como se ve en los jóvenes reunidos en la exuberante y pintoresca vegetación de la campiña italiana. ^[5] El género del concierto pastoral o Fête Champêtre se describe como una reunión en un paisaje pintoresco. Por lo general, los jóvenes se reúnen en una búsqueda creativa, sentados en la hierba del paisaje. Las pinturas en sí mismas son casi siempre alegorías o representaciones de personajes mitológicos. ^[2] Este es el género del siglo XVI; En el tipo de siglo XVIII liderado por los franceses, las mujeres son muy prominentes.

Esta pintura es un ejemplo de la escuela veneciana del arte renacentista italiano. Las pinturas de Venecia se caracterizan por tener esquemas de colores intensos que crean un "brillo cálido" y enfatizan el naturalismo por encima de todo. Las pinturas venecianas también tienen una especialidad en temas mitológicos y alegóricos. El uso único del color se conoce como colorito y se encontró con mayor frecuencia en la pintura veneciana. ^[6]

Se desconoce quién fue el mecenas de esta pintura. Isabella d'Este es una posible candidata a mecenas debido a una llamada escena de bagno que encargó para su hermano Alfonso I d'Este, duque de Ferrara . Aun así, se considera que la palabra bagno describe una pintura de Palma Vecchio , otro pintor veneciano activo durante el mismo período. ^[7]

El cuadro muestra a tres jóvenes tocando música en un jardín. Junto a ellos, una mujer de pie vierte agua de una palangana de mármol. Las mujeres están desnudas, salvo por sus ropajes, caídas sobre sus piernas; los dos hombres están vestidos con trajes venecianos contemporáneos del siglo XVI. En un vasto fondo pastoral, hay un pastor y un paisaje.

Como es habitual en las primeras pinturas venecianas, no hay dibujos claramente asociados con esta pintura, pero es posible que se hayan utilizado algunos dibujos de figuras como fuentes para figuras individuales. Probablemente procedan del círculo de Giorgione, al igual que el pintor. ^[8]

Se ha sugerido que la pintura puede ser un comentario sobre el paragone , el debate académico durante el Renacimiento que intentó determinar si la pintura o la escultura eran la forma de arte superior. ^{[9] [10]} Venecia fue uno de los epicentros artísticos del paragone entre los conceptos disegno y colorito , siendo este último un sello distintivo del arte veneciano. ^[10] Se propone que esta pintura podría ser un argumento artístico, que muestra cómo la pintura y las técnicas del colorito son superiores al disegno, que era común en el arte florentino . Algunos de los artistas de colorito más conocidos del Renacimiento veneciano incluyen a Giorgione , Tiziano , Giovanni Bellini y Jacopo Bellini . ^[10]

Se cree que la pintura es un paisaje pastoral en la campiña italiana. Los documentos históricos no indican ni describen explícitamente dónde se desarrolla exactamente esta pintura. Sin embargo, como proviene de Venecia, existe una gran posibilidad de que se trate de la campiña veneciana. ^[4] La especialidad principal de la pintura veneciana son las pinturas de paisajes, específicamente paisajes idílicos como Locus amoenus que presentan sujetos en la campiña veneciana. Esta pintura muestra una pradera con un paisaje que tiene amplias pendientes que descienden hasta una fuente de agua. Entremezclado con este paisaje idílico con edificios que coinciden con el estilo típico de pueblo/villa de la ciudad-estado de Venecia del siglo XVI. ^[11]

Christiane Joost-Gaugier sugiere que el paisaje de la pintura era un escenario ficticio inspirado en las Églogas de Virgilio , específicamente los números tres y ocho . ^[11] Los detalles del paisaje de la pintura sugieren este epílogo en particular porque la aparición del pastor con gaitas alude a una posible escena que representa un concurso de canto de Teócrito de una de las Odas de Horacio o las Églogas de Virgilio (3,7). ^[11]

El tema era quizás una alegoría de la poesía y la música; las dos mujeres podrían ser una aparición imaginaria que representa la belleza ideal, surgida de la fantasía y la inspiración de los dos hombres. La mujer con el jarrón de cristal sería la musa de la poesía trágica, mientras que la otra sería la poesía pastoral. De los dos hombres que tocan, el que tiene el laúd representaría la poesía lírica exaltada, siendo el otro un letrista común, según la distinción de Aristóteles en su Poética . Otra interpretación sugiere que la pintura evoca los cuatro elementos del mundo natural (agua, fuego, tierra y aire) y su relación armónica. ^[12]

