Sharon Gold

A partir de 1974, Gold comenzó a trabajar con pinturas monocromáticas compuestas con «capas gruesas de pintura oscura, casi negra, texturizadas con espátula, para ocultar zonas de color primario (en las pinturas) y color tierra (en los dibujos). El impacto del gestualismo es tal que devalúa la vibrante latencia del color (que, sin embargo, se intuye)». ^{[ 15 ]} Gold desarrolla vastas capas de transparencia ilusionista y opacidad pictórica, pero su manejo sistemático de la pintura desafía cada uno de estos modos pictóricos convencionales. Las bandas cruciformes evidentes en estas pinturas están determinadas por elecciones pictóricas sistemáticas presentes en las capas subyacentes de Gold que permanecen expuestas en la obra final.

El lenguaje pictórico de Gold se convierte en una superficie impregnada de fenomenología que encarna la semiótica estructuralista incrustada en el color y las formas pintadas. Donald Kuspit crea una comparación entre Gold y sus colegas que trabajan con el formalismo existencial: "Las pinturas de Sharon Gold son una parte significativa de esta subjetivación, ya que hacen un avance en la tensión sin postular un avance en el expresionismo, sin pasar al expresionismo exagerado que parece ser propuesto tanto por el arte corporal como por el arte ambiental . Al permanecer con el cuerpo de la pintura en sí, frena sus tendencias expresionistas sin descargarlas, de modo que, a pesar de toda su visibilidad, funcionan subliminalmente en lugar de directamente. Esto se confirma por el hecho de que su superficie visible, como dice Masheck, subsume una superficie invisible, aunque sentida y vislumbrada, de color, que un sentido de posibilidad colorística impactada emerge a través de la realidad de la superficie. La actividad percibida de la superficie se vuelve problemática y abre el camino a una profundidad de significado concebible, aunque no especificable, que permanece apropiadamente en las profundidades físicas, así como psíquicas." ^{[ 16 ]}

En 1979, Gold rompió con el proceso monocromático para crear pinturas que permitieron, en primer lugar, la composición intuitiva del espacio y, posteriormente, la creación de trazos pictóricos. De este modo, su actitud de «reticencia al color, desconfianza hacia el poder del color o los nombres de los colores» ^{[ 17 ]} fue reemplazada por el juego del proceso pictórico. Con la eliminación de la superficie monocromática, las formas geométricas se convierten en protagonistas de las pinturas, que Gold realizó «de acuerdo con mi sentido de la intuición y la razón» ^{[ 18 ]} . Stephen Westfall explica en una reseña de Arts Magazine que «las principales diferencias entre la obra de Gold de entonces y la de ahora son que dibuja más dentro de los límites de sus planos entrelazados, hay movimiento en los planos mismos (no están tan confinados al rectángulo del lienzo, aunque permanezcan paralelos a él) y hay una gama cromática más amplia. Sus trazos solían ser, como ella misma escribió, "una consecuencia de aplicar pintura sobre una superficie"». Se han convertido en gestos líricos que resuenan con el paisaje natural y la figura." ^{[ 19 ]} Estas pinturas se convirtieron en un paso transformador hacia una forma inclusiva de creación de marcas que se puede ver en la trayectoria de Gold no solo hacia la abstracción pictórica, sino también hacia la introducción de una pintura representacional descaradamente ilusionista en obras posteriores.

