Rashida Bumbray

La pieza coreografiada de Rashida Bumbray, Run Mary Run, se presentó en colaboración con Dance Diaspora Collective en la Bienal de Whitney como parte de BLEED de Jason Moran y Alicia Hall Moran en mayo de 2012. También se presentó nuevamente en Queensbridge Park como parte de las presentaciones gratuitas al aire libre de City Parks Foundation en julio de 2015. La pieza hace referencia a formas folclóricas afroamericanas como ring shouts y hoofing. ^{[ 6 ]} El ring shout es una tradición que se desarrolló durante la esclavitud en Estados Unidos como un intento de fusionar la espiritualidad africana con las sectas bautistas y metodistas del cristianismo que censuraban la danza africana y los rituales de tambores. En la danza, 12 bailarines se mueven en círculos en el sentido de las agujas del reloj con un ritmo constante, cantando patrones de llamada y respuesta a cánticos y frases pegadizas de una manera que casi disfraza los vestigios de las tradiciones africanas. ^{[ 6 ]}

Los bailarines en la pieza de Bumbray mostraron "variación en sus movimientos" y caminaron por el escenario como si estuvieran realizando sus rituales cotidianos en una "danza que pretende ser simplemente caminar: personas deambulando en un amplio círculo con un paso rítmico y pesado", ^{[ 7 ]} como lo describió el crítico de The New York Times, Brian Seibert. Seibert caracterizó a Bumbray como alguien con un "fuerte dominio del pasado y del pasado en el presente". ^{[ 7 ]} El crítico de The New York Times , Ben Ratlif, describió la actuación como "movimiento, música y memoria, entrelazados" en su reseña de 2012. ^{[ 2 ]}

La obra curatorial invitada de Rashida Bumbray, titulada Funk, Dios, Jazz y Medicina: Black Radical Brooklyn , fue organizada por Creative Time y Weeksville Heritage Center como una exposición de arte transitable de un mes de duración. La exposición se inauguró en Weeksville , una comunidad de Brooklyn establecida por ciudadanos negros libres y anteriormente esclavizados 11 años después de la abolición en el estado de Nueva York. ^{[ 8 ]} La muestra exhibió el trabajo de cuatro artistas que, a través de sus instalaciones, interactuaron con las comunidades dentro y alrededor del Weeksville Heritage Center. ^{[ 9 ]} Las instalaciones se centraron en Funk de Xenobia Bailey , Medicina de Simone Leigh , Jazz de Otabenga Jones & Associates y Dios de Bradford Young . El trabajo se inspiró en historias sobre cómo se puede lograr la autodeterminación a través de la reivindicación y posesión de un vecindario, pero también en batallas locales radicales por la tierra y la dignidad desde la década de 1960 hasta la actualidad. ^{[ 10 ]} La exposición exploró las implicaciones de la gentrificación , específicamente en el barrio de Crown Heights en Brooklyn, que recibió un aumento del 25,2% en la tasa de alquiler en 2014. Cada instalación de la exposición se ubicó en lugares del barrio, significativos para la autodeterminación, la expresión y la construcción del mundo de la comunidad negra radical. ^{[ 9 ]} Los lugares reflejaban una historia de cómo el linaje institucional de Weeksville ha atravesado lo que Jonathan Tarleton describe en su artículo Black Radical Weeksville como "desafíos de la preservación histórica , las presiones de la especulación inmobiliaria, las complejidades del arte y la cultura como catalizadores comunitarios, y las esperanzas y temores que rodean la dinámica cambiante del barrio". ^{[ 11 ]} El enfoque de la exposición en la participación local tenía como objetivo celebrar el barrio y sus miembros existentes en lugar de usar el arte como una forma de atraer al público en general hacia una comunidad, haciéndola así deseable para nuevos residentes, en lugar de abordar las realidades contemporáneas. ^{[ 9 ]}