Cuadro viviente

Un tableau vivant ( del francés: [ tablo vivɑ̃ ] ; a menudo abreviado como tableau ; pl. tableaux vivants ; en francés , « cuadro viviente » ) es una escena estática que contiene uno o más actores o modelos. Estos permanecen inmóviles y en silencio, generalmente disfrazados, cuidadosamente posados, con utilería y/o escenografía , y pueden estar iluminados teatralmente . De este modo, combina aspectos del teatro y las artes visuales .

Eran una forma popular medieval que resurgió considerablemente a partir del siglo XIX, probablemente porque se prestaban muy bien para ser documentadas mediante la fotografía . Los participantes eran en su mayoría aficionados, que practicaban una forma rápida y sencilla de teatro amateur que se podía organizar en una sola noche y que requería poca habilidad para actuar o hablar. También eran populares en diversos eventos comunitarios y desfiles.

A finales del siglo XIX y principios del XX, también existía un tipo de cuadro escénico utilizado en el teatro profesional, aprovechando la mayor permisividad que la ley ^{[ 1 ]} permitía para la exhibición de desnudez siempre y cuando los actores no se movieran. Los cuadros escénicos presentaban poses plásticas («poses flexibles») de modelos prácticamente desnudos, proporcionando una forma de entretenimiento erótico , tanto en el escenario como en la imprenta.

Los cuadros vivientes perduran hasta nuestros días en forma de estatuas vivientes , artistas callejeros que actúan posando disfrazados. Otro ejemplo actual de cuadros vivientes son los belenes en vivo . En el cine o el teatro, los intérpretes a veces se quedan inmóviles brevemente para lograr un efecto de cuadro viviente .

En la Edad Media, ocasionalmente una misa se intercalaba con breves escenas dramáticas y cuadros pictóricos . Eran un elemento importante de las festividades de bodas reales, coronaciones y entradas reales en las ciudades. A menudo, los actores imitaban estatuas o pinturas, al estilo de los artistas callejeros modernos, pero en grupos más grandes y montados en elaborados pedestales temporales a lo largo del recorrido de la procesión principal. ^{[ 2 ]} Johan Huizinga , en El otoño de la Edad Media , describe el uso y el diseño de los cuadros vivientes en la Baja Edad Media . Muchas pinturas y esculturas probablemente recrean cuadros vivientes, con los que los historiadores del arte a veces explican grupos de figuras bastante estáticas. Los artistas solían ser los diseñadores de este tipo de espectáculos públicos.

La historia de las artes visuales occidentales, en general, hasta la era moderna, se centró en la presentación simbólica y organizada, y (aparte del retrato personal directo) dependió en gran medida de modelos estáticos vestidos con trajes, que pueden considerarse cuadros vivientes a pequeña escala con el artista como público temporal. El movimiento realista , con representaciones más naturalistas , no surgió hasta mediados del siglo XIX, como reacción directa al Romanticismo y su fuerte dependencia del formato estilizado del cuadro .

La invención de la fotografía provocó un resurgimiento de este género. Inicialmente, la fotografía era costosa y floreció en las fiestas campestres inglesas de la alta sociedad. La reina Victoria fue una de las primeras en adoptarlo (aunque ella misma participaba como espectadora). A mediados de la década de 1850, los actores eran sus hijos, quienes representaron cuadros para el 14.º aniversario de bodas de sus padres en 1854. Para la década de 1890, los escenarios se habían vuelto muy elaborados, como cuando su tercer hijo , el príncipe Arturo, duque de Connaught y Strathearn , su esposa y sus tres hijos posaron para una escena japonesa en 1891. ^{[ 3 ]}

Se hicieron populares para eventos comunitarios y festivales, y muy a menudo se utilizaba a niños, que podían desfilar antes de colocarse en una escena para el público y la cámara.

