monumentos de iglesias inglesas

Los primeros monumentos funerarios cristianos ingleses aparecieron durante los siglos VII y VIII, aunque se conservan pocos ejemplos de este periodo. La mayoría eran lápidas exteriores, si bien existen indicios de que algunas se colocaban dentro de las iglesias. Antes del siglo X, surgieron los característicos monumentos con forma de lomo de cerdo , especialmente en el norte de Inglaterra, donde se habían asentado los escandinavos. Estos monumentos, que se asemejan a las casas vikingas alargadas , probablemente conmemoraban entierros individuales y presentaban elementos decorativos como patrones geométricos, diseños entrelazados y representaciones de tejas. Algunos ejemplos incluían bestias talladas en los extremos, como osos amordazados.

Las sencillas lápidas con cruces talladas se popularizaron a partir del siglo X, y su producción continuó durante varios siglos. A mediados del siglo XI, aumentó la demanda de entierros dentro de los templos en lugar de en cementerios externos. Esta práctica, inicialmente rechazada por las autoridades eclesiásticas, se hizo cada vez más popular debido a la presión de las familias de la élite que buscaban lugares de sepultura privilegiados y a la creencia de que la proximidad al altar favorecería la intercesión espiritual.

La creciente popularidad de los entierros de alto estatus en iglesias propició la creación de monumentos conmemorativos más elaborados durante los siglos XII y XIII. La talla decorativa se perfeccionó, con la aparición de representaciones incisas y en bajorrelieve de los difuntos. Durante el siglo XIII, las efigies comenzaron a evolucionar, pasando de simples figuras incisas a formas tridimensionales que sobresalían de sus losas de piedra. Las figuras militares empezaron a aparecer en el arte monumental, y se popularizó la moda de representar efigies con armadura y piernas cruzadas, una elección estilística que demostraba la habilidad escultórica más que la participación en las Cruzadas , contrariamente a la creencia popular.

A mediados del siglo XIII comenzaron a aparecer placas monumentales de bronce , que presentaban placas de metal grabadas (en realidad latón, una aleación de cobre, zinc y estaño) incrustadas en losas de piedra. Los talleres ingleses inicialmente incorporaron pequeños elementos de bronce en losas grabadas tradicionales, pero a principios del siglo XIV ya se realizaban figuras enteras en bronce. Los mejores ejemplos solían estar incrustados en losas de piedra caliza pulida y representaban importantes logros artísticos.

El alabastro se popularizó cada vez más en la construcción de monumentos, sobre todo después de 1370. Esta piedra blanda permitía tallar con gran detalle cuando se extraía fresca y resultaba atractiva para los mecenas medievales por su translucidez. Los talleres, ubicados principalmente en la región central de Inglaterra , cerca de las canteras de alabastro, producían no solo monumentos, sino también diversos objetos religiosos. El uso del alabastro disminuyó significativamente en el siglo XVII debido al impacto de la Reforma en la demanda de imágenes religiosas y al agotamiento de los yacimientos de piedra de alta calidad.

Durante el siglo XV, se desarrolló una forma distintiva de monumento que representaba al difunto como un cadáver demacrado o en descomposición envuelto en una mortaja, o como un esqueleto. Estas efigies cadavéricas, conocidas como tumbas de tránsito (del latín transire, que significa «cruzar», y del francés antiguo transir, que significa «pasar»), generalmente mostraban el cadáver en las primeras etapas de descomposición, con la mortaja abierta para dejar el cuerpo al descubierto. Existen ejemplos tanto en bronce como en monumentos escultóricos. Una variante más elaborada, denominada monumentos de «doble piso», mostraba al difunto con efigies convencionales y cadavéricas , típicamente con la representación del difunto vivo sobre un sarcófago y la figura en descomposición debajo. Un magnífico ejemplo en alabastro, la única efigie cadavérica existente en este material en Inglaterra, se puede encontrar en Ewelme, Oxfordshire. Estos monumentos memento mori cayeron en desuso después de la Reforma, aunque continuaron apareciendo ocasionalmente hasta el siglo XVII, particularmente entre familias católicas disidentes.

