Animación tradicional

La producción de animación suele comenzar después de que una historia se convierte en un guion cinematográfico, a partir del cual se crea un storyboard . Un storyboard tiene una apariencia similar a las viñetas de un cómic y es un desglose plano a plano de la puesta en escena, la actuación y los movimientos de cámara que aparecerán en la película. Las imágenes permiten al equipo de animación planificar el desarrollo de la trama y la composición visual. Los artistas de storyboard se reúnen periódicamente con el director y pueden redibujar o "rehacer" una secuencia varias veces antes de su aprobación final.

Antes de que comience la animación, se graba una banda sonora preliminar o pista de referencia para que la animación pueda sincronizarse con mayor precisión . Dado el ritmo lento de la producción de la animación tradicional, casi siempre es más fácil sincronizar la animación con una banda sonora preexistente que sincronizar una banda sonora con una animación preexistente. Una banda sonora de dibujos animados completa incluye música , efectos de sonido y diálogos interpretados por actores de voz . La pista de referencia utilizada durante la animación generalmente contiene solo las voces, las canciones que los personajes deben cantar y pistas de música provisionales; la música final y los efectos de sonido se añaden durante la posproducción .

En el caso de la animación japonesa y la mayoría de los dibujos animados sonoros anteriores a 1930, el sonido se sincronizaba posteriormente ; la banda sonora se grababa una vez finalizados los elementos de la película, viendo la película e interpretando los diálogos, la música y los efectos de sonido necesarios. Algunos estudios, en particular Fleischer Studios , continuaron sincronizando sus dibujos animados durante la mayor parte de la década de 1930, lo que permitió la presencia de las "improvisaciones murmuradas" presentes en muchos dibujos animados de Popeye el Marino y Betty Boop . ^{[ 1 ]}

Cuando los storyboards se envían a los departamentos de diseño, los diseñadores de personajes preparan hojas de modelos para todos los personajes y objetos que aparecen en la película; estas se utilizan para estandarizar la apariencia, las poses y los gestos. Las hojas de modelos suelen incluir vistas en 3D que muestran cómo se ve un personaje u objeto en tres dimensiones, junto con poses y expresiones especiales estandarizadas para que los artistas tengan una guía de referencia. Se pueden producir pequeñas estatuas, conocidas como maquetas, para que un animador pueda ver cómo se ve un personaje en tres dimensiones. Los estilistas de fondos realizan un trabajo similar para cualquier escenario y lugar presente en el storyboard, y los directores de arte y los estilistas de color determinan el estilo artístico y las combinaciones de colores que se utilizarán.

Un director de sincronización (que en muchos casos será el director principal) tomará el animatic y analizará exactamente qué poses, dibujos y movimientos de labios se necesitarán en cada fotograma. Se crea una hoja de exposición (o hoja X ); esta es una tabla impresa que desglosa la acción, el diálogo y el sonido fotograma a fotograma como guía para los animadores. Si una película se basa más en la música, se puede preparar una hoja de compases además de, o en lugar de, una hoja X. ^{[ 2 ]} Las hojas de compases muestran la relación entre la acción en pantalla, el diálogo y la notación musical real utilizada en la partitura.

El diseño comienza una vez que los bocetos están terminados y aprobados por el director. En esta etapa, los artistas de diseño de fondos determinan los ángulos y trayectorias de la cámara, así como la iluminación y el sombreado de la escena. Los artistas de diseño de personajes determinarán las poses principales de los personajes y realizarán un dibujo para cada una. En el caso de los cortometrajes, el diseño de personajes suele ser responsabilidad del director. A continuación, se combinan los bocetos y los storyboards, junto con el audio, para crear un animatic (que no debe confundirse con su predecesor, el reel de Leica ).

