La canción más genial de Sweet Sweetback

Durante la producción de Watermelon Man para Columbia Pictures , Van Peebles intentó reescribir el guion para transformarlo de una comedia que se burlaba de los liberales blancos en la primera película del movimiento Black Power . El guionista, Herman Raucher , quien había basado el guion en amigos suyos que expresaban sentimientos liberales pero aún mantenían creencias intolerantes, se opuso a los esfuerzos de Van Peebles porque consideraba que la película debía ser una parodia de la cultura liberal. ^{[ 7 ]} Finalmente, Raucher hizo uso de una cláusula de su contrato que le permitía novelizar su propio guion, impidiendo así que Peebles modificara la película de forma demasiado radical.

Después de que Watermelon Man demostrara ser un éxito financiero, a Van Peebles le ofrecieron un contrato para tres películas. Mientras el acuerdo aún estaba en el aire, Van Peebles, que seguía queriendo crear la primera película del movimiento Black Power, desarrolló la historia de Sweet Sweetback's Baadasssss Song . La idea inicial para la película no le resultó clara al principio. Un día, Van Peebles condujo hasta el desierto de Mojave , se desvió de la carretera y subió una colina. Estacionó el auto, se bajó y se puso en cuclillas mirando al sol. Decidió que la película iba a ser "sobre un hermano que se libra de la opresión del sistema". ^{[ 8 ] [ 9 ]}

Como ningún estudio quería financiar la película, Van Peebles invirtió su propio dinero en la producción y la rodó de forma independiente. Bill Cosby le prestó 50.000 dólares para completarla. Según Van Peebles, «Cosby no quería una participación en la empresa». «Solo quería recuperar su dinero». Van Peebles acabó siendo el único propietario de la película. Varios actores audicionaron para el papel principal de Sweetback, pero le dijeron a Van Peebles que no participarían a menos que les dieran más diálogos. Al final, Van Peebles interpretó el papel él mismo. ^{[ 9 ]}

Según Van Peebles, durante el primer día de rodaje, el director de fotografía y jefe de cámara, Bob Maxwell, le dijo que no podía mezclar dos tonos diferentes de luces de película mecánicas, porque creía que el resultado no se vería bien en la película. Van Peebles le dijo que lo hiciera de todos modos. Cuando vio las tomas , Maxwell se alegró muchísimo, y Van Peebles no volvió a tener ese problema durante el rodaje. Van Peebles rodó la película en un período relativamente corto de 19 días para reducir la posibilidad de que el reparto, la mayoría de los cuales eran aficionados, apareciera algunos días con cortes de pelo o ropa diferentes al día anterior. Rodó la película en lo que él denominó "bloques", donde filmaba secuencias completas a la vez. ^{[ 9 ] [ 10 ]}

Como Van Peebles no podía permitirse un doble de acción , realizó todas las acrobacias él mismo, incluyendo varias escenas de sexo sin simulación. En un momento del rodaje, Van Peebles se vio obligado a saltar de un puente. Bob Maxwell comentó más tarde: «Bueno, eso está genial, Mel, pero hagámoslo de nuevo». Van Peebles terminó realizando la acrobacia nueve veces. Van Peebles contrajo gonorrea durante el rodaje de una de las muchas escenas de sexo y solicitó con éxito una indemnización laboral al Sindicato de Directores por haberse lesionado en el trabajo. Van Peebles utilizó el dinero para comprar más película. ^{[ 9 ] [ 10 ]}

Van Peebles y varios miembros clave del equipo estaban armados porque era peligroso intentar hacer una película sin el apoyo del sindicato. Un día, Van Peebles buscó su arma y no la encontró. Descubrió que alguien la había guardado en la caja de utilería. Cuando filmaron la escena en la que Beetle es interrogado por la policía, que le dispara cerca de las orejas, se temió que se usara el arma real en lugar de la de utilería. ^{[ 9 ]}

Mientras filmaban una secuencia con miembros de los Hells Angels, uno de los motociclistas le dijo a Van Peebles que querían irse; Van Peebles respondió que les habían pagado para que se quedaran hasta que terminara la escena. El motociclista sacó un cuchillo y comenzó a limpiarse las uñas con él. En respuesta, Van Peebles chasqueó los dedos y sus compañeros de equipo aparecieron allí con rifles. Los motociclistas se quedaron para filmar la escena. ^{[ 9 ]}

Van Peebles había obtenido un permiso para prender fuego a un coche, pero lo hizo un viernes; por lo tanto, no hubo tiempo de tramitarlo antes de rodar la escena. Cuando se rodó la escena, apareció un camión de bomberos. Esto acabó en el montaje final de la película. ^{[ 9 ]}