Los monumentos medievales se decoraban originalmente con profusa pintura y dorado para realzar su impacto visual, aunque la mayor parte de la decoración superficial ha desaparecido con el tiempo. Entre los materiales alternativos se encontraban la piedra caliza, la arenisca y la madera (sobre todo el roble), con un uso extensivo del color para dar vida a las efigies. Los pies solían estar sostenidos por animales estilizados, generalmente leones para las figuras masculinas y perros pequeños para las femeninas, aunque también aparecían bestias heráldicas del escudo de armas de la familia del difunto.

Las influencias artísticas del Renacimiento , originarias de Italia durante el siglo XV, llegaron a Inglaterra a principios del siglo XVI gracias a artesanos itinerantes. En la década de 1510, el escultor italiano Pietro Torrigiani recibió el encargo de crear monumentos para Enrique VII y su madre, Lady Margaret Beaufort, en la Abadía de Westminster , introduciendo así elementos renacentistas en el arte monumental inglés. Sin embargo, esta adopción inicial fue tentativa y no transformó de inmediato el diseño de monumentos en todo el país.

La primera aplicación generalizada de las formas renacentistas tuvo lugar alrededor de 1520, cuando Henry Marney contrató a artesanos extranjeros en Layer Marney, Essex, para decorar tanto su casa como el monumento de la iglesia cercana con detalles renacentistas de terracota . Esto formaba parte de un pequeño grupo de monumentos de terracota en Anglia Oriental que representaban los primeros experimentos con el nuevo estilo.

La adopción generalizada de la decoración renacentista comenzó en la década de 1530, aunque la estructura básica de los monumentos se mantuvo prácticamente inalterada respecto a sus predecesores góticos . Elementos ornamentales renacentistas como candelabros, guirnaldas, pilastras, columnas torcidas y medallones se hicieron cada vez más comunes. Estas innovaciones decorativas enriquecen las formas tradicionales de los monumentos, con detalles renacentistas aplicados a sarcófagos y efigies convencionales.

La ruptura de Enrique VIII con Roma, formalizada en el Acta de Supremacía de 1534, tuvo un impacto significativo tanto en el diseño de monumentos como en la decoración de iglesias. La abolición de las capellanías mediante leyes del Parlamento —la Ley de Disolución de Colegios de 1545 y la Ley de Disolución de Colegios de 1547— , junto con la eliminación de la Doctrina de la Intercesión, provocó la desaparición de las imágenes de santos de los nuevos monumentos. La hostilidad religiosa llevó a la eliminación o el deterioro de las imágenes religiosas existentes, especialmente durante el reinado de Eduardo VI . El encalado de las paredes de las iglesias, previamente cubiertas de pinturas religiosas, creó espacio adicional para monumentos murales, popularizando así esta forma de conmemoración.

La Reforma también provocó la partida de escultores italianos de la corte inglesa, llevándose consigo técnicas avanzadas como la fundición de bronce, que no regresarían a Inglaterra hasta el segundo cuarto del siglo XVII. La producción de bronce monumental, que ya había comenzado a declinar durante el siglo XV y se estancó a principios del siglo XVI, se vio aún más afectada durante la Reforma, ya que se destruyeron muchos bronces existentes, especialmente en iglesias monásticas. Es probable que esta destrucción desalentara tanto a mecenas como a artesanos a producir nuevos bronces. Hacia 1550 se observó una mejora en el diseño, pero el metal utilizado era de mucha menor calidad debido al establecimiento de fundiciones inglesas que producían láminas más delgadas y baratas que solo permitían grabados superficiales.

Hacia la década de 1550, el diseño de monumentos comenzó a diversificarse significativamente, alejándose de las tradiciones góticas e incorporando de forma más extensa elementos de la arquitectura clásica y el Renacimiento. Si bien los monumentos conservaron formas tradicionales como sarcófagos con efigies yacentes, cada vez presentaban más columnas corintias , entablamentos con frisos renacentistas y motivos decorativos clásicos. Este período fue testigo de una considerable experimentación con nuevas composiciones, a medida que los diseñadores exploraban diferentes enfoques de la arquitectura conmemorativa.

La segunda mitad del siglo XVI fue testigo de la llegada de nuevos estilos y técnicas artísticas procedentes del norte de Europa, especialmente de los Países Bajos. Artesanos que huían de la inestabilidad religiosa y política, sobre todo durante el brote iconoclasta neerlandés de 1566-67 y las Guerras de Religión francesas , trajeron consigo innovaciones decorativas distintivas a Inglaterra. Figuras notables como Garret Johnson, Isaac James y Maximilian Colt establecieron talleres y formaron aprendices ingleses, creando lo que se conoció como la Escuela de Southwark debido a su concentración al sur del Támesis, donde a los artesanos extranjeros se les permitía trabajar fuera de los restrictivos límites de la City de Londres.