Tras su etapa de abstracción geométrica, Gold comenzó a trabajar en obras aún más intuitivas que incorporaban rasgos biomórficos que aludían a paisajes figurativos. La referencialidad orgánica de estas piezas representa un paso más en la evolución de Gold, que pasa de un trabajo basado en el proceso a una práctica intuitiva. Estas pinturas conservan la materialidad y la atención a la superficie presentes en sus obras anteriores, tanto monocromáticas como geométricas, al tiempo que adoptan la ilusión de la naturaleza como tema. En 1986, Stephen Westfall describió la transformación que Gold experimentó al pintar esta nueva serie: "La desaparición de la geometría de las pinturas de Gold sería un desarrollo bastante sorprendente, considerando el poco tiempo transcurrido entre su última exposición y la obra que actualmente se exhibe en la Galería Pam Adler, y también en comparación con el ritmo de cambio en su obra durante la última década. Pero lo asombroso es cuán descriptivas son realmente las nuevas pinturas, no solo las formas representadas, sino también sus brillantes pasajes de luz. Pinta con el pincel, casi manchando en algunas áreas, en transparencias relucientes que alcanzan una luminosidad propia de los antiguos maestros a medida que se acumulan. Las formas que pinta ahora recuerdan al agua, las esporas, los soles, las formas espirituales y las montañas. La iconografía evoca a Dove, Hartley y O'Keeffe, pero la materialidad de la pintura de Gold, su humedad y fluidez, es mucho más evidente. El énfasis en el material y la mayor escala de sus cuadros son un claro reflejo de las actitudes fomentadas por el expresionismo abstracto. En cierto sentido, forjan un vínculo perdido entre estos dos grandes periodos de la pintura estadounidense del siglo XX. Resulta irónico que tal puente de estilos solo pueda lograrse en retrospectiva, y doblemente irónico que su diálogo con el pasado sea lo que hace que la pintura de Gold sea completamente contemporánea. El sentido de determinismo estético en el núcleo del Modernismo presuponía un avance que se alejaba del pasado. A medida que progresaba, algo se agrió en la actitud modernista. La exuberancia del descubrimiento se endureció hasta convertirse en un desdén por la reflexión, por no hablar de la metafísica. Las ideas se tomaban y se descartaban sin exploración, en la prisa por llegar a la siguiente. Descartadas, pero no invalidadas; el Modernismo mismo puede haber sido la última gran idea lineal en la cultura occidental. Artistas y otros intelectuales han estado adoptando una visión mucho más fragmentada y simultánea de la historia y la cultura. Gold se vale del pasado, pero a diferencia de muchos artistas que trabajan ahora, lo hace sin ironía (incluso ha reprimido su impulso de hacer juegos de palabras terribles en sus títulos). ^{[ 20 ]}

En 1987, Gold recurrió al uso del óvalo como recurso metonímico para representar el retrato. Estas obras, aunque aparentemente abstractas y geométricas, se convierten en diálogos profundamente personales donde el óvalo sustituye a los retratos, por ejemplo, en un árbol genealógico. Los óvalos adquieren personalidades vibrantes y articuladas, a menudo expresadas mediante colores y variaciones de tamaño, para desarrollar jerarquías familiares y conversacionales. Estas obras representan un punto de inflexión en la visión conceptual de Gold, un giro hacia un trabajo que aborda directamente cuestiones sociales desde una perspectiva íntima. De este modo, los elementos geométricos de esta serie se convierten en vehículos directos de significado, en lugar de ser utilizados para la exploración del formalismo existencial o la pintura intuitiva. Stephen Westfall analizó la serie de Gold en relación con su obra anterior y la clara evolución que Gold experimentó en esta serie: «En los últimos años, Sharon Gold ha pasado de su abstracción rigurosamente plana a una imaginería brillante más sugerente del paisaje y la interacción de los organismos. Sin embargo, su obra anterior es una de las mejores de su género y, además, en ella se pueden rastrear los orígenes de su iconografía actual... Por muy evocadoras que sean estas pinturas, nunca se alejan de la materialidad pragmática de la abstracción posminimalista más radical. Paradójicamente, es en su propia materialidad —en particular en las crestas ondulantes de la imprimación— donde se puede discernir el origen de las formas orgánicas y extendidas que Gold ha explorado en el terreno líricamente asociado que explora hoy en día». ^{[ 21 ]}

La serie Self/Portraits combina la sensibilidad pictórica de Gold para la abstracción geométrica con la incursión de la pintura figurativa, un paso que rompe por completo con el formato existencialista y procesual que caracterizaba su obra. La metonimia del óvalo se mantiene a lo largo de la serie, pero queda eclipsada por la representación directa de sujetos corporales. El cuerpo, que en sus obras anteriores se significaba a través de la acción pictórica, pasa a ocupar un lugar central en estas piezas. Los Self/Portraits se convierten en espectros introspectivos que reflejan las pinturas monocromáticas de Gold en autoridad, si no en forma. Estas pinturas estaban vinculadas a la práctica simultánea de Gold como artista performativa y videoartista. En 1991, las pinturas se exhibieron en una exposición individual en la Galería Stephen Rosenberg de Nueva York. La muestra estuvo acompañada por la obra en video de Gold, A Video Tape 1990-1991.