Según Van Peebles, los perros muertos que se ven en las escenas finales de la película procedían de una sociedad protectora de animales : "Vaya, tuvimos suerte... Al principio, la sociedad ni siquiera pensó que podría ayudarnos... pero después de una pequeña donación, volvieron a mirar en su refrigerador, supongo, y encontraron casi exactamente lo que estábamos buscando..." ^{[ 11 ]}

Van Peebles afirmó que abordó la dirección de la película "como cuando uno está sin dinero y tiene hambre: echa todo lo comestible y espera salir victorioso con el condimento, es decir, editando". ^{[ 12 ]} Van Peebles declaró que "en cuanto a la historia, se me ocurrió una idea, ¿por qué no un enfoque directo? ... Para evitar meterme en un callejón sin salida y escribir algo que no pudiera filmar, hice una lista de los hechos dados en la situación e intenté tomar esos hechos y combinarlos en el escenario final". ^{[ 12 ]}

Van Peebles quería "una película victoriosa... donde los negros pudieran salir erguidos en lugar de evitar mirarse a los ojos, luciendo una vez más como si ya lo hubieran superado". Van Peebles era consciente de que las películas producidas por los grandes estudios parecerían más pulidas que las producciones independientes de bajo presupuesto, y estaba decidido a hacer una película que "[luciera] tan bien como cualquier cosa que pudiera producir uno de los grandes estudios". ^{[ 12 ]}

Van Peebles sabía que, para difundir su mensaje, la película «simplemente no podía ser un discurso didáctico que terminara proyectándose... en una sala vacía, salvo por diez o veinte hermanos conscientes que me felicitarían y dirían que dice las cosas como son», y que «para atraer a las masas tenemos que producir obras que no solo instruyan, sino que también entretengan». Van Peebles también quería hacer una película que «pudiera mantenerse como un producto comercial viable... [El Hombre] no va a ir por ahí transmitiendo mensajes, especialmente uno relevante, gratis». ^{[ 12 ]}

Van Peebles quería que la mitad de su equipo de rodaje estuviera formado por personas del tercer mundo . ... Así que, en el mejor de los casos, una cantidad asombrosa de mi equipo sería relativamente inexperta. ... No se debería intentar ningún tipo de película que requiera una enorme sofisticación técnica en la etapa de rodaje. Van Peebles sabía que conseguir financiación para la película no sería fácil y esperaba una gran animosidad por parte de los medios cinematográficos (blancos en primer lugar y de derecha en segundo) en todos los niveles de la producción cinematográfica, por lo que tenía que escribir un guion flexible donde se pudiera cambiar el énfasis. En resumen, ser flexible. ^{[ 12 ]}

Los montajes rápidos y los cortes abruptos de la película fueron características novedosas para una película estadounidense en ese momento. Stephen Holden, de The New York Times, comentó que la edición de la película tenía "una cualidad jazzística e improvisada, y la pantalla a menudo está surcada por efectos psicodélicos discordantes que ilustran la alienación de Sweetback". ^{[ 13 ]} En The 50 Most Influential Black Films: A Celebration of African-American Talent, Determination, and Creativity , el autor S. Torriano Berry escribe que los "extraños ángulos de cámara, las superposiciones, los efectos de clave inversa, los efectos de caja y matting, las tomas de enfoque selectivo, los zooms extremos, la animación stop-motion y step-printing, y la abundancia de trabajo de cámara temblorosa en mano, todo ello ayudó a expresar la pesadilla paranoica en la que se había convertido la vida de [Sweetback]". ^{[ 14 ]}

Como Van Peebles no tenía dinero para contratar a un compositor, compuso él mismo la banda sonora de la película. Dado que no sabía leer ni escribir música, numeró todas las teclas de un piano para poder recordar las melodías. ^{[ 9 ]} Van Peebles afirmó que «La mayoría de los cineastas ven un largometraje en términos de imagen e historia, o viceversa. Los efectos y la música [...] son ​​consideraciones estrictamente secundarias. Muy pocos ven el cine considerando el sonido como una tercera dimensión creativa. Por lo tanto, calculo el guion de tal manera que el sonido pueda usarse como parte integral de la película». ^{[ 12 ]}

La música de la película fue interpretada por el entonces desconocido grupo Earth, Wind & Fire , que vivía en un solo apartamento con muy poca comida. La secretaria de Van Peebles salía con uno de los miembros de la banda y lo convenció de contactarlos para que interpretaran la música de la película. Van Peebles proyectó escenas de la película mientras la banda tocaba la música. ^{[ 9 ]} Al alternar vocalizaciones basadas en himnos y ritmos de jazz , Van Peebles creó un sonido que anticipó el uso del sampleo en la música hip hop . ^{[ 15 ]}