Antes de la radio , el cine y la televisión , los cuadros vivientes eran formas populares de entretenimiento, incluso en los pueblos fronterizos estadounidenses. ^{[ 4 ]} Antes de la era de la reproducción en color de imágenes, el cuadro viviente se utilizaba a veces para recrear obras de arte en el escenario, basándose en un grabado o boceto de una pintura. Esto podía hacerse como una iniciativa amateur en un salón, o como una serie de cuadros vivientes producidos más profesionalmente y presentados en un escenario teatral, uno tras otro, generalmente para contar una historia sin requerir todos los elementos y la producción habituales de una representación teatral completa. De este modo, influyeron en la forma que adoptaron los espectáculos de linterna mágica de la época victoriana y eduardiana , y quizás también en las tiras cómicas narrativas secuenciales (que aparecieron por primera vez en su forma moderna a finales de la década de 1890).

En Inglaterra, durante la época victoriana, las representaciones de cuadros vivientes se realizaban con frecuencia como parte de las obras de teatro navideñas escolares; esta costumbre aún se conserva en Loughborough High School (considerada una de las escuelas de gramática femeninas más antiguas de Inglaterra). Cada año se representan varios cuadros vivientes durante el servicio de villancicos de la escuela, incluyendo la representación de un grabado en grisalla (en el que los personajes están pintados y vestidos completamente de gris).

También se representaban cuadros para eventos benéficos. La edición de febrero de 1917 de la revista estadounidense Harper's Bazaar informó, con numerosas fotografías, sobre dos eventos en Londres donde damas de la alta sociedad posaron, principalmente como retratos. Un evento se centró en pinturas de James McNeill Whistler y John Singer Sargent , retratadas por damas nacidas en Estados Unidos y residentes en Londres. El otro incluyó a Violet Trefusis y Lady Diana Cooper . ^{[ 5 ]}

Debido a una peculiaridad de la ley inglesa, la desnudez en el escenario no estaba permitida a menos que los artistas permanecieran inmóviles mientras el telón estaba abierto; la situación en lugares de Estados Unidos solía ser similar. En los primeros años del siglo XX, los artistas aprovecharon esta excepción para escenificar "representaciones plásticas", como a veces se las llamaba, centradas en la desnudez. La artista más persistente en esta línea fue la bailarina alemana Olga Desmond , quien comenzó en Londres y luego presentó Evenings of Beauty ( Schönheitsabende ) en Alemania, en las que posaba desnuda imitando obras de arte clásicas reales o imaginarias ("cuadros vivientes"). ^{[ 6 ]} La tradición inglesa de entretenimiento atrevido continuó hasta que la ley inglesa cambió en la década de 1960.

En el siglo XIX, los cuadros vivientes adoptaron títulos como "Ninfas bañándose" y "Diana la cazadora" y se representaban en lugares como el Hall of Rome en Great Windmill Street , Londres. Otros lugares eran el Coal Hole en Strand y el Cider Cellar en Maiden Lane . Las poses plásticas de desnudos y semidesnudos también eran frecuentes en los espectáculos de variedades en Estados Unidos: primero en Broadway, en la ciudad de Nueva York , y luego en otras partes del país. Las Ziegfeld Follies presentaron este tipo de cuadros desde 1917. El Windmill Theatre de Londres (1932-1964) presentó poses plásticas de desnudos en escena; fue el primer lugar, y durante muchos años el único, donde se representaron en el Londres del siglo XX. ^{[ 1 ]}

Los tableaux vivants se incluían a menudo en las atracciones secundarias de las ferias (como se ve en la película de 1961 A Taste of Honey ). Estos espectáculos prácticamente desaparecieron en la década de 1970, pero aún se presentan en el Carnaval de Bridgewater en Somerset . ^{[ 7 ]} Los tableaux siguen siendo una importante atracción en el Pageant of the Masters anualen Laguna Beach, California . ^{[ 8 ]}

Jean-François Chevrier fue el primero en usar el término tableau en relación con una forma de fotografía artística, que comenzó en las décadas de 1970 y 1980 en un ensayo titulado "Las aventuras de la forma pictórica en la historia de la fotografía" en 1989. ^{[ 9 ]} La traducción inicial de este texto sustituye la palabra inglesa picture por la palabra francesa tableau . Sin embargo, Michael Fried conserva el término francés cuando se refiere al ensayo de Chevrier, porque según Fried (2008), no hay una traducción directa al inglés para tableau en este sentido. Si bien picture es similar, "... carece de las connotaciones de construcción, de ser el producto de un acto intelectual que conlleva la palabra francesa." (p.  146) ^{[ 10 ]} Otros textos ^{[ 11 ] [ 12 ]} y la teoría de la especificidad del medio de Clement Greenberg también abordan este tema.