La serie Seeing Subjects de Gold comenzó en 1994 como una representación figurativa de mujeres en el pasado, el presente y el futuro, y comenzó a invitar a interpretaciones abiertamente feministas. En particular, el uso que hace Gold del marco como soporte para texto grabado introduce títulos que influyen directamente en las interpretaciones de sus pinturas. Las pinturas de máscaras y gafas se convierten en lentes o perspectivas a través de las cuales las obras de Gold pueden entenderse en relación directa con sus títulos: SIR.CUM.SPECT, LIP SERVICE, WOMENS VIEWS, BLIND SIGHT, EYE-SPY, SAFETY GLASS, MASKED BALLS, MASK'R AID. Las obras aparecen como una cacofonía de perspectivas proyectadas sobre la relación madre-hija: protectora, amorosa, obsesiva y nostálgica.

«Una autobiografía ficticia» es la obra de Sharon Gold de 2006, un sitio web interactivo creado en colaboración con Letha Wilson. El sitio web intenta trasladar pinturas, impresiones digitales y fotografías del espacio físico de la galería al entorno virtual de internet. Múltiples narrativas superpuestas llenan el espacio autobiográfico con obras de arte que representan a mujeres en un estudio sociológico de diversas relaciones e interacciones que subvierten los roles tradicionalmente impuestos a las mujeres. Las obras comentan temas tanto contemporáneos como históricos y se relacionan, a menudo con humor o ironía, con frases cortas que funcionan como títulos. Estos títulos se presentan en la línea de tiempo como botones monocromáticos y opacos que ocultan las obras de Gold hasta que el usuario pasa el cursor sobre ellos. En una reseña de Cindy Stockton Moore, la obra se describe como «un contexto cronológico, en el que la obra de arte se vincula con las anteriores en forma de diagrama de flujo. Cada tipo de obra (pinturas pequeñas, pinturas grandes, siluetas) se reemplaza por un símbolo codificado por colores. Cuadrados azules, círculos naranjas y rombos verdes se convierten en significantes; etiquetados únicamente con un título, ocultan la imagen hasta que se selecciona. La relación entre texto, imagen y significado se vuelve intercambiable, lo que refleja el proceso creativo de Sharon Gold, de gran complejidad y profundidad, y su continua exploración de la semiótica visual». Moore continúa explicando el proceso de decodificación visual que está integrado en la obra conceptualmente densa de Gold en esta etapa de su carrera: "Signos y significantes, códigos y paradigmas: desentrañar el lenguaje de la semiótica puede ser un trabajo arduo. Por suerte, la exploración de Gold en la decodificación de imágenes revela ligereza. Muñecas antiguas se unen para asumir una identidad de género en Posse; el Panóptico de Foucault se renueva en In House y se transforma en un juguete infantil. En Pluperfect, se teje delicadamente una maraña de memoria histórica. El entramado de líneas que se intersecan puede leerse simultáneamente como una red de pesca, una telaraña o la espiral perfecta de Fibonacci. El título lúdico sugiere aún más variaciones sobre esta multitud de lecturas: una pluralidad de significado que la artista acoge con agrado. El intenso acto de codificar y recodificar información visualmente se glorifica no solo en el tema de las pinturas, sino también en la forma en que se nos permite interactuar con ellas. El sitio web de Sharon Gold presenta ideas como hipertexto, literalmente como palabras. Se vinculan imágenes y viceversa, y figurativamente, los conceptos se construyen unos sobre otros mediante una conexión mental activa. Estas conexiones personales, que dependen del procesador más humano (el espectador), son menos inmediatas que sus contrapartes tecnológicas. Pero, quizás, experimentar el arte —incluso en la web— no se trata de inmediatez. Al igual que sus predecesores atemporales, las pinturas de Una autobiografía ficticia invitan a la reflexión, requiriendo más que una simple mirada." ^{[ 22]}

La obra más reciente de Gold es su serie Reacción . Estos retratos adoptan una perspectiva fuertemente recortada y ampliada que obliga al espectador a adoptar una posición incómoda y urgente, con el objetivo de provocar respuestas emocionales. Este recurso compositivo actúa visualmente como si Gold gritara a través de un megáfono al público, un acto de advertencia y protesta. Gold representa rostros de risa y agonía históricamente situados en la era posterior al 11-S, marcada por constantes advertencias y catástrofes inminentes, una observación sobre la posición traumatizada y autorreflexiva del espectador en el discurso social contemporáneo. Las pinturas están realizadas con carboncillo sobre lino belga.