Otra teoría es que el tema de esta pintura es una interpretación alegórica del poema de Teócrito sobre Dafnis , un pastor considerado el fundador de la poesía pastoral. ^[7] Philipp Fehl hace referencia a este poema en su teoría sobre la identidad de las mujeres en las pinturas. ^[13] Teócrito describe Arcadia como la tierra de la que proviene el dios griego Pan . Arcadia fue imaginada como un "paraíso" por Jacopo Sannazaro en su poema pastoral del siglo XV Arcadia, popular en Venecia y las ciudades-estado circundantes. Se sugiere que las ninfas crean Arcadia a su alrededor, haciendo de Arcadia un estado espiritual de existencia que uno establece. ^[2] Philipp Fehl también propone que esta pintura simboliza Orlando Furioso de Ludovico Ariosto , un poema épico extremadamente popular a principios del siglo XVI. Uno de los mecenas más famosos de Ariosto fue Hipólito d'Este y su hermana mayor, Isabella d'Este, la posible mecenas de esta pintura. ^[13]

La teoría de Julia Marianne Koos sugiere que la pintura es una alegoría del discurso del amor. En el Renacimiento italiano, se creía que la naturaleza era un "espejo del alma del amante y un lugar idílico de refugio". ^[9] Se cree que la alegoría de esta pintura específica sobre el discurso del amor se originó a partir de la reflexión poética de Pietro Bembo sobre el deseo, como su poema Los Asolani . El concepto de "deseo" representado en el arte fue un acalorado debate en el siglo XVI, como se ve en escritos como el Trattato della pittura de Leonardo da Vinci . ^[9]

El historiador de arte Ross Kilpatrick sugiere que dos textos literarios antiguos, las Epístolas de Horacio y la Elegía de Propercio , fueron las piezas de inspiración significativas detrás de esta pintura. ^[11]

En 1957, Phillipp Fehl propuso una teoría importante sobre la identidad de las mujeres en la pintura: postulaba que las mujeres eran ninfas , diosas griegas menores de la antigüedad, y no humanas. Fehl estipula que las ninfas han sido atraídas fuera del bosque hacia la música que están creando los hombres en la pastoral. Fehl también sostiene que estas mujeres ninfas son invisibles para los hombres en la pintura, pero son visibles para nosotros, los espectadores. ^[13] Según Fehl, la obra poética más cercana que coincide con esta pintura es El sueño de una noche de verano de William Shakespeare (obviamente, completamente desconocida para Tiziano, ya que fue escrita mucho más tarde). Utiliza este pasaje de El sueño de una noche de verano para apoyar su teoría de que las ninfas son invisibles a los ojos humanos:

- Pero ¿quién viene aquí? Soy invisible y escucharé su conversación.

El uso de ninfas de la mitología griega antigua es común en las pinturas renacentistas italianas debido al profundo aprecio por la antigüedad de Grecia y Roma, un aspecto común del humanismo renacentista . ^[13]

Holberton acepta que son ninfas del bosque atraídas por la belleza de la música, pero cree que son visibles para los hombres. ^[14]

Elhanian Motzkin identifica la figura femenina desnuda de la izquierda como Inspiración y la de la derecha como Euterpe , la musa griega de la música. Además de identificar las figuras femeninas, Motzkin también propuso la identidad de los hombres. Partiendo de las teorías originales de Phillipp Fehl, Motzkin identifica a los hombres como Apolo y Paris , con Apolo enseñando a Paris a tocar el laúd. ^[11] También postula que el pastor anteriormente no identificado en el fondo de la extrema derecha es el padre adoptivo de Paris. Este último lo crió después de ser abandonado por sus padres Príamo y Hécuba . ^[4]