Estos artesanos continentales introdujeron varios elementos decorativos característicos que se convirtieron en sellos distintivos de los monumentos de finales del período Tudor y principios del Estuardo. El trabajo de correas , que se asemeja a correas de cuero entrelazadas ornamentales o a la celosía, se popularizó para rodear escudos heráldicos y decorar diversas superficies de los monumentos. El trabajo de cintas, que representa formas onduladas y arrugadas, añadía movimiento y textura a los diseños. Los obeliscos , que cumplían funciones tanto decorativas como simbólicas al representar la eternidad, se incorporaron a las cimas de los doseles y a las esquinas de los monumentos.

La Escuela de Southwark revolucionó la producción de monumentos ingleses al incorporar piedras y mármoles de colores en sus diseños, combinándolos con un uso extensivo de pintura y dorado para crear memoriales visualmente impactantes que sin duda atrajeron a mecenas adinerados. Los materiales principales incluían alabastro inglés junto con mármol touch (mármol negro) y rance (mármol rojo) importados de fuentes continentales. Este estilo colorido y altamente decorativo fue ampliamente imitado por talleres provinciales de toda Inglaterra.

Sin embargo, durante el último tercio del siglo XVI, la calidad de los monumentos disminuyó en general, sobre todo en la producción de los talleres provinciales. Este deterioro quedó ejemplificado en talleres como el de Richard y Gabriel Royley en Burton upon Trent , cuya producción experimentó un marcado declive entre 1540 y 1590. Los elementos decorativos renacentistas a menudo se malinterpretaban o simplificaban, y las efigies se estilizaban cada vez más. Este declive reflejaba el aislamiento cultural de la Inglaterra protestante respecto a los centros europeos católicos de innovación artística, lo que redujo la afluencia de nuevas ideas y técnicas que podrían haber revitalizado las tradiciones locales.

A principios del siglo XVII, la última generación de escultores refugiados, entre los que destaca Maximilian Colt, llegó a Inglaterra y rápidamente obtuvo el mecenazgo real. En 1605, Colt consiguió prestigiosos encargos, como los monumentos a Isabel I y a las hijas pequeñas de Jacobo I en la Abadía de Westminster. Su obra más innovadora fue el monumento a Robert Cecil , conde de Salisbury, en Hatfield , con un diseño sencillo en mármol blanco y negro que contrastaba notablemente con los elaborados y coloridos monumentos típicos de los talleres de Southwark. Sin embargo, este enfoque sobrio no alcanzó gran popularidad, y Colt volvió a las formas más tradicionales en sus obras posteriores.

Durante las dos primeras décadas del siglo, los aprendices de los talleres de Southwark establecieron sus propios estudios, desarrollando nuevas tendencias a la vez que se basaban en las formas tradicionales de Southwark. Entre los más exitosos se encontraba Epiphanius Evesham, cuya obra se liberó de la formalidad convencional para dotar a la escultura de una notable profundidad emocional. Sus monumentos se apartaron de las típicas poses rígidas, mostrando figuras en actitudes más naturalistas e incorporando escenas conmovedoras, como familiares en duelo y encantadores relieves de niños.

Quizás el más grande escultor inglés de principios del siglo XVII fue Nicholas Stone , quien se formó con Isaac James y trabajó con Hendrick de Keyser en Ámsterdam antes de establecer un taller en Westminster en 1613. La obra de Stone produjo diseños tanto tradicionales como innovadores, alcanzando un rápido éxito y reconocimiento. Algunas de sus obras supusieron una ruptura significativa con los monumentos anteriores, tanto en materiales como en enfoque de diseño. Sus efigies se volvieron mucho más relajadas y naturalistas, presentando a menudo retratos fieles a la realidad en lugar de genéricos. Su monumento a Elizabeth, Lady Carey en Stowe-Nine-Churches , con su magnífica atención al detalle, ejemplifica la gran belleza y el encanto de su obra y ha sido aclamado como una de las mayores obras de su época, considerada por algunos como la obra maestra de Stone.