Van Peebles recuerda que «en aquella época, la música no se utilizaba como herramienta de venta en las películas. Incluso en los musicales, pasaban tres meses después del estreno antes de que sacaran un álbum». Como Van Peebles no disponía de dinero para los métodos publicitarios tradicionales, decidió que, lanzando un álbum con la banda sonora antes del estreno de la película, podría contribuir a darla a conocer a través de su música. ^{[ 16 ]}

Después de que la película recibiera una calificación X de la Motion Picture Association of America , que inspiró el eslogan publicitario "Clasificada X por un jurado exclusivamente blanco ", ^{[ 21 ] [ a ]} ​​los distribuidores y exhibidores (incluido el teatro Music Hall en Boston ) ^{[ 23 ]} eliminaron nueve minutos. Van Peebles declaró: "Si el resto de la comunidad se somete a su censura, es asunto suyo, pero los estándares blancos ya no se impondrán a la comunidad negra". ^{[ 24 ]}

La película fue prohibida en Australia después de ser presentada a los censores del país en septiembre de 1971 (dos meses antes de que el sistema de clasificación del país se liberalizara con la introducción de la clasificación R) debido a la preocupación de que su contenido fuera violento e indecente. ^{[ 25 ]} En 1980, la película recibió una clasificación R precisamente un día antes de que se proyectara en Australia Meridional en el Festival Internacional de Cine de Adelaida . Sin embargo, ese mismo día, la película fue prohibida por el entonces Fiscal General de ese estado, Trevor Griffin , basándose en las escenas iniciales que presentaban a Mario Van Peebles, lo que consideró una violación de la disposición sobre pornografía infantil de la ley penal del estado. ^{[ 26 ]} La decisión de prohibir la película en el festival fue controvertida en el estado, lo que llevó a la renuncia de tres miembros del gabinete del festival y a la cancelación del festival mismo hasta que fue reactivado en 2003. ^{[ 27 ] [ 28 ] [ 29 ]} Nunca se ha vuelto a presentar a la censura australiana, pero se emitió en una de las cadenas de televisión del país, SBS , el 14 de octubre de 1992. ^{[ 30 ]}

La edición en DVD de la Región 2 de BFI Video modifica las secuencias sexuales iniciales. Un aviso al comienzo del DVD indica: "Para cumplir con la ley del Reino Unido ( Ley de Protección de la Infancia de 1978 ), se han censurado varias imágenes de la secuencia inicial de esta película". ^{[ 31 ]}

La respuesta de la crítica fue mixta. Kevin Thomas, del Los Angeles Times, describió la película como "una serie de viñetas crudas y terrosas, Van Peebles evoca la vitalidad, el humor, el dolor, la desesperación y el miedo omnipresente que es la vida para tantos afroamericanos". ^{[ 32 ]} Stephen Holden, del New York Times, la calificó como "una película innovadora, pero políticamente incendiaria". ^{[ 13 ]} El sitio web de cine Rotten Tomatoes , que recopila reseñas de una amplia gama de críticos, le da a la película una puntuación de 73% "Fresco" de 30 reseñas. ^{[ 33 ]} El final de la película fue impactante para los espectadores negros que esperaban que Sweetback pereciera a manos de la policía, un destino común, incluso inevitable, de los hombres negros "a la fuga" en películas anteriores. El crítico de cine Roger Ebert citó el final como una razón para que la película no fuera etiquetada como una película de explotación . ^{[ 6 ]}

El crítico del New York Times, Clayton Riley, valoró positivamente la película, destacando su innovación estética, pero afirmó sobre el personaje de Sweetback que «es el sexista por excelencia, en cuyos ojos aparentemente vacíos y boca inexpresiva están escritos los protocolos del colonialismo doméstico estadounidense ». En otra reseña, Riley explicó que «Sweetback, el atleta sexual y fugitivo profano, se basa en una realidad negra. Puede que no queramos que exista, pero existe». El crítico Donald Bogle afirma en una entrevista con el New York Times que la película, en cierto modo, satisfizo las necesidades compensatorias del público negro tras años de personajes asexuales al estilo de Sidney Poitier , y que deseaban un «héroe negro viable, sexual, asertivo y arrogante». ^{[ 34 ]}