Las características clave del cuadro fotográfico contemporáneo según Chevrier son, en primer lugar:

Están diseñadas y producidas para la pared, evocando una experiencia de confrontación por parte del espectador que contrasta marcadamente con los procesos habituales de apropiación y proyección mediante los cuales las imágenes fotográficas normalmente se reciben y "consumen" (p.  116) ^{[ 9 ].}

Con esto, Chevrier señala que la escala y el tamaño son obviamente importantes para que las imágenes "contengan la pared". Pero el tamaño tiene otra función: distancia al espectador del objeto, obligándolo a alejarse de la imagen para apreciarla por completo. Esta experiencia "confrontativa", señala Fried, ^{[ 10 ]} representa una ruptura considerable con la recepción convencional de la fotografía, que hasta entonces solía consumirse en libros o revistas.

El cuadro fotográfico no tiene sus raíces en el tableau vivant teatral , sino en la fotografía pictorialista , como la de Alfred Stieglitz , un movimiento con raíces en el esteticismo , que ya hacía un uso extensivo del cuadro como estilo de arte visual no teatral. El pictorialismo, según Jeff Wall ^{[ 12 ],} podría considerarse un intento de los fotógrafos por imitar la pintura (quizás sin éxito):

La fotografía pictorialista quedó deslumbrada por el espectáculo de la pintura occidental e intentó, hasta cierto punto, imitarla en actos de composición pura. Al carecer de los medios para hacer que la superficie de sus imágenes fuera impredecible e importante, la primera fase del pictorialismo, la fase de Stieglitz, emuló las bellas artes gráficas, reinventó la estética, estableció estándares de magnificencia en la composición y se desvaneció. (p.  75) ^{[ 12 ]}

Sin embargo, la fotografía sí tenía la capacidad de volverse impredecible y espontánea. Esto se lograba al tomar fotografías aprovechando las capacidades inherentes de la cámara. Y esto, según Wall, ^{[ 12 ]} fue un resultado directo del fotoperiodismo , los medios de comunicación y la cultura popular .

Al despojarse de las cargas y ventajas heredadas de formas artísticas más antiguas, el reportaje, o el aspecto espontáneo y fugaz de la imagen fotográfica, impulsa el descubrimiento de cualidades aparentemente intrínsecas al medio, cualidades que necesariamente deben distinguirlo de otros y a través de cuyo autoexamen puede emerger como un arte modernista en igualdad de condiciones con otros. (pp.  76–78) ^{[ 12 ]}

El argumento es que, a diferencia de la mayoría de las demás formas de arte, la fotografía puede beneficiarse de la captura de sucesos fortuitos. Mediante este proceso —la instantánea, la imagen «accidental»— la fotografía inventa su propio concepto de imagen: una forma híbrida de la «imagen occidental» (fotografía pictorialista) y la instantánea espontánea. Esta es la etapa en la que Wall ^{[ 12 ]} argumenta que la fotografía entra en una «dialéctica modernista». Wall afirma que la imprevisibilidad es clave para la estética moderna. Este nuevo concepto de imagen, que propone Wall, con los aspectos compositivos de la imagen occidental combinados con la imprevisibilidad que la cámara ofrece a través de su obturador, puede verse en la obra de muchos artistas fotográficos contemporáneos, incluidos Luc Delahaye , Andreas Gursky , Thomas Struth , Irene Caesar y Philip-Lorca diCorcia .

