Rodney Carswell

Rodney Carswell (nacido en 1946) es un artista abstracto estadounidense . Se dio a conocer por sus pinturas geométricas a escala humana que presentan estructuras de soporte expuestas y proyectadas, creando una interacción entre la presencia escultórica y las superficies pictóricas ricamente pintadas. ^{[ 1 ] [ 2 ]} Sus pinturas recientes prescinden de las superestructuras y evocan una mayor sensación de inmediatez, juego y narrativa. ^{[ 3 ]} Los críticos suelen describir la obra de Carswell como inquietante, esquiva o peculiar, por su tendencia a negociar espacios "intermedios" y abrazar contradicciones como el orden y la inestabilidad, la intención y el accidente, o el pasado y el frente. ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]} Empleando lienzos de forma irregular, soportes gruesos y aberturas o agujeros que revelan la construcción del bastidor y las paredes detrás de ellos, obras como 3 (en 4) (1994) a menudo ocupan un lugar entre la pintura y la escultura. ^{[ 7 ] [ 1 ] [ 8 ]} De manera similar, Carswell utiliza los lenguajes modernistas del Minimalismo , el Suprematismo y el Constructivismo , pero elude esas categorías con alusiones posmodernas a la arquitectura, el cuerpo y la iconografía espiritual, y con sus superficies orientadas al proceso y "hechas a mano". ^{[ 4 ] [ 5 ] [ 9 ]} En su ensayo para la retrospectiva de mitad de carrera de Carswell en la Renaissance Society de Chicago , el crítico del Los Angeles Times, David Pagel, sugirió que sus pinturas sobrias se abrían paso en la conciencia de uno de una "manera flexible, algo inquietante" que logra un cambio sutil pero persistente en la percepción. ^{[ 4 ]}

Carswell ha sido presentado en exposiciones individuales adicionales en el Museo de Arte de la Universidad de Oklahoma y el Museo de Arte de la Universidad de Miami, así como en importantes retrospectivas en la Galería de Arte Albright-Knox , la Galería de Arte Corcoran y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MCA). ^{[ 10 ] [ 1 ]} Su trabajo ha sido ampliamente cubierto en revistas de arte ^{[ 11 ]} como Artforum , ^{[ 12 ]} Art in America , ^{[ 13 ]} ARTnews , ^{[ 14 ]} y el New Art Examiner , ^{[ 15 ]} y publicaciones importantes como el New York Times y el Chicago Tribune . ^{[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ] [ 19 ]} Ha sido reconocido con becas de las fundaciones John S. Guggenheim y Louis Comfort Tiffany y el Fondo Nacional para las Artes . ^{[ 10 ]} Además de su práctica artística, Carswell ha enseñado y dado conferencias sobre arte y abrió y dirigió un restaurante exitoso en Chicago.

Rodney Carswell nació en Carmel, California, en 1946 y se crió en Santa Fe, Nuevo México . Tras completar sus estudios de bachillerato en el Instituto Militar de Nuevo México en Roswell, estudió arte en la Universidad de Nuevo México (UNM) con los profesores John Pearson, Van Deren Coke y Garo Antresian, obteniendo una licenciatura en Bellas Artes en 1968. Después de graduarse, Carswell se casó con Renee Dubois, viajó por Europa y luego se matriculó en el programa de maestría en Bellas Artes de la Universidad de Colorado Boulder , donde trabajó con los profesores George Woodman y Roland Reiss , y recibió una maestría en 1972. ^{[ 10 ]}

Después de sus estudios de posgrado, Carswell comenzó a enseñar en la Universidad Estatal de Illinois (1972–1980) y a exponer en todo el Medio Oeste. ^{[ 1 ]} Fue seleccionado para la prestigiosa exposición "Chicago y alrededores" del Instituto de Arte de Chicago en 1973 y posteriormente fue contratado por la Galería Roy Boyd. ^{[ 20 ]} En 1980, los Carswell se mudaron a la ciudad de Nueva York, donde trabajaron en varios empleos manuales y Renee dio a luz a su hija, Calida, en 1983. ^{[ 21 ]} Más tarde ese año, regresaron al Medio Oeste cuando él consiguió un puesto en la Universidad de Illinois en Chicago , donde enseñaría arte y desempeñaría varias funciones administrativas, hasta su jubilación en 2007.