En un compendio sobre la colección de cine y medios del Museo de Arte Moderno, el curador Steven Higgins describe el lugar de la película en la historia: "Desde Oscar Micheaux, ningún cineasta afroamericano había tomado un control tan completo del proceso creativo, produciendo una obra tan profundamente conectada con su propia realidad personal y cultural que no se sorprendió cuando la crítica blanca manifestó su desconcierto... [la película] depende menos de su historia de un supergalán que huye de la policía que de su desinterés en hacer referencia a la cultura blanca y de su comprensión radicalmente nueva de cómo el estilo y el contenido se influyen mutuamente". ^{[ 35 ]}

La respuesta de Nicky Baxter de Metroactive es mixta: " Sweet Sweetback presentó al tipo más grande y malo de la [era blaxploitation]. Con sus defectos y todo, la película es quizás la analogía más cercana a los objetivos progresistas del entonces floreciente movimiento de las Artes Negras. De hecho, se puede argumentar que, debido a que fue escrita, producida y dirigida por un africano nacido en Estados Unidos fuera de Hollywood, la película no es realmente parte del género blaxploitation, pero no se puede negar que comparte ciertas similitudes temáticas. La película funciona mejor cuando sigue la odisea de Sweetback de chico guapo a conciencia protonacionalista. A diferencia del integracionismo al estilo de Horatio Alger propagado en películas anteriores sobre negros, aquí vemos a un forajido entre forajidos, alimentado por una comunidad segregada de la corriente principal. Es en esta comunidad marginada —y no en las estériles oficinas de la NAACP— donde busca y encuentra refugio. Los sórdidos encuentros sexuales, las falsas fantasías en el desierto son, finalmente, menos interesantes que La búsqueda de Sweetback por la autorrealización." ^{[ 36 ]}

Huey P. Newton , dedicando un número completo de The Black Panther a las implicaciones revolucionarias de la película, ^{[ 8 ] [ 34 ]} celebró y acogió la película como "la primera película negra verdaderamente revolucionaria [...] presentada por un hombre negro". ^{[ 37 ]} Newton escribió que Sweetback "presenta la necesidad de unidad entre todos los miembros e instituciones dentro de la comunidad de víctimas", sosteniendo que esto se evidencia en los créditos iniciales que afirman que la película está protagonizada por "La Comunidad Negra", un protagonista colectivo involucrado en varios actos de solidaridad comunitaria que ayudan a Sweetback a escapar. Newton argumentó además que "la película demuestra la importancia de la unidad y el amor entre hombres y mujeres negros", como se demuestra "en la escena donde la mujer hace el amor con el joven, pero de hecho lo bautiza en su verdadera hombría". ^{[ 37 ]} Esta es, de hecho, la escena de violación mencionada en el resumen de la trama anterior. La película se convirtió en visionado obligatorio para los miembros del Partido Pantera Negra. ^{[ 38 ]}

Unos meses después de la publicación del artículo de Newton, el historiador Lerone Bennett Jr. respondió con un ensayo sobre la película en Ebony , titulado "El orgasmo de la emancipación: Sweetback en el país de las maravillas", en el que analizaba la "estética negra" del filme. Bennett argumentó que la película romantizaba la pobreza y la miseria del gueto y que "algunos hombres identifican tontamente la estética negra con estómagos vacíos y prostitutas de grandes nalgas". Bennett concluyó que la película "no es ni revolucionaria ni negra porque presenta al espectador fantasías estériles y un superhéroe ahistórico, egoísta e individualista, sin programa revolucionario, que actúa por pánico y desesperación". Bennett describió la iniciación sexual de Sweetback a los diez años como la "violación de un niño por una prostituta de 40 años". ^{[ 39 ]}

Bennett describió los momentos en que Sweetback se salvó gracias a su destreza sexual como "orgasmos de emancipación" y afirmó que "es necesario decir con franqueza que nadie jamás se abrió camino a la libertad a base de sexo. Y es malicioso y reaccionario que alguien sugiera a los negros en 1971 que van a poder cruzar el Mar Rojo a base de sexo. El sexo no te hará libre. Si el sexo hubiera liberado, los negros habrían celebrado el milenio hace 400 años". ^{[ 39 ]} El poeta y autor Haki R. Madhubuti (entonces conocido como Don L. Lee) coincidió con la valoración de Bennett sobre la película, afirmando que era "una fantasía autobiográfica limitada y lucrativa de la odisea de un tal Melvin Van Peebles a través de lo que él consideraba la comunidad negra". ^{[ 40 ]}

• Van Peebles, Melvin (1996). Cómo se hizo la canción Baadasssss de Sweet Sweetback . Edimburgo: Payback Press. ISBN 978-0-86241-653-9.