Mientras se realiza la animación, los artistas de fondos pintan los escenarios donde se desarrollará la acción de cada secuencia animada. Estos fondos suelen pintarse con gouache o pintura acrílica , aunque algunas producciones animadas han utilizado acuarela o pintura al óleo . Los artistas de fondos siguen muy de cerca el trabajo de los diseñadores de fondos y los coloristas (que generalmente se recopila en un cuaderno de trabajo para su uso) para que los fondos resultantes armonicen con el diseño de los personajes.

Por lo general, un animatic o story reel se crea después de grabar la banda sonora y antes de que comience la animación completa. El término "animatic" fue acuñado originalmente por Walt Disney Animation Studios . Un animatic suele consistir en imágenes del storyboard sincronizadas y editadas junto con la banda sonora. Esto permite a los animadores y directores resolver cualquier problema de guion y sincronización que pueda existir en el storyboard actual. El storyboard y la banda sonora se modifican si es necesario, y se puede crear un nuevo animatic que se revisa con el director hasta que el storyboard cumpla con los requisitos del usuario. Editar la película en la etapa del animatic evita la animación de escenas que se eliminarían de la película. Se evita crear escenas que eventualmente se eliminarán de la caricatura final.

En el proceso de animación tradicional, los animadores comienzan dibujando secuencias de animación en hojas de papel transparente perforadas para encajar en las barras de sujeción de sus escritorios, a menudo usando lápices de colores , una imagen o "fotograma" a la vez. ^{[ 3 ]} Una barra de sujeción es una herramienta de animación que se usa en la animación tradicional para mantener los dibujos en su lugar. Un animador clave o animador principal dibuja los fotogramas clave o dibujos clave de una escena, usando los diseños de los personajes como guía. El animador clave dibuja suficientes fotogramas para transmitir las poses principales dentro de la actuación de un personaje.

Mientras se trabaja en una escena, un animador principal suele preparar una prueba a lápiz de la misma. Una prueba a lápiz es una versión mucho más básica de la escena animada final (a menudo sin muchos detalles de los personajes ni color); los dibujos a lápiz se fotografían o escanean rápidamente y se sincronizan con las bandas sonoras necesarias. Las pruebas a lápiz se filmaban originalmente en película con cámaras de animación , por lo que los animadores tenían que esperar a que la película estuviera revelada para poder ver los resultados. Pero a finales de los 70, la industria cambió a un sistema de vídeo que almacenaba los dibujos en cinta analógica, lo que permitía ver las pruebas inmediatamente. Al principio se usaba cinta de carrete a carrete, pero pronto fue reemplazada por U-matic y VHS . A principios de los 90, las pruebas de animación se almacenaban digitalmente y, finalmente, como archivos. ^{[ 4 ]} Estas pruebas permiten revisar y mejorar la animación antes de pasar el trabajo a sus animadores asistentes , quienes añadirán detalles y algunos de los fotogramas que falten en la escena. El trabajo de los animadores asistentes se revisa, se prueba a lápiz y se corrige hasta que el animador principal esté listo para reunirse con el director y realizar una revisión exhaustiva de su escena .

Una vez aprobada la animación principal, el animador principal la envía al departamento de limpieza , compuesto por los animadores de limpieza y los intercaladores . Los animadores de limpieza toman los dibujos del animador principal y asistente y los calcan en una nueva hoja de papel, asegurándose de incluir todos los detalles presentes en las hojas de modelos originales, para que la película mantenga una cohesión y consistencia en el estilo artístico. Los intercaladores dibujan los fotogramas que aún faltan entre los dibujos de los demás animadores. Este procedimiento se llama interpolación . Los dibujos resultantes se vuelven a probar a lápiz y se revisan minuciosamente hasta que se aprueban.