• 2007 Una autobiografía ficticia, exposición en línea, http://www.sharongold.com/
• 2001 Galería Robert Pardo, Nueva York, Nueva York
• 1991, 1989 y 1987, Galería Stephen Rosenberg, Nueva York, Nueva York
• 1986 85 Mercer Street, Nueva York, Nueva York
• 1986 Galería John Davis, Akron, Ohio
• 1986 Galería Pam Adler, Nueva York, Nueva York
• 1984 Galería Nina Freudenheim, Buffalo, Nueva York
• 1984 55 Mercer Street, Nueva York, Nueva York
• 1982 Galería Anderson, Universidad de la Commonwealth de Virginia , Richmond, Virginia
• 1981 Galería Susan Caldwell, Nueva York, Nueva York
• 1981 Galería Atholl McBean, Instituto de Arte de San Francisco , San Francisco, California
• 1981 Galería Michael Storrer, Zurich, Suiza
• 1978 Galería Bertha Urdang, Nueva York, Nueva York
• 1977 y 1976 OK Harris Gallery , Nueva York, Nueva York
• 1977 112 Greene Street, Nueva York, Nueva York
• 1971 Galería Judson, Iglesia Memorial Judson , Nueva York, Nueva York

• Sideshow Nation II 2014: En el Álamo, Sideshow Gallery, Brooklyn, Nueva York
• 2014 PAPERAZZI 3, Galería Janet Kurnatowski, Brooklyn, Nueva York
• 2012, 2011, 2010, 2009, 1994 Exposición de profesores, XL Projects, Universidad de Syracuse , Syracuse, Nueva York
• 2009 Dibujando al Otro: Obras sobre papel de profesores de SU y SUF (Exposición del 50.º aniversario), Universidad de Syracuse , Florencia, Italia
• 2007 Mujeres peligrosas dos, La galería, Mercer County Community College , West Windsor, Nueva Jersey
• 2005 ARTEFACT Galería Pardo, Zúrich, Suiza
• 2005 Para nunca olvidar: Rostros de los caídos, El Muro, Edificio de Arte Shaffer, Universidad de Syracuse , Syracuse, Nueva York
• 2005, 2004, 2002, 1999, 1996 Exposición del profesorado, Galería de Arte Lowe, Universidad de Syracuse , Syracuse, Nueva York
• 2004 ARTEFACT Galería Pardo, Nueva York, Nueva York
• 2004 Sujeto a uno mismo: Exposición colectiva de autorretratos, PLAYSPACE, California
• 2004 California College of the Arts , San Francisco, CA
• 2004 ARTEFACT Galería Pardo, Milán, Italia
• 2004 Primera subasta benéfica anual de arte en el centro, Michael Perez Gallery, Nueva York, Nueva York
• 2000 Mujeres, Arte y Cambio 2000, Galería Spark, Syracuse, NY
• 1999 Sin límites, Iglesia Judson Memorial , Nueva York
• 1999 Galería de Arte Edith Barrett, Facultad de Arte de la Universidad de Syracuse, Utica, Nueva York
• 1998 Subasta en vivo y silenciosa de obras de arte en miniatura, evento benéfico Prime Time House, Torrington, Connecticut
• 1998 Artistas eligen artistas, The Century Association , Nueva York, NY
• 1998 Artes Plásticas: El Proceso Creativo, Galería de Arte Lowe, Universidad de Syracuse , Syracuse, NY
• Exposición colectiva de 1994, Dietrich Contemporary Art, Nueva York
• Exposición inaugural de 1993, Galería de Arte Lowe, Universidad de Syracuse , Syracuse, NY
• Entrada=Arte, evento benéfico de la Organización para Artistas Independientes, Galería Brooke Alexander, Nueva York, 11 de octubre de 1993.
• Visita a estudios de artistas, Arte en general, evento benéfico en Nueva York, 16 de octubre de 1993.
• Exposición colectiva/evento benéfico de 1992, IRIS HOUSE: Centro para mujeres que viven con el VIH, NY, Fundación de Mujeres y Oficina del Presidente del Distrito de Manhattan
• Nuevas adquisiciones de 1991, Museo de Arte Everson , Syracuse, Nueva York.
• 1991 Exposición inaugural, ARTSTAR, Los Ángeles, CA
• 1991 Paper Trail, Galería Stephen Rosenberg, Nueva York, Nueva York
• 1990 La imagen de la pintura abstracta en los años 80, Museo de Arte Rose , Universidad de Brandeis , Waltham, Massachusetts, comisariada por Susan Stoops.
• 1990 Nueva obra, Stephen Rosenberg Gallery, Nueva York, Nueva York
• 1989. Pintura más allá de la muerte de la pintura, Sala de exposiciones Kuznetsky Most, Moscú, URSS, comisariada por Donald Kuspit.
• 1989 One Of A Kind: Obras únicas sobre papel, Galería GH Dalsheimer, Baltimore, MD
• 1989 Espacio, escala y estructura, Galería Ben Shahn, William Patterson College, Wayne, NJ
• 1988 Abstracción: La imagen central, exposición colectiva de cuatro artistas, Galería Stephen Rosenberg, Nueva York
• Exposición de verano de 1988, Galería GH Dalsheimer, Baltimore, MD