Hay múltiples cuestiones inciertas en esta pintura, la más destacada es la inclusión de la figura femenina a la izquierda vertiendo agua de una jarra transparente en un pozo. Ross Kilpatrick teorizó que, si bien se desconoce la identidad de la mujer de la izquierda, la inspiración del artista puede derivar de las Epístolas de Horacio , que lo ubican en la cuenca del Manantial Bandusiano, un cuerpo de agua místico que también aparece en la obra de Propercio. El concepto de un "manantial místico" se presenta en las Epístolas , haciendo referencia a la musa griega Calíope . La ciudad de la Villa Sabina incluida en las Epístolas 2.2 de Horacio tiene un manantial de agua dulce del que Calíope recoge agua. En el poema de Horacio, la ciudad misma tiene una fuente con la inscripción: "Manantial Bandusiano, más brillante que el cristal". Kirkpatrick sugiere que esta podría ser la inspiración para la inclusión de la figura vertiendo agua. ^[11]

La atribución de esta pintura ha sido objeto de debate durante mucho tiempo. Anteriormente se creía que el artista había sido Giorgione. Un análisis posterior de la pintura sugirió que Tiziano, inicialmente un seguidor de Giorgione, fue su creador. No hay documentación que demuestre la atribución. Christiane Joost Gaugier sugirió que Giorgione comenzó la pintura, pero murió en 1511 antes de terminarla. Cree que Tiziano, el protegido de Giorgione , completó la pintura en honor a su mentor fallecido. Gaugier afirma que el laudista de rojo a la izquierda simboliza a un Giorgione joven que está en medio de enseñarle a tocar el laúd al hombre rústico, un hombre que se entiende que es un joven Tiziano. Gaugier entiende esta pintura como una alegoría de la relación de mentor-protegido que compartían los dos artistas. ^[11]

La pintura también ha sido atribuida a Palma el Viejo , Sebastiano del Piombo , Domenico Mancini y Giovanni Bellini . ^{[15] [2]} Estas teorías, sin embargo, no son tan comunes como la atribución a Tiziano o Giorgione debido a la falta de evidencia histórica y esfuerzos de restauración. La teoría de la atribución a Domenico Mancini ha ganado terreno a medida que se han analizado la evidencia contextual y los documentos históricos. ^[2]

El Concierto pastoral se atribuyó a Giorgione hasta el siglo XX, principalmente porque el propio Giorgione estaba incluido en las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos de Giorgio Vasari . Si bien no se lo nombra explícitamente en el libro, se infiere este pasaje: "un músico que tocaba el laúd para músicos y disfrutaba continuamente de los placeres del amor". Este pasaje se refiere al artista porque la descripción coincidía muy de cerca con el tema de esta pintura. Una obra que se sabe que fue pintada por Giorgione, La tempestad , se menciona en el Concierto pastoral a través del uso de medias de colores que usan los sujetos masculinos, un símbolo de la Compagnie della Calza , una orden patricia de élite de hombres jóvenes. ^[7]

La pintura fue inicialmente atribuida a Giorgione, pero los críticos modernos la consideran más probable como obra del joven Tiziano. La robustez de las figuras se considera más típica de su estilo. ^[16] La pintura de Tiziano Los Adrianos es utilizada por Phillip Fehl para mostrar el uso de detalles simbólicos por parte de Tiziano para atribuir esta pintura a Tiziano. Alfonso I de Este, duque de Ferrara, encargó Los Andrios , hermano de Isabel de Este. La conexión de Tiziano con el mecenazgo de la familia de la Casa de Este se considera una prueba de que Tiziano fue el creador de esta pintura. ^[13]

La pintura en sí se acerca más al estilo artístico de Tiziano debido al uso que hace el artista de detalles minuciosos simbólicos y cuerpos rubenianos en el género de la pintura veneciana. ^[2]

Una teoría postulada por Charles Hope , y respaldada por Holberton, ^[17] sugiere que el autor de la pintura es Domenico Mancini , un pintor contemporáneo y seguidor de Giorgione y Tiziano. El retablo de la catedral de Lendinara de Mancini es estilísticamente similar al Concierto pastoral , así como su Virgen con los santos Francisco y Roque . La última pintura está fechada en 1511, muy cerca de la línea de tiempo de finalización de esta pintura. Como observó Hope, el Concierto pastoral en sí no ha sido limpiado. Es imposible decir si la pintura podría ser de Mancini sin una restauración adecuada. ^[2] Como artista, Mancini era conocido por tomar prestados elementos e imitar el estilo de ciertos maestros italianos. Su pintura Virgen con los santos Francisco y Roque toma señales significativas del Retablo de San Zaccaria de Giovanni Bellini . ^[2]