En cada etapa durante la animación a lápiz, el arte aprobado se inserta en el carrete de Leica. ^{[ 5 ]}

Este proceso es el mismo tanto para la animación de personajes como para la animación de efectos especiales , que en la mayoría de las producciones de alto presupuesto se realizan en departamentos separados. A menudo, cada personaje principal tendrá un animador o un grupo de animadores dedicados exclusivamente a dibujar ese personaje. El grupo estará compuesto por un animador supervisor, un pequeño grupo de animadores clave y un grupo más grande de animadores asistentes. Los animadores de efectos animan todo lo que se mueve y no es un personaje, incluyendo utilería, vehículos, maquinaria y fenómenos como fuego , lluvia y explosiones . A veces, en lugar de dibujos, se utilizan varios procesos especiales para producir efectos especiales en películas animadas; la lluvia, por ejemplo, se ha creado en las películas animadas de Disney desde finales de la década de 1930 filmando imágenes de agua en cámara lenta frente a un fondo negro, con la película resultante superpuesta sobre la animación.

Una vez finalizados los bocetos y dibujos intermedios de una secuencia, se preparan para un proceso conocido como entintado y pintado. Cada dibujo se transfiere del papel a una lámina delgada y transparente de plástico llamada celuloide . (El nitrato de celulosa original, inflamable , fue reemplazado posteriormente por el acetato de celulosa, más estable ). El contorno del dibujo se entinta o fotocopia sobre el celuloide, y se utiliza gouache , acrílico o una pintura similar en el reverso para añadir colores en los tonos adecuados. La transparencia del celuloide permite que cada personaje u objeto de un fotograma se anime en diferentes celuloides, ya que el celuloide de un personaje se puede ver debajo del celuloide de otro; y el fondo opaco se verá debajo de todos los celuloides.

Disney sufrió un revés en su departamento de tinta y pintura debido a la Segunda Guerra Mundial . Cuando se reanudó la paz, gran parte del equipo original se desperdició al buscarse soluciones más económicas, lo que llevó al proceso de xerografía , del que fue pionero Ub Iwerks . ^{[ 6 ]}

Cuando se ha transferido una secuencia completa a las láminas, comienza el proceso de fotografía. Cada lámina involucrada en un fotograma de una secuencia se coloca una encima de la otra, con el fondo en la parte inferior de la pila. Se baja un trozo de vidrio sobre la obra de arte para aplanar cualquier irregularidad, y la imagen compuesta se fotografía en stop motion con una cámara de animación especial , también llamada cámara de rostrum . ^{[ 7 ]} Se retiran las láminas y el proceso se repite para el siguiente fotograma hasta que se haya fotografiado cada fotograma de la secuencia. Cada lámina tiene orificios de registro, pequeños orificios a lo largo del borde superior o inferior de la lámina, que permiten colocar la lámina en las barras de clavija correspondientes ^{[ 8 ]} frente a la cámara para asegurar que cada lámina se alinee con la anterior; si las láminas no están alineadas de esta manera, la animación, cuando se reproduce a velocidad normal, se verá "temblorosa". A veces, puede ser necesario fotografiar los fotogramas más de una vez para implementar superposiciones y otros efectos de cámara. Los paneos se crean moviendo las celdas o los fondos paso a paso a lo largo de una sucesión de fotogramas (la cámara no realiza un paneo; solo acerca y aleja la imagen).

Las hojas de animación son creadas por los animadores y utilizadas por el operador de cámara para transferir cada dibujo de animación al número de fotogramas de película especificado por los animadores, normalmente 1 (1s, unos) o 2 (2s, doses) y a veces 3 (3s, treses).

A medida que las escenas salen del rodaje final, se insertan en el animatic o en el carrete Leica, sustituyendo la animación a lápiz. Una vez filmadas todas las secuencias de la producción, la película final se envía a revelar y procesar, y se añaden la música y los efectos de sonido finales a la banda sonora.