• 1988, 1987, 1984 Exposición del profesorado, Galería de Arte Joe y Emily Lowe, Universidad de Syracuse , Syracuse, NY
• 1987 Seis jóvenes desconocidos, Dia Art Foundation , Bridgehampton, NY, comisariada por Henry Geldzahler
• Exposición del 25.º aniversario del Museo de Arte Rose , Universidad de Brandeis , Waltham, Massachusetts, 1986.
• 1986 ¡Alerta Tribeca! Subasta de arte benéfica de Tribeca, Hal Bromm Gallery, Nueva York, Nueva York
• Sexta Exposición por Invitación de 1986, Galería John Davis, Akron, Ohio.
• 1986 Line Drives, Galería 53/Smithy Artworks, Cooperstown, NY
• 1986 Abstracción/Abstracción, Galería de Arte de la Universidad Carnegie Mellon , Pittsburgh, PA, comisariada por Elaine A. King, itinerante a la Galería Paul Klein, Chicago, Ill.
• 1986 Nuevas pinturas abstractas, Cork Gallery, Lincoln Center , Nueva York, comisariada por D. Fortenberry.
• 1986 Colección de Arte Contemporáneo Joseph Masheck, Museo de Arte Rose , Universidad de Brandeis , Waltham, Massachusetts
• 1985 Earsight: Sonido e imagen en las artes contemporáneas, Nexus Gallery, Filadelfia, Pensilvania, comisariada por Peter Frank , itinerante al Southern Alleghenies Museum of Art , Johnston Extension, Pensilvania.
• 1985 Quinta Exposición Anual, Galería John Davis, Akron, Ohio
• 1985 Diez artistas de la galería, Galería Nina Freudenheim, Buffalo, NY
• 1985 Exposición colectiva por invitación, Pam Adler Gallery, Nueva York, Nueva York
• 1985 Árbitros del Arte, Galería/53 Smithy Artworks, Cooperstown, NY
• 1985 Una década de artes visuales en Princeton: Profesorado 1975-1985, Museo de Arte, Universidad de Princeton , Princeton, NJ
• 1985 El mundo no objetivo-1985, Kamikaze, Nueva York, NY, comisariada por Stephen Westfall.
• Exposición colectiva de 1985, Museo de Arte de Akron , Akron, Ohio.
• 1985 Pintura 1985, Pam Adler Gallery, Nueva York, Nueva York.
• 1984 Obras pequeñas: Nueva pintura abstracta, Lafayette College y Muhlenberg College , Easton y Allentown, Pensilvania, comisariada por Ron Janowich y Thomas Hudspeth.
• 1984 La cuarta edición anual, Galería John Davis, Akron, Ohio
• 1984 Bases Loaded, Galería 53/Smithy Artworks, Cooperstown, NY
• 1984 First Underground Show, 456 Broome Street, NY, NY, comisariado por Thornton Willis.
• 1984 Dibujos: Nuevas dimensiones, Galería Nina Freudenheim, Buffalo, Nueva York
• 1983 Múltiples, Jack Tilton Gallery, Nueva York, Nueva York.
• Exposición de artistas invitados y profesores, Tyler School of Art , Temple University , Filadelfia, PA , 1983
• 1983 Pintura abstracta contemporánea, Centro de las Artes, Muhlenberg College , Allentown, Pensilvania, comisariada por Thomas Hudspeth.
• 1983 El arte del transporte rápido, Autoridad de Transporte de Niagara Frontier , Buffalo, NY
• 1983 New York Painting Today, Three Rivers Arts Festival, Pittsburgh, Pa., comisariada por Elaine A. King y Donald Kuspit.
• 1982 Perspectivas Críticas, MoMA PS1 , Instituto de Arte y Recursos Urbanos, Long Island City, NY, comisariada por Joseph Masheck.
• 1982 Quince artistas, Galería Pam Adler, Nueva York, NY, comisariada por Pam Adler y Jack Tilton.
• 1981 Drawing Invitational, Harm Bouchaert Gallery, Nueva York, Nueva York
• 1981 Obras sobre papel, Museo de Arte Moderno , Servicio de Préstamo de Arte, Nueva York, Nueva York
• Exposición colectiva de 1981, Instituto de Arte McNay, San Antonio, Texas.
• 1981 Donne en Arte-Viaggio a Nueva York, Galleria Arco d'Alibert, Roma Italia, viajando al Palazzo Ducale, Génova, Italia
• 1980 US Art '80, Galería Ericson, Nueva York, NY, comisariada por Vered Lieb.
• 1979 Small Is Beautiful, Freedman Gallery, Albright College , Reading, Pensilvania, itinerante a Center Gallery, Bucknell University , Lewisburg, Pensilvania, comisariada por Marilyn Zeitlin.
• 1979 Exposición colectiva, Susan Caldwell Gallery, Nueva York, Nueva York.
• 1978 Exposición colectiva, 112 Greene Street, Nueva York, Nueva York
• 1978 Exposición colectiva, Galería Bertha Urdang, NY, NY
• Exposición colectiva de 1978, Centro Kilcawley, Universidad Estatal de Youngstown , Youngstown, Ohio.
• 1977 Dibujos y grabados - Nueva York, Galería Rush Rhees, Universidad de Rochester , NY