Durante la década de 1620, los monumentos de resurrección ganaron popularidad, representando a los difuntos envueltos en sudarios, pero resucitando de sus tumbas en el Día del Juicio Final en lugar de mostrar su descomposición. Estos monumentos mostraban figuras reclinadas o de pie, envueltas en sudarios, a menudo acompañadas de ángeles que tocaban trompetas u otros símbolos de resurrección. El monumento de Stone a John Donne en la Catedral de San Pablo contribuyó a consolidar esta moda, mostrando al poeta envuelto en un sudario de pie sobre una urna que representa la tumba de la que resucita.

La nueva generación de escultores introdujo importantes cambios materiales y estilísticos. El mármol importado comenzó a sustituir al alabastro como material predilecto, en parte debido al agotamiento de los yacimientos ingleses de alabastro de alta calidad. Las efigies se volvieron más relajadas e individualizadas, presentando a menudo retratos auténticos en lugar de representaciones genéricas. El diseño de monumentos recibió una creciente influencia de las portadas grabadas y los tratados continentales, mientras que la escultura romana antigua comenzó a influir en la obra inglesa a través de las publicaciones y las actividades de coleccionismo de la corte. Íñigo Jones , como arquitecto de la corte, diseñó monumentos y, a su vez, influyó en otros diseñadores, en particular en Nicholas Stone.

Los monumentos se volvieron cada vez más personales, expresando los intereses del difunto y, en ocasiones, ilustrando sus actividades profesionales mediante viñetas biográficas. El uso de cortinas de piedra tallada se puso de moda, influenciado por los elaborados coches fúnebres y catafalcos, que generalmente se mostraban atados a columnas laterales. Las figuras alegóricas , en particular las representaciones de las Virtudes clásicas , se convirtieron en elementos importantes del diseño de monumentos, ya sea de forma independiente o integradas en composiciones más grandes. La pintura se utilizó con más moderación que en épocas anteriores, limitándose generalmente al dorado de ciertos detalles y al color de los elementos heráldicos.

La Guerra Civil redujo significativamente la producción de monumentos a aproximadamente la mitad de la de la década anterior, un nivel que se mantuvo durante el período de la Commonwealth , aunque los diseños tendieron a un mayor conservadurismo. Tras la Restauración en 1660, florecieron nuevos diseños con la introducción del estilo barroco, volviéndose más exuberantes y teatrales. Esta inventiva continuó a finales del siglo XVII y principios del XVIII. Las efigies se volvieron cada vez más animadas y dramáticas, mientras que la decoración incorporó motivos naturales como frutas y flores, influenciada en parte por las tallas de tilo de Grinling Gibbons . El tradicional sarcófago con efigies yacentes prácticamente desapareció durante este período y no volvería a ponerse de moda hasta el siglo XIX.

A lo largo del siglo XVIII, los monumentos se diversificaron cada vez más y recibieron una fuerte influencia de las antigüedades clásicas importadas de Italia. La moda de los bustos retratos, que había surgido a principios del siglo XVII, cobró gran impulso gracias a una nueva generación de escultores liderada por John Michael Rysbrack , Louis-François Roubiliac y, posteriormente, Joseph Nollekens . Estos bustos solían imitar el estilo de los monumentos funerarios romanos, y las imágenes de personajes ilustres romanos se convirtieron en decoraciones populares para los interiores de las casas de campo, especialmente las bibliotecas, donde a menudo se realizaban con materiales económicos como el yeso.

Esta influencia clásica se extendió a monumentos completos, donde destacadas figuras inglesas fueron representadas como ciudadanos romanos o comandantes militares. Existía la creencia generalizada de que Inglaterra, con su monarca cuyos poderes estaban limitados por el Parlamento, guardaba paralelismo con el período republicano de la antigua Roma. Las figuras con vestimenta romana se convirtieron en un elemento común de los monumentos del siglo XVIII, reflejando esta identificación cultural con la antigüedad clásica.

Los monumentos georgianos adoptaron diversas formas, pero generalmente se pueden agrupar en varias categorías: diseños murales, monumentos de pie colocados contra las paredes y, con menos frecuencia, monumentos completamente exentos sobre sarcófagos o pedestales. Si bien se siguieron produciendo monumentos que representaban únicamente al difunto, se puso de moda incluir múltiples figuras dispuestas en grandiosas composiciones teatrales. Estas elaboradas escenas a menudo se inspiraban en tradiciones familiares o narrativas simbólicas, creando algunos de los conjuntos conmemorativos más dramáticos del arte inglés.