El proceso actual, denominado "tinta y pintura digital", es el mismo que el de tinta y pintura tradicional hasta que se completan los dibujos de animación; ^{[ 9 ]} en lugar de transferirse a celdas, los dibujos de los animadores se escanean en una computadora o se dibujan directamente en un monitor de computadora mediante tabletas gráficas , donde se colorean y procesan utilizando uno o más paquetes de software. Los dibujos resultantes se componen en la computadora sobre sus respectivos fondos, que también se han escaneado en la computadora (si no se han pintado digitalmente), y la computadora genera la película final exportando un archivo de video digital, utilizando una grabadora de videocasetes o imprimiendo en película utilizando un dispositivo de salida de alta resolución. El uso de computadoras permite un intercambio más fácil de obras de arte entre departamentos, estudios e incluso países y continentes (para la mayoría de las producciones animadas estadounidenses de bajo presupuesto, la mayor parte de la animación la realizan animadores que trabajan en otros países , incluidos Corea del Sur , Taiwán , Japón , China , Singapur , México , India y Filipinas ). Gracias a la reducción de los costes generales derivados del entintado y la pintura de nuevos acetatos para programas de televisión animados mediante la subcontratación de animadores, así como a la mejora de los métodos de reutilización de acetatos antiguos (como el uso de acetatos archivados para programas de televisión animados más recientes), el coste de realizar la misma cantidad de trabajo digital también disminuyó. Finalmente, el proceso digital de entintado y pintura se convirtió en el estándar para películas y programas de televisión animados.

El proceso de animación con celdas fue inventado por Earl Hurd y John Bray en 1914. La celda representa una importante innovación para la animación tradicional, ya que permite repetir partes de cada fotograma, ahorrando así tiempo y esfuerzo. Un ejemplo sencillo sería una escena con dos personajes en pantalla: uno hablando y otro en silencio. Dado que este último personaje no se mueve, puede representarse en esta escena con un solo dibujo en una celda, mientras que para animar al personaje que habla se utilizan varios dibujos en diferentes celdas.

Para un ejemplo más complejo, consideremos una secuencia en la que una persona coloca un plato sobre una mesa. La mesa permanece inmóvil durante toda la secuencia, por lo que puede dibujarse como parte del fondo. El plato puede dibujarse junto con el personaje mientras este lo coloca sobre la mesa. Sin embargo, una vez que el plato está sobre la mesa, deja de moverse, aunque la persona continúa moviéndose al retirar el brazo. En este ejemplo, después de que la persona deja el plato, este puede dibujarse en una celda separada. Los siguientes fotogramas muestran nuevas celdas de la persona, pero no es necesario volver a dibujar el plato, ya que no se mueve; se puede usar la misma celda del plato en cada fotograma restante en el que aún esté sobre la mesa. Las pinturas para celdas se fabricaban en versiones sombreadas de cada color para compensar la capa adicional de celda añadida entre la imagen y la cámara; en este ejemplo, el plato inmóvil se pintaría ligeramente más brillante para compensar el hecho de haber sido movido una capa hacia abajo.

En la televisión y otras producciones de bajo presupuesto, los acetatos se reutilizaban con frecuencia (es decir, una secuencia de acetatos se repetía varias veces), e incluso se archivaban y reutilizaban en otros episodios. Una vez finalizada la película, los acetatos se desechaban o, sobre todo en los inicios de la animación, se limpiaban y se reutilizaban para la siguiente película. En algunos casos, algunos acetatos se guardaban en el archivo para ser utilizados repetidamente en el futuro y así ahorrar dinero. Algunos estudios conservaban una parte de los acetatos y los vendían en sus tiendas o los regalaban a los visitantes.

En producciones de bajo presupuesto, se utilizan ampliamente los atajos que ofrece la técnica de celdas. Por ejemplo, en una escena donde una persona está sentada en una silla hablando, la silla y el cuerpo de la persona pueden ser iguales en cada fotograma; solo se redibuja la cabeza, o incluso la cabeza permanece igual mientras solo se mueve la boca. Esto se conoce como animación limitada . ^{[ 25 ]} El proceso fue popularizado en los dibujos animados para cine por United Productions of America y utilizado en la mayoría de las animaciones para televisión , especialmente en las de Hanna-Barbera . El resultado final no parece muy realista, pero es económico de producir y, por lo tanto, permite realizar dibujos animados con presupuestos televisivos reducidos.