Durante este período, Carswell expuso con regularidad en galerías como Roy Boyd (Chicago y Los Ángeles), Linda Durham (Nuevo México), Feigen, Thomas McCormick y Devening Projects (las tres en Chicago). ^{[ 22 ]} Su obra se presentó en museos de todo Estados Unidos, incluyendo estas importantes exposiciones: la 44.ª Bienal de la Galería Corcoran, «Pintura fuera de la pintura» (1995); el MCA Chicago, «Arte en Chicago 1945-95» (1996); y el Museo Terra , «Superficies: Dos décadas de pintura en Chicago» (1987). ^{[ 23 ]}

En 1998, los Carswell abrieron un restaurante de inspiración latina en su antiguo estudio, llamado Flo, que regentaron hasta finales de 2011, cuando Carswell regresó a sus raíces en Nuevo México. ^{[ 21 ]} Fue artista residente en el Programa de Artistas en Residencia de Roswell (2011-12), antes de volver a Santa Fe, donde actualmente vive y trabaja. ^{[ 3 ]}

Surgiendo en gran medida en un período en el que se creía comúnmente que "la pintura estaba muerta", ^{[ 24 ] [ 7 ]} el conjunto de la obra de Carswell ha sido considerado notable por su "creencia inquebrantable en el arte como un acto de escrutinio y contemplación individual", ^{[ 13 ]} "notable coherencia de propósito", ^{[ 4 ]} y "búsqueda incansable de variación sutil". ^{[ 25 ]}

Carswell ha dicho que la "abstracción reductiva" ha sido parte integral de su trabajo desde su formación artística a finales de la década de 1960, cuando minimalistas icónicos como Frank Stella , Donald Judd y Robert Ryman estaban en su apogeo. ^{[ 22 ] [ 26 ]} En última instancia, sintió una mayor afinidad con artistas identificados como posminimalistas , como Eva Hesse , Jackie Winsor , Nancy Graves y Joel Shapiro , prefiriendo sus estilos idiosincrásicos de abstracción y su compromiso con el cuerpo, lo artesanal y el proceso por encima de la aceptación del minimalismo de la no referencialidad y lo mecánico. ^{[ 27 ] [ 28 ]} En entrevistas, Carswell ha dicho que estaba "tratando de hacer más evidente el elemento humano" ^{[ 29 ]} y haciendo "visible la forma en que un artista —yo mismo, en este caso— se ha comportado con el objeto. La idea es que tanto la naturaleza del material como el acto realizado sobre el material sean evidentes en el objeto resultante". ^{[ 2 ]}

En sus primeros trabajos, esto a menudo tomaba la forma de lo que algunos críticos llamaron "construcciones irreverentes", ^{[ 1 ]} como Martha (1977): campos pintados de lienzo sin tensar que Carswell cortaba en formas geométricas similares a velas y fijaba directamente a las paredes. ^{[ 2 ] [ 6 ]} Aunque abstractas, estas obras estaban concebidas por su escala y posición cerca del suelo para sugerir una presencia figurativa o "eco" del espectador. ^{[ 30 ]} Carswell también abordaba las pinturas como objetos, en términos de sus formas poco convencionales y su presencia delgada y minimalista sin bastidores. A finales de la década de 1970, influenciado por el trabajo de Ron Gorchov , decidió explorar este tema de una manera más sólida, lo que condujo a un avance en su obra. ^{[ 6 ]}