Muchos diseños incorporaban una pirámide-obelisco como telón de fondo, otorgando a los monumentos siluetas distintivas. La forma piramidal, originaria del antiguo Egipto y familiar para el público culto gracias a las ilustraciones de los libros del Renacimiento, se había utilizado ampliamente en Italia antes de extenderse a Francia y aparecer en Inglaterra a principios del siglo XVIII. En el uso inglés, las pirámides solían tener cimas cónicas que recordaban a los obeliscos, combinando dos símbolos de eternidad que se habían incorporado al vocabulario monumental en diferentes épocas. Estos fondos piramidales podían utilizarse en entornos arquitectónicos, pero se empleaban con mayor frecuencia de forma independiente, elevándose tras figuras de pie o reclinadas sobre sarcófagos o cofres funerarios.

A mediados del siglo XVIII, el estilo rococó llegó desde Francia, caracterizado por una teatralidad desenfadada basada en una asimetría equilibrada y formas naturales. Esta influencia afectó particularmente la obra de Roubiliac y Henry Cheere , introduciendo elementos más lúdicos y dinámicos en el diseño de monumentos.

Las figuras alegóricas se hicieron cada vez más populares a medida que avanzaba el siglo, utilizándose tanto de forma independiente como junto a estatuas de los difuntos para simbolizar virtudes tradicionales o la profesión de la persona conmemorada. En ocasiones, una sola figura podía representar tanto a un miembro de la familia como un concepto alegórico, añadiendo así múltiples capas de significado a la interpretación del monumento.

Los querubines , utilizados anteriormente como elementos decorativos generales, adquirieron un papel más central en las composiciones del siglo XVIII. Podían adornar urnas, atar cintas que unían medallones con retratos o participar activamente en narraciones simbólicas. Los ángeles, a menudo representados como figuras femeninas, también se popularizaron hacia finales de siglo, apareciendo frecuentemente en escenas que representaban el triunfo de la vida sobre la muerte.

La forma de pirámide-obelisco demostró ser particularmente duradera en el diseño de monumentos, continuando hasta bien entrado el siglo XIX y convirtiéndose en uno de los elementos más perdurables del arte conmemorativo georgiano.

El neoclasicismo alcanzó su máxima influencia en Inglaterra a finales del siglo XVIII y se mantuvo con fuerza durante el siglo XIX. Entre los escultores neoclásicos más destacados de la época se encuentran Thomas Banks , Joseph Nollekens y John Bacon el Viejo , seguidos por John Flaxman a finales de siglo. El nuevo siglo trajo consigo a la última generación de neoclasicistas, entre los que se incluyen John Bacon el Joven , Sir Francis Chantrey , E.H. Baily y John Gibson .

Un diseño popular de principios del siglo XIX fue la estela, inspirada en las antiguas lápidas conmemorativas griegas, caracterizadas por una altura mayor que su anchura y rematadas con frontones poco profundos. Estos monumentos solían presentar figuras en relieve con vestimenta griega bajo inscripciones, con temas comunes como figuras sentadas o de pie junto a urnas y ángeles guiando al difunto al cielo. El mármol blanco se convirtió en el material estándar, con un uso mínimo de color, lo que representó una marcada ruptura con las tradiciones policromadas de siglos anteriores.

Las efigies victorianas adoptaron una amplia gama de posturas, incluyendo muchas que habían estado pasadas de moda durante más de un siglo. En lugar de representar la muerte, las figuras yacentes se mostraban durmiendo o despiertas, mientras que las efigies reclinadas a menudo se representaban leyendo. Este período también vio el auge de los monumentos infantiles, reflejo de la visión romántica de los niños como encarnación de la pureza y la inocencia. Esta moda fue iniciada notablemente en 1793 por Thomas Banks con su escultura de Penelope Boothby, de cinco años, en Ashbourne , y dichos monumentos continuaron hasta bien entrado el siglo XIX.

Si bien muchos monumentos seguían formas populares, en ocasiones se empleaban diseños únicos, lo que demuestra la experimentación creativa que caracterizó la época. El obelisco-pirámide, antes omnipresente en el diseño georgiano, se volvió cada vez más raro durante el inicio del período victoriano.