Los personajes en movimiento suelen filmarse "a dos fotogramas". Se muestra un dibujo por cada dos fotogramas de la película (que normalmente se reproduce a 24 fotogramas por segundo), lo que significa que solo hay 12 dibujos por segundo. ^{[ 26 ]} Aunque la frecuencia de actualización de la imagen es baja, la fluidez es satisfactoria para la mayoría de los sujetos. Sin embargo, cuando se requiere que un personaje realice un movimiento rápido, suele ser necesario volver a la animación "a uno", ya que "a dos fotogramas" es demasiado lento para transmitir el movimiento adecuadamente. Una combinación de ambas técnicas engaña a la vista sin costes de producción innecesarios.

El animador nominado al Premio de la Academia, Bill Plympton , es conocido por su estilo de animación que utiliza muy pocos fotogramas intermedios y secuencias que se realizan "en tres" o "en cuatro", manteniendo cada dibujo en la pantalla de 1/8 a 1/6 de segundo. ^{[ 27 ]} Si bien Plympton utiliza pausas de tres fotogramas casi constantes, a veces la animación que simplemente promedia ocho dibujos por segundo también se denomina "en tres" y generalmente se realiza para cumplir con las restricciones presupuestarias, junto con otras medidas de reducción de costos, como mantener el mismo dibujo de un personaje durante un tiempo prolongado o hacer un paneo sobre una imagen fija, ^{[ 28 ]} técnicas que se utilizan a menudo en producciones de televisión de bajo presupuesto. ^{[ 29 ]} También es común en el anime , donde la fluidez se sacrifica en favor de un cambio hacia la complejidad en los diseños y el sombreado (en contraste con los diseños más funcionales y optimizados en la tradición occidental); Incluso las producciones cinematográficas de alto presupuesto, como las de Studio Ghibli , emplean toda la gama: desde la animación fluida "a uno" en tomas seleccionadas (generalmente acentos de acción rápida) hasta la animación común "a tres" para diálogos regulares y tomas de ritmo lento.

La creación de bucles o ciclos de animación es una técnica que ahorra tiempo al animar movimientos repetitivos, como un personaje caminando o la brisa soplando entre los árboles. En el caso de caminar, se anima al personaje dando un paso con el pie derecho y luego otro con el izquierdo. El bucle se crea de forma que, al repetirse la secuencia, el movimiento sea fluido. Por lo general, se utilizan con moderación en producciones con presupuestos moderados o altos.

El cortometraje Walking, de Ryan Larkin, nominado al Premio de la Academia en 1969 y producido por la Junta Nacional de Cine de Canadá , hace un uso creativo de los bucles. Además, un video musical promocional de Groovies de Cartoon Network , que presenta la canción "Circles" de Soul Coughing , se burlaba de los bucles de animación, tal como se ven a menudo en Los Picapiedra , donde Pedro y Pablo (junto con varios personajes de Hanna-Barbera que se emitieron en Cartoon Network), supuestamente caminando por una casa, se preguntan por qué siguen pasando una y otra vez por la misma mesa y el mismo jarrón.

El proceso multiplano es una técnica que se utiliza principalmente para dar una sensación de profundidad o paralaje a las películas de animación bidimensionales. Para usar esta técnica en la animación tradicional, la obra de arte se pinta o se coloca sobre capas separadas llamadas planos. Estos planos, generalmente construidos con láminas de vidrio o plexiglás transparente, se alinean y se colocan con distancias específicas entre sí. ^{[ 30 ]} El orden en que se colocan los planos y la distancia entre ellos se determina según el elemento de la escena que se encuentra en el plano, así como la profundidad deseada de toda la escena. ^{[ 31 ]} Una cámara, montada encima o delante de los planos, mueve su enfoque hacia o lejos de los planos durante la captura de los fotogramas individuales de la animación. En algunos dispositivos, los planos individuales se pueden mover hacia o lejos de la cámara. Esto da al espectador la impresión de que se mueve a través de las diferentes capas de arte como si estuviera en un espacio tridimensional.