El cuadro como forma aún domina el mercado de la fotografía artística. Como señala Fried: «Posiblemente el desarrollo más decisivo en el auge de la nueva fotografía artística ha sido la aparición, a partir de finales de la década de 1970 y con mayor impulso en la década de 1980 y posteriormente, de lo que el crítico francés Jean-François Chevrier ha denominado la “ forma del cuadro ” (p.  143). ^{[ 10 ]}

Sin embargo, parece que solo hay un puñado de artistas jóvenes y emergentes que trabajan con la forma del tableau . Algunos ejemplos son Florian Maier Aichen , Matthew Porter y Peter Funch . Más recientemente, la artista canadiense Sylvia Grace Borda ha trabajado desde 2013 para seguir creando tableaux para la cámara dentro del motor de Google Street View . ^{[ 13 ] [ 14 ]} Su obra crea imágenes inmersivas de tableau vivant de 360° para que el espectador las explore. Gracias a sus esfuerzos por ser pionera en el tableau vivant para la exploración en línea, ella y su colaborador, John M. Lynch, ganaron el Premio Lumen 2016 de Artes Web. ^{[ 15 ]}

En la película La ricotta de Pier Paolo Pasolini , de 1963 , un cineasta intenta que los actores representen dos pinturas de la Pasión de Jesús, de Jacopo Pontormo y Rosso Fiorentino .

La película de 1969, El color de las granadas , dirigida por Sergei Parajanov, presenta una biografía libre del poeta armenio Sayat Nova en una serie de cuadros vivientes de trajes armenios, bordados y rituales religiosos que representan escenas y versos de la vida del poeta.

La película Passion (1982) de Jean-Luc Godard trata sobre la realización de una ambiciosa película de arte que utiliza recreaciones de pinturas clásicas europeas como cuadros vivientes , ambientadas con música clásica europea. Las pinturas incluyen La ronda de noche de Rembrandt ; El parasol , El 3 de mayo de 1808 , La maja desnuda , Carlos IV de España y su familia de Goya ; La bañista de Valpinçon , El baño turco de Ingres ; La entrada de los cruzados en Constantinopla , Jacob luchando con el ángel de Delacroix ; La asunción de la virgen de El Greco ; El embarque hacia Citera de Watteau .

A lo largo de la película Caravaggio , de Derek Jarman , muchas de las pinturas de Caravaggio se recrean en forma de cuadro viviente para explorar su relación con su vida.

La película de 1991, My Own Private Idaho, presenta sus escenas de sexo utilizando este efecto.

En la novela de Edith Wharton de 1905, La casa de la alegría, y en la película homónima de 2000 , ambas ambientadas en la década de 1890, la protagonista, la socialité Lily Bart ( Gillian Anderson ), participa en un cuadro viviente.

La película de 2005, Mrs Henderson Presents, está basada en una historia real del Windmill Theatre de Londres, que presentaba cuadros vivientes durante la Segunda Guerra Mundial.

La película de 2013 A Field in England ^{[ 17 ]} utiliza el efecto para contribuir al aspecto oculto general de la película.

Existe un largometraje estonio de 2014 producido completamente en formato de cuadro titulado En el viento cruzado . ^{[ 18 ]}

• Diorama
• Recreación histórica
• Historia viva
• Estatua viviente
• Desafío del maniquí
• La Pasión de Oberammergau . Esta representación de la Pasión se lleva a cabo cada diez años en Oberammergau , Alemania. Incluye varias escenas con pasajes del Antiguo Testamento .

• Ramos, J. y Pouy, L. (2014). El cuadro vivo o la imagen interpretada . París: Mare & Martin/INHA.
• Greenberg, C. (2003) [1965]. "Pintura modernista". En Harrison, C; Wood, P (eds.). Arte en teoría 1900–2000 . Oxford: Blackwell Publishing.
• Kracauer, S. (1960). Teoría del cine: La redención de la realidad física . Princeton, Nueva Jersey: Princeton University Press.
• Lugon, Olivier (mayo de 2010). «Antes de la Forma Tableau: Grandes Formatos Fotográficos en la Exposición Signos de Vida, 1976» [ Avant la «forme tableau» ] . Estudios fotográficos (25). Traducido por Franck Le Gac.

• Pasatiempos caseros; o Cuadros vivientes en el Proyecto Gutenberg (texto de 1860 que describe cómo producir cuadros vivientes)
• Colección Kate Matthews (La colección fotográfica incluye 83 ejemplos de tableaux vivants)