Trabajo maduro

Carswell comenzó a construir armazones de soporte visibles que sobresalían en el espacio tridimensional, dando a pinturas como St. Tropez (1978) una presencia escultórica imponente. ^{[ 31 ] [ 9 ]} En Nueva York, continuó desarrollando estas estructuras al mismo tiempo que cambiaba a una aplicación de superficie más gruesa, acumulada y raspada de pintura al óleo y cera ( encáustica ). ^{[ 6 ] [ 4 ]} A finales de la década de 1980, logró su estilo maduro en obras como Cruz en blanco y negro rodeada de rojo (1988), empleando un léxico austero de formas emblemáticas (cruces, semicírculos, cuadrados, rectángulos), soportes expuestos gruesos, planos entrelazados y lienzos con formas o ensamblados, que pintó en colores vivos y no modulados con superficies ricas y en capas. ^{[ 6 ] [ 32 ] [ 8 ]} Su experimentación formal incluiría aberturas o agujeros geométricos que perforaban los lienzos —“diagramando” pinturas al revelar su construcción y relación con las paredes detrás de ellas como lo hizo en Dos grises y naranja alrededor de un rectángulo vacío (1988) ^{[ 7 ] [ 33 ]} —o mostrando tanto el reverso como el anverso de paneles pintados, como en 3 (5) paneles, presentados e invertidos (1993). ^{[ 8 ]} Carswell describió estas obras como “objetos pictóricos integrados [...] a la vez físicos y lógicos, efímeros y fenomenales”. ^{[ 32 ]}

Críticos como Judith Russi Kirshner han comentado frecuentemente sobre esta sensación de espacios intermedios y paradojas en la obra de Carswell de este período, por ejemplo, llamándola "un equilibrio ambiguo entre objeto e imagen", o en el caso de la curadora Terrie Sultan , identificando una "llamada y respuesta" entre efectos pictóricos accidentales y estrategias compositivas geométricas deliberadas. ^{[ 9 ] [ 7 ]} Otros señalaron la tensión entre la impactante gestalt unitaria de la geometría icónica y las superficies seductoras, casi decorativas. ^{[ 6 ] [ 4 ] [ 5 ]} James Yood de Artforum sugirió que las "secuencias irónicas de dislocación sutil" de Carswell distorsionaban su lenguaje abstracto geométrico lo suficiente como para mantener sus composiciones "tensas y expectantes". ^{[ 34 ]} David Pagel concluyó que las configuraciones de Carswell, "aleatorio-desequilibrado y rigurosamente geométrico", eran profundamente resistentes a la explicación racional, denominándolas "organizaciones compactas que desafían la lógica pero tienen sentido". ^{[ 4 ]}

El crítico Craig Adcock atribuyó una sensación de "contingencia e irresolución" en la obra de Carswell a su recombinación posmodernista de vocabularios suprematistas y constructivistas, que permitía alusiones complejas a cuestiones corporales y arquitectónicas familiares, así como a referencias de la historia del arte, como el Hombre de Vitruvio de Da Vinci . Identificó en la obra "una búsqueda de esencias" que consideró tanto matemática como alegórica. ^{[ 5 ]} Buzz Spector señaló alusiones a "las geometrías espirituales" de los iconos o los retablos del suroeste americano nativo de Carswell, creando un "diálogo entre espiritualidad y pragmatismo" que parecía buscar significado al tiempo que demostraba un escepticismo formal —pero no irónico— hacia las utopías modernistas y la espiritualidad tradicional. ^{[ 6 ] [ 8 ]}

En sus pinturas posteriores a 2002, Carswell ha buscado una mayor sensación de inmediatez, dejando atrás las superestructuras y la escala de obras anteriores y adoptando un enfoque especulativo y exploratorio para "incorporar más sorpresa y juego imaginativo". ^{[ 26 ]} Aunque todavía abstracta, la imagen y la representación se han vuelto más evidentes, y obras como Jan 19 (09) (2009) se han vuelto menos geométricas y más expresivas en términos de gesto, modulación y color. Los elementos compositivos y los detalles de la superficie —líneas de lápiz bajo capas transparentes de pintura, marcas abandonadas o bordes de planos de color que asoman— funcionan como términos en el lenguaje, cohesionándose con una sintaxis única para sugerir problemas, soluciones subjetivas e idiosincrásicas, o narrativas que revelan la mano y la mente de Carswell en acción. ^{[ 3 ] [ 26 ]} Más recientemente, Carswell ha estado creando litografías y obras de mayor tamaño en gouache y tinta china sobre papel en una línea similar. ^{[ 35 ]}