El dispositivo más famoso utilizado para la animación multiplano fue la cámara multiplano . Este dispositivo, diseñado originalmente por el ex animador / director de Walt Disney Studios, Ub Iwerks , es una grúa de cámara vertical de vista superior que filmaba escenas pintadas en múltiples planos de vidrio ajustables individualmente. ^{[ 30 ]} Los planos móviles permitían cambiar la profundidad dentro de cada escena animada. ^{[ 30 ]} Años más tarde, Disney Studios adoptaría esta tecnología para sus propios usos. Diseñada en 1937 por William Garity , la cámara multiplano utilizada para la película Blancanieves y los siete enanitos utilizaba ilustraciones pintadas en hasta siete planos móviles separados, así como una cámara vertical de vista superior. ^{[ 32 ]}

Aplicada a la animación por Ub Iwerks en el estudio Walt Disney a finales de la década de 1950, la técnica de copiado electrostático llamada xerografía permitió copiar los dibujos directamente sobre las láminas de acetato, eliminando gran parte del proceso de entintado. ^{[ 39 ]} Esto ahorró tiempo y dinero, y también hizo posible añadir más detalles y controlar el tamaño de los objetos y personajes fotocopiados. Al principio, el resultado era un aspecto más esquemático, pero la técnica se fue perfeccionando con el tiempo.

El animador e ingeniero de Disney, Bill Justice, patentó en 1944 un precursor del proceso Xerox, en el que los dibujos realizados con un lápiz especial se transferían a una lámina de acetato mediante presión, para luego fijarla. Se desconoce si este proceso se utilizó alguna vez en animación. ^{[ 40 ]}

El método xerográfico fue probado por primera vez por Disney en algunas escenas de La Bella Durmiente y se utilizó por primera vez de forma completa en el cortometraje Goliat II , mientras que el primer largometraje que empleó completamente este proceso fue 101 Dálmatas (1961). El estilo gráfico de esta película estuvo fuertemente influenciado por el proceso. En esta y en películas posteriores, todavía se utilizaba entintado manual junto con la xerografía cuando se necesitaban líneas de colores distintos. Más tarde, se dispuso de tóners de colores, y se pudieron utilizar varios colores de línea distintos, incluso simultáneamente. Por ejemplo, en Los Rescatadores , los contornos de los personajes son grises. Se utilizaron tóners blancos y azules para efectos especiales, como nieve y agua.

Inventado por Dave Spencer para la película de Disney de 1985, El Caldero Negro , el proceso APT (Animation Photo Transfer) era una técnica para transferir el arte de los animadores a las láminas de acetato. Básicamente, el proceso era una modificación de un proceso de reproducción fotográfica: el trabajo de los artistas se fotografiaba en una película litográfica de alto contraste, y la imagen del negativo resultante se transfería a una lámina de acetato cubierta con una capa de tinte fotosensible. La lámina se exponía a través del negativo. Posteriormente, se utilizaban productos químicos para eliminar la parte no expuesta. Los detalles pequeños y delicados se entintaban a mano si era necesario. Spencer recibió un Premio Óscar al Logro Técnico por el desarrollo de este proceso.

La rotoscopia es un método de animación tradicional inventado por Max Fleischer en 1915, en el que la animación se "calca" sobre metraje real de actores y escenarios. ^{[ 41 ]} Tradicionalmente, la acción real se imprime fotograma a fotograma y se registra. Luego se coloca otra hoja de papel sobre las impresiones de la acción real y la acción se calca fotograma a fotograma usando una mesa de luz. El resultado final todavía parece dibujado a mano, pero el movimiento será notablemente realista. Las películas Waking Life y American Pop son largometrajes rotoscópicos. La animación rotoscópica también aparece en los videos musicales de la canción " Take On Me " de A-ha y " Heartless " de Kanye West . En la mayoría de los casos, la rotoscopia se usa principalmente para ayudar a la animación de seres humanos representados de manera realista, como en Blancanieves y los siete enanitos , Peter Pan y La Bella Durmiente .