El neogótico surgió como un importante rival del neoclasicismo a mediados del siglo XVIII. En su fase inicial, se inspiró en una visión romántica, más que académica, de la Edad Media, lo que dio lugar a interpretaciones fantasiosas, a veces denominadas «góticas» para distinguirlas de la precisión académica posterior. La sustitución gradual de las formas neoclásicas por el neogótico estuvo influenciada por una creciente tolerancia hacia el catolicismo romano, que culminó con la Ley de Emancipación Católica de 1829. Esta ley impulsó la construcción de nuevas iglesias para mecenas católicos e inspiró a arquitectos como AWN Pugin , él mismo un católico ferviente.

El Movimiento de Oxford, que abogaba por el culto anglocatólico dentro de la Iglesia de Inglaterra, generó un considerable interés tanto en la liturgia como en la arquitectura eclesiástica. Jóvenes arquitectos promovieron con entusiasmo el estudio y la aplicación de los principios arquitectónicos medievales, lo que no solo condujo a la construcción de edificios de estilo gótico y a la «restauración» de iglesias según las formas consideradas puramente medievales, sino que también influyó en el diseño de monumentos.

La efigie yacente volvió a ponerse de moda con fuerza, a veces acompañada de elaborados doseles que se extendían hasta los tejados de las iglesias. Se recuperó la representación de estilo medieval, con figuras recostadas de espaldas con las manos en oración, a veces con ángeles que sostenían almohadas, siguiendo la tradición medieval. Sin embargo, si bien se hicieron esfuerzos concertados para recrear con precisión los monumentos medievales, la vestimenta generalmente seguía la moda victoriana contemporánea. La decoración se volvió generalmente más austera, incorporando a veces cruces o Biblias, y los ángeles comenzaron a desempeñar un papel mucho más destacado en los diseños.

El neogótico en la escultura funeraria se vio, en cierta medida, condicionado por el clasicismo académico, que siguió siendo el estilo oficial de la Real Academia durante todo el siglo XIX. La Academia mantenía una estricta distinción entre la escultura artística expuesta allí y la obra de los canteros-escultores, subordinados a los arquitectos. Escultores académicos como G. F. Watts y Hamo Thornycroft trabajaban en mármol y bronce, mientras que sus colegas solían ser empleados por empresas como Farmer & Brindley , que ofrecían servicios integrales de diseño y supervisaban la producción de monumentos.

Las monumentales placas de bronce figurativas, prácticamente desconocidas desde el siglo XVII, volvieron a ponerse de moda durante la época victoriana gracias al estudio de fuentes medievales. Estas placas utilizaban doseles góticos, pero generalmente representaban al difunto con vestimenta contemporánea. Al igual que sus predecesoras medievales, las placas de bronce se colocaban en losas de suelo o sobre sarcófagos. También se produjeron numerosas placas de bronce no figurativas, que solían incorporar diseños góticos o estar enmarcadas en piedra gótica con inscripciones en letra gótica.

El neogótico entró en decadencia durante las dos últimas décadas del siglo XIX. En la década de 1870 surgió el movimiento de la Nueva Escultura , que promovió un mayor realismo, temas exóticos y simbolismo bajo la influencia francesa. Este periodo fue testigo de un resurgimiento de las técnicas de fundición de bronce a la cera perdida, lo que mejoró significativamente la calidad de las obras. El estilo Art Nouveau continental y el movimiento simbolista comenzaron a influir en el diseño de monumentos durante las últimas décadas de los principales monumentos religiosos antes de la Primera Guerra Mundial.

Artistas como Sir George Frampton y Sir Alfred Gilbert introdujeron ideas novedosas y nuevos materiales, dando lugar a diseños más sutiles y estéticamente cuidados. A pesar de las nuevas tendencias artísticas, muchas personas optan ahora por conmemorar a sus seres queridos mediante sencillas placas conmemorativas o, más comúnmente, vidrieras y elementos decorativos en las iglesias, en lugar de elaborados monumentos escultóricos.

Los años comprendidos entre finales de la época victoriana y 1914 representaron el ocaso de los grandes monumentos religiosos. La Primera Guerra Mundial marcó un cambio decisivo: la popularidad de los monumentos funerarios individuales, tallados y fundidos, se vio eclipsada por la demanda de monumentos conmemorativos colectivos al aire libre. La desaparición de las familias de la aristocracia terrateniente también puso fin a casi todos los encargos de grandes monumentos en las iglesias parroquiales, y las personas de la posguerra fueron conmemoradas con mayor frecuencia mediante vidrieras en lugar de esculturas.