La pintura no parece haber sido muy conocida hasta el siglo XVIII. ^[18] La familia Gonzaga, los señores de Mantua , una ciudad-estado italiana, poseían la obra . La pintura fue vendida más tarde a Carlos I de Inglaterra alrededor de 1627, posiblemente adquirida a través de Henry Fitzalan, duodécimo conde de Arundel , un amigo cercano y cortesano en la corte de Carlos I. ^{[19] [3]} Cuando las colecciones reales inglesas se dispersaron después de la revolución de 1649, la pintura fue vendida en subasta por la Mancomunidad de Inglaterra al banquero y coleccionista de arte alemán, Eberhard Jabach . Él, a su vez, se lo vendió a Jean-Baptiste Colbert en nombre de Luis XIV en 1671. ^{[20] [7]} La ​​pintura fue posteriormente propiedad en 1736 de Françoise-Athénaïs de Rochechouart, hijo de la marquesa de Montespan, duque de Antin y su colección en el Palacio de Versalles . ^{[ aclaración necesaria ]} Después de 1792, la pintura fue transferida de la colección de arte real francesa al Museo del Louvre durante la Revolución Francesa . Permanece en su colección hasta el día de hoy. ^{[7] [3]}

Había copias de esta pintura ampliamente disponibles, principalmente en Holanda, y con frecuencia se encontraban reproducciones en el Mercado de Arte Holandés en Ámsterdam . ^[3]

El artista holandés Jan de Bisschop copió el Concierto pastoral para un grabado como parte de su práctica tradicional de copiar el arte de los maestros del Renacimiento italiano. ^{[3] También se dice que} Eugène Delacroix hizo una copia de esta pintura después de verla en el Louvre en 1824. La copia se ha perdido, pero se rumorea que la obra veneciana fue una de las inspiraciones para su pintura, Mujeres de Argel . ^[3] Otros artistas de los que se rumorea que copiaron el Concierto pastoral incluyen a Edgar Degas y Henri Fantin-Latour . ^[3] Édouard Manet concibió su Le déjeuner sur l'herbe después de ver la obra anterior en el Louvre. ^[12]

Dante Gabriel Rossetti escribió un poema titulado Pastoral veneciana de Giorgione en el Louvre , que fue escrito explícitamente sobre esta pintura. Su poesía fue creada para mover al lector de manera triangular a través del lienzo, saltando de un tema a otro. Este soneto específico fue incluido en sus Poemas en 1870. ^[21]

Las tres figuras sentadas en la pintura fueron cortadas y pegadas en la funda del álbum Secret Messages de Electric Light Orchestra de 1983 .

• Lista de obras de Tiziano
• 100 grandes cuadros , serie de la BBC de 1980

• Austern, Linda Phyllis (2002). Música, sensación y sensualidad . Taylor & Francis Group. pp. 30–31. ISBN 9780815334217 . 
• Holberton, Paul (1993). "La pastoral o fiesta campestre a principios del siglo XVI". National Gallery of Art: 244–262, JSTOR
• Kessel, Elsje van (2017). Las vidas de las pinturas: presencia, agencia y semejanza en el arte veneciano del siglo XVI . De Gruyter, Inc. pp.75–76 ISBN 9783110485899 . 
• Nichols, Tom (2013). Tiziano: y el fin del Renacimiento veneciano. Reaktion Books, Limited. pp.30–31. ISBN 9781780231860 . 
• Phillips, señor Claude (2008). Tiziano . Parkstone Internacional. págs.49–52. ISBN 9781844844364 . 
• Wilde, Johannes (1974). El arte veneciano desde Bellini hasta Tiziano . Oxford: Clarendon Press. pp. 116–119 ISBN 9780198173274 . 
• François, Aline. «El concierto pastoral». Louvre . Consultado el 4 de octubre de 2020.
• Camara., Dra. Esperanca. "Tiziano, Concierto Pastoral". Academia Khan .
• "Concierto pastoral de Tiziano – ItalianRenaissance.org". www.italianrenaissance.org . Consultado el 4 de octubre de 2020.