Posteriormente se inventó un método relacionado con la rotoscopia convencional para la animación de objetos sólidos inanimados, como coches, barcos o puertas. Se construía un pequeño modelo real del objeto deseado y se pintaba de blanco, mientras que los bordes del modelo se pintaban con finas líneas negras. A continuación, se filmaba el objeto según lo requerido para la escena animada, moviendo el modelo, la cámara o una combinación de ambos, en tiempo real o mediante animación stop-motion. Los fotogramas de la película se imprimían en papel, mostrando un modelo formado por las líneas negras pintadas. Después de que los artistas añadieran al objeto detalles que no estaban presentes en la fotografía real del modelo, este se fotocopiaba en acetatos. Un ejemplo notable es el coche de Cruella de Vil en la película de Disney " Ciento un dálmatas" . El proceso de transferencia de objetos 3D a acetatos mejoró notablemente en la década de 1980, cuando los gráficos por computadora avanzaron lo suficiente como para permitir la creación de objetos 3D generados por computadora que podían ser manipulados a voluntad por los animadores. Posteriormente, estos objetos se imprimían como contornos en papel antes de ser copiados a los acetatos mediante xerografía o el proceso APT. Esta técnica se utilizó en películas de Disney como Oliver y su pandilla (1988) y La Sirenita (1989). Este proceso ha sido prácticamente reemplazado por el uso del sombreado cel-shading.

Relacionados con la rotoscopia están los métodos de vectorización de imágenes de acción real, con el fin de lograr una apariencia muy gráfica, como en la película A Scanner Darkly de Richard Linklater .

De forma similar a los híbridos de animación por computadora y animación tradicional descritos anteriormente, ocasionalmente una producción combina imágenes reales y animadas. Las partes reales de estas producciones generalmente se filman primero, con los actores simulando interactuar con los personajes, accesorios o escenarios animados; la animación se agrega posteriormente para que parezca que siempre ha estado presente. Al igual que la rotoscopia, este método se usa raramente, pero cuando se usa, puede lograr un efecto magnífico, sumergiendo al público en un mundo de fantasía donde humanos y dibujos animados coexisten. Ejemplos tempranos incluyen los dibujos animados mudos de Out of the Inkwell (iniciados en 1919) de Max Fleischer y las Alice Comedies de Walt Disney (iniciados en 1923). La acción real y la animación se combinaron posteriormente en largometrajes como Song of the South (1946), The Incredible Mr. Limpet , Mary Poppins (ambas de 1964), Who Framed Roger Rabbit (1988), Cool World (1992), Space Jam (1996), Looney Tunes: Back in Action (2003), The SpongeBob SquarePants Movie (2004) y Enchanted (2007), entre muchos otros. Esta técnica también se ha utilizado ampliamente en anuncios de televisión, especialmente para cereales de desayuno dirigidos a niños con el fin de despertar su interés e impulsar las ventas.

Además de los personajes, objetos y fondos animados tradicionalmente, se utilizan muchas otras técnicas para crear elementos especiales como humo, relámpagos y "magia", y para darle a la animación, en general, una apariencia visual distintiva. Hoy en día, los efectos especiales se realizan principalmente con computadoras, pero antes se hacían a mano. Para producir estos efectos, los animadores utilizaban diferentes técnicas, como pincel seco , aerógrafo , carboncillo, lápiz graso , animación retroiluminada, pantallas difusoras, filtros o geles . Por ejemplo, el segmento de la Suite del Cascanueces en Fantasía tiene una secuencia de hadas donde se utilizan celdas punteadas , creando una apariencia suave de pastel.