Carswell impartió clases durante más de treinta años, comenzando en 1972 como profesor asistente en la Universidad Estatal de Illinois (ISU) en Normal, Illinois. Trabajó allí junto a colegas como Ken Holder, Harold Gregor y Ron Jackson, obteniendo la titularidad en 1979, antes de irse al año siguiente a la ciudad de Nueva York. Después del nacimiento de su hija Calida, en 1983, Carswell regresó a la docencia en la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Illinois en Chicago (UIC). En la UIC, se unió a un ambicioso profesorado de artes plásticas que incluía a Martin Puryear , Charles Wilson, Julia Fish , Tony Tasset y Phyllis Bramson . ^{[ 1 ]} Además de desempeñarse como Profesor Asistente (1983–90), Profesor Asociado (1990–6) y Profesor (1996–2007), fue Director de Estudios de Posgrado de la escuela (1994–6) y Director Interino (1996, 1997–9). Carswell se jubiló como profesor emérito de la UIC en 2007.

Carswell proviene de la familia que abrió el conocido restaurante The Shed en Santa Fe en 1953. ^{[ 36 ]} En 1998, él y su esposa Renee abrieron un restaurante de inspiración latina en su antiguo estudio en West Chicago Avenue llamado Flo, siendo pioneros en el barrio desatendido y en desarrollo de Noble Square, justo al noroeste del centro de Chicago. ^{[ 37 ]} El restaurante era conocido por su menú ecléctico, su diversa comunidad intelectual y su notable arte. ^{[ 21 ] [ 37 ]} Dirigieron el restaurante, que ha permanecido abierto desde entonces, hasta finales de 2011, cuando Carswell regresó a su natal Nuevo México.

Carswell ha sido reconocida con becas de la Fundación John S. Guggenheim ( 1989 ), la Fundación Louis Comfort Tiffany (1993), ^{[ 38 ]} el Fondo Nacional para las Artes (1991), Arts Midwest/Fondo Nacional para las Artes (1998) y el Consejo de las Artes de Illinois (1985), así como con premios del Instituto de Arte de Chicago (Premio Viehler, 1973; y Premio Pauline Palmer, 1990) ^{[ 39 ]} y una beca de residencia artística de Roswell.

Su obra ha sido adquirida por numerosas colecciones de arte privadas y colecciones públicas, incluidas las del: Instituto de Arte de Chicago, ^{[ 40 ]} Galería de Arte Albright-Knox, ^{[ 41 ]} Fundación John D. y Catherine T. MacArthur , Museo y Centro de Arte Roswell , Museo de Arte Fred Jones Jr. (Universidad de Oklahoma), Museo de Arte Allen Memorial ( Oberlin College ), ^{[ 42 ]} Museo Estatal de Illinois , Museo de Arte de la Universidad de Nuevo México , Museo de Arte de la Universidad de Miami , Museo de Artes, Historia y Ciencia de Evansville , Centro de Arte de Arkansas , ^{[ 43 ]} Museo de Arte de la Universidad de Virginia Occidental, Museo de Arte Mulvane y Museo de Arte DePaul. ^{[ 44 ]}

• "Rodney Carswell: Obras seleccionadas 1975-1993", retrospectiva de mitad de carrera, The Renaissance Society.
• Rodney Carswell, Programa de Artistas en Residencia de Roswell , 2011-2
• Sitio web de Rodney Carswell , Galería McCormick, Chicago.
• "Rodney Carswell sobre los pintores y la pintura", entrevista del Chicago Tribune con David McCracken, 1988.
• "Perfil del artista Rodney Carswell", The Art Founders Project , 2012.