Sharon Gold trabajó como miembro del profesorado en la Universidad de Princeton . También fue artista invitada y miembro del profesorado en el Instituto Pratt , la Universidad de Virginia Commonwealth , la Universidad de Texas en San Antonio , el Instituto de Arte de San Francisco y la Escuela de Arte Tyler .

Sharon Gold ha sido miembro del profesorado de la Universidad de Syracuse desde 1986. Es profesora asociada de pintura y ha influido en cientos de artistas durante su trayectoria académica, entre ellos William Powhida , Paul Weiner y Letha Wilson. ^{[ 24 ]} En Syracuse, ha desarrollado cursos de estudios críticos, como Decodificación de imágenes de representación y Prácticas profesionales en artes visuales. El curso Decodificación de imágenes de representación de Gold abarca una amplia gama de escritos sobre teoría crítica y modos de pensamiento que se aplican a la producción de imágenes. El curso es un foro para el método pedagógico de Gold, basado en el debate, a través del cual sus estudiantes aplican los conceptos que han leído a sus propias obras de arte y a las de sus compañeros en críticas contextualizadas. Decodificación de imágenes de representación se extiende desde el mundo de la cultura visual hasta los asuntos sociopolíticos y los estudios de poder relacionados con el género, la raza y los problemas contemporáneos. Gold también imparte una variedad de clases de pintura. ^{[ 25 ]}